Top 100 - Nabis
Nabis: 100 berühmte Gemälde, in denen Farbe zum Dekor wird
Sérusier, Bonnard, Vuillard, Maurice Denis, Vallotton, Ranson und ihre Lieben: Wenn das Malen das illusionistische Fenster verlässt, um Oberfläche, Rhythmus und bewohnten Raum zu werden.
Die Nabis erschienen Ende des 19. Jahrhunderts mit einer hellen Idee: Ein Gemälde braucht sich nicht als tiefes Fenster auszugeben, hier können Wand, Kleid und Tapete so viel Persönlichkeit wie eine Hauptfigur haben, was dekorative Familientreffen viel interessanter macht.
Flach, Innen und Propheten in Jacken
Hundert Gemälde, die die Oberfläche tiefer machten
Die Nabi-Gruppe bildet sich um junge Künstler, die von Gauguin, Pont-Aven, Synthetismus, japanischen Drucken und Symbolik geprägt sind Ihr Name stammt vom hebräischen Nabi, Prophet, der für Maler ehrgeizig ist, die oft sehr mit Tischdecken, Räumen, Gärten und dekorativen Tafeln beschäftigt sind Aber der Ehrgeiz ist real: Farbe freizugeben, Formen zu vereinfachen, die Oberfläche des Gemäldes zu behaupten und dem Dekor poetische Kraft zu verleihen.
Die Nabis malen kein Fenster zur Welt hin auf: Sie erinnern uns daran, dass das Gemälde in erster Linie eine mit Farben bedeckte Oberfläche ist Die Wand versteht sofort; Perspektive, etwas weniger.Wechseln Sie zu Bildern
Einteilung in Bilder
Sérusier, Gauguin, Vallotton, Bonnard, Vuillard und Denis eröffneten mit den Gemälden, die der Bewegung ihre nachhaltigsten Bilder verliehen.
#1
Der Talisman
Für "Le Talisman", gemalt 1888 in Pont-Aven unter der Leitung von Gauguin, verwandelt diese kleine Landschaft Bäume und Flüsse in flache Farbflächen; ihre bescheidene Größe verhindert in keiner Weise ihren Ehrgeiz als Manifest "Le Talisman" behandelt sie als Organisation farbiger Zeichen: Das beobachtete Motiv bleibt vorhanden, die Oberfläche bekräftigt jedoch ihre eigene Logik "Le Talisman", das Werk wird auf 1888 datiert; es wird am Musée d'Orsay gehalten 2 cm "Lee d'Orsay" 2 cm 2. Als kleiner Ausgangspunkt fungiert: Es kündigt ein Muster, eine Situation oder eine Präsenz an, die das Gemälde dann in ein visuelles Erlebnis verwandelt.
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#2
Vision nach der Predigt
Für "Vision nach der Predigt" sehen die Bretonen den Kampf Jakobs und des Engels jenseits eines roten Stammes, der die Szene schneidet; Gauguin trennt damit die kollektive Erfahrung von der gewöhnlichen Welt mit einer spektakulären Ökonomie der Mittel "Vision after the premon" gibt es feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Wirklichkeit wird zum Ausgangspunkt eines mentalen Bildes "Vision after the premon", das Werk wird auf 1888 datiert; es wird bei den National Galleries of Scotland aufbewahrt; es misst 72 x 98 cm nach der Predigt". Sein wahres Tempo In "Vision nach der Predigt" von Paul Gauguin behält das Sujet genügend Präsenz und Licht, um den Eindruck einer einfachen dekorativen Variante zu vermeiden.
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#3
Der Ballon
Die Vogelperspektive reduziert den Garten auf große helle und dunkle Bereiche, da ein Kind hinter seinem Ballon läuft; Vallotton macht eine fast abstrakte Komposition aus einem einfachen Moment; der Rhythmus führt den Blick ohne Steifheit "Le Ballon" schneidet Vallotton mit scharfen Silhouetten, scharfen Winkeln und einem psychologischen Abstand heraus, der die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt In "Le Ballon" ist das Werk auf 1899 datiert; es wird am Musée d'Orsay aufbewahrt; es misst 49,5 x 61,5 cm "Le Ballon" von Félix Vallon Vallon ist mit einer ausreichenden Kraft auf das Bluthochsen-Ballon-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-S-Szenter-Szenter" datiert. "Le Ballon" von Felix Vallotton, der Titel fungiert als kleiner Ausgangspunkt: Er kündigt ein Motiv, eine Situation oder eine Präsenz an, die das Gemälde dann in ein visuelles Erlebnis verwandelt.
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#4
Frauen im Garten: Frau mit dem Pilger
Bei "Frauen im Garten: Frau mit dem Pilger" sind die weiblichen Silhouetten in schmalen Tafeln verteilt, wo Kleider, Blattwerk und Wege die gleiche dekorative Bedeutung haben; der Garten wird zu einem Ganzen, das mit dem Auge bewohnt wird Bonnard verwandelt "Frauen im Garten: Frau mit dem Pilger" in Stoff aus Farben, Rahmen und Tagesdetails, wo das Auge oft die Figur nach dem Dekor entdeckt "Frauen im Garten: Frau mit dem Pilger", wird das Werk auf 1891 datiert; es wird bei der Musée d'Orsay (Paris) 160 x 48 cm gehalten "Frauen im Garten: Frau mit dem Pilgermann" 18 Austauschbares Muster, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In "Frauen im Garten: Frau mit dem Pilger" von Pierre Bonnard bringt die Figur eine andere Art der Präsenz: Haltung, Kostüm, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen konnte.
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#5
Im Bett
Bei "In Bed" heben das Bett, die Stoffe und das enge Gesicht fast die gesamte Tiefe auf; Vuillard verwandelt das Schlafzimmer in einen Umschlag von Mustern statt in ein Dekor, das hinter der Figur platziert istVuillard bringt Charaktere, Stoffe und Tapeten in "In Bed" zusammen, bis es das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht "In Beduard" von EEdouard Vuillard kommt weniger Kraft aus einem Brillanzstoß als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um die Szene leben zu lassenvon einem Atemgleichgewicht"
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#6
Die Musen
Maurice Denis installiert die Musen in zeitgenössischem Holz, wo Kleider, Stämme und Blattwerk einen Fries bilden; die Mythologie hat den Olymp verlassen, aber sie hat sich einen hervorragenden Rhythmusgefühl bewahrt; der Kontrast führt den Blick ohne Starrheit "Les Muses" konstruiert er als Bildgedanke ebenso wie gesehen: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Die Musen" ist auf 1893 datiert und bei der Musée d'Orsay aufbewahrt; sie misst 171 x 137,5 cm "Die Musen" von Maurice Denis lebender Kraft kommt weniger von einem Gleichgewicht als von Denis' a" Denis, das Gemälde vermeidet Anonymität, weil es ein erkennbares Thema trägt; Das Licht, die Rahmung und das Material verleihen ihm dann seine eigene Persönlichkeit.
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#7
Die Weißen und die Schwarzen
Für "Die Weißen und die Schwarzen" konstruieren die beiden Figuren, ihre Kleidung und der Hintergrund einen sozialen wie chromatischen Kontrast; Vallotton hält die Szene in einer kalten Spannung, die jede angenehme Lektüre verhindert "La Blanche et la Noire" schneidet sie mit scharfen Silhouetten, scharfen Winkeln und einem psychologischen Abstand aus, der die Szene in ein kleines soziales Rätsel umwandelt "La Blanche et la Noire" ist auf 1913 datiert; sie misst 114 x 147 cm; sie wird bei Villa et laotton gehalten "La 1" Oberfläche. in "La Blanche et la Noire" von Felix Vallotton transformiert der Blickwinkel das Motiv; auch ohne viel spektakuläre Wirkung verdient das Licht etwas Besseres als einen eiligen Schwebeflug.
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#8
Katholisches Mysterium
Für "Catholic Mystery" transponiert Maurice Denis eine sakrale Szene in eine Komposition aus einfachen Gesten und gedämpften Farben; Glaube beinhaltet das Organisieren der Oberfläche, bevor er einen Heiligenschein beansprucht "Catholic Mystery" konstruiert Maurice Denis als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Catholic Mystery" ist auf 1889 datiert und im Departementsmuseum Maurice-Denis aufbewahrt; es misst 97 x 143 cm "Catholic Mystery" ist auf 1889 datiert und im Departementsmuseum Maurice-Denis aufbewahrt; es misst 97 x 143 cm große Augenmaß" Für den kleinen Denis-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Myst-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mals-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Mes-Messer" Katholisch" von Maurice Denis, der Blickwinkel verwandelt das Motiv; Auch ohne große spektakuläre Wirkung verdient das Licht etwas Besseres als einen eiligen Schwebeflug.
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#9
Die weiße Katze
Bei "Die weiße Katze" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht Bonnard verwandelt "Die weiße Katze" in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und Alltagsdetails, wo das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt In "Die weiße Katze" wird das Werk auf 1894 datiert; es wird bei der Muséee d'Orsay (Paris) gehalten "Die weiße Katze" von Pierre Bonnard vermeidet auf der Skala des Bildes diese Singularität stark: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zählt auch die eifrige Skala von Pierre Bonnard".
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#10
Die Hexe mit der schwarzen Katze
Für "Die Hexe mit der schwarzen Katze" bringt die Rahmung den Betrachter unter Wahrung eines stillen Abstands näher an das Motiv heran, besonders sensibel in den beibehaltenen Gesten "Ranson mischt Arabeske, Vegetation und Symbol in" Die Hexe mit der schwarzen Katze"; die dekorative Natur behält immer ein Detail, das ihre Ruhe stören kann "Die Hexe mit der schwarzen Katze" wird heute auf das Jahr 1893 datiert und misst 90 x 72 cm. Für "Die Hexe mit der schwarzen Katze" von Paul bleibt die entscheidende Distanz in der schwarzen Erinnerung "und" Klare, saubere Atmosphäre und eine flexible Art der Augenleitung verleihen dem Gemälde seine Präsenz.
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#11
Das Gelbe Meer
Für "Das Gelbe Meer" reichen ein paar feste Linien, um den Ort zu etablieren, dann verbreitern die Farben diesen ersten Orientierungspunkt hin zu einer eher inneren Empfindung "Das Gelbe Meer" gibt vereinfachte Formen und einen fast skulptierten Rhythmus, als müsse die Farbe auch Erleichterung haben "Das Gelbe Meer" wird in der Sammlung des Brester Museums der Schönen Künste aufbewahrt und misst 60,7 x 81,5 cm "Das Gelbe Meer" von Georges Lacombe vermeidet auf der Skala des Bildes singulös die Lacom-Erschütterung, die zu viel Aufmerksamkeit auf sich zieht"
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#12
Lebenszeiten
Für "The Seasons of Life" gibt eine dominante Form zunächst den Rhythmus vor; die Figuren und Details erscheinen dann als Variationen und nicht als starre Hierarchie "The Seasons of Life" installiert zwischen echter Landschaft und geträumter Pastoral; die Figuren treten in die Natur ein, ohne sie zu bitten, vollkommen plausibel zu bleiben "Die Jahreszeiten des Lebens" wird auf das Jahr 1892 datiert; es wird bei der Musée d'Orsay gehalten "Die Jahreszeiten des Lebens" von Ker-Xavier Roussel kommt weniger von einem Ausbruch brillanter Augenstruktur zu leben"
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#13
Der gestreifte Kors
Für "The Striped Corse" behält die Szene ihre vertrauten Objekte bei, während sie einer flachen Reihenfolge unterworfen wird, bei der jedes Intervall aktiv wird "The Striped Corse" vereint Charaktere, Stoffe und Tapeten in "The Striped Corse", bis das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt wird Datiert 1895, "The Striped Corse" wird bei der National Gallery of Art aufbewahrt und misst 65,7 x 58,7 cm. Für "The Striped Corse" von einer gestreiften Struktur kommt die Kraft weniger von einem Atemzug aus"
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#14
April
Für "Avril" liest sich der Raum wie ein aktiver Wandteppich, bei dem die Muster das Auge führen, ohne ihm einen sehr bequemen Mittelgang zu verschaffen "Avril" konstruiert Maurice Denis als Bild, das sowohl gedacht als auch gesehen wird: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Avril" von Maurice Denis zählt auf der Skala des Bildes sehr viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu stark gedrückter Blicke "Für" Avril von Maurice Denis zählt diese Singularität viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit von Denis, dass der Name ein deutliches Bild ist".
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#15
Der gelbe Christus
Für "Der gelbe Christus" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht Gauguin gibt "Der gelbe Christus" feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Wirklichkeit wird zum Ausgangspunkt eines geistigen Bildes "Der gelbe Christus" ist auf 1889 datiert; sie misst 92 x 73 cm; sie wird an der Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, gehalten "Der gelbe Christus" von Paul Gauguin vermeidet auf der Skala des Bildes eilig auch dieses Bild, das eilige Bild zählt a
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#16
Avenue de Clichy, fünf Uhr abends
Für "Avenue de Clichy, fünf Uhr abends", verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verwalten braucht Anquetin umgibt Figuren und Lichter in "Avenue de Clichy, fünf Uhr abends" mit einer fast glasierten Frankheit; die moderne Stadt erhält damit eine sofort lesbare Struktur "Avenue de Clichy" wird heute am Wadsworth Atheneum aufbewahrt, "Avenue de Clichy, fünf Uhr abends" ist auf 188 xActen 8 datiert "Avenue 8" auf fünf Uhr 8 und abends auf 58 cm In "Avenue de Clichy, fünf Uhr abends" von Louis Anquetin kündigt der Titel eine Studie des Lichts an: Abend, Morgen, Mond oder Sonne werden hier zu echten Motiven, nicht zu einfachen Wetterlagen.
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#17
Der arme Fischer
Bei "Der arme Fischer" wird das Sujet durch aufeinanderfolgende flache Flächen konstruiert; jede Farbe bringt den Hintergrund näher an die Figur, statt brav in die Perspektive zu graben "Der arme Fischer" gibt "Der arme Fischer" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und eine reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall verschafft "Der arme Fischer" lässt sich nun im Musée d'Orsay, "Der arme Fischer" auf das Jahr 1881 datieren und misst dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde das wahre Tempo verleihen, von Puvis Kleine Anfangsnotiz: sie kündigt ein Muster, eine Situation oder eine Präsenz an, die das Gemälde dann in ein visuelles Erlebnis verwandelt.
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#18
Die Frau mit dem Regenschirm
Für "Die Frau mit dem Schirm" liest sich der Raum wie ein aktiver Wandteppich, bei dem die Muster das Auge führen, ohne ihm einen sehr bequemen Mittelgang zu verschaffen "Die Frau mit dem Schirm" sucht in "Die Frau mit dem Schirm" eine Stabilität von Masse und Kontur, die seine Arbeit als Bildhauer ankündigt, ohne das Gemälde in einen Steinblock zu verwandeln "Die Frau mit dem Schirm" ist das Werk auf 1892 datiert; es wird bei der Musée d'Orsay gehalten; es misst 190,5 x 149,6 cm. Für "Die Frau mit dem Schirm" von Aristide Maillol gilt der große Austausch der Frau" Maillol ist nicht nur eine Silhouette, die in wunderschönes Licht gesetzt wird; die Figur wird zum Schwerpunkt, dem Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandelt.
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#19
Mittagessen
Für "Lunch" kommt das Gleichgewicht weniger aus der Tiefe als aus der Art und Weise, wie helle Massen, dunkle Bereiche und geschwungene Linien auf der Oberfläche aufeinander reagieren "Lunch" wird auf eine Art und Weise des Verführens von Figuren, Stoffen und Tapeten in "Lunch" gebracht, bis es das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht "Lunch" bekräftigt nur eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken" nicht durch „LunchÉ"
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#20
Das Ruderkleid
Bei "Das Gewand mit Zweigen" wird das Sujet durch aufeinanderfolgende flache Bereiche konstruiert; jede Farbe bringt den Hintergrund der Figur näher zusammen, statt brav ins rechte Licht zu greifen Vuillard bringt Figuren, Stoffe und Tapeten in "Das Gewand mit Zweigen" zusammen, bis sie dem Innenraum eine dichte, intime und leicht undisziplinierte Welt gibt "Das Gewand mit Zweigen" ist auf das Jahr 1891 datiert; es misst 38 x 46 cm; es wird im Sao Paulo Kunstmuseum aufbewahrt "Das Gewand mit Zweigen" von LE kann dann die Komposition in Stufen gelesen werden: erst das Muster, dann die Messen, dann die Passagen von Licht, die dem Geäst"
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#21
Der Omnibus
Bei "Der Omnibus" tritt der Blick durch einen klaren Umriss ein, geht dann angenehm zwischen Stoff, Blattwerk und Silhouette verloren, ohne einen völlig sekundären Plan zu finden "Der Omnibus" verwandelt Pierre in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und Alltagsdetails, bei dem das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt "Der Omnibus" wird auf das Jahr 1895 datiert; er misst 59 x 41 cm; er wird auf der Bemberg-Stiftung gehalten (Toulouse) "Das Omnibus" von Pierre Bonnard hält die Balance aus; Pierre Bonnard passt den Abstand an, bis Anwesenheit und Erinnerung auf derselben Oberfläche gehalten werden"
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#22
Der Bademantel
Für "Le Peignoir" modelliert Licht nicht gehorsam Bände; es ist in farbigen Bereichen verteilt, die der Szene ihre genaue Stimmung geben Bonnard verwandelt "Le Peignoir" in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und Alltagsdetails, wo das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt "Le Peignoir", das Werk wird auf etwa 1890 datiert; es wird am Musée d'Orsay (Paris) gehalten; es misst 154 x 54 cm. Für "Le Peignoir" bleibt die Balance zwischen Beobachtung und Erinnerung entscheidend, bis Pierre Bonnard die gleiche Oberfläche einstellt.
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#23
Madame Vuillard nähen
Bei "Madame Vuillard nähen" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht "Madame Vuillard näht" vereint im "Madame Vuillard nähen" Figuren, Stoffe und Tapeten, bis es das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht "Madame Vuillard näht" zählt auf der Skala des Sainte-Croix-Museums viel: Es vermeidet den großen Austauschmuster von VuillÉ durch diese große Lose. Ermöglicht es Ihnen, Édouard Vuillard so genau wie möglich zu einer Präsenz zu folgen, die beobachtet, liest, wartet oder sich auf Distanz aufhält.
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#24
Die Lüge
Für "The Lie" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht "The Lie" schneidet Vallotton mit scharfen Silhouetten, klaren Winkeln und einer psychologischen Distanz, die die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt "The Lie" von Félix Vallotton zählt auf der Skala des Bildes sehr viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu stark gedrückter Blicke "Die Lüge" von Féotton Vallotton malt auf die Skala der Hurritacke des Hurlix-Lie-Singes zu sehr"
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#25
Frau sitzt
Für "Sitzende Frau" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht Maillol sucht in "Sitzende Frau" eine Stabilität von Masse und Kontur, die ihre Arbeit als Bildhauerin ankündigt, ohne das Gemälde in einen Steinblock zu verwandeln "Sitzende Frau" von Aristide Maillol, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität sehr: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke" Auch bei Aristide Maillitting wird der hurrige Typus von Aristide vermieden
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#26
Madeleine im Bois d'Amour
Bei "Madeleine au Bois d'Amour" verweigert die Komposition den spektakulären Effekt und bevorzugt eine nachhaltigere Spannung zwischen menschlicher Präsenz, Dekor und Erinnerung. Émile Bernard vereinfacht die Lautstärken in "Madeleine au Bois d'Amour" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung erhält, statt einer einfachen Außenwirkung "Madeleine au Bois d'Amour" von Émile Bernard, auf der Skala des bernardischen Skalenendrucks, zählt diese Einzigartigkeit eines hurriedischen Bildes"
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#27
Junge Mädchen am Meer
Bei "Junge Mädchen am Meer" reichen ein paar feste Linien, um den Ort einzurichten, dann verbreitern die Farben diesen ersten Orientierungspunkt hin zu einer eher inneren Sensation Puvis de Chavannes gibt "Junge Mädchen am Meer" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall boten "Junge Mädchen am Meer" von Puvis de Chavannes, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit der eifrigen Blicke" auf das große Seebärchen
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#28
Strand in Heist
Für "Plage à Heist" erscheint die Szene vertraut, doch geben ihr ihre Rahmung und Farbverhältnisse die Konzentration einer neu zusammengesetzten Erinnerung, Georges Lemmen gibt "Plage à Heist" eine eher nach Kontur, Farbe und Rhythmus geordnete Oberfläche als nach der Illusion vollkommen weiser Tiefe "Plage à Heist" von Georges Lemmen findet das Auge einen genauen Grund zur Entschleunigung: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder einen Kontrast, der dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "Plage à Heist" von Georges Lemmen gibt dem Auge dann einen genauen Grund zur Entschleunigung, eine Profil oder einen Kontrast, der dem Gemälde von Lemage Lemage eine kleine Autorität verleiht".
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#29
Mittagessen
Für "Le Dejeuner" verliert der Alltag seine Banalität, sobald Linien und Flächen beginnen, ihr eigenes Gespräch zu organisieren "Le Dejeuner" verwandelt Bonnard in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und täglichen Details, wo das Auge oft die Figur nach dem Dekor entdeckt "Le Dejeuner" wird auf 1923 datiert und bei der Emil G Stiftung und Sammlung aufbewahrt In "Le Dejeuner", Bührle (Zürich) dann die tempetrischen Stellen von Lerne D.2.
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#30
Innenmutter und Schwester des Künstlers
Für "Interior Mother and Sister of the Artist" vereinfachen die Konturen die Welt, ohne sie zu verarmen; sie lenken die Aufmerksamkeit auf einige präzise Beziehungen von Form und Ton "Interior Mother and Sister of the Artist" von Ededouard Vuillard zusammen, findet ein präziser Grund, um das Innere zu einem dichten, intimen und leicht undisziplinierten Bild zu machen "Interior Mother and Sister of the Artist" von Ededouard Vuillard findet einen genauen Grund zur Verlangsamung: ein hinteres Bild von
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#31
Das Bad im Sommerabend
Für "Das Bad im Sommerabend" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht "Das Bad im Sommerabend" schneidet Vallotton mit scharfen Silhouetten, klaren Winkeln und einer psychologischen Distanz, die die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt "Das Bad im Sommerabend" von Félix Vallotton zählt auf der Skala des Bildes viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit des eifrigen Lichts"
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#32
Die Bretonen mit Regenschirmen
Bei "Les Bretonnes aux ombrelles" modelliert Licht nicht gehorsam Bände; es ist in farbigen Bereichen verteilt, die der Szene ihre genaue Stimmung verleihen. Émile Bernard vereinfacht die Lautstärken in "Les Bretonnes aux ombrelles" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung statt eines einfachen Außeneffekts erhält "Les Bretonnes aux ombrelles" von É bernard bleibt die Balance zwischen Beobachtung und Erinnerung entscheidend" bleibt die Balance zwischen Anwesenheit und Erinnerung
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#33
Hallo Herr Gauguin
Für "Bonjour Monsieur Gauguin" schreitet die Landschaft in Bändern und Kurven voran; der beobachtete Raum wird zu einer dekorativen Konstruktion, ohne sein empfindliches Wetter zu verlieren "Bonjour Monsieur Gauguin" gibt feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Wirklichkeit wird zum Ausgangspunkt eines geistigen Bildes "Bonjour Monsieur Gauguin" wird in der Nationalgalerie in Prag aufbewahrt und misst dann 93 x 74 cm. Für "Bonjour Monsieur Gauguin" von Paul Gauguin kann die Komposition in Stufen gelesen werden: erst die Muster, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen
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#34
Am Moulin-Rouge
Für "Au Moulin-Rouge" liegt die Intimität des Motivs in seiner Nähe, aber die Vereinfachung der Aufnahmen verhindert, dass sich die Szene der Anekdote nähert "Au Moulin-Rouge" umrahmt in Toulouse-Lautrec so nah wie möglich an Körpern und künstlichem Licht, wodurch das Nachtleben eher eine schneidende Komposition als eine angenehme Anekdote ist "Au Moulin-Rouge" ist auf das Jahr 1892 datiert und am Art Institute of Chicago aufbewahrt; es misst 123 x 141 cm "Für" von Henri de Toulouse-L misst das Auge 123. Anonymität, weil sie ein erkennbares Thema in sich trägt; Licht, Rahmen und Material verleihen ihm dann seine eigene Persönlichkeit.
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#35
Der Zyklop
Für "The Cyclops" liest sich der Raum wie ein aktiver Wandteppich, bei dem die Muster das Auge führen, ohne ihm einen bequemen zentralen Korridor zu bieten Redon macht "The Cyclops" zu einer Erscheinung und nicht zu einer Beschreibung; Farbe verleiht dem Traum ein Material, das präzise genug ist, um nach dem Aufwachen zu bleiben "The Cyclops" von Odilon Redon, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität sehr: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit des zu eifrigen Blicks auf die Odons-Skala, zu sehr
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#36
Hoffnung
Für "L'Espérance" bleibt das Motiv identifizierbar, wird aber als eine Reihe farbenfroher Rhythmen rekonstruiert, anstatt mit fotografischem Gehorsam kopiert zu werdenPuvis de Chavannes verleiht "L'Espérance" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und eine reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall bot "L'Espé" von Puvis de Chavannes kommt die Kraft weniger von einem Ausbruch von Brillanz als von einem Gleichgewicht: genug Struktur, um die Szene leben zu lassen" von einem Atemzug
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#37
Nackt im Bad
Für "Akt im Bad" trägt die Farbe hier die Atmosphäre vor dem Licht, wodurch das Motiv eine mentale wie auch beschreibende Präsenz erhält Bonnard verwandelt "Akt im Bad" in ein Gewebe aus Farben, Rahmen und alltäglichen Details, wo das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt "Akt im Bad" ist auf 1936 datiert; es misst 93 x 147 cm; es wird im Pariser Museum für moderne Kunst aufbewahrt "Akt im Bad" von Pierre Bonnard bejaht das Gemälde nicht nur die Sache"
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#38
Mutterschaft
Für "Mutterschaft" bleibt das Motiv identifizierbar, es wird aber eher als eine Reihe farbiger Rhythmen rekonstruiert, als mit fotografischem Gehorsam kopiert "Mutterschaft" konstruiert Maurice Denis als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Sujet eine bewusst flache Klarheit "Mutterschaft" von Maurice Denis kommt Kraft weniger aus einem Brillanzstoß als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Mutterschaft" von Maurice Denis kommt weniger aus einem Brillanzstoß von der Lebendbrille, sondern genug Struktur, um das Auge leben zu lassenM führt zu einem echten Augenausbruch".
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#39
Der Besuch
Für "La Visite" entstehen die Silhouetten eher kontrastreich als modellierend, mit einer Klarheit, die ihr Schweigen besonders wahrnehmbar macht Vallotton schneidet "La Visite" mit scharfen Silhouetten, scharfen Winkeln und einer psychologischen Distanz, die die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt "La Visite" von Félix Vallotton versucht das Gemälde nicht nur zu verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken "In" Laotton Visaze wirkt das Bild nicht durch Verführung zusammen"
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#40
Die Ernte
Für "La Moisson" vereinfachen die Konturen die Welt, ohne sie zu verarmen; sie lenken die Aufmerksamkeit auf einige wenige präzise Beziehungen von Form und Ton. Émile Bernard vereinfacht die Bände in "La Moisson" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung erhält, anstatt einen einfachen Außeneffekt zu erzielen "La Moisson" von Émile Bernard findet das Auge einen genauen Grund zur Verlangsamung: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder einen Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "La Moissla" findet einen kleinen Kontrast.
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#41
Landschaft von Martinique
Für "Paysage de Martinique" vereinfachen die Konturen die Welt, ohne sie zu verarmen; sie lenken die Aufmerksamkeit auf einige präzise Beziehungen von Form und Ton, Charles Laval gibt "Paysage de Martinique" eine Oberfläche, die eher nach Kontur, Farbe und Rhythmus geordnet ist, als durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "Paysage de Martinique" von Charles Laval findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "Paysage de Martinique" findet ein langsames Auge
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#42
Sonntag
Für "Sonntag" wechselt die Oberfläche ruhige Bereiche und engere Passagen ab, wie eine Partitur, bei der das Motiv selbst das Tempo des Blicks regelt Henri Le Sidaner gibt "Le Dimanche" eine Oberfläche, die eher nach Kontur, Farbe und Rhythmus als nach der Illusion vollkommen weiser Tiefe organisiert ist "Le Dimanche" von Henri Le Sidaner versucht das Gemälde nicht nur zu verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken "In" Le SidLee bejaht das Gemälde nicht"
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#43
Der Hafen von Pont-Aven
Für "Der Hafen von Pont-Aven" tritt der Blick durch einen klaren Umriss ein, geht dann angenehm zwischen Stoff, Blattwerk und Silhouette verloren, ohne einen völlig sekundären Plan zu finden Maxime Maufra gibt "Der Hafen von Pont-Aven" eine durch Kontur, Farbe und Rhythmus organisierte Oberfläche an, anstatt sich durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe anzupassen "Das Port of Pont-Aven" von Maxime Maufra bleibt das Gleichgewicht zwischen Beobachtung und Erinnerung entscheidend; Maxime Maufra passt die Distanz an, bis er die Gegenwart und Erinnerung an die gleiche Oberfläche anpasst"
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#44
Blaue Marine, Welleneffekt
Für "Blaue Marine, Welleneffekt" schreitet die Landschaft in Bändern und Kurven voran; der beobachtete Raum wird zu einer dekorativen Konstruktion, ohne sein empfindliches Wetter zu verlieren Lacombe gibt "Blaue Marine, Welleneffekt" vereinfachte Formen und einen fast skulptierten Rhythmus, als müsse die Farbe auch Relief haben "Blaue Marine, Welleneffekt" von Georges Lacombe liest man die Komposition in Stufen: erst das Muster, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Blaue Marine, Welleneffekt" von Georges Blue ist dann die Lektüre"
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#45
Die schöne Angela
Für "La Belle Angèle" ordnet ein unerwarteter Winkel die Komposition, lässt gewöhnliche Gesten mit einer diskreten Spannung zurück, die das Motiv allein nicht ankündigteGauguin gibt "La Belle Angèle" feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Realität wird zum Ausgangspunkt eines geistigen Bildes "La Belle Angguin" wird heute bei einem Ausbruch von Brillanz, Paris, datiert 1889 und misst 92 x 73,2 cm "La Belle Angguin kommt von einer atmenden Krafteinstellung" weniger von einem lebendigen Brillantenausschlag als von einer Balance: genug Struktur, um das Auge leben zu lassen, genug, um die Szene von Belle Gaul Wichel zu atmend zu lassen
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#46
Rote Mühle
Für "Moulin Rouge" verliert der Alltag seine Banalität, sobald Linien und Flächen beginnen, ihr eigenes Gespräch zu organisieren, Anquetin umgibt Figuren und Lichter mit einer fast glasierten Frankheit in "Moulin Rouge; die moderne Stadt erhält so eine sofort lesbare Struktur "Moulin Rouge" von Louis Anquetin wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Messen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben, dann die Textpassagen von Louis Rouge, gelesen "Mouquetin" ist dann die wahre Komposition von"
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#47
Das heilige Holz, das den Künsten und Musen am Herzen liegt
Für "Der heilige Holz, der den Künsten und den Musen lieb ist" installiert Maurice Denis die Musen in einem zeitgenössischen Holz, wo Kleider, Stämme und Blattwerk einen Fries bilden; die Mythologie hat den Olymp verlassen, aber sie hat einen ausgezeichneten Sinn für Rhythmus behalten Puvis de Chavannes gibt "Das heilige Holz, das den Künsten und den Musen lieb ist" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und eine reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall bot Für "Das heilige Holz, das den Künsten lieb ist, und die Musaves einen kleinen Grund" findet das heilige Holz den Puav Puvis de Chavannes, der Wald zwingt das Auge, anders zu arbeiten: weniger spektakulärer Horizont, mehr Massen, Gänge und kleine Öffnungen im Licht.
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#48
Landschaft, Brookleton
Für "Landscape, Brookleton" kommt das Gleichgewicht weniger aus der Tiefe als aus der Art und Weise, wie helle Massen, dunkle Bereiche und geschwungene Linien auf der Oberfläche aufeinander reagieren "Landscape, Brookleton" gibt der Malerei nicht nur eine durch Kontur, Farbe und Rhythmus organisierte Oberfläche, sondern durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "Landscape, Brookleton" von Lucien Pissarro versucht das Gemälde zu verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken "Landscape, Brookleton" von Lucien Pissarleton sucht sie nicht"
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#49
La Crique, wilde Küste, Quiberon
Zu "La Crique, wilde Küste, Quiberon" gibt eine dominante Form zunächst den Rhythmus vor; die Figuren und Details erscheinen dann als Variationen und nicht als starre Hierarchie "La Crique, wilde Küste, Quiberon" gibt eine Oberfläche, die durch Kontur, Farbe und Rhythmus organisiert ist, statt durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "La Crique, wilde Küste, Quiberon" von Maxime Maufra, die Kraft kommt weniger durch einen Ausbruch von Brillanz als durch eine Balance, genug durch Atmen der Szene leben zu lassen"
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#50
Das Esszimmer mit Blick auf den Garten
Für "Das Esszimmer über dem Garten" gibt zunächst eine dominante Form den Rhythmus vor; die Figuren und Details erscheinen dann als Variationen und nicht als starre Hierarchie "Das Esszimmer über dem Garten" verwandelt Bonnard in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und alltäglichen Details, wo das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt "Das Esszimmer über dem Garten" aus dem Jahr 1930 wird im Museum of Modern Art (New York) aufbewahrt und misst 159 x 114 cm "Das Esszimmer über dem Garten" von Pierre Bonnard kommt die Kraft weniger von einem Brillanzausbruch als von einer Balance: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen" In " Das Esszimmer mit Blick auf den Garten "von Pierre Bonnard, der Titel gibt bereits einen konkreten Bezugspunkt für das Lesen des Bildes: Motiv, Ort, Licht oder Handlung lenken den Blick, bevor das Bildmaterial seine Arbeit verrichtet.
Entdecken →Bretagne, Symbolik und Synthetismus entfernen Farbe von Nachahmung und vertrauen ihr Erinnerung, Glauben und Emotionen an.
#51
Der Rote Raum
Für "Das rote Zimmer" nimmt die Kulisse so viel Raum ein wie das menschliche Subjekt, so dass das Schauen darauf hinausläuft, zwischen Präsenz und Motiv zu verhandeln "Das rote Zimmer" schneidet Vallotton mit klaren Silhouetten, scharfen Winkeln und einem psychologischen Abstand heraus, der die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt Für "Das rote Zimmer" von Félix Vallotton findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Das rote Zimmer" von Félix findet ein wenig Grund, um das Bild von Féotton zu verlangsamen"
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#52
Die Toilette
Für "La Toilette" nimmt das Dekor so viel Raum ein wie das menschliche Subjekt, so dass das Hinsehen darauf hinausläuft, zwischen Präsenz und Motiv zu verhandeln Toulouse-Lautrec rahmt "La Toilette" so nah wie möglich an Körpern und künstlichem Licht, wodurch das Nachtleben eher eine schneidende Komposition als eine angenehme Anekdote darstellt "La Toilette" von Henri de Toulouse-Lautrec findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde von Toulouse eine kleine Autorität verleiht -La findet das Auge eine kleine Autorität
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#53
Gefangener Pegasus
Für "Captive Pegasus" entstehen eher kontrastierende als modellierende Silhouetten mit einer Schärfe, die ihr Schweigen besonders wahrnehmbar macht Redon macht "Captive Pegasus" zu einer Erscheinung und nicht zu einer Beschreibung; Farbe verleiht dem Traum ein Material, das präzise genug ist, um nach dem Aufwachen zu bleiben "Captive Pegasus" von Odilon Redon will das Gemälde nicht nur verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken "In Odilon Reducte es" findet die Balance von Odgas nicht nur zu einem
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#54
Der Tisch im weißen Garten in Gerberoy
Für "Der Tisch im weißen Garten in Gerberoy" tritt der Blick durch einen klaren Umriss ein, dann verliert sich angenehm zwischen Stoff, Blattwerk und Silhouette, ohne einen völlig sekundären Plan zu finden Henri Le Sidaner gibt "Der Tisch im weißen Garten in Gerberoy" eine nach Kontur, Farbe und Rhythmus geordnete Oberfläche statt durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "Der Tisch im weißen Garten in Gerberoy" von Henri Le Sidaner bleibt die Balance zwischen Beobachtung und Sidoy-Garten in der gleichen Oberfläche gewahrt" Angefangen: es kündigt ein Motiv, eine Situation oder eine Präsenz an, die das Gemälde dann in ein visuelles Erlebnis verwandelt.
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#55
Modelle in der Werkstatt lesen
Bei "Modelle in der Werkstatt lesen" tritt der Blick durch einen klaren Umriss ein, geht dann angenehm zwischen Stoff, Blattwerk und Silhouette verloren, ohne einen völlig sekundären Plan zu findenGeorges Lemmen gibt "Lesemodelle in der Werkstatt" eine nach Kontur, Farbe und Rhythmus organisierte Oberfläche statt durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "Das Lesen von Modellen in der Werkstatt" von Georges Lemmen bleibt entscheidend, bis Anwesenheit und Erinnerung in der gleichen Oberfläche gehalten werden, bleibt Georges Lemmen die Distanz aus, bis die Anwesenheit und Erinnerung Modelle in der gleichen Oberfläche ausgeglichen werden"
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#56
September Abend
Für "Septemberabend" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht Maurice Denis konstruiert "Septemberabend" als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Septemberabend" wird das Werk im Museum der Schönen Künste aufbewahrt "Septemberabend" von Maurice Denis zählt auf der Skala des Bildes sehr viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit von zu sehr eiligen Blicken" Im "Septemberabend" von Maurice zählt diese Singularität viel: Es vermeidet den austauschbaren Effekt von Maurice, dieser große Krankheit von eiligen
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#57
Die Hexen
Für "Die Hexen" verliert der Alltag seine Banalität, sobald die Zeilen und Flächen beginnen, ihr eigenes Gespräch zu organisieren Ranson mischt in "Die Hexen" Arabeske, Vegetation und Symbol; die dekorative Natur behält immer ein Detail, das ihre Ruhe stören kann "Die Hexen" von Paul Ranson wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben "Die Hexen" von Paul Ranson, die Komposition wird dann in den Passagen gelesen"
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#58
Im Salon in der Rue des Moulins
Für "Au Salon de la rue des Moulins" wird das Sujet in aufeinanderfolgenden flachen Bereichen konstruiert; jede Farbe bringt den Hintergrund näher an die Figur, statt brav in die Perspektive zu graben "Au Salon de la rue des Moulins" rahmt Toulouse-Lautrec "den Körper und das künstliche Licht so nahe wie möglich, macht das Nachtleben zu einer schneidenden Komposition statt zu einer angenehmen Anekdote "Au Salon de la rue des Mouloses" kann die Komposition dann die wahren Stellen von Toulouse de la less sein Das Bild: Subjekt, Ort, Licht oder Handlung lenken den Blick, bevor das Bildmaterial seine Arbeit verrichtet.
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#59
Sommer
Für "Summer" behält die Szene ihre vertrauten Objekte bei, während sie sie einer flachen Reihenfolge unterwirft, in der jedes Intervall aktiv wird Puvis de Chavannes verleiht "Summer" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und eine verminderte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall boten "Summer" von Puvis de Chavannes kommt die Kraft weniger von einem Brillanzausbruch als von einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene am Leben zu lassen "Summer" von Puvis de Chavannes's Bildnis kommt weniger von einem Brillanzausbruch, als von einem Lebendgeprägepräge der Puvis de Channes Struktur geben"
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#60
Die Terrasse
Für "La Terrasse" wechselt die Oberfläche ruhige Bereiche und engere Passagen ab, wie eine Partitur, bei der das Motiv selbst das Tempo des Blicks regelt Henri Le Sidaner gibt "La Terrasse" eine durch Kontur, Farbe und Rhythmus organisierte Oberfläche, statt durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "La Terrasse" von Henri Le Sidaner sucht das Gemälde nicht nur zu verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken "In" Henri Le Sidaner bekräftigt es nur durch die Malerei, die Materie nicht zu sehen"
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#61
Der Kiosk, Boulevard des Batignolles
Für "Le Kiosque, Boulevard des Batignolles" liegt die Intimität des Motivs in seiner Nähe, doch die Vereinfachung der Aufnahmen verhindert, dass sich die Szene der Anekdote nähert Bonnard verwandelt "Le Kiosque, Boulevard des Batignolles" in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und Tagesdetails, wo das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt "Le Kiosque, Boulevard des Batignolles" von Pierre Bonnard gibt das Auge einen langsamen Grund zum Boulevard-Liebhaber"
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#62
Öffentliche Gärten: kleine Mädchen spielen
„Public Gardens: Little Girls Playing" wechselt die Oberfläche zwischen ruhigen Bereichen und engeren Passagen, wie bei einer Partitur, bei der das Muster selbst das Tempo des Blicks reguliert. „Vuillard bringt Charaktere, Stoffe und Tapeten in" Public Gardens: Little Girls Playing" zusammen, bis es das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht. „Public Gardens: Little Girls Playing" von Édouard Vuillard bekräftigt, dass das Gemälde nicht nur versucht, zu verführen." Bedeutung, Entfernung und Licht zusammenwirken." „Für „Public Gardens: Little Girls Playing" von „Eouard Vuillard"
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#63
Nackte Frau schläft
Valliance Sleeping Woman", eine dominante Form gibt zuerst den Rhythmus vor; die Figuren und Details erscheinen dann als Variationen und nicht als starre Hierarchie "Naked Sleeping Woman" schneidet Vallotton mit scharfen Silhouetten, scharfen Winkeln und einer psychologischen Distanz heraus, die die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt "Naked Sleeping Woman" von Félix Vallotton kommt Kraft weniger aus einem Ausbruch von Brillanz als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassenNotton Sleeping Woman" von FélixNotton kommt weniger aus einem Ausbruch von Brillanz als aus dem Atem.
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#64
Zwei bretonische Frauen auf einer Wiese
Für "Zwei Bretonnen in einer Prärie" vereinfachen die Konturen die Welt, ohne sie zu verarmen; sie lenken die Aufmerksamkeit auf einige präzise Beziehungen von Form und Ton. Émile Bernard vereinfacht die Bände in "Zwei Bretonnen in einer Prärie" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung erhält, statt einer einfachen Außenwirkung "Zwei Bretonnen in einer Prärie" von Émile Bernard gibt das Auge einen genauen Grund, das Bild zu verlangsamen oder einen Kontrast zu finden"
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#65
Die Alyscamps
Für "Les Alyscamps" nimmt die Vertonung so viel Raum ein wie das menschliche Subjekt, so dass das Hinsehen darauf hinausläuft, zwischen Präsenz und Motiv zu verhandeln Gauguin gibt "Les Alyscamps" feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Wirklichkeit wird zum Ausgangspunkt eines gedanklichen Bildes "Les Alyscamps" wird auf 1888 datiert und bei der Musée d'Orsay, Paris, aufbewahrt; sie misst 91,5 x 72,5 cm. Für "Les Alyscamps" von Paul Gauguin ergibt sich ein langsamer Blick oder ein kleiner Kontrast zu Paul Gauguin, dessen Bild „L"
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#66
Apollonwagen
Für "Der Streitwagen des Apollon" ordnet ein unerwarteter Winkel die Komposition, wobei gewöhnliche Gesten eine diskrete Spannung hinterlassen, die das Motiv allein nicht ankündigte Redon macht "Der Streitwagen des Apollon" zu einer Erscheinung und nicht zu einer Beschreibung; Farbe gibt dem Traum ein Material, das präzise genug ist, um nach dem Erwachen zu bleiben "Der Streitwagen des Apollon" von Odilon Redon kommt die Kraft weniger aus einem Brillanzstoß als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung des Gleichgewichts von Odiant"
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#67
Herbst
Für "Herbst" reichen einige feste Linien aus, um den Ort zu etablieren, dann verbreitern die Farben diesen ersten Bezugspunkt hin zu einer eher inneren Empfindung Puvis de Chavannes gibt "Herbst" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall bot "Herbst" von Puvis de Chavannes zählt auf der Skala des Bildes viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit der übereilten Glanze" vermeidet die übereilte Skala von „Chavannes", auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Effekt von „Puumn".
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#68
Der Leuchtturm Port Haliguen
Für "Le Phare du Port Haliguen" trägt die Farbe hier die Atmosphäre vor dem Licht, wodurch das Motiv eine mentale wie auch beschreibende Präsenz erhält Maxime Maufra gibt "Le Phare du Port Haliguen" eine Oberfläche, die durch Kontur, Farbe und Rhythmus organisiert ist, anstatt durch die Illusion vollkommen weiser Tiefe "Le Phare du Port Haliguen" von Maxime Maufra, das Gemälde versucht nicht nur zu verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken" In "Le Phare du
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#69
Ort Clichy
Für "Place Clichy" behält die Bühne ihre vertrauten Objekte bei, während sie einer flachen Ordnung unterworfen werden, wo jedes Intervall aktiv wird "Place Clichy" verwandelt sich in ein Gewebe aus Farben, Rahmen und Alltagsdetails, wo das Auge die Figur oft nach dem Dekor entdeckt "In der Norton Simon Museum (Pasadena) wird "Place Clichy" von 1900 datiert und misst 35 x 98,5 cm. Für "Place Clichy" von Pierre Bonnard kommt die Kraft weniger durch einen Ausbruch von Brillanz als durch eine Balance: genug Struktur, um das Auge leben zu lassen, genug durch eine atmende Kraft
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#70
Die Bibliothek
Für "Die Bibliothek" trägt die Farbe hier die Atmosphäre vor dem Licht, verleiht dem Motiv eine gedankliche wie beschreibende Präsenz Vuillard vereint Figuren, Stoffe und Tapeten in "Die Bibliothek", bis sie das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht "Die Bibliothek" von E.E.douard Vuillard sucht das Gemälde nicht nur zu verführen; es bekräftigt eine Art zu sehen, wo Materie, Distanz und Licht zusammenwirken "Die Bibliothek" von E.E.douard bejaht es nur, die Materie zu sehen"
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#71
Aufstieg zum Kalvarienberg
Für "Ascent to Calvary" behält die Szene ihre vertrauten Objekte bei, während sie sie einer flachen Reihenfolge unterwirft, bei der jedes Intervall aktiv wird "Ascent to Calvary" konstruiert Maurice Denis als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Ascent to Calvary" von Maurice Denis kommt weniger Kraft aus einem Brillanzausbruch als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen" In "Ascent to Calvary" von Maurice kommt die Kraft weniger aus einem Ausbruch von Brillanz als aus einem Atemzug
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#72
Bretonisches Wrestling
Für "La Lutte bretonne" bleibt das Motiv identifizierbar, es wird aber als eine Reihe von bunten Rhythmen rekonstruiert, anstatt mit fotografischem Gehorsam kopiert "La Lutte bretonne" behandelt er als Organisation von farbigen Zeichen: Das beobachtete Motiv bleibt präsent, aber die Oberfläche bekräftigt seine eigene Logik "La Lutte bretonne" von Paul Sérusier kommt weniger aus einem Brillanzstoß als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung brorsonne "aus einer lebendigen Szene"
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#73
Vergebung
Für "Le Pardon" nähern sich die Formen dem Rand und verwandeln die Leinwand in einen durchgehenden Raum, ohne einen zum Komparsenspiel verurteilten Hintergrund. Émile Bernard vereinfacht die Bände in "Le Pardon" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung statt eines einfachen Außeneffekts erhält "Le Pardon" von Émile Bernard wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Le Pardon" von Émile Bernard" lautet dann die wahren Stufen
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#74
Der Verlust der Kindheit
Bei "The Loss of Virginage" ordnet ein unerwarteter Blickwinkel die Komposition, wobei gewöhnliche Gesten eine diskrete Spannung hinterlassen, die das Subjekt allein nicht ankündigteGauguin gibt "The Loss of Virginage" feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Realität wird zum Ausgangspunkt eines geistigen Bildes "Der Verlust von Virginage" wird auf 1890-1891 datiert; er misst 89 x 130 cm; er wird im Chrysler Museum of Art, Norfolk, aufbewahrt "Der Verlust von Virgin Balance" von Paul Gauguin kommt weniger aus einem Ausbruch von Brillanz als aus einem Atemzug von a"
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#75
Das Gespräch
Für "Das Gespräch" wechselt die Oberfläche ruhige Bereiche und engere Passagen ab, wie eine Partitur, bei der das Motiv selbst das Tempo des Blicks regelt Vuillard bringt Figuren, Stoffe und Tapeten in "Das Gespräch" zusammen, bis es den Innenraum zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht "Das Gespräch" wird in der Nationalgalerie gehalten "Das Gespräch" von Édouard Vuillard bekräftigt, das Gemälde will nicht nur durch das Zusammensehen verführen; es bekräftigt eine Art, Materie zu sehen"
Entdecken →Rippl-Rónai, Filiger, Bernard, Anquetin, Redon und verwandte Maler verbreitern die Strecke, ohne die Malerei zu verlassen.
#76
Der Cha-U-Kao Clown
Für "La clownesse Cha-U-Kao" verweigert die Komposition die spektakuläre Wirkung und bevorzugt eine nachhaltigere Spannung zwischen menschlicher Präsenz, Dekor und Erinnerung Toulouse-Lautrec rahmt "La clownesse Cha-U-Kao" so nah wie möglich an Körpern und künstlichem Licht, wodurch das Nachtleben zu einer schneidenden Komposition wird, statt zu einer angenehmen Anekdote "La clownesse Cha-U-Kao" zählt das Werk bei der Musée d'Orsay" Für "La clowne chao-hurse-Lot, auf der Skala des Bildes von Toulouse-lao hurse clouse" wird diese Singuleurse von viel gehalten. Interesse kommt vom Motiv selbst: Es gibt dem Leser einen konkreten Griff, bevor er Farbe, Licht und Detail den Rest machen lässt.
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#77
Blumenvase
Bei "Vase of Flowers" entsteht Rhythmus aus einer Wiederholung leicht versetzter Formen, regelmäßig genug, um das Bild zu vereinen und frei genug, um es zu beleben Redon macht "Vase of Flowers" eher zu einem Erscheinungsbild als zu einer Beschreibung; Farbe gibt dem Traum ein Material, das präzise genug ist, um nach dem Aufwachen auf der gleichen Oberfläche gehalten zu werden "Vase of Flowers" Für "Vase of Flowers" von Odil bleibt das Gleichgewicht zwischen Beobachtung und Odil-Oberfläche entscheidend, bis Odys Dosierung in der gleichen Erinnerung bleibt "
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#78
Die Arbeit
Für "Le Travail" behält die Szene ihre vertrauten Objekte bei, während sie einer flachen Reihenfolge unterworfen werden, bei der jedes Intervall aktiv wird Puvis de Chavannes verleiht "Le Travail" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall boten "Le Travail" von Puvis de Chavannes rahmt weniger Kraft aus einem Ausbruch von Brillanz als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung der Szene durch ein eigenes Auge zu leben"
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#79
Die roten Klippen von Octeville, Basse-Seine
Für "Die roten Klippen von Octeville, Basse-Seine" verbindet Farbe entfernte Elemente und verleiht dem Ganzen eine Kohärenz, die die Perspektive nicht mehr zu verabreichen braucht "Die roten Klippen von Octeville, Basse-Seine" gibt eine Oberfläche, die nach Kontur, Farbe und Rhythmus organisiert ist, anstatt durch die Illusion einer vollkommen weisen Tiefe "Die roten Klippen von Octeville, Basse-Seine" von Maxime Maufra sieht auf der Skala des Bildes sehr viel aus, diese Singularität vermeidet den austauschbaren Mustereffekt von Basez-Lope" Beton: Reflexion, Ufer, Boot oder Teich organisieren die Tiefe und verhindern, dass das Licht ohne Motiv schwimmt.
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#80
Die Toilette
Für "La Toilette" vereinfachen die Konturen die Welt, ohne sie zu verarmen; sie lenken die Aufmerksamkeit auf ein paar präzise Beziehungen von Form und Ton "La Toilette" verwandelt sich in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und täglichen Details, wo das Auge oft die Figur nach dem Dekor entdeckt "La Toilette" wird auf 1914-1921 datiert und bei der Musée d'Orsay aufbewahrt; es misst 119 x 79 cm. Für "La Toilette" von Pierre Bonnard findet das Auge einen kleinen Kontrast "
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#81
Zwei Näherinnen unter der Lampe
Für "Zwei Näherinnen unter der Lampe" scheint die Szene vertraut, aber ihre Rahmen - und Farbbeziehungen geben ihr die Konzentration einer neu zusammengesetzten Erinnerung Vuillard führt Figuren, Stoffe und Tapeten in "Zwei Näherinnen unter der Lampe" zusammen, bis sie dem Innenraum eine dichte, intime und leicht undisziplinierte Welt gibt "Zwei Näherinnen unter der Lampe" von EEdouard Vuillard findet einen genauen Grund, langsamer zu werden: ein Strich, ein Rand oder ein Kontrast, der dem Gemälde durch eine langsame Linie einen Unterschied gibt"
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#82
Landschaft mit grünen Bäumen
Für "Landschaft mit grünen Bäumen" liest sich der Raum wie ein aktiver Wandteppich, bei dem die Muster das Auge führen, ohne ihm einen sehr bequemen zentralen Korridor zu bieten "Landschaft mit grünen Bäumen" konstruiert Maurice Denis als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe verleihen dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Landschaft mit grünen Bäumen" von Maurice Denis, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität sehr: sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit von zu viel Aufmerksamkeit" In "Landschaft mit grünen Bäumen" von Maurice kommt es auf die Skala des Bilds an, diese Singularität vermeidet Maurice mit zu eifrigen Blicken.
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#83
Die Badegäste
Bei "Les Baigneuses" nähern sich die Formen dem Rand und verwandeln die Leinwand in einen durchgehenden Raum, ohne einen zum Komparsenspiel verurteilten Hintergrund. Émile Bernard vereinfacht die Bände in "Les Baigneuses" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung statt einer einfachen Außenwirkung erhält "Les Baigneuses" von Émile Bernard kann die Komposition in Etappen gelesen werden: zuerst das Motiv, dann die Messen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen" In "Les Baigneuses" von Émile-Stufen kann die Komposition in Etappen gelesen werden: zuerst das Motiv, dann die wahren Passagen von tempos"
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#84
Felder in Pouldu oder Landschaft in Pouldu
Für "Champs au Pouldu, oder Paysage au Pouldu", verliert der Alltag seine Banalität, sobald die Linien und Flächen beginnen, ihr eigenes Gespräch zu organisieren Gauguin gibt "Champs au Pouldu", oder Paysage au Pouldu" feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Wirklichkeit wird zum Ausgangspunkt eines gedanklichen Bildes "Champs au Pouldu, oder Landscape au Pouldu" wird in der Nationalgalerie aufbewahrt "Für" Champs kann dann die wahren Passagen von Pollu gelesen werden
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#85
Frau auf der Straße
Für "Frau in der Straße" ordnet ein unerwarteter Blickwinkel die Komposition, lässt gewöhnliche Gesten mit einer diskreten Spannung zurück, die das Motiv allein nicht ankündigteAnquetin umgibt Figuren und Lichter mit einer fast glasierten Frankheit in "Frau in der Straße"; die moderne Stadt gewinnt so eine sofort lesbare Struktur "Frau in der Straße" von Louis Anquetin kommt weniger Kraft aus einem Ausbruch von Brillanz als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen Balance von einem "Woman"
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#86
Die Geburt der Venus
Für "Die Geburt der Venus" bleibt das Motiv identifizierbar, es wird aber als eine Reihe von bunten Rhythmen rekonstruiert, anstatt mit fotografischem Gehorsam kopiert zu werden Redon macht "Die Geburt der Venus" zu einer Erscheinung und nicht zu einer Beschreibung; Farbe gibt dem Traum ein Material, das präzise genug ist, um nach dem Erwachen zu bleiben "Die Geburt der Venus" von Odilon Redon kommt die Kraft weniger aus einem Ausbruch von Brillanz als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen von Odil" Atmung Kraft
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#87
Ruhe
Bei "Le Repos" tritt der Blick durch einen klaren Umriss ein, geht dann angenehm zwischen Stoff, Blattwerk und Silhouette verloren, ohne einen völlig sekundären Plan zu finden Puvis de Chavannes gibt "Le Repos" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und eine reduzierte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall bot "Le Repos" von Puvis de Chavannes bleibt das Gleichgewicht zwischen Beobachtung und Erinnerung entscheidend; Puvis de Chavannes passt den Abstand an, bis er Präsenz und Erinnerung von PuLe de in der gleichen Oberfläche hält"
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#88
Der Strand in Morgat, Finistère
Für "La Plage à Morgat, Finistère" wechselt die Oberfläche ruhige Bereiche und engere Passagen ab, wie eine Partitur, bei der das Motiv selbst das Tempo des Blicks reguliert. Maxime Maufra gibt "La Plage à Morgat, Finistère" eine Oberfläche, die nach Kontur, Farbe und Rhythmus organisiert ist, und nicht nach der Illusion vollkommen weiser Tiefe "Lein Plage à Morgatre" von Maxime Maufra zu sehen, bejaht das Gemälde nicht nur die Materie"
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#89
Nap
Für "Sieste" behält die Szene ihre vertrauten Gegenstände bei, während sie einer flachen Ordnung unterworfen wird, wo jedes Intervall aktiv wird "Sieste" verwandelt sich in ein Gefüge aus Farben, Rahmen und Alltagsdetails, wo das Auge die Figur oft nach dem Setting entdeckt "Sieste" wird bei der National Gallery of Victoria (Melbourne) gehalten und misst 109 x 132 cm. Bei "Sieste" von Pierre Bonnard kommt die Kraft weniger durch einen Brillanzstoß als durch eine Balance zum Leben"
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#90
Das Esszimmer, rue des Batignolles
Für "Das Esszimmer, rue des Batignolles" nähern sich die Formen dem Rand und verwandeln die Leinwand in einen durchgehenden Raum, ohne einen zum Extras-Spiel verurteilten Hintergrund Vuillard vereint Figuren, Stoffe und Tapeten in "Das Esszimmer, rue des Batignolles", bis es das Innere zu einer dichten, intimen und leicht undisziplinierten Welt macht "Das Esszimmer, rue des Batignolles" von Édouard bringt dann die Komposition von 'de're tempos, dann kann das Bild gelesen werden"
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#91
Porträt von Yvonne Lerolle in drei Aspekten
Für "Porträt der Yvonne Lerolle in drei Aspekten" scheint die Szene vertraut, aber ihre Rahmen - und Farbbeziehungen geben ihr die Konzentration einer neu zusammengesetzten Erinnerung Maurice Denis konstruiert "Porträt der Yvonne Lerolle in drei Aspekten" als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe geben dem Motiv eine bewusst flache Klarheit "Porträt der Yvonne Lerolle in drei Aspekten" von Maurice Denis findet der Blick eine langsame, der Maurice eine Linie"
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#92
Porträt meiner Schwester Madeleine
Für "Porträt meiner Schwester Madeleine" vereinfachen die Konturen die Welt, ohne sie zu verarmen; sie lenken die Aufmerksamkeit auf ein paar präzise Beziehungen von Form und Ton. Émile Bernard vereinfacht die Bände in "Porträt meiner Schwester Madeleine" und umgibt die Farben, wodurch die bretonische Szene eine Kraft der Erinnerung erhält, statt einen einfachen Außeneffekt "Das Porträt meiner Schwester Madeleine" von EMile Bernard findet ein präzises Grundbild, um das Bild zu verlangsamen, ein kleines Bild"
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#93
Frauen von Tahiti
Für "Femmes de Tahiti" ordnet ein unerwarteter Winkel die Komposition, lässt gewöhnliche Gesten mit einer diskreten Spannung zurück, die das Subjekt allein nicht ankündigteGauguin gibt "Femmes de Tahiti" feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Realität wird zum Ausgangspunkt eines geistigen Bildes "Frauen von Tahiti" wird auf 1891 datiert; sie misst 69 x 91 cm; sie wird bei der Musée d'Orsay, Paris, gehalten "Frauen von Tahiti" von Paul Tahguin kommt die Kraft weniger von einem Ausbruch von Brillanz zu einer Balance "für" Atemzug von Paul Gauguin
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#94
Die Stille
Für "Le Silence" liegt die Intimität des Motivs in seiner Nähe, doch die Vereinfachung der Aufnahmen verhindert, dass sich die Szene der Anekdote nähert Redon macht "Le Silence" eher zu einer Erscheinung als zu einer Beschreibung; Farbe verleiht dem Traum ein Material, das präzise genug ist, um nach dem Aufwachen zu bleiben "Le Silence" von Odilon Redon findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder einen Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "In" Le Silence rahmt das Auge dann eine kleine Autorität auf, indem es dem Anonymon-Laut-Lautbild eine eigene, eine eigene, Odence-Linie gibt.
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#95
Frieden
Für "Frieden" verweigert die Komposition den spektakulären Effekt und bevorzugt eine nachhaltigere Spannung zwischen menschlicher Präsenz, Dekor und Erinnerung Puvis de Chavannes gibt "Frieden" einen langsamen Rhythmus, stille Figuren und verminderte Tiefe, die den Nabis einen monumentalen Präzedenzfall bot "Frieden" von Puvis de Chavannes zählt auf der Skala des Bildes sehr viel: Es vermeidet den austauschbaren Motiveffekt, diese große Krankheit der zu stark gequetschten Blicke" Bei der eiligen Auswechselung von Puavannes zählt diese Singularität viel: Es vermeidet den austauschbaren Motiveffekt, diese große Krankheit der eiligen Menge
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#96
Der Kanalweg in Gravelines
Für "Le chemin du canal à Gravelines" schreitet die Landschaft in Bändern und Kurven voran; der beobachtete Raum wird zu einer dekorativen Konstruktion, ohne sein empfindliches Wetter zu verlieren Henri Le Sidaner gibt "Le chemin du canal à Gravelines" eine Oberfläche, die nach Kontur, Farbe und Rhythmus geordnet ist, statt nach der Illusion einer vollkommen weisen Tiefe "Le chemin du canal a Gravelines" von Henri Le Sidaner kann die Komposition in Stufen gelesen werden: erst das Muster, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen"
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#97
Der Grund des Hafens von Goulphar, Belle-Iole en Mer
Für "Die Unterseite des Hafens von Goulphar, Belle-Hof Belle en Mer" scheint die Szene bekannt, aber ihre Rahmung und Farbbeziehungen geben ihr die Konzentration einer neu zusammengesetzten ErinnerungMaxime Maufra gibt "Der Grund des Hafens von Goulphar, Belle-Halle en Mer" eine nach Kontur, Farbe und Rhythmus geordnete Oberfläche statt durch die Illusion einer vollkommen weisen Tiefe "Das untere Ende des Hafens von Goulphar, Belle-Halle en Mer" von Maxime findet einen genauen Grund zur Entschleunigung des Auges von Meraufar oder
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#98
Badegäste, Strand von Pouldu
Bei "Baigneuses, plage du Pouldu" entsteht der Rhythmus aus einer Wiederholung leicht versetzter Formen, regelmäßig genug, um das Bild zu vereinen und frei genug, um es zu beleben "Baigneuses, plage du Pouldu" konstruiert als Bildgedanke sowie gesehen: Linie, Symbol und Farbe geben dem Subjekt eine bewusst flache Klarheit "Baigneuses, plage du Pouldu" von Maurice Denis bleibt das Gleichgewicht zwischen Beobachtung und Erinnerung entscheidend; Maurice Denis passt den Abstand an, bis Anwesenheit und Erinnerung in derselben Oberfläche gehalten werden" Boulde du Pouldu bleibt das Gleichgewicht zwischen Beobachtung und Erinnerung, bis Maurice die Erinnerung bleibt
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#99
Abendessen, Lampe-Effekt
Für "Das Abendessen, Lampeffekt" liest sich der Raum wie ein aktiver Wandteppich, bei dem die Muster das Auge führen, ohne ihm einen bequemen zentralen Korridor zu bieten "Das Abendessen, Lampeffekt" schneidet Vallotton mit scharfen Silhouetten, scharfen Winkeln und einem psychologischen Abstand heraus, der die Szene in ein kleines soziales Rätsel verwandelt "Das Abendessen, Lampeffekt" von Félix Vallotton, auf der Skala des Bildes zählt diese Einzigartigkeit sehr: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit der Hurotton-Singlix vermeidet zu sehr" Der eifrige Laterneffekt zählt zu sehr auf dem Löffel.
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#100
Woher kommen wir? was sind wir? wo gehen wir hin?
Wo liegt die Intimität des Motivs in seiner Nähe, aber die Vereinfachung der Aufnahmen verhindert, dass sich die Szene der Anekdote nähert Gauguin gibt "Woher kommen wir?" ist auf 1897 datiert? "feste Konturen und flache Bereiche voller Erinnerung; die Realität wird zum Ausgangspunkt eines geistigen Bildes "Woher kommen wir? Woher gehen wir?" wird auf 139,1 x 37 datiert; wir werden auf 1897 datiert. Kommen wir? was sind wir? wohin gehen wir? von Paul Gauguin, das Motiv behält genug Präsenz und Licht, um den Eindruck einer einfachen dekorativen Variante zu vermeiden.
Entdecken →Was das Ranking verrät
Hundert Gemälde und mehrere Lebensweisen mit einer Wand
Die Nabis wollten dem Leben die Kunst näher bringen, ohne das eine oder andere banaler zu gestalten Ihre flachen Bereiche, ihre Schauplätze und ihre intimen Szenen verwandeln einen Raum oder einen Garten in einen mentalen Raum, wie er als große Geschichtenszene aufgebaut ist.
Farbe hört auf zu gehorchen
Ein Grün, Gelb oder Rot kann eine Emotion in sich tragen, bevor es das Gras, die Sonne oder ein Kleid richtig beschreibt.
Das Muster frisst Tiefe auf
Tapeten, Blattwerk und Kleidung bringen Figur und Hintergrund zusammen, bis Sie den Look zu einem geduldigen Wiedererkennungsspiel machen.
Das Intime wird monumental
Eine Naht, eine Mahlzeit oder ein stilles Gespräch erlangen die Dichte, die einst Schlachten und geschäftigen Göttern vorbehalten war.
Dekoration denkt
Dekorative Tafeln und Sets füllen nicht nur den Raum: Sie organisieren ein umfassendes Erlebnis von Farbe, Rhythmus und Erinnerung.
Chronologie der Farbpropheten
Fünf Termine, um das Nabi-Abenteuer zu verfolgen
In Pont-Aven malte Sérusier unter der Führung von Gauguin eine kleine Landschaft mit befreiten Farben, die zum tragbaren Manifest der Gruppe wurde.
Sérusier, Denis, Bonnard, Ranson, Ibels und ihre Freunde bilden eine Bruderschaft, deren hebräischer Name Propheten bedeutet; Abendessen nehmen plötzlich eine sehr dekorative Schwerkraft an.
Japanische Drucke fördern flache Bereiche, weiche Linien, geschnittene Rahmen und Räume ohne illusionistische Tiefe.
Vuillard, Bonnard, Denis und Roussel entwerfen Sets für Wohnungen, in denen Malerei, Wände und Möbel endlich anfangen, miteinander zu sprechen.
Die Flugbahnen gehen auseinander, aber Bonnard und Vuillard verlängern die Intimität, während Denis, Vallotton und die anderen jeweils ihre Vorstellung von der modernen Oberfläche verfolgen.
Die Nabis in der Tiefe
Warum machen die Nabis das Malen so intim?
Die Nabi-Gruppe bildet sich um junge Künstler, die von Gauguin, Pont-Aven, Synthetismus, japanischen Drucken und Symbolik geprägt sind Ihr Name stammt vom hebräischen Nabi, Prophet, der für Maler ehrgeizig ist, die oft sehr mit Tischdecken, Räumen, Gärten und dekorativen Tafeln beschäftigt sind Aber der Ehrgeiz ist real: Farbe freizugeben, Formen zu vereinfachen, die Oberfläche des Gemäldes zu behaupten und dem Dekor poetische Kraft zu verleihen.
Die Rolle des Triggers spielt Paul Sérusier mit Le Talisman, einem kleinen Gemälde, das unter dem Einfluss Gauguins geboren wurdeDie Landschaft wird zu einer Konstruktion von Farben, fast zu einer Zauberformel für die ModerneBäume, Wasser und Licht verwandeln sich in flache BereicheDas Gemälde wirkt bescheiden in der Größe, öffnet aber eine riesige Tür Es zeigt, dass ein Talisman nicht viel Lärm machen muss, um Möbel aus der Kunstgeschichte zu bewegen.
Pierre Bonnard gibt den Nabis täglich Wärme Sein Garten, Esszimmer oder häusliche Momentszenen zirkulieren überall mit Farbe: An den Wänden, Kleidern, Tischen, Schatten Das Motiv wirkt einfach, aber die Komposition ist gekonnt organisiert, bei Bonnard kann aus einer Tischdecke eine Landschaft werden, aus einem Fenster ein Ereignis, und aus einem Esszimmer kann ein sehr aktives Innenleben führen.
E.E.douard Vuillard treibt Intimität in Richtung einer fast textilen Dichte Seine Innenräume umhüllen die Figuren in Tapeten, Behänge, Kleider und MusterDie Figuren scheinen manchmal von ihrer eigenen Einrichtung absorbiert zu sein, als würde das Haus mit leiser Stimme denkenVuillard verwandelt den Raum in eine Atmosphäre, und die Atmosphäre in ein Motiv Selbst eine Wohnzimmerecke scheint in der Lage zu sein, eine Familie mit bewundernswerter Diskretion geheim zu halten.
Maurice Denis gibt der Gruppe eine wesentliche theoretische Grundlage: Bevor es sich um ein Steckenpferd, eine nackte Frau oder eine Anekdote handelt, ist ein Gemälde eine ebene Fläche, die mit Farben bedeckt ist, die in einer bestimmten Reihenfolge zusammengesetzt sind. Dieser berühmte Satz erklärt vieles: Die Nabis fliehen nicht aus der Realität, sie organisieren es neu als Motiv, Rhythmus, Symbol und Dekor. Es ist Malerei, die über Malerei nachdenkt, aber ohne zu vergessen, angenehm anzusehen zu bleiben, was immer geschätzt wird.
Felix Vallotton, Paul Ranson, Ker-Xavier Roussel, Georges Lacombe, Aristide Maillol, Jan Verkade und Rippl-Rónai erweitern den Satz Vallotton bringt eine scharfe Linie und trockene Ironie, Ranson rutscht in Richtung dekoratives Mysterium, Lacombe verleiht der Landschaft eine skulpturale Kraft, Roussel installiert weiche Mythologien, Maillol vereinfacht die Figuren Die Gruppe hat keine einzige Stimme: Sie ähnelt eher einem Gespräch in einem Wohnzimmer, in dem Tapeten aktiv mitmachen.
In einer Dekoration sind Nabis besonders wirkungsvoll, weil sie das Gemälde bereits als Dekor betrachten.Flache Bereiche, Muster, Innenräume, Gärten, Silhouetten und farbenfrohe Harmonien eignen sich auf natürliche Weise für Wohnzimmer, Schlafzimmer, Büros und Flure, die Wärme wollen, ohne ihre Finesse zu verlieren. Bonnard beleuchtet, Vuillard umhüllt, Denis-Strukturen, Vallotton schärft. Die Wände erhalten eine gepflegte Präsenz und niemand ist verpflichtet, zu laut zu sprechen.
Dieses Top vereint nur Gemälde, bei denen der Nabi-Geist deutlich zum Vorschein kommt: synthetische Farbe, Vereinfachung, japanischer Einfluss, Intimität, Dekor und Symbolik Manche stammen aus dem Kern der Gruppe, andere von ihren unmittelbaren Verwandten, denn die Nabis sind weniger eine Grenze als eine Art zu schauen Sie erinnern uns daran, dass ein Raum oder ein Garten eine vollständige Welt werden kann, besonders wenn Farbe beschließt, das Gespräch zu führen.
Vier Lesetasten
Schauen Sie, ohne gleich nach dem Fenster zu suchen
Oberfläche, Muster, Farbe und Rahmung erklären, warum diese Gemälde auf den ersten Blick einfach und dann viel weniger gelehrig wirken, sobald das Auge zu zirkulieren beginnt.
Akzeptieren Sie die Wohnung
Das Gemälde bekräftigt seine Flachheit; Tiefe entsteht eher durch Formbeziehungen als durch einen gepflegten perspektivischen Korridor.
Vergleichen Sie Abbildung und Hintergrund
Stoffe, Wände und Blattwerk bringen die Aufnahmen so lange zusammen, bis die Figuren in kleinen Unterschieden auftreten.
Lesen Sie die Emotion
Schattierungen kopieren nicht unbedingt natürliches Licht; Sie verleihen der Erinnerung, dem Heiligen oder dem Intimen ihre Temperatur.
Beobachten Sie die Schnitte
Hohe Winkel, abgeschnittene Silhouetten und außermittige Kompositionen zeigen den Einfluss Japans und des modernen Lebens.
Überprüfbare Nabi-Bibliothek
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Musée d'Orsay, Metropolitan Museum, Museen zu Bonnard und Maurice Denis, Wikipedia, Wikidata und Wikimedia Commons ermöglichen die Überprüfung von Daten, Techniken, Abmessungen und Sammlungen. Die Propheten schätzen auch gute Aufzeichnungen.
In Alpha-Reproduktion
01Paul SérusierDie Herren von Nabis02Paul GauguinDie Herren von Nabis03Felix VallottonDie Herren von Nabis04Pierre BonnardDie Herren von Nabis05E.E.douard VuillardDie Herren von Nabis06Maurice DenisDie Herren von Nabis07Paul RansonDie Herren von Nabis08Georges LacombeDie Herren von Nabis09Louis AnquetinDie Herren von Nabis10Aristide MaillolDie Herren von Nabis11Die NabisSammlungen & Ratgeber12Nabis-reproduktionenSammlungen & Ratgeber13Berühmte GemäldeSammlungen & Ratgeber14Alle berühmten Top-GemäldeSammlungen & Ratgeber15Reproduktionen Pierre BonnardSammlungen & Ratgeber16Reproduktionen Édouard VuillardSammlungen & Ratgeber17Reproduktionen Maurice DenisSammlungen & Ratgeber18Alle Reproduktionen von GemäldenSammlungen & RatgeberHäufig gestellte Fragen
Die Nabis ohne obligatorischen Geheimbund
Die wesentlichen Antworten, um ihren Namen, ihre Maler, ihre Einflüsse und die hundert Gemälde auf dem Weg zu verstehen.
Wer sind die Nabis?
Die Nabis sind eine Gruppe von Künstlern, die Ende des 19. Jahrhunderts um Sérusier, Bonnard, Vuillard, Maurice Denis, Vallotton, Ranson und einige, die der Symbolik und Pont-Aven nahe stehen, tätig waren.
Warum ist The Talisman wichtig?
Denn dieses kleine Gemälde von Sérusier verdichtet Gauguins Einfluss: flache Bereiche, Vereinfachung, ausdrucksstarke Farbe Es wird zu einem diskreten Manifest, aber sehr wirkungsvoll.
Welche Rolle spielt Bonnard?
Bonnard bringt ein warmes, intimes und farbenfrohes Gemälde mit, bei dem das tägliche Leben zu einem dekorativen Rhythmus wird. Zuhause haben Tische und Fenster eine echte visuelle Karriere.
Warum wird Vuillard so sehr mit Innenräumen in Verbindung gebracht?
Denn sie verwandelt Räume, Tapeten, Kleider und Behänge in dichte AtmosphärenDie Charaktere und Motive vermischen sich dort wie in einer häuslichen Erinnerung.
Was meinte Maurice Denis?
Er erinnerte daran, dass ein Gemälde in erster Linie eine ebene, durch Farben organisierte Oberfläche ist Diese Idee hilft, die Nabi-Moderne zu verstehen: weniger Illusion, mehr angenommene Komposition.
Stehen die Nabis dem Japonismus nahe?
Ja. Sie verwenden oft flache Bereiche, Rahmen und dekorative Oberflächen, die von japanischen Drucken inspiriert sind, vermischen sie aber mit Symbolik, Intimität und modernem Dekor.
Ist Nabi-Farbe für einen Innenraum geeignet?
In Ordnung. schon die Nabis denken über das Verhältnis von Bild, Wand und Dekor nach Sie bringen Wärme, Muster, Intimität und Farbe, ohne den Raum in einen zu feierlichen Raum zu verwandeln.
Warum bleiben die Nabis modern?
Denn sie behaupten die Oberfläche des Gemäldes, vereinfachen die Formen und verleihen dem Dekor einen echten künstlerischen Wert Sie machen den Alltag dichter, farbenfroher und ehrlich gesagt besser gekleidet.
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