Top 100 · Malerei seit dem Jahr 2000
Maler des 21. Jahrhunderts zu kennen
Einhundert Künstler verstehen, warum das Gemälde nach wie vor ein wichtiges Labor für zeitgenössische Kunst ist.
Im 21. Jahrhundert wird Malerei nicht mehr durch eine dominierende Schule oder durch ein einziges Zentrum definiert London, Berlin, Leipzig, New York, Los Angeles, Peking, Shanghai, Mumbai, Lagos, Mexiko, Buenos Aires, Lissabon und Athen bilden ein Netzwerk von Szenen, die durch Workshops, Diasporas, Biennalen und Museen verbunden sind Künstler arbeiten nach Fotografie, Kino und Internet: Sie können von einer Leinwand, einem Archiv, einer Karte oder einem Pressebild ausgehen, dann zu Pigment, Unterstützung, Maßstab und Geste zurückkehren Figuration, Abstraktion, Porträt, Geschichte, urbane Kunst und indigene Praktiken koexistieren Diese Klassifizierung umfasst Maler, die einen wesentlichen Teil davon produziert haben Ihre Arbeit seit dem Jahr 2000 und bewertet sie anhand formaler Erfindungen, Einfluss, Arbeitskonstanz, internationaler Reichweite, institutioneller Präsenz und der Fähigkeit, die Themen der Gegenwart zu formulieren.
Das Gemälde absorbiert Bildschirme, Archive und die weltweite Verbreitung, ohne seine materielle Präsenz zu verlieren.
Definition
Was ist Maler des 21. Jahrhunderts?
Der Begriff bezeichnet nicht nur eine nach 1980 geborene Generation, hier vereint er Künstler, deren Praxis nach 2000 fortbestand, reifte oder entscheidenden Einfluss erlangte Hockney, Richter, Kusama oder Kiefer gehören älteren Generationen an, ihre jüngeren Serien, ihre Ausstellungen und ihre Wirkung auf junge Maler bleiben jedoch strukturierend, neben ihnen verkörpern Mehretu, Akunyili Crosby, Yiadom-Boakye, Wiley und Sherald neuere Transformationen von Sujets, Zirkulationen und Institutionen.
Malerei nach dem Bildschirm
Haben Fotografie und digitale Technologie Gemälde ersetzt?
Vor allem zwangen sie ihn, sich selbst zu überdenken Richter, Tuymans, Dumas und Borremans übersetzen fotografische Bilder in langsame und mehrdeutige Oberflächen; Hockney kombiniert Zeichnung, Collage, Video und Tablet; Mehretu und Bradford verdichten Karten, Architektur und urbane Spuren Auch wenn das Werk aus einer Akte oder einem Archiv geboren wird, verändern Größe, Material, Rahmen und Dauer des Blicks, was das Bild für den Betrachter macht Malerei bleibt somit ein Ort, an dem schnelle Bilder abgebaut, verdickt oder unsicher gemacht werden können.
Klassifizierungsmethode
Wie wurden diese 100 Künstler ausgewählt?
Der Rang vereint sechs Kriterien: Bedeutung der seit 2000 durchgeführten Arbeiten, Singularität der Bildsprache, Einfluss auf andere Künstler, Kontinuität und Ehrgeiz des Korpus, musealer Einfluss und Fähigkeit, die Fragen des Jahrhunderts sichtbar zu machen Die Auswahl setzt mehrere Formen der Malerei voraus, von Staffeleiölen bis hin zu monumentalen Oberflächen, Assemblagen und Werken, die Fotografie, Textilien oder Installation mischen Außerdem sucht sie eine Balance zwischen Generationen, Regionen, Künstlerinnen, indigenen Perspektiven und Szenen, die lange Zeit von europäischen und nordamerikanischen Geschichten entfernt gehalten wurden.
Jahrhundertbezüge
Top 10 - Ein neu erfundenes Gemälde
Diese zehn Künstler setzten Sprachen durch, die in der Lage waren, Abstraktion, Figuration, Fotografie, Erinnerung und Globalisierung zu überwinden, ohne auf die besondere Autorität des Gemäldes zu verzichten.
#1
David Hockney
Hockney verbindet die grafische Klarheit der Pop-Art mit einer ganz persönlichen Beobachtung von Liebsten, Schwimmbädern und Landschaften Seine Arbeit beweist, dass Figuration Fotografie, Collage, Video und digitales Zeichnen integrieren kann, ohne ihre Sinnlichkeit zu verlieren.
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#2
Gerhard Richter
Richter verwischt Familien, Historien - oder Medienfotografien, um das Vertrauen in Bilder in Frage zu stellenZwischen optischer Präzision und Auslöschung machen seine figürlichen Gemälde die Erinnerung zu einem instabilen Territorium.
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#3
Yayoi Kusama
Aufgeführte Fotografien, Tupfen, Spiegel und gemalte Figuren lösen sein Bild in einer unendlichen Umgebung auf und verstärken gleichzeitig eine sofort erkennbare Signatur.
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#4
Anselm Kiefer
Kiefer konfrontiert die deutsche Geschichte mit Poesie, Mythologie und Materialien in TransformationStroh, Blei, Asche und Farbe machen die Figur oder Landschaft zu einer Erinnerungsfläche, schwer, aber nie geschlossen.
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#5
Kerry James Marshall
Marshall stellt schwarze Figuren in den Mittelpunkt von Formaten und Genres, die lange Zeit von weißen Erzählungen dominiert wurden. Domestische Szenen, Gärten, Werkstätten und Historiengemälde werden zu Orten einer vollständig konstruierten Präsenz.
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#6
Peter Finger
Doig geht von gewöhnlichen Fotografien aus, um von Fremdheit durchzogene mentale Landschaften zu konstruieren Kanus, Häuser und Silhouetten scheinen zwischen Erinnerung, Kino und Träumen zu schweben, in einem langsamen Gemälde mit sehr aufwändigen Oberflächen.
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#7
Marlene Dumas
Dumas malt aus Fotografien, die sie verlangsamt, verwässert und mit Unklarheiten auflädt Gesichter von Kindern, Prominenten, toten oder erwünschten Körpern werden zu flüssigen Präsenzen, wo das Intime auf die Politik des Blicks trifft.
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#8
Julie Mehretu
Karten, Architekturen, Diagramme und überlagerte Gesten bilden beschleunigende Räume Seine großen Leinwände geben ein komplexes Bild der Migrationen, Konflikte und Ströme der zeitgenössischen Welt.
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#9
Jenny Saville
Saville vergrößert den Körper, bis er die Leinwand füllt, und lehnt die Kanons der Schönheit ab, die ihn lange Zeit diszipliniert haben. Komprimiertes Fleisch, tiefe Ansichten und fleischliche Malerei verleihen seinen Modellen eine Kraft, die über den Rahmen hinausgeht.
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#10
Luc Tuymans
Tuymans malt bereits hochkarätige Bilder - Kino, Fernsehen, Archive - in einer blassen Palette und einem schnellen TouchDiese scheinbar kalte Distanz offenbart, wie Geschichte und Gewalt in profane Bilder passen.
Entdecken Sie den KünstlerFiguren, Identitäten und Geschichten
Ränge 11 bis 25 - Stellen Sie dar, wer zuschaut und wer beobachtet wird
Porträts, Körper, Diasporas, Medienbilder und verminderte Geschichten bewegen das Zentrum der Malerei und erneuern ihre Charaktere und ihr Publikum.
#11
Georg Baselitz
Baselitz kehrte seine Figuren Ende der 1960 er Jahre um, um zu verhindern, dass das Sujet zu einer einfachen Geschichte wirdDer Körper bleibt erkennbar, doch die Umkehrung erfordert, dass man sich zunächst die Farbe, Berührung und Konstruktion des Gemäldes anschaut.
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#12
Neo Rauch
Rauch vereint Arbeiter, Architektur, Uniformen und Fragmente der Propaganda in Szenen, deren Logik bewusst unvollständig bleibt Die ostdeutsche Geschichte kehrt wie ein Industrietraum mit gedämpften Farben in sie zurück.
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#13
Cecily Brown
Brown lässt Körper in einem schnellen, dichten und sinnlichen Gemälde erscheinen und dann verschwinden, dabei wird die Figuration fragmentarisch entdeckt, zwischen Zitaten antiker Meister, abstrakter Energie und Szenen der Begierde.
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#14
Michael Borremans
Borremans malt mit einer Präzision, die er von den alten Meistern der Charaktere geerbt hat, die sich mit Handlungen befassen, die nicht zu erklären sind. Das nüchterne Dekor und das kontrollierte Licht verwandeln jede Szene in ein mehrdeutiges Ritual.
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#15
Adrian Ghenie
Ghenie mischt historische Figuren, Archivbilder und Materialunfälle, das Gesicht wird unter Schürfwunden und Tropfen verschwommen, als würde das Gemälde testen, was nach den Katastrophen des 20. Jahrhunderts noch sichtbar ist.
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#16
Njideka Akunyili Crosby
Akunyili Crosby komponiert Interieurs, in denen Malerei, Zeichnung und fotografische Transfers Lagos und Los Angeles ineinandergreifenIntime Szenen machen eine diasporische Identität aus Schichten, Erinnerungen und gemeinsamen Bezügen sichtbar.
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#17
Lynette Yiadom-Boakye
Yiadom-Boakye erfindet schwarze Figuren ohne direktes Vorbild oder biografische Geschichte, schnell in einer gewählten Palette gemalt, scheinen sie zu einer größeren Geschichte zu gehören, die das Gemälde bewusst offen lässt.
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#18
Kehinde Wiley
Er vertraut schwarzen Vorbildern die heroischen Posen der europäischen Malerei an, vor invasiven DekorationsmotivenDas Porträt wird zur Debatte über Macht, Sichtbarkeit und Begehren.
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#19
Amy Sherald
Seine schwarzen Modelle posieren vor bunten Hintergründen, mit grau behandelten HauttönenDieser chromatische Abstand verschiebt die Codes des offiziellen Porträts hin zu einer ruhigen und souveränen Präsenz.
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#20
Toyin Ojih Odutola
Ojih Odutola behandelt die Haut als ein Territorium aus Linien, Streifen und Licht. Seine Porträts und Erzählzyklen stellen sich Familien, Klassen und alternative Welten vor, die unmittelbare Lesarten von Rasse und Macht verändern.
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#21
Mark Bradford
Plakate, urbane Papiere und geschliffene Schichten produzieren riesige abstrakte Karten Das visuelle Netzwerk der Stadt offenbart Zirkulation, Segregation, Wirtschaftlichkeit und Auslöschung der Erinnerung.
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#22
Kara Walker
Silhouetten, Zeichnungen und Installationen nehmen elegante Formen aus dem 19. Jahrhundert an, um Sklaverei, Sexualität und Gewalt entgegenzutreten Der dekorative Kontrast macht es umso schwieriger, den Geschichten auszuweichen.
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#23
Banksy
Schablonen und urbane Interventionen lenken Überwachung, Grenzen, Konsum und militärische Bildsprache ab Humor macht die Botschaft sofort teilbar, während die reale Wand jedes Bild in einen bestimmten politischen Kontext stellt.
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#24
Shepard Fairey
Seine Grafiken entlehnen die Codes der Propaganda, um sie wieder zu Klima, Demokratie, Frieden oder Rassengerechtigkeit zu bringen Plakate und Fresken streben nach sofortiger öffentlicher Wirksamkeit, zwischen populärer Ikone und Aktivistenkampagne.
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#25
JR
Seine monumentalen fotografischen Porträts verschieben den Muralismus hin zu Collage und Partizipation Fassaden, Slums, Museen und Grenzen werden zu temporären Stützen von Gesichtern, die oft ignorierte Gemeinschaften sichtbar machen.
Entdecken Sie den KünstlerBilder, Erinnerung und Macht
Ränge 26 bis 50 - Das Gemälde zur Bildgeschichte
Malen von Dialogen mit Kino, Fotografie, Pop, Werbung und Archiven, um zu untersuchen, wie Bilder Verlangen, Macht und Erinnerung organisieren.
#26
George Condo
Condo zerlegt das klassische Porträt, indem er mehrere Ausdrücke und Standpunkte auf demselben Gesicht vereint. Seine fiktiven Charaktere wirken vertraut, grotesk und zutiefst menschlich.
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#27
John Currin
Currin übernimmt die Virtuosität und Verzerrungen des Manierismus, um zeitgenössische Figuren zu malen Technische Eleganz macht seinen Bildern bewusst Unbehagen, zwischen Bewunderung, Karikatur und Kritik an den Geschmackskonventionen.
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#28
Eric Fischl
Schwimmbäder, Vororte und Familieninnenräume offenbaren psychische Spannungen hinter dem amerikanischen Komfort Seine Szenen scheinen den Moment einzufangen, in dem eine gewöhnliche Situation beunruhigend wird.
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#29
Julian Schnabel
Zerbrochene Teller, Samt und sehr große Formate verleihen seinen Gemälden eine theatralische Oberfläche, Er beansprucht eine kultivierte und physische Malerei in einer Zeit, in der seine Rückkehr unmöglich schien.
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#30
David Hall
Salle überlagert Bilder aus der Kunst, Werbe - und Fotogeschichte, statt deren Widersprüche aufzulösen, konstruiert er Gemälde, bei denen mehrere Bildregister gleichzeitig um Bedeutung konkurrieren.
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#31
Elizabeth Peyton
Peyton malt Künstler, Freunde, Schriftsteller und historische Persönlichkeiten in kleinen, hellen Formaten. Der intime Maßstab und die fließende Note setzen Bewunderung voraus und verleihen den Modellen gleichzeitig eine Zerbrechlichkeit, die weit vom offiziellen Porträt entfernt ist.
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#32
Nicole Eisenmann
Eisenman mischt wissenschaftliche Bezüge, Humor, queere Kultur und Gruppenszenen Seine plumpen oder melancholischen Charaktere beschreiben zeitgenössische Formen des Zusammenseins, ohne die Gemeinschaft zu idealisieren.
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#33
Alex Katz
Seine Porträts mit ihren klaren flachen Flächen und der geschnittenen Rahmung reduzieren die Details, um die Präsenz zu verstärken Seit den 1950 er Jahren baut Katz eine glatte, leuchtende und unmittelbar zeitgemäße Darstellung auf.
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#34
Ed Ruscha
Vereinzelte Worte, Tankstellen und Panoramen von Los Angeles sind mit trockener Ironie gemalt Ruscha behandelt Sprache und Straßenlandschaft als die wahren Denkmäler des heutigen Westens.
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#35
Richard Estes
Vitrinen, Busse und Kreuzungen vermehren sich in Reflexionen; Sein Fotorealismus rekonstruiert die Stadt mit einer Klarheit, die der ursprünglichen Fotografie überlegen ist.
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#36
Chuck Schließen
Es zerlegt das Gesicht in Gitter, Zellen und bunte Entscheidungen unter Beibehaltung der Wirkung des monumentalen Porträts Sein Prozess zeigt, wie das Gesamtbild aus fast abstrakten Einheiten entsteht.
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#37
Faith Ringgold
Seine bemalten Quilts bringen Text, Stoff und Bild zusammen, um Rassismus, Familie, Geschichte und Emanzipation zu erzählen. Es verwandelt eine abgewertete handwerkliche Praxis in ein mächtiges politisches Medium.
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#38
Judy Chicago
Installationen, Keramik und Malerei schreiben die Erfahrung von Frauen in der monumentalen Geschichte neu ein. Die Dinner Party bleibt ein Schlüsselwerk in ihrem kollektiven Ehrgeiz und ihrer symbolischen Kraft.
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#39
Frank Stella
Von Schwarzen Gemälden bis hin zu barocken Reliefs erforscht er, was aus einem Gemälde werden kann, wenn Form, Rahmen und Oberfläche zusammenfallen Seine Karriere ging von strenger Zurückhaltung zu einer fast architektonischen Erweiterung über.
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#40
Paula Rego
Rego stellt in Bildern mit fast theatralischer Spannung Erzählungen, Erinnerungen, Herrschaft und Widerstand dar, seine Heldinnen sind niemals dekorativ: Sie besetzen Raum, verschwören sich, leiden und wehren sich.
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#41
Fernando Botero
Botero erweitert Körper, Objekte und Architektur, um eine sofort erkennbare Welt zu schaffenUnter der scheinbaren Gutmütigkeit der Bände geht er auch mit ernster Ironie an politische Gewalt, religiöse Macht und kolumbianisches Gedächtnis heran.
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#42
Wayne Thiebaud
Thiebaud trägt großzügiges Material auf die Kuchen, Fenster, Menschen und Straßen von San Francisco auf. Seine farbenfrohen Schatten verwandeln die bekanntesten Objekte in leuchtende Konstruktionen, sowohl beliebte als auch streng komponierte.
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#43
Frank Auerbach
Auerbach malte jahrzehntelang die gleichen Designs und Viertel in London. Es kratzt, beginnt von vorne und verdichtet sich, bis ein paar dicke Linien die Energie einer Präsenz und nicht mehr ihre bloße Ähnlichkeit in sich tragen.
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#44
Lucian Freud
Freud verwandelt die Posing-Sitzung in eine Langzeiterfahrung Seine dichte Paste beschreibt Haut, Müdigkeit und Gewicht von Körpern ohne Schmeicheleien, aber mit so anhaltender Aufmerksamkeit, dass jedes Modell monumentale Würde erlangt.
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#45
Leon Kossoff
Kossoff arbeitet die Stadt und das lebende Modell in schwerem Material, oft bis zur Erschöpfung aufgenommen Seine Stationen, Schwimmbäder, Kirchen und Porträts lassen London sich wie einen dichten, instabilen und tief gelebten Organismus anfühlen.
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#46
Maria Lassnig
Lassnig malt nicht den Körper, sondern den Körper: Druckzonen, das Fehlen von Gliedmaßen und saure Farben werden zur Karte des Bewusstseins.
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#47
Miriam Cahn
Cahn malt frontale Körper, leuchtend oder fast durchsichtig, konfrontiert mit Krieg, Begehren und Migration Die scheinbare Einfachheit der Geste verleiht jeder Figur eine dringende, manchmal zarte, oft störende Präsenz.
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#48
Xenia Hausner
Hausner zeigt weibliche Charaktere in gesättigten und mehrdeutigen Räumen; Jedes Gemälde fungiert als Ende einer Geschichte, deren Konflikt offen bleibt.
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#49
Gottfried Helnwein
Verwundete Kinder, monumentale Gesichter und Zitate aus der Populärkultur dienen Helnwein zur Konfrontation mit Unschuld, historischer Gewalt und der Macht der Bilder.
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#50
Antonio Lopez Garcia
Lopez Garcia kehrt jahrelang in ein Inneres, einen Baum oder eine Ansicht Madrids zurück, um seinem genauen Licht zu folgen, seine Präzision ist nicht fotografisch: Es misst die Zeit und die kaum wahrnehmbaren Veränderungen in der Realität.
Entdecken Sie den KünstlerGlobaler Verkehr
Ränge 51 bis 75 - Verbundene Materialien, Traditionen und Modernitäten
Von Madrid bis Peking, von Mumbai bis Buenos Aires verbinden Künstler lokale Geschichten, Reisen, Mythen und transnationale Formen, ohne Spannungen aus ihrem Kontext zu löschen.
#51
Seltsames Nerdrum
Nerdrum rühmt sich alter Techniken und einer außerhalb der unmittelbaren Gegenwart angesiedelten Phantasie Seine Reisenden, Schiffbrüchigen und isolierten Körper bewohnen strenge Landschaften, die handwerkliche Langsamkeit mit den Rhythmen zeitgenössischer Kunst kontrastieren.
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#52
Miquel Barcelo
Barcelo verdickt, gräbt oder knackt Farbe so weit, dass Tiere, Märkte, Meeresboden und Landschaften zum Vorschein kommen. Seine Aufenthalte in Mali verstärkten eine Praxis, die auf das Klima, lokale Materialien und die Veränderungen des Lebens achtet.
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#53
Gérard Garouste
Garouste liest die Bibel, Cervantes, Dante oder Rabelais noch einmal, ohne ihre Texte gehorsam zu illustrieren Seine verzerrten Figuren und Metamorphosen machen die Malerei zu einem Werkzeug der Interpretation, des Zweifels und der kritischen Rückkehr zu den Gründungsgeschichten.
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#54
Yan Pei-Ming
Yan Pei-Ming konstruiert große Porträts mit reduzierter Palette und einer sehr sichtbaren Note. Mao, Staatsoberhäupter, Fremde und Mitglieder seiner Familie haben den gleichen Maßstab, der sich mit dem öffentlichen Image und dem intimen Gedächtnis auseinandersetzt.
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#55
Liu Xiaodong
Liu malt Arbeiter, Migranten, Freunde und vertriebene Gemeinschaften vor Ort, Sein direkter Realismus verwandelt die Modelle nicht in Symbole: Er zeichnet ihre Gesten, ihre Umwelt und die sozialen Umwälzungen auf, die durch sie hindurchgehen.
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#56
Zeng Fanzhi
Zeng bewegt sich von angespannten Krankenhauskörpern zu berühmten maskierten Figuren und dann zu gestischen Landschaften. In jeder Periode offenbart die elegante Oberfläche die Angst, die durch Modernisierung und soziale Rollen entsteht.
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#57
Zhang Xiaogang
Zhang lässt sich von Familienporträts aus der maoistischen Ära inspirieren, um nahezu einheitliche Gesichter zu malen. Ein Fleck, ein Blick oder ein subtiler Unterschied reißt dennoch das kollektive Bild und macht das private Gedächtnis sichtbar.
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#58
RB Kitaj
Kitaj versammelt Malerei, Literatur, Politik und jüdisches Gedächtnis in montagenahen Kompositionen, sein Ausdruck "London School" lieferte auch einen kritischen Rahmen für britische figurative Maler der Nachkriegszeit.
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#59
Francesco Clemente
Clemente zirkuliert den Körper zwischen Neapel, New York und Indien Selbstporträts, Metamorphosen und aus mehreren Traditionen entlehnte Zeichen bilden eine nomadische Figuration, in der Identität beweglich und widersprüchlich bleibt.
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#60
Philip Pearlstein
Pearlstein entfernt seine heroischen Posen und traditionellen Symbole aus dem Akt. Die Körper, manchmal durch Rahmen geschnitten und von Objekten umgeben, werden als komplexe Formen in einem konkreten Raum und ohne aufgezwungene Erzählung beobachtet.
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#61
Nalini Malani
Malani erweitert die Malerei auf Video, Drehzylinder und SchatteninstallationenMythen, Gewalt gegen Frauen und die Erinnerung an die Partitur werden zu instabilen Geschichten, die den Betrachter umgeben.
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#62
Atul Dodiya
Dodiya zitiert in oft auf Metallläden montierten Gemälden Kino, Kunstgeschichte, Gandhi und Familiengedächtnis, seine Arbeit behandelt das Bild als mobiles, populäres und politisches Archiv.
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#63
Subodh Gupta
Gupta verwandelt Stahlutensilien, Mahlzeiten, Fahrräder und häusliche Gegenstände in Bilder von Migration und Verlangen Seine Praxis verknüpft Malerei und Skulptur mit den gesellschaftlichen Veränderungen des globalisierten Indiens.
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#64
MF Husain
Husain entwickelt eine nervöse Darstellung aus Pferden, Epen, Kino und urbanen Zeichen Seine schnelle, öffentliche und kontroverse Malerei verkörpert den internationalen Ehrgeiz der Moderne nach der Unabhängigkeit.
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#65
SH Raza
Raza bewegt sich von der expressionistischen Landschaft zu einer Abstraktion, die sich auf Bindu, Zyklen und Elementarfarben konzentriert. Sein Werk verbindet französische Erfahrung, indische Philosophie und geometrische Strenge.
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#66
Akbar Padamsee
Padamsee erforscht Gesichter, Akte, mentale Landschaften und chromatische Beziehungen mit strenger Ökonomie Seine Metascapes und digitalen Erfahrungen hinterfragen eher die Wahrnehmung als die einfache Darstellung.
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#67
KG Subramanyan
Subramanyan verbindet Malerei, Terrakotta, umgekehrtes Glas, Spielzeug und Erzähltradition Sein Humor und seine Pädagogik fordern die Trennung zwischen bildender Kunst, Handwerk und Alltagskultur heraus.
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#68
Lalita Lajmi
Lajmi zeigt Frauen, Familien und Doppelgänger in Räumen, die Theaterkulissen ähneln. Sein präzises Aquarell erforscht Verlangen, Einsamkeit und soziale Zwänge ohne eindeutige Erzählung.
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#69
Viswanadhan
Viswanadhan baut geometrische Mandalas, die von den fünf Elementen und der Ritualarchitektur genährt werden. Zwischen Kerala und Paris verwandelt seine Farbe das Gitter in einen Schwingungsraum und nicht in ein geschlossenes System.
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#70
Sujata Bajaj
Bajaj überlagert Pigmente, Fasern, Schrift und farbige Rhythmen auf sehr physischen Oberflächen Seine Werke verbinden gestische Energie, indisches Gedächtnis und die Erfahrung des Lebens zwischen mehreren Ländern.
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#71
Bhajju Shyam
Bhajju Shyam übersetzt London, Reisen und das zeitgenössische Leben durch visuelle Metaphern. Seine Zeichnung zeigt, dass eine lebendige Tradition die Weltstadt absorbieren kann, ohne ihre Erzähllogik zu verlieren.
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#72
Rina Banerjee
Banerjee montiert Malerei, Textilien, Objekte und organische Materialien, um Migration und Verlangen hervorzurufen Seine üppigen Formen verweigern feste Identitäten und machen die globale Zirkulation von Bildern sichtbar.
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#73
Guillermo Kuitca
Kuitca transponiert Karten, Theaterpläne und Transportnetze auf Leinwand, Matratzen oder abstrakte Flächen Der kollektive Raum wird zu einem intimen Bild von Bewegung, Abwesenheit und Erinnerung.
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#74
Marta Minujin
Minujin verwandelt Matratzen, Denkmäler, Medien und Menschenmengen in spektakuläre Ereignisse. Seine Pop-Arbeit nutzt Exzess und Humor, um Partizipation künstlerisches Material zu machen.
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#75
Carlos Alonso
Alonso stellt sich in einem prägnanten Gemälde der Kunstgeschichte, der politischen Gewalt und der argentinischen Erinnerung Seine ausdrucksstarke Zeichnung zerlegt Machtbilder, ohne die Komplexität des Körpers zu verlieren.
Entdecken Sie den KünstlerGebiete, Vermächtnisse und Margen
Ränge 76 bis 100 - Weitere Zentren für Malerei
Lateinamerikas, das indigene Kanada, Portugal, Griechenland, Osteuropa und außergewöhnliche Schöpfung vervollständigen eine bewusst plurale Kartographie des Jahrhunderts.
#76
Antonio Segui
Segui bevölkert seine Städte mit eiligen, mit Hut und anonym besetzten Charakteren, gefangen in Massenbewegungen Seine beißende Zeichnung verbindet Humor, soziale Satire und kritische Distanz zu urbanen Automatismen.
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#77
Sarah Grilo
Grilo überlagert Zeichen, Zahlen, Graffiti und farbige Felder wie die Spuren einer durchquerten Stadt Seine Abstraktion hält ein Spannungsverhältnis zwischen grafischer Ordnung und unvorhersehbarer Zirkulation aufrecht.
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#78
Gabriel Orozco
Orozco geht von einer Geste, einem Objekt oder einem kreisförmigen Muster aus, um die Grenzen zwischen Zeichnung, Malerei, Skulptur und Fotografie mit einer spielerischen Ökonomie zu verschieben.
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#79
Francisco Toledo
Toledo verwandelt Insekten, Leguane, Körper und zapotekische Mythen in erfinderisches Material und verteidigt gleichzeitig konsequent das kulturelle Erbe von Oaxaca.
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#80
Gilberto Aceves Navarro
Aceves Navarro zerbricht Silhouetten, Pferde und Menschenmassen mit schnellem Zeichnen; Seine Malerei behält die Energie des Ateliers, des Theaters und des Unterrichts.
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#81
Kent Monkman
Monkman lenkt die große Historienmalerei ab, um Kolonialismus, Museen, Gewalt und der Widerstandsfähigkeit der Ureinwohner entgegenzutreten. Ihre Figur der Miss Chief wirft Standpunkte um und zwingt eine Cree-, queere und souveräne Erzählung durch.
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#82
Alex Colville
Colville konstruiert Alltagsszenen von fast mathematischer Präzision, bei denen ein Detail ausreicht, um Sorgen zu erzeugen Figuren, Tiere, Straßen und Ufer werden zu Elementen eines stillen Realismus, angespannt durch Warten.
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#83
Mary Pratt
Pratt verwandelt Gelee, Fisch, Folie und Haushaltsgegenstände in intensive Lichtshows Seine Präzision offenbart die Sinnlichkeit und Spannung, die in alltäglichen Aufgaben und Räumen verborgen sind.
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#84
Daphne Odjig
Odjig kombiniert fließende Kurven, flache Farbflächen und Anishinaabe-Geschichten, um über Familie, Spiritualität und Kolonialgeschichte zu sprechen. Mitbegründerin von Professional Native Indian Artists Inc. eröffnet sie wesentliche Räume für indigene Künstler.
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#85
Norval Morrisseau
Morrisseau begründete eine Bildsprache, wo schwarze Konturen, kräftige Farben und Kraftlinien die Beziehungen zwischen den Wesen sichtbar machten, seine Arbeit der Anishinaabe veränderte die Kunstgeschichte in Kanada nachhaltig und bekräftigte die Erzählsouveränität.
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#86
Vivian Suter
Suter lässt Regen, Schlamm, Blätter und Feuchtigkeit seine großen Leinwände in seinem subtropischen Garten verwandeln, frei hängend, komponieren sie eine bildliche Umgebung, in der Natur und Werkstatt zusammen agieren.
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#87
Arnulf Rainer
Rainer überzieht Fotografien und Zeichnungen mit Schlieren, Kreuzen und dichten Gesten und macht das Löschen zu einer ebenso physischen wie meditativen Bildhandlung.
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#88
Pedro Cabrita Reis
Pedro Cabrita Reis behandelt Malerei, Skulptur und Architektur als Fragmente derselben BaustelleTüren, Fenster, Neonlichter und farbige Flächen hinterfragen die Art und Weise, wie ein Körper den Raum bewohnt, misst und rekonstruiert.
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#89
Jorge Martins
Jorge Martins erforscht, was im Licht erscheint und verschwindet Zeichnungen, Leinwände und lange Serien reduzieren das Bild manchmal auf eine Schwelle, eine Reflexion oder eine fast leere Struktur und laden den Blick zum Abbremsen ein.
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#90
Julio Pomar
Julio Pomar weigert sich, sich auf eine Formel einzulassen: Militanter Neorealismus, Stierkampfszenen, Schriftstellerporträts und gestische Malerei folgen aufeinander Seine schnelle Linie hält Körper und Bewegung überall im Mittelpunkt des Bildes.
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#91
Juliao Sarmento
Juliao Sarmento arbeitet an dem Bild als unvollständige Erinnerung Weibliche Silhouetten, Texte, schwebende Gesten und große weiße Hintergründe komponieren ein Theater der Begierde, in dem jedes Detail mit einer fehlenden Geschichte aufgeladen scheint.
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#92
Helena Almeida
Helena Almeida bringt ihren eigenen Körper in das fotografierte Gemälde ein Blaue Linien, rote Flecken und choreografierte Gesten verwischen die Grenzen zwischen Malerei, Fotografie und Performance, während sie den physischen Platz des Künstlers im Werk in Frage stellen.
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#93
Alekos Fassianos
Fassianos erfindet Radfahrer, Raucher und geflügelte Profile in kräftigen Farben, zwischen antiker Vase, Plakat und urbaner Szene Sein kontinuierliches Design verleiht dem athenischen Alltag eine unmittelbar mythische Dimension.
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#94
Panayiotis Tetsis
Tetsis bleibt der Beobachtung treu und gibt gleichzeitig Farbe und Berührung in ihren Ansichten von Hydra, Märkten und Stillleben frei. Es stellt griechisches Licht ohne Bildhaftigkeit durch kraftvolle und strukturierte chromatische Beziehungen wieder her.
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#95
Dimitris Mytaras
Mytaras wechselt vom Fotorealismus zu einer nervösen Figuration, die von Zeichnung, Kontrasten und scharfen Farben dominiert wird Porträts, Automobile und Szenen der Macht werden für ihn zu Instrumenten der Gesellschaftskritik.
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#96
Ilja Kabakow
Der entscheidende Punkt in Ilja Kabakow ist seine Bildachse: die installierte Erinnerung Der Mann, der ins All flog, dient als direktester Einstiegspunkt; die Toiletten legen die Methode offen; Alben eröffnen dem Künstler den breiteren Ehrgeiz.
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#97
Erik Bulatov
Der entscheidende Punkt bei Erik Bulatov ist seine Bildachse: Text-Raum Als direktester Einstiegspunkt dient die Herrlichkeit an die KPdSU; Horizont legt die Methode offen; ich lebe, ich sehe öffnet den breiteren Ehrgeiz des Künstlers.
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#98
Oleg Wassiljew
Wassiljew öffnet seine Bildräume mit mächtigen Lichtstrahlen Privates Gedächtnis, sowjetische Landschaft und Begriffskonstruktion überschneiden sich.
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#99
Bridget Riley
Riley verwandelt Linien, Kurven und Intervalle in visuelle Ereignisse Seine ersten Schwarz-Weiß-Gemälde bringen das Auge aus dem Gleichgewicht; seine farbenfrohen Werke studieren dann chromatische Wechselwirkungen mit einer Präzision, die zutiefst sensibel bleibt.
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#100
Michel Nedjar
Nedjar-Puppen werden geknotet, gebeizt, eingewickelt und dann manchmal in Bäder aus Erde und Pigmenten getaucht. Sie tragen eine fleischliche Reflexion über die Erinnerung, das Verschwinden und das Überleben von Körpern.
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Die zeitgenössische Malerei vertiefen
Museumssammlungen, Künstlerinterviews und Ressourcen für Werke ermöglichen es, die tatsächliche Materialität der Gemälde, ihren Produktionskontext und die Debatten, an denen sie teilnehmen, zu vergleichen.
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Die Malerei des 21. Jahrhunderts hat kein einziges Gesicht - und das ist ihre Stärke
Dass sich eine Praxis über Jahrzehnte wiederholen lässt, zeigen Hockney, Richter, Kusama und Kiefer Marshall, Dumas, Doig, Tuymans, Mehretu und Bradford verlagern das Gewicht der Geschichte, des Archivs oder der Karte in die Oberfläche Saville, Yiadom-Boakye, Wiley, Sherald und Akunyili Crosby ordnen das Porträt neu: Die von ihnen gemalten Körper und Innenräume korrigieren die Abwesenheiten der Kunstgeschichte ebenso wie sie neue Präsenzen erfinden.
Vom aufmerksamen Realismus Liu Xiaodongs bis zu den optischen Abstraktionen Rileys, von den Anichinab-Welten Morrisseaus und Odjigs bis hin zur indischen, lateinamerikanischen, portugiesischen und griechischen Szene beschreibt diese Einteilung weniger eine feste Hierarchie als ein fruchtbares Spannungsfeld, die Malerei bleibt in einem Universum von Momentanbildern, Material in einer digitalen und lokalen Umgebung innerhalb eines globalisierten Marktes, langsam Gerade diese Fähigkeit, Widersprüche zu begrüßen, erlaubt es ihr, zeitgemäß zu bleiben.
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