Top 100 - berühmte Porträts
100 berühmte Porträts in der Malerei, die einen hart anstarren
Von der Mona Lisa über Vermeer, Klimt, Van Gogh, Modigliani, Renoir und Rembrandt: hundert gemalte Gesichter, die etwas über uns zu wissen scheinen.
Ein gelungenes Porträt zeigt nicht nur ein Gesicht: Es stellt eine Präsenz her, kurz gesagt, hier schmücken die Gemälde nicht nur die Wand: Sie beobachten, wie Sie überprüfen, ob Sie Ihr Wohnzimmer aufgeräumt haben.
Das Gesicht betritt die Szene
Hundert Blicke, kein Kaffee bricht
Porträt ist eine der direktesten Gattungen der Malerei Eine Landschaft kann uns einladen, ein Stillleben kann uns vor einen Tisch halten, aber ein Porträt fängt uns an den Augen Wir suchen nach einer Person, einem sozialen Rang, einer Emotion, einem Geheimnis, manchmal einem kleinen Schmollmund, der deutlich sagt, dass das Modell an diesem Tag Besseres zu tun hatte Von der Renaissance bis zur modernen Kunst dient die Porträtmalerei dazu, Macht, Liebe, Erinnerung, Schönheit, Zerbrechlichkeit und das menschliche Ego in seiner ganzen Pracht zu zeigen...
Ein gelungenes Porträt sieht nicht nur aus wie: Es organisiert ein TreffenDas Model schweigt, was sie zumindest daran hindert, den Besuch zu unterbrechen.Wechseln Sie zu Bildern
Einteilung in Bilder
Zu Universalbildern gewordene Porträts eröffnen die Strecke mit einer nur schwer umgehbaren Präsenz.
#1
Die Mona Lisa
Dieses Anfang des 16. Jahrhunderts von Leonardo da Vinci gemalte Porträt verdankt seine Stärke ebenso viel Mysterium wie Technik: zurückhaltendes Lächeln, unmögliche Landschaft, ein Blick, der dem Besucher folgt, als hätte er die Akte gelesen Über "Die Mona Lisa" kommt das Vergnügen auch daher, dass das Werk sich weigert, alles zu erklären; sie gibt genügend Hinweise, um das Auge zu lenken, behält dann ein Element der Zurückhaltung, wie ein Model, das ihr bestes Profil sehr gut kennt.
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#2
Das Mädchen mit einem Perlenohrring
Das um 1665 entstandene Mädchen mit dem Perlenohrring ist kein offizielles Porträt sondern eine Fantasiefigur, Vermeer konzentriert alles im Licht, den Mund halb offen und diese Perle, die seinen Job als Diva sehr gut macht Über "Das Mädchen mit dem Perlenohrring" gibt es auch einen guten Grund, das Scrollen zu verlangsamen; das Gemälde ist nicht dazu da, die hundertste Kiste zu füllen: Es fügt eine Nuance, eine Ära, manchmal sogar eine etwas wohlerzogene Unverschämtheit hinzu.
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#3
Die Arnolfini-Ehepartner
Les Époux Arnolfini datiert 1434 verwandelt ein bürgerliches Interieur in ein gelehrtes Rätsel Spiegel, Hund, Leuchter, Unterschriften: Van Eyck füllt den Raum mit Hinweisen, wie ein Detektivroman in flämischen Hausschuhen Über "Die Arnolfini-Bräute" verdient die Komposition Beachtung: Sie ordnet die Massen, die Pausen und die kleinen leuchtenden Akzente mit einer Präzision, die auf den zweiten Blick besser wahrgenommen wird als auf den ersten.
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#4
Porträt von Adèle Bloch-Bauer I
Dieses Anfang des 20. Jahrhunderts in Wien in Auftrag gegebene Porträt von Adèle Bloch-Bauer mischt echtes Gesicht und fast byzantinische goldene Oberfläche, seine Geschichte der Enteignung dann Restitution fügt dem Gemälde eine schwere Erinnerung unter dem Gold hinzuÜber "Porträt von Adèle Bloch-Bauer I" verdient die Komposition Beachtung: Sie organisiert die Messen, die Pausen und die kleinen leuchtenden Akzente mit einer Präzision, die auf den zweiten Blick besser wahrgenommen wird als auf den ersten.
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#5
Frau
Im Salon von 1884 ausgestellt, empörte Madame X Paris mit einer Kühnheit, die heute fast majestätisch wirkteSargent verwandelte Virginie Gautreau in eine kalte, brillante, soziale Silhouette: die Art von Kleid, das weiß, wie man Geschichte schreibt Über "Madame X" gewinnt das Bild an Tiefe, wenn wir die Wahlmöglichkeiten von Pose, Dekor und Licht beobachten; sie sind es, die das Motiv in ein Seherlebnis verwandeln, nicht nur in ein Miniaturbild, um eine Liste abzuhaken.
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#6
Anordnung in Grau und Schwarz n°1
In "Arrangement in Grey and Black n°1" konstruiert James Abbott McNeill Whistler eine Szene mit einem unmittelbar sensiblen Charakter; das Licht verteilt die Rollen mit leiser Autorität "Arrangement in Grey and Black n°1" von James Abbott McNeill Whistler sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig solider ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Arrangement in Grey and Black n°1" kann uns wegen seiner Ruhe oder seiner Brillanz gefallen, sondern sein Outfit stammt hauptsächlich von der Art und Weise, wie James Abbott McNeill Whistler den Blick organisiert.
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#7
Porträt von Dr. Gachet mit Fingerhutzweig
1890 in Auvers-sur-Oise gemalt, trägt Doktor Gachet die Müdigkeit und Sorge der letzten Monate Van Goghs, mit gesenktem Ellenbogen, tiefem Blick, Fingerhut: Alles scheint mit großer Anstrengung zusammenzupassen Über "Porträt Dr. Gachet mit Fingerhutzweig", in einer schönen Reproduktion, sind es diese Details, die den Unterschied ausmachen: das Material, die Basis des Modells, das Verhältnis von Hintergrund und Figur, und diese kleine Extraseele, die den Postkarteneffekt vermeidet.
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#8
Selbstporträt
Rembrandt verwandelt in "Selbstbildnis" ein erkennbares Muster in ein Seherlebnis; Tonverhältnisse begründen eine Tiefe ohne Lärm Für Rembrandts "Selbstbildnis" kommt Stärke weniger durch einen Brillanzausbruch als durch eine Balance: genügend Struktur, um das Auge zu führen, genügend Atmung, um die Szene leben zu lassen "Selbstbildnis" bringt die Figur eine andere Art von Präsenz: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Selbstbildnis" bringt die Figur eine andere Art von Präsenz, Kostümbild, Gesicht oder Geste nicht hervor "das kann das Landschaftsbild allein schon" von Rembrandt eine andere Art von Gesichtsbildnis erzeugen.
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#9
La Fornarina
La Fornarina wird dem Lebensende Raffaels zugeschrieben und verbindet Sinnlichkeit, Signatur und LiebeslegendeDas Gemälde nährte den Mythos des verliebten Künstlers sehr, was beweist, dass die Renaissance bereits das Erzählen verstand Über "La Fornarina", in einer schönen Reproduktion, sind es diese Details, die den Unterschied ausmachen: das Material, die Basis des Modells, die Beziehung zwischen Hintergrund und Figur, und diese kleine zusätzliche Seele, die den Postkarteneffekt vermeidet.
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#10
Porträt von Baldassare Castiglione
Raphael malt Baldassare Castiglione als Ideal des humanistischen Höflings: Zurückhaltung, Intelligenz, Eleganz ohne Lärm Das Porträt macht fast Lust, die Stimme zu senken, um den Samt nicht zu beleidigen Über "Porträt von Baldassare Castiglione" erinnert uns dieses Gemälde daran, dass der Ruhm eines Werkes nicht immer von einem großen Donnerschlag herrührt; manchmal liegt es an einer exakten Balance zwischen Erinnerung, Stil und visueller Intensität.
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#11
Porträt von Ginevra de' Benci
Ein florentinisches Jugendporträt, Ginevra de' Benci zeigt bereits Leonardos Kunst für feine Übergänge und gedankliche Landschaften, Juniper spielt mit dem Namen des Modells: Auch die Renaissance mochte gute Wortspiele Über "Porträt von Ginevra de' Benci", in einer schönen Reproduktion, sind es diese Details, die den Unterschied ausmachen: das Material, die Basis des Modells, die Beziehung zwischen Hintergrund und Figur, und diese kleine zusätzliche Seele, die den Postkarteneffekt vermeidet.
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#12
Porträt eines Musikers
Dieses Leonardo da Vinci zugeschriebene Porträt behält eine seltene Spannung zwischen Gesicht, Partitur und Stille, wir wissen nicht alles über sein Modell, aber das Bild zeigt bereits, wie die Malerei einen Gedanken im Erscheinungsprozess suggerieren kann Über "Porträt eines Musikers", bringt das Gemälde eine andere Farbe auf die Reise; nach den unmittelbaren Ikonen zeigt es, wie die Malerei eine langsamere, aber nicht weniger einprägsame Präsenz etabliert.
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#13
Madame Récamier
Gemalt im Jahr 1800, installiert Madame Récamier das weltliche Porträt in einer fast theatralischen neoklassizistischen Einfachheit David ersetzt Pomp durch eine klare Linie: Das Sofa erledigt den Rest mit großer Würde Über "Madame Récamier" liegt die Stärke des Bildes in seiner Fähigkeit, klar zu bleiben und dabei die Tiefe zu bewahren; es ist genau die Art von Malerei, die einfach aussieht, bis man wirklich anfängt, es zu betrachten.
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#14
Selbstporträt mit bandagiertem Ohr
Nach der Arles-Krise von 1888 malte Van Gogh dieses Selbstporträt als Wiedererlangung der KontrolleDie Bandage ist da, aber die Leinwand spricht auch von einer Werkstatt, von japanischer Farbe und von einem wieder arbeitenden Künstler Über "Selbstporträt mit bandagiertem Ohr", bringt der Eingang bei diesem Spaziergang einen nützlichen frischen Wind: ein Bild, das wir nach seinem Motiv, aber auch nach der Art und Weise, wie das Gemälde Präsenz schafft, betrachten können.
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#15
Die Lodge
Mit La Loge malt Renoir Theater als soziale Szene ebenso wie als SpektakelDas Paar schaut und weiß, dass es angeschaut wird: Die weltliche Moderne liegt hier in Ferngläsern, Blumen und einem leichten Duft der RepräsentationÜber "La Loge" liegt die Stärke des Bildes in seiner Fähigkeit, klar zu bleiben und dabei die Tiefe zu bewahren; es ist genau die Art von Malerei, die einfach aussieht, bis man wirklich anfängt, es zu betrachten.
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#16
Porträt der Anna von Kleve
In "Bildnis Anna von Kleve" verwandelt Hans Holbein der Jüngere ein erkennbares Motiv in ein Seherlebnis; die Palette führt die Aufnahmen zusammen, ohne die Szene zu verflachen "Bildnis Anna von Kleve" von Hans Holbein dem Jüngeren wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben "In" Porträt Anna von Kleve dem Jüngeren Bild gibt die Figur dann die Anwesenheit von Holbe, die dann die wahre Gestalt von Hans bringt"
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#17
Porträt von Alof de Wignacourt
In "Porträt Alof von Wignacourt" stellt Caravaggio das Thema auf die Probe einer sehr persönlichen Rahmung; das Bildmaterial verleiht den ruhigsten Bereichen Gewicht "Porträt Alof von Wignacourt" von Caravaggio sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Porträt Alof von Wignacourt" von Caravaggio verwandelt sich nicht nur durch die Schwerkraft in eine Silhouette des Lichtes, sondern das Detail verwandelt sich in ein "Porträt Alofignacourt"
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#18
Porträt von Irène Cahen aus Antwerpen
Kinderporträt im Auftrag einer großen Pariser Bankiersfamilie, Irène Cahen aus Antwerpen, zeigt das zarteste Renoir Locken, helle Haut, ruhiger Blick: Alles wirkt weich, aber die Präsenz ist sehr konstruiert Über "Porträt von Irène Cahen aus Antwerpen" gewinnt das Bild an Tiefe, wenn wir die Wahlmöglichkeiten von Pose, Dekor und Licht beobachten; sie sind es, die das Motiv in ein Seherlebnis verwandeln, nicht nur ein Miniaturbild, um eine Liste abzuhaken.
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#19
Porträt von Jeanne Samary
Jeanne Samary, Schauspielerin der Comedie-Française, wird für Renoir zu einer rosa, lebendigen und weltlichen Erscheinung, das Porträt erzählt so viel von einem Menschen wie ein Paris des Spektakels, mit einem Lächeln als Hauptaccessoire, über "Portrait of Jeanne Samary", die Stärke des Bildes liegt in seiner Fähigkeit, klar zu bleiben und dabei Tiefe zu bewahren; es ist genau die Art von Malerei, die einfach aussieht, bis man wirklich anfängt, es zu betrachten.
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#20
Porträt von Andrea Doria als Neptun
In "Porträt Andrea Doria als Neptun" konstruiert Bronzino eine Szene mit einem sofort sensiblen Charakter; die Palette führt die Aufnahmen zusammen, ohne die Szene zu verflachen Für Bronzinos "Porträt Andrea Doria als Neptun" sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die deutlich solider ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Porträt Andrea Doria als Neptun" ist es nicht nur eine in einem schönen Licht gestellte Silhouette; die Figur wird zum Mittelpunkt der Schwerkraft, das Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandelt "Porträt Andrea Dorias als Neptun" können wir vor allem wegen seines ruhigen Outfits lieben.
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#21
Jeanne Hebuterne mit dem großen Hut
In "Jeanne Hebuterne au grand hat" verwandelt Amedeo Modigliani Pose oder Geste in echte Architektur; die Details verzögern das Lesen gerade so weit, dass es interessant wird "Jeanne Hebuterne au grand hat" von Amedeo Modigliani zählt auf der Skala des Bildes diese Singularität sehr: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eifriger Blicke Das Interesse von "Jeanne Hébuterne au grand hat" bei Amedeo Modigliani ist auf diesen konkreten Unterschied zurückzuführen: Das Motiv verändert den Rhythmus des Blicks und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#22
Porträt von Ambroise Vollard
Paul Cézanne macht in "Portrait of Ambroise Vollard" das Motiv zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; die Rahmung verschärft, was wirklich Aufmerksamkeit verdient "Portrait of Ambroise Vollard" verwandelt das Porträt von Ambroise Vollard den großen Kunsthändler in eine dichte und meditative Präsenz In dieser Version von "Portrait of Ambroise Vollard" konstruiert Cézanne das Gesicht in Aufnahmen, fast Stein für Stein, das große Kunsthändler in eine dichte und meditative Präsenz verwandelt, die dem Modell Berg Geduld in dieser Version von "Porträt von Ambroise Vollard" verleiht.
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#23
Jeanne Kefer
In "Jeanne Kéfer" stellt Fernand Khnopff vom ersten Blick an eine diskrete Spannung her; die Farbe regelt dann die Temperatur des Ganzen "Jeanne Kéfer" von Fernand Khnopff gibt der Titel bereits einen konkreten Bezugspunkt für das Lesen des Bildes: Motiv, Ort, Licht oder Handlung lenken den Blick, bevor das Bildmaterial seine Arbeit verrichtet "Jeanne Kéfer" können wir wegen seiner Ruhe oder Brillanz lieben, aber sein Outfit kommt hauptsächlich von der Art und Weise, wie Fernand Khnopff den Blick organisiert.
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#24
Schlaflied: Madame Augustine Roulin wiegt eine Wiege (La Berceuse)
Augustine Roulin, Ehefrau des Postboten Joseph Roulin, wird in Van Gogh zu einer ruhigen und fast hypnotischen Präsenz La Berceuse gehört zur arlesischen Verwandtschaftsgalerie, wo jedes Gesicht eine moralische Farbe zu tragen scheint Über "Wiegenlied: Madame Augustine Roulin wiegt eine Wiege (La Berceuse)", hier kommt es auf die Art und Weise an, wie Vincent van Gogh menschliche Präsenz, gemalte Oberfläche und diskrete Spannung zusammenbringt; das Werk rezitiert nicht seine Bedeutung, es lässt es durchdringen.
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#25
Porträt des Postboten Joseph Roulin
Postbote Joseph Roulin ist eines von Van Goghs großen Modellen in Arles Bart, einheitlicher, dekorativer Hintergrund: Das Porträt vereint Freundschaft, Republik und japanischen Geschmack, ohne dabei einen sehr in seine Mission investierten Schnurrbart zu vergessen Über "Porträt des Postboten Joseph Roulin" liegt die Stärke des Bildes in seiner Fähigkeit, bei gleichzeitiger Wahrung der Tiefe klar zu bleiben; genau diese Art von Malerei sieht einfach aus, bis man wirklich anfängt, es zu betrachten.
Entdecken →Kostüme, Kulissen und Einstellungen erzählen so viel über die Gesellschaft wie der Mensch, der vor dem Maler sitzt.
#26
Porträt von Paul Guillaume
Amedeo Modigliani ordnet in "Porträt Paul Guillaume" das Motiv, ohne es auf einen Vorwand zu reduzieren; der Kontrast ordnet die Szene, noch bevor wir die Details lesen "Porträt Paul Guillaume" von Amedeo Modigliani findet das Auge nicht nur einen Grund zur Verlangsamung: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Porträt Paul Guillaume" von Amedeo Modigliani wird es nicht nur zu einer Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird" von A. Schwerkraft
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#27
Beatrice Hastings vor einer Tür
Amedeo Modigliani sucht in "Beatrice Hastings vor einer Tür" eine Präsenz, die sich dem einfachen Titel widersetzt; der Standpunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung "Beatrice Hastings vor einer Tür" von Amedeo Modigliani sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die deutlich fester ist als ein hübscher undokumentierter Nebel "Beatrice Hastings vor einer Tür" von Amedeo Modigliani gibt der Titel bereits einen konkreten Bezugspunkt für die Lektüre des Bildes: Motiv, Ort, Licht oder Handlung lenken den Blick, bevor das Bildmaterial für seine Arbeit "Beatrice Borst" ruht.
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#28
Porträt von Suzanne Valadon
Toulouse-Lautrec malte Suzanne Valadon, bevor sie sich als Künstlerin etablierteDas Porträt behält diese Energie von Montmartre bei, wo die Models hinschauen, lernen, arbeiten und manchmal am Ende den Pinsel nehmen Über "Porträt von Suzanne Valadon", hier kommt es darauf an, wie Henri de Toulouse-Lautrec menschliche Präsenz, gemalte Oberfläche und diskrete Spannung zusammenbringt; das Werk rezitiert nicht seine Bedeutung, es lässt es durchdringen.
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#29
Madame Charpentier und ihre Kinder
Pierre-Auguste Renoir gibt in "Madame Charpentier und ihre Kinder" dem Blick einen klaren Einstiegspunkt; das Bildmaterial verleiht den ruhigsten Gegenden Gewicht "Madame Charpentier und ihre Kinder" von Pierre-Auguste Renoir bringt die Figur eine andere Art von Präsenz: Haltung, Kostüm, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen konnte Das Interesse von "Madame Charpentier und ihre Kinder" an Pierre-Auguste Renoir bringt eine andere Art von Präsenz: Haltung, Kostüm, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen könnte Das Interesse von "Madame Charpentier und ihren Kindern" ändert sich in der konkreten Formel Pierre-Auguste-Rhythmus.
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#30
Madame E.E.douard Manet im Gewächshaus
In "Madame Édouard Manet im Gewächshaus", Édouard Manet vermeidet das austauschbare Bild und behauptet einen sauberen Ton; Bildmaterial gibt den leisesten Bereichen Gewicht "Madame Édouard Manet im Gewächshaus" von Édouard Manet lässt zu, dass die Stärke weniger von einem Brillanzstoß als von einer Balance ausgeht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Madame Édouard Manet im Gewächshaus" von Édouard Manet bleibt so nah wie möglich an einer Präsenz, die manadouet folgt oder bleibt
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#31
Marie Buloz Pailleron (Madame Édouard Pailleron)
In "Marie Buloz Pailleron (Madame Édouard Pailleron)" stellt John Singer Sargent vom ersten Blick an eine diskrete Spannung her; Hohlräume zählen ebenso wie Figuren und vermeiden jede Schwere "Marie Buloz Pailleron (Madame Édouard Pailleron)" von John Singer Sargent zählt auf der Skala des Bildes viel: Es vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke" In "Marie Buloz Pailleron (Madame Édouard Pailleron) zählt der große Austausch von Sarent zu sehr Marie Buloz Pailleron (Madame Édouard Pailleron)" für ihre Ruhe oder ihre Brillanz, aber ihr Outfit kommt hauptsächlich von der Art und Weise, wie John Singer Sargent den Look organisiert.
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#32
Miss Beatrice Townsend
In "Mademoiselle Béatrice Townsend" verwandelt John Singer Sargent ein erkennbares Motiv in ein Seherlebnis; die Massen geben der Komposition ihren inneren Rhythmus "Mademoiselle Béatrice Townsend" von John Singer Sargent kommt die Kraft weniger durch einen Brillanzausbruch als durch ein Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Mademoiselle Béatrice Townsend" von John Singer Sargent bringt die Figur allein eine andere Art von Haltung hervor, die Sardente-Geste bringt.
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#33
Porträt von Agnolo Doni
In "Porträt von Agnolo Doni" vermeidet Raphaael Sanzio das austauschbare Bild und behauptet einen sauberen Ton; die gemalte Oberfläche behält eine Spannung, die das Motiv allein nicht erklären würde "Porträt von Agnolo Doni" von Raphaael Sanzio wird die Komposition in Stufen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Porträt von Agnolo Donoli posiert es nur in ein"
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#34
Porträt von Maddalena Doni
In "Porträt von Maddalena Doni" führt Raphaael Sanzio den Blick durch eine Reihe von perfekt sichtbaren Entscheidungen; das Bildmaterial gibt den ruhigsten Bereichen Gewicht "Porträt von Maddalena Doni" von Raphaael Sanzio findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Porträt von Maddalena Doni" von Raphael lässt sich so nah wie möglich an einer Präsenz von Sanzal folgen"
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#35
Porträt von Emilie Flöge
In einem "Porträt der Emilie Flöge" gibt Gustav Klimt dem Alltag eine Dichte, um die er sich nicht gebeten hatte; die Details verzögern das Lesen gerade so weit, dass es interessant wird "Porträt der Emilie Flöge" von Gustav Klimt, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität sehr viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke "Das Porträt der Emilie Flöge" von Gustav Klimt lässt auf Abstand oder auf menschliche Nähe warten"
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#36
Porträt von Hermine Gallia
In "Porträt der Hermine Gallia" führt Gustav Klimt das Auge durch eine Reihe von perfekt sichtbaren Entscheidungen; die Tonverhältnisse begründen eine Tiefe ohne Lärm "Porträt der Hermine Gallia" von Gustav Klimt findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Kante, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "In" Porträt der Hermine Gallia" von Gustav Klimt könnte die Figur eine andere Art von Präsenz, eine Bank, ein Profil oder einen Kontrast erzeugen, der dem Gemälde allein die Haltung, das Gesicht oder die Landschaft nicht eine andere Spannung verleihen könnte.
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#37
Die Frau mit dem rosa Schuh (Berthe Morisot)
In "Die Frau mit dem rosa Schuh (Berthe Morisot)", Édouard Manet verwandelt ein erkennbares Motiv in ein Seherlebnis; sekundäre Gesten erzählen fast so viel wie das Hauptthema "Die Frau mit dem rosa Schuh (Berthe Morisot)" von Édouard Manet lässt das Auge einen genauen Grund zur Entschleunigung finden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Die Frau mit dem rosa Schuh (Berthe Morisot)" von Édouard Manet bleibt so nah wie möglich an der Person.
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#38
Porträt von Fritza Riedler
Gustav Klimt bewegt in "Bildnis Fritza Riedler" ein konkretes Sujet in Richtung eines mehrdeutigen Bildes; der Blick zirkuliert zwischen Struktur, Material und kleinen Ausdruckslücken "Bildnis Fritza Riedler" von Gustav Klimt sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die deutlich fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Bildnis Fritza Riedler" von Gustav Klimt ist nicht nur eine in schönem Licht gestellte Silhouette; die Figur wird zum Schwerpunkt, das Detail verwandelt die Atmosphäre in ein Begegnung "Porträt von Fritza Riedhoutet" wird das Interesse nicht nur in ein schönes Gravitationszentrum.
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#39
Porträt von Madame Manet
In einem "Porträt der Madame Manet" verwandelt EMedouard Manet Pose oder Geste in wahre Architektur; die gemalte Oberfläche behält eine Spannung, die das Motiv allein nicht erklären würde "Porträt der Madame Manet" von E.E.douard Manet, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In "Porträt der Madame Manet" von E.E.douard Manet wird die Begegnung nicht nur in ein schönes Detail verwandelt; es wird nicht nur zu einer Silhouette des Interesses der Schwerkraft
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#40
Frau mit Fan
In "Frau mit Fächer" gibt Francisco de Goya dem Alltag eine Dichte, die er sich nicht gewünscht hatte; die Tonverhältnisse begründen eine Tiefe ohne Lärm "Frau mit Fächer" von Francisco de Goya will das Gemälde nicht nur hübsch sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Frau mit Fächer" von Francisco de Goya lässt es zu, dass das menschliche Subjekt so nah wie möglich an einer Präsenz von Francisco de Woman bleibt".
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#41
Die Arlesienne
Vincent van Gogh macht das Motiv in "L'Arlésienne" zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; das Bildmaterial verleiht den ruhigsten Gegenden Gewicht "L'Arlésienne" von Vincent van Gogh kommt die Kraft weniger aus einem Brillanzstoß als aus einem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "L'Arlésienne" von Vincent van Gogh, die Kraft kommt weniger aus einem Brillanzstoß, als Vincent die Struktur live zu bescheren"
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#42
Miss Gachet am Klavier
In "Mademoiselle Gachet am Klavier" stellt Vincent van Gogh das Thema auf die Probe einer sehr persönlichen Rahmung; die Palette führt die Aufnahmen zusammen, ohne die Szene zu verflachen "Mademoiselle Gachet am Klavier" von Vincent van Gogh, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In "Mademoiselle Gachet am Klavier" von Vincent van Gogh wird aus der Begegnung nicht nur ein Silhouette, sondern aus dem Rhythmus ein schönes, durch das er zum Klavierinteresse gelegt wird "
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#43
Porträt von Adèle Besson
In "Porträt von Adèle Besson" stellt Pierre-Auguste Renoir das Subjekt auf die Probe einer sehr persönlichen Rahmung; die Diagonalen verleihen dem Subjekt eine Energie, die nicht hält "Porträt von Adèle Besson" von Pierre-Auguste Renoir, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität nicht viel: sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke "Diese große Krankheit der zu eiligen Kostümbildlichkeit allein" könnte bei Pierre-Auguste Renoir eine andere Haltung der Kostümbildlichkeit B.
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#44
Porträt von Eugen Boch
In einem "Porträt von Eugène Boch" stellt Vincent van Gogh auf den ersten Blick eine diskrete Spannung her; die Details verzögern das Lesen gerade so weit, dass es interessant wird "Porträt von Eugène Boch" von Vincent van Gogh, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In "Porträt von Eugène Boch" von Vincent van Gogh, auf der Skala des Bildes, wartet Vincent van Bochh, dass die menschliche Person nah bei uns bleibt "
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#45
Porträt von Armand Roulin
In "Porträt von Armand Roulin" führt Vincent van Gogh das Auge durch eine Reihe von perfekt sichtbaren Entscheidungen; die Diagonalen geben dem Motiv eine Energie, die nicht an Ort und Stelle bleibt "Porträt von Armand Roulin" von Vincent van Gogh lässt Kraft weniger von einem Brillanzschub als von einer Balance herrühren: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Porträt von Armand Roulin" von Vincent van Gogh lässt uns auf Distanz folgen, so nah wie möglich an einer Präsenz von Vincent van Armand wartet
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#46
Porträt von Alfred Sisley
In "Porträt Alfred Sisley" konstruiert Pierre-Auguste Renoir eine Szene mit einem unmittelbar sensiblen Charakter; die Zeichnung behält das Ganze bei, während sich die Atmosphäre einige Freiheiten nimmt "Porträt Alfred Sisley" von Pierre-Auguste Renoir sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel, in "Porträt Alfred Sisleys" von Pierre-Auguste lässt auf Distanz zu, die uns von Pierre-Auguste-Motiv als nahesteht
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#47
Porträt von Pater Tanguy
In "Porträt von Pater Tanguy" stellt Vincent van Gogh das Subjekt auf die Probe einer sehr persönlichen Rahmung; die Massen geben der Komposition ihren inneren Rhythmus "Porträt von Pater Tanguy" von Vincent van Gogh, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Motiveffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke "In" Porträt von Pater Tanguy bleibt uns auf Distanz, auf der Vincent van Ganguit, das menschliche Subjekt wie möglich bleibt"
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#48
Porträt der Patience-Treppe
In "Portrait of Patience Staircase" macht Vincent van Gogh das Motiv zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; die Rahmung verschärft, was wirklich Aufmerksamkeit verdient "Portrait of Patience Staircase" von Vincent van Gogh findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Kante, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Porträt der Patience Staircase" von Vincent van Gogh könnte die Figur eine andere Art von Präsenz, eine andere Art von Präsenz oder eine andere Art von Kostümbild erzeugen" nicht allein die Haltung von Staircase
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#49
Selbstporträt
Raphaael Sanzio verleiht in "Selbstporträt" dem Alltag eine Dichte, die er sich nicht gewünscht hatte; die Rahmung verschärft, was wirklich Beachtung verdient "Selbstporträt" von Raphaael Sanzio sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Selbstporträt" von Raphaiel Sanzi lässt sich so nah wie möglich an einer Präsenz, die Sanzait hält oder auf Abstand hält" lässt sich Sanzi, wie es möglich ist, von Sanzi auf einen bleiben
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#50
Porträt von Adeline Ravoux
In "Porträt Adeline Ravoux" bewegt Vincent van Gogh ein konkretes Subjekt in Richtung eines mehrdeutigen Bildes; der Blick zirkuliert zwischen Struktur, Material und kleinen Ausdruckslücken "Porträt Adeline Ravoux" von Vincent van Gogh, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke "In" Porträt Adeline Ravoux' von Vincent van Gogh bleibt uns nahe, so wie Vincent van Gogh es vermeidet" bleibt
Entdecken →Selbstporträts, geliebte Menschen, Sponsoren und Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens verschieben die Grenze zwischen Rolle und Person.
#51
Porträt von Alexander Reid
In "Porträt Alexander Reids" erinnert sich Vincent van Gogh an einen Moment, dessen Gemälde seine Dauer verlängert; der Aussichtspunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung Museum of Art, Norman; Maße: 41. x 33 cm cm "Porträt Alexander Reids" von Vincent van Gogh wird die Komposition in Etappen gelesen: erst das Muster, dann die Messen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben "Porträt Alexander Reids" posiert dann das wahre Tempo von Vincent van Gogh Somit eine klare visuelle Identität, ohne dass es einer großen rhetorischen Wirkung bedarf, um sie interessant zu machen.
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#52
Porträt von Madame Claude Monet
Pierre-Auguste Renoir stellt in "Porträt der Madame Claude Monet" vom ersten Blick an eine diskrete Spannung her; Hohlräume zählen ebenso wie Figuren und vermeiden jede Schwere "Porträt der Madame Claude Monet" von Pierre-Auguste Renoir sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Porträt der Madame Claude Monet" von Pierre-Auguste lässt auf Abstand zu einem Outfit von Pierre-Auguste warten, das uns in der Nähe des Themas folgt
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#53
Porträt von Doktor Rey
In "Porträt des Doktor Rey" verwandelt Vincent van Gogh ein erkennbares Motiv in ein Blickerlebnis; Hohlräume zählen ebenso wie Figuren und vermeiden jede Schwere "Porträt des Doktor Rey" von Vincent van Gogh ist das Auge nicht nur ein in ein schönes Licht gelegter Grund zur Entschleunigung: Eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Porträt des Doktor Rey" von Vincent van Gogh wird es nicht nur zu einer Silhouette, die die Atmosphäre durch die Schwerkraft in ein schönes Licht verwandelt".
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#54
Porträt von Agostina Segatori
In "Porträt der Agostina Segatori" ordnet Vincent van Gogh das Motiv, ohne es auf einen Vorwand zu reduzieren; die Diagonalen geben dem Motiv eine Energie, die dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "Porträt der Agostina Segatori" von Vincent van Gogh findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "Das Gesicht der Agostina Segatori" von Vincent van Gogh allein könnte eine andere Art von Präsenz, eine andere Haltung der Kostümbildnerfigur oder ein anderes Gesicht erzeugen
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#55
Porträt von Alphonsine Fournaise
In "Porträt der Alphonsine Fournaise" wählt Pierre-Auguste Renoir eine präzise Situation und schiebt sie über die Anekdote hinaus; Hohlräume zählen ebenso wie Figuren und vermeiden jede Schwere "Porträt der Alphonsine Fournaise" von Pierre-Auguste Renoir wird die Komposition in Etappen gelesen: erst das Motiv, dann die Messen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben Pierre-Augustine-Bildnis dann die wahren Passagen von Lesen Sie das Bildnis von Alphagusteise Bewahrt somit eine klare visuelle Identität, ohne dass eine große rhetorische Wirkung erforderlich ist, um sie interessant zu machen.
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#56
Porträt Johanna Staude
Gustav Klimt bewegt in "Bildnis Johanna Staude" ein konkretes Subjekt zu einem mehrdeutigen Bild; die Farbe regelt dann die Temperatur des Ganzen "Bildnis Johanna Staude" von Gustav Klimt bringt die Figur eine andere Art der Präsenz: Haltung, Tracht, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen konnte Das Interesse an "Bildnis Johanna Staude" von Gustav Klimt ist auf diesen konkreten Unterschied zurückzuführen: Das Motiv verändert den Blickrhythmus und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#57
Porträt von Amalie Zuckerkandl
Gustav Klimt sucht in "Bildnis Amalie Zuckerkandl" eine Präsenz, die sich dem schlichten Titel widersetzt; das Bildmaterial gewichtet die ruhigsten Gegenden "Bildnis Amalie Zuckerkandl" von Gustav Klimt erlaubt uns das menschliche Subjekt, Gustav Klimt so nah wie möglich an eine Präsenz zu folgen, die aus der Ferne schaut, liest, wartet oder bleibt "Bildnis Amalie Zuckerkandl" kann uns wegen seiner Ruhe oder seiner Brillanz gefallen, sein Halt rührt aber hauptsächlich von der Art und Weise her, wie Gustav Klimt den Blick organisiert.
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#58
Porträt von Jean Renoir, Kind
In "Porträt von Jean Renoir, Kind" macht Pierre-Auguste Renoir das Motiv zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; die Massen geben der Komposition ihren inneren Rhythmus "Porträt von Jean Renoir, Kind" von Pierre-Auguste Renoir wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Messen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben "In" Porträt von Jean Renoir, Kind" von Pierre-Auguste bringt Renoir dann die Figur des wahren Kindes" Eigene Stimmung auf dem Weg; die Leinwand atmet, aber sie kam nicht nur, um das Fenster zu öffnen.
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#59
Porträt von Fräulein Lieser
Gustav Klimt stellt das Subjekt in "Bildnis Mademoiselle Lieser" auf die Probe einer sehr persönlichen Rahmung; die klanglichen Beziehungen begründen eine Tiefe ohne Lärm In "Bildnis Mademoiselle Lieser" von Gustav Klimt bringt die Figur eine andere Art der Präsenz: Haltung, Tracht, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen konnte Das Interesse an "Bildnis der Mademoiselle Lieser" von Gustav Klimt ist auf diesen konkreten Unterschied zurückzuführen: Das Subjekt verändert den Blickrhythmus und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#60
Symphonie in Weiß n°1: das junge Mädchen in Weiß
In "Symphony in White n°1: The Girl in White" macht James Abbott McNeill Whistler das Motiv zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; die Tonverhältnisse begründen eine Tiefe ohne Rauschen "Symphony in White n°1: The Girl in White" von James Abbott McNeill Whistler wird die Komposition in Stufen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben "Symphony in White n°1: The Girl in White stages then" Symphonie in Weiß n°1: Das Mädchen in Weiß" von James Abbott McNeill Whistler bringt ihre eigene Stimmung auf die Reise; die Leinwand atmet, aber sie kam nicht nur, um das Fenster zu öffnen.
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#61
Porträt von Madame Allouard-Jouan
In "Porträt der Madame Allouard-Jouan" wählt John Singer Sargent eine bestimmte Situation und schiebt sie über die Anekdote hinaus; die Diagonalen geben dem Motiv eine Energie, die dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "Porträt der Madame Allouard-Jouan" von John Singer Sargent findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine geringe Autorität von Sarj folgt" bleibt dem Gemälde von Sarj nahe.
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#62
Büste einer lächelnden jungen Frau, vielleicht Saskia van Uylenburgh
In "Bust of a Smiling Young Woman, Maybe Saskia van Uylenburgh" hält Rembrandt einen Moment zurück, dessen Gemälde seine Dauer verlängert; die Details verzögern das Lesen gerade genug, um es interessant zu machen "Bust of a Smiling Young Woman, Maybe Saskia van Uylenburgh" von Rembrandt kommt die Kraft weniger aus einem Brillanzstoß als aus dem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Bust of a Smiling van Uylenburgh" von Rembrandt lebt die Struktur aus dem Gleichgewicht von einer atmenden Saskyl-Brust aus" Produzieren. "Büste einer lächelnden jungen Frau, vielleicht Saskia van Uylenburgh" von Rembrandt bewahrt damit eine klare visuelle Identität, ohne dass es einer großen rhetorischen Wirkung bedarf, um es interessant zu machen.
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#63
Selbstporträt
In "Selbstporträt" gibt John Singer Sargent dem Blick einen klaren Einstiegspunkt; der Kontrast ordnet die Szene, bevor wir überhaupt die Details lesen "Selbstporträt" von John Singer Sargent kommt es auf der Skala des Bildes sehr auf diese Singularität an: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In "Selbstporträt" von John Singer Sargent wird nicht nur eine Silhouette in einem schönen Licht gesetzt; in "Selbstporträt" von John Singer Sargent verweigert sie nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird; die Figur wird zum Mittelpunkt der Schwerkatmosphäre, das Detail, das zu einem transformierten Rhythmus wird.
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#64
Gold und Braun: Selbstporträt
In "Gold and Brown: Self-Portrait" verschiebt James Abbott McNeill Whistler ein konkretes Thema zu einem mehrdeutigen Bild; die Rahmung verschärft, was wirklich Aufmerksamkeit verdient "Gold and Brown: Self-Portrait" von James Abbott McNeill Whistler ist es nicht nur eine Silhouette, die in einem schönen Licht posiert; die Figur wird zum Schwerpunkt, das Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandelt Das Interesse von "Gold and Brown: Self-portrait" an James Abbott McNeill Whistler ist auf diesen konkreten Unterschied zurückzuführen: Das Motiv verändert den Rhythmus des Blicks und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#65
Eine junge Frau als Hirtin ("Saskia en Flora")
In "Eine junge Frau als Schäferin ("Saskia en Flora")" ordnet Rembrandt das Motiv, ohne es auf einen Vorwand zu reduzieren; die Palette führt die Aufnahmen zusammen, ohne die Szene zu verflachen "Eine junge Frau als Schäferin ("Saskia en Flora")" von Rembrandt lässt die Komposition etappenweise zu: Erst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben, bleiben bei "Eine junge Frau als Hirtin" ("Saskia en Flora")" von Rembrandt, die Komposition kann in Etappen gelesen werden, dann die junge Frau als ihr wahres Tempo folgen.
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#66
Arrangement in Grau: Porträt des Malers
In "Arrangement in Gray: Portrait of the Painter" verwandelt James Abbott McNeill Whistler ein erkennbares Muster in ein Seherlebnis; die Palette bringt die Aufnahmen zusammen, ohne die Szene platt zu machen "Arrangement in Gray: Portrait of the Painter" von James Abbott McNeill Whistler lässt Kraft weniger von einem Brillanzstoß als von einem Gleichgewicht herrühren: genug Struktur, um die Szene leben zu lassen, gefolgt von der Gegenwart McNe" bleibt nah dran Von James Abbott McNeill Whistler behält somit eine klare visuelle Identität bei, ohne dass eine große rhetorische Wirkung erforderlich ist, um es interessant zu machen.
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#67
Porträt von Jeanne Duval
In "Portrait of Jeanne Duval" stellt Édouard Manet vom ersten Blick an eine diskrete Spannung her; die Farbe passt dann die Temperatur des Ganzen an "Portrait of Jeanne Duval" von Édouard Manet ist es nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird; die Figur wird zum Schwerpunkt, das Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandelt "Portrait of Jeanne Duval" können wir wegen seiner Ruhe oder Brillanz lieben, sondern ihr Outfit kommt vor allem von der Art und Weise, wie Édouard Manet den Look organisiert.
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#68
Selbstporträt mit Palette
In "Selbstporträt mit Palette" behält Édouard Manet einen Moment, dessen Malerei seine Dauer verlängert; die Konturen wechseln Präzision und Freiheit mit einer schönen Klempnerei ab "Selbstporträt mit Palette" von Édouard Manet lässt die Komposition etappenweise lesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben Manelf-portrait mit Palette" von Édouard Manet lässt sich auf Abstand folgen, so nah wie es dem Menschenbild folgt
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#69
Porträt von Madeleine Bernard
In "Porträt Madeleine Bernard" vermeidet Paul Gauguin das austauschbare Bild und behauptet seinen eigenen Ton; der Kontrast ordnet die Szene, noch bevor wir die Details lesen "Porträt Madeleine Bernard" von Paul Gauguin lässt die Kraft weniger von einem Brillanzstoß als von einer Balance herrühren: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen "Porträt Madeleine Bernard" von Paul Gauguin lässt uns so nah wie möglich an einer Präsenz Paul Gauins bleiben
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#70
Fräulein Isabelle Lemonnier
In "Mademoiselle Isabelle Lemonnier", E.E.douard Manet macht das Motiv zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; die Diagonalen geben dem Motiv eine Energie, die dem Gemälde nicht sein wahres Tempo verleiht "Mademoiselle Isabelle Lemonnier" von E.E.douard Manet wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen könnten "Mademoiselle Isabelle Lemonnier" von É allein die Kostümpassagen bringt, dann die Landschaft des Manademier
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#71
Porträt von Miss Claus
In "Porträt der Mademoiselle Claus" verwandelt Édouard Manet Pose oder Geste in reale Architektur; die gemalte Oberfläche behält eine Spannung, die das Motiv allein nicht erklären würde "Porträt der Mademoiselle Claus" von Édouard Manet bringt die Figur eine andere Art von Präsenz: Haltung, Kostüm, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen könnte Das Interesse von "Porträt der Mademoiselle Claus" von Édouard Manet bringt eine andere Art von Präsenz: Haltung, Kostüm, Gesicht oder Geste verleihen dem Gemälde eine menschliche Spannung, die die Landschaft allein nicht erzeugen könnte Das Interesse von "Porträt des Mademoisard Clauset verändert sich durch die konkrete Formel Claus.
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#72
Selbstporträt mit zerzausten Haaren
In "Selbstporträt mit zerzausten Haaren" vermeidet Rembrandt das austauschbare Bild und behauptet einen sauberen Ton; die Tonverhältnisse begründen eine Tiefe ohne Lärm Für Rembrandts "Selbstporträt mit zerzausten Haaren" findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Kante, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "In Rembrandts" Selbstporträt mit zerzausten Haaren" verleiht die Figur eine andere Art von Präsenz, die dem Gemälde eine andere Art von Haarscharfe verleiht "
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#73
Porträt von Antoine-Laurent Lavoisier und seiner Frau
In "Porträt von Antoine-Laurent Lavoisier und seiner Frau" ordnet Jacques-Louis David das Motiv, ohne es auf einen Vorwand zu reduzieren; die Diagonalen geben dem Motiv eine Energie, die nicht an Ort und Stelle hält "Porträt von Antoine-Laurent Lavoisier und seiner Frau" von Jacques-Louis David wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Messen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben" In "Porträt von Antoine-Laurent Lavois und seiner Frau" von Jacques-Loint-Stufen wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Messen, dann die Passagen von Licht, die das Bildnis von ihm geben Von Antoine-Laurent Lavoisier und seiner Frau" von Jacques-Louis David bringt seine eigene Stimmung auf die Reise; Die Leinwand atmet, aber sie kam nicht nur, um das Fenster zu öffnen.
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#74
Selbstporträt
In "Selbstporträt" führt Jacques-Louis David das Auge durch eine Reihe perfekt sichtbarer Entscheidungen; die Details verzögern das Lesen gerade genug, um es interessant zu machen "Selbstporträt" von Jacques-Louis David, das Auge findet einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Selbstporträt" von Jacques-Louis David ist es nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird - die Figur wird nicht nur zu einem Silhouetten-Zentrum der Schwerkraft"
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#75
Porträt von Gertrud Loew (Ausschnitt) - Gustav Klimt (ca. 1902)
In " Porträt der Gertrud Loew (Ausschnitt) - Gustav Klimt (um 1902)" behält Gustav Klimt einen Moment, dessen Malerei seine Dauer verlängert; der Standpunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung " Porträt der Gertrud Loew (Ausschnitt) - Gustav Klimt (um 1902)" von Gustav Klimt findet ein genauer Grund zur Verlangsamung: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine geringe Autorität verleiht "a a igu 9 limt a ey" ". Porträt von Gertrud Loew (Ausschnitt) - Gustav Klimt (um 1902)" von Gustav Klimt bewahrt damit eine klare visuelle Identität, ohne dass es einer großen rhetorischen Wirkung bedarf, um es interessant zu machen.
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#76
Selbstporträt mit zwei Kreisen
In einem "Selbstporträt mit zwei Kreisen" macht Rembrandt das Motiv zu einem visuellen Ereignis und nicht zu einem einfachen Etikett; die gemalte Oberfläche behält eine Spannung, die das Motiv allein nicht erklären würde Für Rembrandts "Selbstporträt mit zwei Kreisen" ist die Kraft weniger von einem Brillanzausbruch als von einem Gleichgewicht herrührt: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen In Rembrandts "Selbstporträt mit zwei Kreisen" wird die Schwerkraft nicht nur in ein schönes Zentrum der Schwerkraft gelegt
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#77
Selbstporträt im Alter von 34 Jahren
In "Selbstporträt im Alter von 34 Jahren" gibt Rembrandt dem Alltag eine Dichte, die er sich nicht gewünscht hatte; die Details verzögern das Lesen gerade so weit, dass es interessant wird Für Rembrandts "Selbstporträt im Alter von 34 Jahren" sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel In Rembrandts "Selbstporträt im Alter von 34 Jahren" ist es nicht nur eine Silhouette, die in einem schönen Licht posiert wird; die Figur wird zum Mittelpunkt der Schwerkraft, das Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandeltWir können wie "Selbstportrait im Alter von Brill 3" vor allem aushalten.
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#78
Jeanne Hebuterne bei Collier
In "Jeanne Hébuterne au Collier" verwandelt Amedeo Modigliani Pose oder Geste in echte Architektur; die Zeichnung behält das Ganze bei, während sich die Atmosphäre einige Freiheiten nimmt "Jeanne Hébuterne au Collier" von Amedeo Modigliani zeigt das erste Interesse nicht nur hübsch; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel. „In" lässt Jeanne Hébuterne au Collier" von Amedeo Modigliani selbst eine Farbe zu"
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#79
Porträt einer jungen Frau
Rembrandt geht in "Porträt einer jungen Frau" von einem klar identifizierten Sujet aus; die Diagonalen geben dem Sujet eine Energie, die nicht an Ort und Stelle hält Rembrandts "Porträt einer jungen Frau" wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Porträt einer jungen Frau" bringt die Figur nicht eine andere Art von Präsenz: erst das Motiv, dann die Massen, dann die Haltung der wahren Geste"
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#80
Porträt von Madame de Verninac
In "Porträt der Madame de Verninac" wählt Jacques-Louis David eine bestimmte Situation und schiebt sie über die Anekdote hinaus; der Standpunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung "Porträt der Madame de Verninac" von Jacques-Louis David findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Porträt der Madame de Vernouis" wird nur in ein Detail der Schwerkraft von David-Viertel gesetzt Eine klare visuelle Identität, ohne dass es einer großen rhetorischen Wirkung bedarf, um sie interessant zu machen.
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#81
Jeanne Hebuterne sitzend
Amedeo Modigliani geht in "Jeanne Hébuterne sitzend" von einem klar identifizierten Thema aus; die Nebengesten erzählen fast so viel wie das Hauptthema "Jeanne Hébuterne sitzend" von Amedeo Modigliani wird die Komposition in Etappen gelesen: Zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Jeanne Hébuterne sitzend" von Amedeo Modigliani ist es wert, in seiner Atmosphäre durch A viel identifiziert zu werden"
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#82
Selbstporträt
In "Selbstporträt" verwandelt Francisco de Goya Pose oder Geste in echte Architektur; Farbe regelt dann die Temperatur des Ganzen "Selbstporträt" von Francisco de Goya ist es nicht nur eine in ein schönes Licht gestellte Silhouette; die Figur wird zum Schwerpunkt, das Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandelt Das Interesse des "Selbstporträts" an Francisco de Goya ist auf diesen konkreten Unterschied zurückzuführen: Das Motiv verändert den Rhythmus des Blicks und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#83
Selbstporträt in der Werkstatt
In "Selbstporträt in der Werkstatt" führt Francisco de Goya den Blick durch eine Reihe von perfekt sichtbaren Entscheidungen; die Farbe passt dann die Temperatur des Ganzen an "Selbstporträt in der Werkstatt" von Francisco de Goya wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo geben "Bei "Selbstporträt in der Werkstatt" von Francisco de Goya kann man in der Nähe des menschlichen Subjekts stehen bleiben"
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#84
Harmonie in Grau und Grün: Miss Cicely Alexander
In "Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander" wählt James Abbott McNeill Whistler eine bestimmte Situation und treibt sie über die Anekdote hinaus; Bildmaterial verleiht den leisesten Bereichen Gewicht "Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander" von James Abbott McNeill Abbler kommt Kraft weniger aus einem Brillanzstoß als aus dem Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge leben zu lassen, genug Atemstruktur von Alexander GreenH, genug Atemstärke" sauber. "Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander" von James Abbott McNeill Whistler bewahrt somit eine klare visuelle Identität, ohne dass es einer großen rhetorischen Wirkung bedarf, um es interessant zu machen.
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#85
Porträt von Madame Cean Bermudez
In "Porträt der Madame Ceenburg Bermudez" konstruiert Francisco de Goya eine Szene mit einem unmittelbar sensiblen Charakter; die Konturen wechseln Präzision und Freiheit mit schöner Aplomb ab "Porträt der Madame Ceenburg Bermudez" von Francisco de Goya sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Sichtweise, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "In" Porträt der Madame Ceenburg von Francisco de Bermenburg wartet ein Mensch so nah wie möglich auf uns"
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#86
Paul Guillaume, Novo Pilota
In "Paul Guillaume, Novo Pilota" bewegt Amedeo Modigliani ein konkretes Subjekt in Richtung eines mehrdeutigen Bildes; Licht verteilt Rollen mit stiller Autorität "Paul Guillaume, Novo Pilota" von Amedeo Modigliani kommt es auf die Skala des Bildes sehr auf diese Singularität an: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger BlickeDas Interesse von "Paul Guillaume, Novo Pilota" bei Amedeo Modigliani liegt in diesem konkreten Unterschied: Das Subjekt verändert den Rhythmus des Blicks und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#87
Porträt einer Frau mit Rubinanhänger
In "Porträt einer Frau mit Rubinanhänger" sucht Rembrandt eine Präsenz, die sich dem einfachen Titel widersetzt; der Kontrast organisiert die Szene, bevor wir überhaupt die Details lesen "Porträt einer Frau mit Rubinanhänger" von Rembrandt zählt diese Singularität auf der Skala des Bildes sehr viel: Sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In "Porträt einer Frau mit Rubinanhänger" wird aus einem schönen Remantel nur ein Roman, der von einem Schwerkraft dargestellt wird Rubin" für seine Ruhe oder Glanz, aber sein Halt kommt hauptsächlich von der Art und Weise, wie Rembrandt den Look organisiert.
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#88
Porträt von Adolphe Monet
In "Porträt von Adolphe Monet" ordnet Claude Monet das Motiv, ohne es auf einen Vorwand zu reduzieren; die Massen geben der Komposition ihren inneren Rhythmus "Porträt von Adolphe Monet" von Claude Monet ist die Stärke weniger durch einen Ausbruch von Brillanz als durch ein Gleichgewicht: genug Struktur, um das Auge zu führen, genug Atmung, um die Szene leben zu lassen" In "Porträt von Adolphe Monet" von Claude Monet wird es nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht der Schwerkraft gelegt wird; die Figur wird nicht nur zu einem Detail der Schwerkraft
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#89
Gräfin Adèle de Toulouse-Lautrec
In "La Comtesse Adèle de Toulouse-Lautrec" wählt Henri de Toulouse-Lautrec eine präzise Situation und treibt sie über die Anekdote hinaus; die Massen geben der Komposition ihren inneren Rhythmus "La Comtesse Adèle de Toulouse-Lautrec" von Henri de Toulouse-Lautrec gibt die Kraft weniger durch einen Brillanzausbruch als durch eine Balance: genug Struktur, um das Auge leben zu lassen, genug Atemzug durch Toulouse Adrec selbst "Gestalt dem Leser genug Farbe" Henri de Toulouse-Lautrec behält somit eine klare visuelle Identität, ohne dass es einer großen rhetorischen Wirkung bedarf, um es interessant zu machen.
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#90
Louis Pascal 1893
In "Louis Pascal 1893" behält Henri de Toulouse-Lautrec einen Moment, dessen Malerei seine Dauer verlängert; die Konturen wechseln Präzision und Freiheit mit einer schönen Aplomb ab "Louis Pascal 1893" von Henri de Toulouse-Lautrec wird die Komposition in Stufen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Louis Pascal 1893" von Henri de Toulouse-Lautrec gewinnt dann oft die Ausgewogenheit" von Toulouse de Pascal-L
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#91
Porträt von Moses Kisling
In "Porträt Moses Kisling" vermeidet Amedeo Modigliani das austauschbare Bild und behauptet einen eigenen Ton; das Bildmaterial verleiht den leisesten Bereichen Gewicht "Porträt Moses Kisling" von Amedeo Modigliani wird die Komposition in Stufen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Porträt Moses Kisling" von Amedeo Modigliani bringt dann die Haltung von Al, die wahre Gestalt von Mose Kisl
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#92
Porträt von Chaiven Soutine
Amedeo Modigliani sucht in "Portrait of Chaiven Soutine" eine Präsenz, die sich dem einfachen Titel widersetzt; die Details verzögern das Lesen gerade so weit, dass es interessant wird "Portrait of Chaiven Soutine" von Amedeo Modigliani, auf der Skala des Bildes zählt diese Singularität sehr viel: sie vermeidet den austauschbaren Mustereffekt, diese große Krankheit zu eifriger Blicke, die Chaimaio Modigine" von Amedeo Modigliani als mögliche Distanz zu dem "Portrait von Chaitiani" ermöglicht
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#93
Porträt von Whistler mit Hut
In "Portrait of Whistler with Hat" stellt James Abbott McNeill Whistler das Thema auf die Probe einer sehr persönlichen Rahmung; das Licht verteilt Rollen mit leiser Autorität In "Portrait of Whistler with Hat" von James Abbott McNeill Whistler lässt das menschliche Subjekt James Abbott McNeill Whistler so nah wie möglich an einer Präsenz folgen, die James Abbott McNeill Whistler beobachtet, wartet oder auf Distanz bleibt Das Interesse von James McNeill Whist an "Portrait of Whistler wehrt sich" von James Abbott ab, das menschliche Subjekt lässt uns auf einen möglichst großen Abstand zu Whottill warten.
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#94
Porträt von Jeanne Hebuterne
In "Porträt Jeanne Hébuterne" wählt Amedeo Modigliani eine bestimmte Situation und schiebt sie über die Anekdote hinaus; der Standpunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung "Porträt Jeanne Hébuterne" von Amedeo Modigliani findet das Auge einen genauen Grund, langsamer zu werden: eine Linie, eine Bank, ein Profil oder ein Kontrast, der dem Gemälde seine kleine Autorität verleiht "Porträt Jeanne Hébuterne" von Amedeo hält sich nahe an das Gemälde von Jeanne
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#95
Porträt von Pablo Picasso
In "Porträt von Pablo Picasso" ordnet Amedeo Modigliani das Motiv, ohne es auf einen Vorwand zu reduzieren; die gemalte Oberfläche behält eine Spannung, die das Motiv allein nicht erklären würde "Porträt von Pablo Picasso" von Amedeo Modigliani wird die Komposition in Etappen gelesen: zuerst das Motiv, dann die Massen, dann die Lichtpassagen, die dem Gemälde sein wahres Tempo verleihen "Porträt von Pablo Picasso" von Amedeo Modigliani lässt auf Abstand zu den Bildern von Almediani warten"
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#96
Selbstporträt
In "Self-Portrait" versetzt James Abbott McNeill Whistler ein konkretes Subjekt zu einem mehrdeutigen Bild; die Diagonalen verleihen dem Subjekt eine Energie, die nicht an Ort und Stelle hält In "Self-Portrait" von James Abbott McNeill Whistler erlaubt das menschliche Subjekt, James Abbott McNeill Whistler so nah wie möglich an eine Präsenz zu folgen, die auf Distanz schaut, liest, wartet oder bleibt In diesem konkreten Unterschied liegt das Interesse von "Self-portrait" an James Abbott McNeill Whistler: Das Subjekt verändert den Rhythmus des Blicks und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#97
Porträt von Diego Rivera
In "Portrait of Diego Rivera" verwandelt Amedeo Modigliani Pose oder Geste in echte Architektur; die Zeichnung behält das Ganze bei, während sich die Atmosphäre einige Freiheiten nimmt "Portrait of Diego Rivera" von Amedeo Modigliani ist es nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird; die Figur wird zum Schwerpunkt, das Detail, das die Atmosphäre in eine Begegnung verwandelt In diesem konkreten Unterschied liegt das Interesse von "Portrait of Diego Rivera" in Amedeo Modigliani: Das Motiv verändert den Rhythmus des Blicks und weigert sich, eine kopierte Formel zu werden.
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#98
Selbstporträt
Amedeo Modigliani bewegt in "Selbstbildnis" ein konkretes Subjekt zu einem mehrdeutigen Bild; die Details verzögern das Lesen gerade so weit, dass es interessant wird "Selbstbildnis" von Amedeo Modigliani sucht das Gemälde nicht nur hübsch zu sein; es dokumentiert eine Art des Sehens, die eindeutig fester ist als ein ziemlich undokumentierter Nebel "Selbstbildnis" von Amedeo Modigliani ist es nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird; die Figur verweigert nicht nur eine Silhouette, die in ein schönes Licht gesetzt wird; die Figur wird zum Schwerpunkt, das Detail, das die Atmosphäre in ein Begegnung-Rhythmus verwandelt.
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#99
Porträt von Miss LL.
In "Portrait of Mademoiselle LL" konstruiert James Tissot eine Szene mit einem unmittelbar sensiblen Charakter; der Standpunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung "Portrait of Mademoiselle LL" von James Tissot erlaubt es dem menschlichen Subjekt, James Tissot so nah wie möglich an eine Präsenz zu verfolgen, die aus der Ferne schaut, liest, wartet oder bleibt "Portrait of Mademoiselle LL" kann uns wegen seiner Ruhe oder seiner Brillanz gefallen, sein Outfit kommt aber hauptsächlich von der Art und Weise, wie James Tissot den Blick organisiert.
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#100
Selbstporträt als Apostel Paulus
Rembrandt gibt dem Blick in "Selbstbildnis als Apostel Paulus" einen klaren Einstiegspunkt; der Standpunkt verwandelt eine vertraute Beobachtung in eine bleibende Überraschung "Selbstbildnis als Apostel Paulus" von Rembrandt, auf der Skala des Bildes, kommt es auf diese Singularität sehr an: sie vermeidet den austauschbaren Motiveffekt, diese große Krankheit zu eiliger Blicke In Rembrandts "Selbstbildnis als Apostel Paulus", auf der Skala des Bildes, bringt die Figur nicht eine andere Art von Präsenz, Gesicht oder Geste, die dem Gemälde eine menschliche Spannung verleihen könnte, könnte die die Landschaft allein nicht erzeugen "Selbstbildbildbildbild"
Entdecken →Was das Ranking verrät
Einhundert Porträts, drei Präsenzen, die noch übrig sind
Nach hundert Werken erscheint das Porträt weniger als Galerie der Gemeinsamkeiten denn als Beziehungsgeschichte, der Maler beobachtet das Modell, das Modell konstruiert sein Bild, dann trifft der Zuschauer mehrere Jahrhunderte später mit der stillen Versicherung einesjenigen ein, der die Posing-Session nicht bezahlt hat.
Der Blick lenkt die Begegnung
Von vorne, seitwärts oder abgewendet, stellen die Augen sofort den Abstand zum Betrachter ein.
Die Pose erzählt eine Rolle
Eine Hand, ein Stuhlrücken oder eine Schulter reichen aus, um Kraft, Zurückhaltung oder Vertrautheit zu offenbaren.
Das Dekor spricht gedämpft
Schmuck, Bücher, Stoffe und Landschaften fügen eine visuelle Biografie hinzu, ohne die Leinwand in eine Verwaltungsform zu verwandeln.
Chronologie vor dem Spiegel
Fünf Termine, um dem westlichen Gesicht zu folgen
Die Arnolfini-Ehegatten machen Detail, Raum und sozialen Status zu einem bleibenden Rätsel.
Leonardo beginnt ein Porträt, dessen Lächeln wahrscheinlich das meistkommentierte in der Geschichte werden wird.
Rembrandt verwandelt sein eigenes Gesicht in eine Chronik von Zeit, Licht und Erfahrung.
Die Fotografie befreit die Malerei nach und nach von der alleinigen Verpflichtung zur exakten Ähnlichkeit.
Klimt, Matisse, Modigliani und ihre Zeitgenossen machten die Porträtmalerei zu einem Feld formaler Erfindungen.
Geschlecht in der Tiefe
Warum erstrecken sich berühmte Porträts über Jahrhunderte?
Porträt ist eine der direktesten Gattungen der Malerei, eine Landschaft kann uns einladen, ein Stillleben kann uns vor einen Tisch halten, aber ein Porträt fängt uns an den Augen Wir suchen einen Menschen, einen sozialen Rang, eine Emotion, ein Geheimnis, manchmal einen kleinen Schmollmund, der deutlich sagt, dass das Modell an diesem Tag Besseres zu tun hatte Von der Renaissance bis zur modernen Kunst dient das Porträt dazu, Macht, Liebe, Erinnerung, Schönheit, Zerbrechlichkeit und das menschliche Ego in all seiner sehr gut beleuchteten Pracht zu zeigen.
Die Renaissance verleiht dem Porträt eine neue Tiefe Die Mona Lisa von Leonardo da Vinci, Ginevra de' Benci, die Porträts Raffaels, die Figuren Van Eycks, Holbeins, Tizians und Bronzinos begründen das Gesicht als psychologisches TerritoriumDas Modell ist nicht mehr nur ein Name mit einem schönen Gewand: Es wird zu einer Präsenz, die denktHände, Augen, Stoffe, Schmuck und Hintergründe erzählen so viel wie der Mund Und manchmal weigert sich gerade der Mund, zu schließen, was erklärt, warum die Mona Lisa immer noch Vollzeit in der kollektiven Vorstellung arbeitet.
Im 17. Jahrhundert gaben Rembrandt, Velazquez, Van Dyck, Rubens, Hals und Vermeer dem Porträt ganz unterschiedliche Temperamente Rembrandt gräbt sich mit immenser Menschlichkeit in Schatten und Alter Velazquez beobachtet den Hof mit einer gewaltigen IntelligenzVan Dyck lässt die Aristokratie erstrahlen, Hals gibt dem Gesicht Bewegung, Vermeer hemmt ein junges Mädchen in einem Licht, das so zart ist, dass man fast zögert, vor ihr zu atmenDas Mädchen mit dem Perlenohrring braucht kein großes Dekor: einen Blick, eine Wendung, einen Hauch von Weiß, und der Raum wird plötzlich ruhiger.
Das 18. und 19. Jahrhundert erweiterten das Spiel weiter Vigée Le Brun, Gainsborough, Reynolds, David, Ingres, Goya, Manet, Renoir, Sargent, Whistler und Cassatt malen weltliche, familiäre, politische oder intime Porträts, einige Modelle wollen ihren Rang zeigen, andere scheinen überrascht zwischen zwei Treffen unsterblich geworden zu sein Renoir's Lodge, Arrangement in grau und schwarz n°1 von Whistler, die Porträts von Ingres oder den Frauen von Manet zeigen, dass das Porträt je nach Hutwinkel elegant, sozial, ironisch, zart oder leicht einschüchternd sein kann.
Mit Van Gogh, Munch, Klimt, Modigliani, Schiele, Picasso oder Matisse hört das Porträt auf, weise zu ähnelnEs drückt aus, verzerrt, vereinfacht, verlängert, färbt, macht Sorgen, beleuchtet In Van Gogh kann ein Gesicht die Spannung eines stürmischen Himmels habenIn Klimt wird es zu einer dekorativen Ikone, fast zu einem lebenden Juwel In Modigliani wird er zu einer dekorativen Ikone, fast zu einem lebenden Juwel, in Modigliani wird er zu einer dekorativen Ikone, fast zu einem lebenden Juwel, in Modigliani wird er zu einer endlosen, lebenden Ikone, zu einem echten, fast schlechten Lebendsch-Augen.
Dieses Top bevorzugt Porträts, die eine Geschichte tragen können: universelle Ikonen, intensive Selbstporträts, berühmte Modelle, Blicke, die eine Bewegung markierten, weltliche Figuren, anonyme Gesichter, die unvergesslich geworden sind Die bekanntesten Werke gehen voran, dann schreitet die Reise in Richtung weniger erwarteter, aber sehr ausdrucksstarker Porträts voranDas Ziel ist auf der Leserseite einfach: von einem Blick zum anderen zu wechseln, ohne den Eindruck zu haben, eine Museumsform auszufüllen, was ein vernünftiger und sogar recht zivilisierter Ehrgeiz ist.
In einer Dekoration bringt ein Porträt sofort eine Beziehung A Mona Lisa macht Mysterium, Vermeer bringt Stille, Klimt goldenes Licht, Renoir soziales Leben, Van Gogh Intensität, Modigliani melancholische Eleganz, Rembrandt menschliche Tiefe Man muss nur akzeptieren, dass ein gutes Porträt die Atmosphäre eines Raumes schneller verändern kann als ein neues Sofa Der gemalte Look hat diese seltsame Höflichkeit: Er spricht nicht, aber er fehlt nie wirklich.
Berühmte Porträts sind beliebt, weil sie zwei sehr menschliche Wünsche zusammenbringen: jemanden zu erkennen und zu entdecken, was der Anerkennung entgeht Das Gesicht ist da, aber es behält einen RätselspielraumEs ist diese Zurückhaltung, die das Auge zurückbringtEin sehr gutes Porträt sagt nie alles Er lässt einen leeren Stuhl für die Fantasie, dann gibt er vor, nichts damit zu tun zu haben.
Vier Lesetasten
Schauen Sie, ohne nur zu starren
Das Gesicht zieht erst an, aber das Porträt baut seine Wirkung mit dem ganzen Gemälde aufSehen, Hände, Dekor und Material lassen uns verstehen, wie aus einer Präsenz ein bleibendes Bild wird.
Entfernung messen
Frontale Augen greifen direkt ein; Ein Blick weg öffnet einen geheimeren Raum.
Lies die Gesten
Finger, Arme und gehaltene Gegenstände verraten oft, was das Gesicht unter Kontrolle hält.
Identifizieren Sie die Rolle
Möbel, Kostüme und Landschaft stellen das Modell in eine soziale oder intime Geschichte.
Beobachten Sie die Anwesenheit
Glatte Haut, sichtbare Berührung, Gold oder Impasto verleihen dem Gesicht eine besondere Dichte.
Galerie der Erweiterungen
Nach dem letzten Blick weiter
Künstler, Sammlungen, Museen und Quellen erlauben es, Modelle und ihre Geschichten zu finden, Porträts folgen einem manchmal mit den Augen, aber die Links führen zu einer nachweisbaren Adresse.
In Alpha-Reproduktion
01Leonardo da VinciBerühmte Porträtmeister02Johannes VermeerBerühmte Porträtmeister03Jan van EyckBerühmte Porträtmeister04Gustav KlimtBerühmte Porträtmeister05John Singer SargentBerühmte Porträtmeister06James Abbott McNeill WhistlerBerühmte Porträtmeister07Vincent van GoghBerühmte Porträtmeister08RembrandtBerühmte Porträtmeister09Raphael SanzioBerühmte Porträtmeister10Jacques-Louis DavidBerühmte Porträtmeister11Berühmte PorträtsSammlungen & Ratgeber12Alle Reproduktionen von GemäldenSammlungen & RatgeberHäufig gestellte Fragen
Das gesichtslose Porträt von Holz
Die wesentlichen Maßstäbe für das Verständnis des Genres, seiner Meisterwerke und der Entscheidungen in dieser Klassifizierung.
Was ist das bekannteste Porträt in der Malerei?
Leonardo da Vincis Mona Lisa bleibt das berühmteste Porträt der Welt Seine Komposition, sein Lächeln, sein Aussehen und seine Geschichte haben ihn zu einem nahezu universellen Bild gemacht.
Warum ist das Mädchen mit dem Perlenohrring so bekannt?
Denn Vermeer konzentriert alles auf ein ganz einfaches Bild: einen dunklen Hintergrund, weiches Licht, eine Wendung des Gesichts und eine glänzende Perle Das Gemälde wirkt intim, ohne sein Geheimnis zu erklären.
Warum sind Van Goghs Selbstporträts so wichtig?
Sie zeigen den Künstler als Laboratorium der Emotion, Farbe und inneren Spannung Van Gogh sucht nicht nur sich selbst darzustellen: Er malt eine nervöse, lebendige, fast elektrische Präsenz.
Welche Rolle spielt Klimt in der Geschichte der Porträtmalerei?
Klimt verwandelt das gesellschaftliche Porträt in ein dekoratives und symbolisches Erscheinungsbild. Mit Adèle Bloch-Bauer entsteht das Gesicht aus einer Welt aus Gold, Ornamenten und Mustern, die dem Modell eine ikonische Aura verleihen.
Warum ist Modigliani sofort erkennbar?
Seine länglichen Hälse, ovalen Gesichter, gestreckten Augen und ruhigen Silhouetten verleihen den Modellen eine ganz besondere melancholische Eleganz, auch wenn das Porträt schweigt, ist es sehr präsent.
Ist ein Portrait zur Dekoration geeignet?
Ja, vor allem, wenn Sie eine starke Präsenz schaffen möchten Ein Porträt kann einen Raum je nach gewähltem Stil intimer, eleganter oder theatralischer machen.
Was ist der Unterschied zwischen offiziellem Porträt und modernem Porträt?
Das offizielle Porträt bejaht oft Rang, Funktion oder gesellschaftlichen ErfolgDas moderne Porträt sucht mehr Ausdruck, Psychologie, Form, Farbe und manchmal auch Ausdrucksverzerrung.
Wie wählt man ein berühmtes Porträt aus?
Wählen Sie zunächst die Art der Präsenz: Mysterium mit Leonardo, Sanftmut mit Vermeer, Brillanz mit Klimt, Intensität mit Van Gogh, Eleganz mit Modigliani, Tiefe mit Rembrandt oder Geselligkeit mit Renoir.
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