Top 100 - Primitivismus
Primitivismus: 100 berühmte Gemälde, in denen die Moderne ihren Ursprung sucht
Gauguin, Rousseau, Sérusier, Modigliani, Matisse und ihre Zeitgenossen vereinfachten die Form, um neue Sprachen zu erfinden.
Der Primitivismus ist keine einzige Bewegung, sondern ein komplexes Kapitel moderner Kunst: der Wunsch, mit der Akademie zu brechen, die Faszination für populäre Künste und die Aneignung von Kulturen, die oft aus dem kolonialen Europa betrachtet werden Diese Hundert Gemälde zeigen die Entdeckungen, Widersprüche und Meisterwerke.
Von Pont-Aven bis Rousseaus Traumdschungel, von den Nabis bis zum Expressionismus suchen Künstler ein direkteres, symbolischeres oder monumentaleres BildDas Wort "Primitivismus" gehört zur Geschichte und muss mit ihr gehandhabt werden Vorsorge: Die Werke bleiben kraftvoll, aber die Ansichten, die sie hervorgebracht haben, sind nie aus dem Zusammenhang gerissen.
Einhundert Gemälde, wo die Moderne ihren Ursprung sucht
Der Primitivismus ist eine der treibenden Kräfte der modernen Kunst, aber auch einer ihrer heikelsten Bereiche, westliche Künstler projizieren ihre Wünsche nach Herkunft, Einfachheit, Spiritualität oder Bruch, oft basierend auf den Künsten Afrikaner, Ozeanier, populäre, mittelalterliche, naive oder außerwestliche, die sie teilweise verstehen Dieser westliche Blick erzeugt kraftvolle Werke, aber er muss genau untersucht werden Wir müssen diese Bilder daher mit betrachten Zwei Augen weit geöffnet: eines für die...
Der moderne Primitivismus will die Regeln der Akademie verlernen, aber er geht nie von einer leeren Seite aus, er betrachtet populäre und außerwestliche Künste, erfindet Paradiese, vereinfacht Formen und zwingt heute den Betrachter, mit ebenso viel Aufmerksamkeit wie kritischer Geist zu bewundern.Wechseln Sie zu Bildern
Funktioniert in Bildern
Gauguin, Rousseau und Matisse eröffnen mit den berühmtesten Gemälden, in denen persönliche Mythen, geträumter Dschungel und farbenfrohe Körper die moderne Sprache verändern.
#001
Woher kommen wir? was sind wir? wo gehen wir hin?
Ende 1897 auf Tahiti gemalt, entfaltet dieses gewaltige Testament die Lebensalter von rechts nach links, vom Kind bis zur hockenden alten Frau Gauguin mischt polynesische Erinnerungen, erfundene Symbole und große Silhouetten Unterteilt, mit dem bescheidenen Ehrgeiz, drei Fragen zu beantworten, an denen die Menschheit noch arbeitet.
Siehe das Gemälde →
#002
Der Traum
Rousseau stellte dieses Gemälde 1910, wenige Monate vor seinem Tod, im Salon des Indépendants aus. Eine nackte Frau träumt dort auf einem Sofa, das in einen imaginären Dschungel verpflanzt wurde, der aus Gewächshäusern, Menagerien und botanischen Illustrationen von Paris aus erbaut wurde.
Siehe das Gemälde →
#003
Vision nach der Predigt
1888 trennte Gauguin die betenden bretonischen Frauen durch einen schräg gestellten Stamm von ihrer Vision des Kampfes Jakobs mit dem Engel, der rote Boden, der abgeflachte Raum und die festen Konturen brechen mit dem Naturalismus und machen diese religiöse Szene zu einem Manifest des Synthetismus.
Siehe das Gemälde →
#004
Der schlafende Böhme
1897 im Salon des Indépendants präsentiert, verunsicherte diese nächtliche Begegnung zwischen einem schlafenden Reisenden und einem Löwen die Kritiker, Rousseau verwandelt jedoch das Unmögliche dank eines klaren Mondes, ruhiger Formen und einer nahezu häuslich präzis angeordneten Wüste in Beweise.
Siehe das Gemälde →
#005
Der Talisman
Gemalt in Pont-Aven im Jahr 1888 unter dem Rat von Gauguin, wäre diese kleine Landschaft auf dem Deckel einer Zigarrenschachtel entstanden Sérusier übersetzt die Bäume und den Fluss in flache Farbflächen; den zukünftigen Nabis gezeigt, wird er ihr Talisman und ihre offizielle Erlaubnis, nicht zu gehorchen.
Siehe das Gemälde →
#006
Manaolo Tupapaú
Gauguin malte diese junge Frau 1892 liegend, beobachtet von einer dunklen Gestalt, die mit tahitianischen Geistern in Verbindung gebracht wirdDas Bild verwandelt die nächtliche Angst in einen Kontrast von Gelb, Lila und Braun, trägt aber auch die Mehrdeutigkeit des kolonialen Blicks, den der Künstler seinem Vorbild angibt.
Siehe das Gemälde →
#007
Der Schlangencharmer
Im Auftrag des Malers Robert Delaunay nach der Geschichte einer Indienreise wurde dieser Dschungel aus dem Jahr 1907 von Rousseau nirgendwo anders als in Paris gesehenDer schwarze Musiker, der in der Nacht fast geschmolzen wäre, lockt Schlangen und Vögel in einer Szene an, in der jedes Blatt den Atem anzuhalten scheint.
Siehe das Gemälde →
#008
Der gelbe Christus
In Pont-Aven legte Gauguin 1889 einen gelben Christus inmitten bretonischer Felder und Bauernfrauen in Kopfbedeckungen, indem er den heiligen Körper, die Farben des Herbstes und die lokale Andacht zusammenführt, verwandelt er die Kreuzigung in ein Innenerlebnis und nicht in eine historische Rekonstruktion.
Siehe das Gemälde →
#009
Ia Orana Maria
Diese während Gauguins erstem tahitianischen Aufenthalt gemalte Verkündigung transponiert Maria, das Kind und den Engel in eine tropische Landschaft. Das Werk kombiniert christliche Ikonographie, Posen, die anderen Traditionen entlehnt sind, und lokale Beobachtung und enthüllt Sowohl die Erfindung des Malers als auch die Kolonialprojektionen seiner Zeit.
Siehe das Gemälde →
#010
Überrascht! /Tiger in einem tropischen Sturm
Mit diesem vom Sturm überraschten Tiger gelang Rousseau 1891 ein bemerkenswerter Einstieg in die Dschungelmalerei, die Grasgarnituren, der Blitz kratzt am Himmel und der Regen durchzieht das Bild; die Katze scheint aus einem Pflanzentheater zu schlüpfen, dessen Spezialeffekte der Maler selbst anpasst.
Siehe das Gemälde →
#011
Das Glück des Lebens
Diese große Landschaft wurde 1905-1906 geschaffen und vereint Tänzer, Musiker und Liebhaber in einem Arkadien mit realitätsfreien Farben. Matisse reagiert auf die Debatten des Fauvismus mit einer kontinuierlichen Komposition, in der sich Körper und Bäume eher dem allgemeinen Rhythmus als der akademischen Anatomie beugen.
Siehe das Gemälde →
#012
Tanz I
Diese erste Version von 1909 bereitet die große Tafel im Auftrag des russischen Sammlers Sergei Schtschukin vor, fünf rote Körper drehen sich zwischen blauem Himmel und grünem Boden; die Öffnung zwischen zwei Händen verhindert das Schließen des Kreises und verleiht dem Tanz seinen menschlichsten Schwung.
Siehe das Gemälde →
#013
Die Giraffe
Pirosmani malt seine Giraffe nach Bildern und Geschichten, die im Georgien des frühen 20. Jahrhunderts kursieren, wahrscheinlich ohne das Tier lebend gesehen zu haben Auf dem schwarzen Wachstuch, das er oft verwendet, erhält die isolierte Silhouette die stille Schwere einer Erscheinung.
Siehe das Gemälde →
#014
Der Baum des Paradieses
Séraphine Louis entwickelt ihre großen Bäume in der Isolation von Senlis, mit Farbmischungen, für die sie das Rezept eifersüchtig hüteteBlätter, Augen und Flammen verschmelzen zu visionärer Vegetation, gefördert in den 1920 er Jahren durch den Sammler Wilhelm Uhde.
Siehe das Gemälde →
#015
Selbstporträt mit einer Kette aus Dornen und Kolibri
Gemalt 1940 nach seiner Scheidung und dann Wiederverheiratung mit Diego Rivera, umgibt dieses Selbstporträt Kahlo mit einer Kette aus Dornen, einem toten Kolibri, einem Affen und einer schwarzen Katze Diese Symbole verleihen intimen Schmerzen eine präzise Inszenierung, Frontal und bemerkenswert zurückhaltend, um Erlaubnis zu bitten.
Siehe das Gemälde →
#016
Kariatid
Modigliani zeichnete und malte Karyatiden während der 1910 er Jahre, als er noch davon träumte, Bildhauer zu werden Der gefaltete Körper wird zu einer menschlichen Säule; Bezüge zu antiken und afrikanischen Statuen nähren eine moderne Form, ohne diese Traditionen auf ein einfaches Motivheft zu reduzieren.
Siehe das Gemälde →
#017
Blauer Akt (Erinnerung an Biskra)
Nach einer Algerienreise malte Matisse 1907 diesen blauen, vor schematisierten Palmwedeln gefalteten Körper, das Gemälde schockiert im Salon des Indépendants mit seinen bewussten Verzerrungen, in genau dem Moment, in dem der Künstler nach einer anderen Möglichkeit sucht, die Figur in afrikanischer Skulptur zu konstruieren.
Siehe das Gemälde →
#018
Frauen von Tahiti
Zwei Frauen, die an einem tahitianischen Strand sitzen, besetzen die Leinwand mit der Stabilität eines Frieses. Das 1891 gemalte Gemälde kombiniert beobachtete Posen, Werkstatterinnerungen und dekorative Vollfarben; Seine scheinbare Ruhe löscht nicht die koloniale Situation aus, in der Gauguin dieses Bild schafft.
Siehe das Gemälde →
#019
Der hungrige Löwe wirft sich auf die Antilope
Diese spektakuläre Jagd präsentierte Rousseau auf dem Salon d'Automne von 1905, mitten in der berühmten Salle des Fauves, der Löwe springt in enger Vegetation auf die Antilope, während andere Tiere das Drama mit dem Ernst eines Publikums beobachten, das für seinen Platz bezahlt hat.
Siehe das Gemälde →
#020
Arearea no varua ino
Das 1894 gemalte Gemälde zeigt tahitianische Frauen in der Nähe eines Idols und eines blauen Geistes, der dem Werk seinen Titel gibt. Gauguin ordnet Körper, Bäume und Farben in eine symbolische Geschichte ein, die eher aus seiner Fantasie konstruiert als durch das lokale Leben dokumentiert ist.
Siehe das Gemälde →
#021
Tiger und Büffel kämpfen
In diesem Gemälde von 1908 verwandelt Rousseau den Tierkampf in eine kompakte Szene, in der jedes Blatt zur Spannung beiträgt Gedruckte Quellen und Besuche im Jardin des Plantes ersetzen die exotische Reise; seine Pariser Werkstatt hatte eindeutig einen sehr effizienten Dschungel zu Hause.
Siehe das Gemälde →
#022
Das Abendmahl der Löwen
Ausgestellt 1907, vereint dieses Wildtiermahl in blaugrüner Nacht Löwe, Beute und Vegetation, Rousseau verteilt die Äste wie ein Bühnenvorhang und verleiht der Gewalt eine unbewegliche Fremdheit, näher an Träumen als an zoologischer Berichterstattung.
Siehe das Gemälde →
#023
Jungfernwald bei Sonnenuntergang
Dieser 1910, dem Todesjahr Rousseaus, fertiggestellte Dschungel bei Sonnenuntergang verdichtet seine Forschungen zur Wiederholung von Blättern und verborgenen Tieren Das orangefarbene Licht durchquert eine von Paris aus erfundene Welt und verwandelt den Wald in eine mentale Umgebung.
Siehe das Gemälde →
#024
Die fröhlichen Scherzbolde
Rousseau bevölkert diesen Dschungel von Affen, die zwischen den Früchten und Zweigen spielen, in einer Komposition, die um 1906 entworfen wurde. Ihre fast menschliche Komödie offenbart seinen Geschmack für populäre Geschichten und für eine imaginäre Natur, in der die botanische Ordnung bereitwillig einen Tag frei nimmt.
Siehe das Gemälde →
#025
Nackt liegen
Präsentiert während Modiglianis einziger persönlicher Ausstellung 1917, provozierte dieser Akt das Eingreifen der Polizei und die Schließung des Fensters, der monumentale Körper, eng umrahmt und den Betrachter anblickend, erneuert ein antikes Genre, ohne sich hinter einem mythologischen Vorwand zu verstecken.
Siehe das Gemälde →Derain, Modigliani, Kirchner, Nolde, Pechstein, Marc und Jawlensky bewegen das Gesicht, den Akt, das Tier und die Stadt in Richtung direkterer Formen.
#026
Fränzi vor einem skulptierten Stuhl
Kirchner malte um 1910 den jungen Fränzi, ein häufiges Modell der Gruppe Die Brücke, vor einem vom Künstler skulptierten StuhlDas grüne Gesicht, das kantige Dekor und die Frontalität vereinen moderne Malerei und sogenannte primitive Objekte, in einem Kontext, der heute mit größerer Vorsicht neu gelesen wird.
Siehe das Gemälde →
#027
Zwei bretonische Frauen auf einer Wiese
In Pont-Aven verwandelte Bernard 1888 zwei bretonische Bäuerin in umzingelte Silhouetten, auf großen farbigen Flächen platziert, diese radikale Vereinfachung trug zur Geburt des Partitionismus bei und bot Gauguin eine Methode an, die er sofort mit großer Zuversicht entwickelte.
Siehe das Gemälde →
#028
Der Einzug Christi in Brüssel
1888 stellte sich Ensor den Einzug Christi in das heutige Brüssel vor, ertrunken in Fanfaren, Masken und politischen Parolen, abgelehnt vom Kreis des XX, verwandelt die Leinwand eine biblische Prozession in Massensatire und macht die Groteske zu einer sehr modernen Waffe.
Siehe das Gemälde →
#029
Der Zyklop
In diesem Gemälde von 1914 taucht ein über Galatea gebeugter Zyklop aus einer Landschaft auf, die eher geträumt als beschrieben wirkt Redon leiht sich ein verstörendes Wesen aus dem antiken Mythos, verleiht ihm aber einen fast zarten Blick; selbst Monster haben manchmal einen besinnlichen Tag.
Siehe das Gemälde →
#030
Die Erscheinung
Moreau greift die biblische Episode auf, wo Salome den Kopf Johannes des Täufers erscheinen sieht und verwandelt ihn, um 1876, in eine Vision mit kostbaren Farben und Details Die Geschichte verschwindet fast unter dem Ornament, als hätte das Symbol beschlossen, in voller Kleidung anzukommen.
Siehe das Gemälde →
#031
Musik
Dieses von Sergei Schtschukin mit La Danse in Auftrag gegebene Gemälde aus dem Jahr 1910 richtet fünf Musiker auf drei Farbbänder aus. Matisse reduziert Raum und Körper auf eine monumentale visuelle Partitur, in der gemalte Stille paradoxerweise sehr klangvoll wird.
Siehe das Gemälde →
#032
Der Tanz
Derain malte diese Runde 1906, zu einer Zeit, als der Fauvismus direktere Rhythmen in der antiken und außereuropäischen Kunst suchteDie Körper folgen einander in einer Glühlandschaft, zwischen Fries, Ritus und Fest, die das empfohlene Volumen leicht überschritten hätte.
Siehe das Gemälde →
#033
Luxus, Ruhe und Flüchtigkeit
Diese 1904 in Saint-Tropez gemalte Landschaft übersetzt eine Szene von Badegästen in separate, vom Neoimpressionismus übernommene Akzente. Matisse gab bereits die strenge wissenschaftliche Logik der Farbe auf, um ein von Baudelaire angekündigtes persönliches Arkadien aufzubauen.
Siehe das Gemälde →
#034
Der grüne Strahl
Amélie Matisse' Gesicht wurde 1905 von einem grünen Band geteilt, das die Schatten mit Komplementärfarben organisierte. Das im Salon d'Automne präsentierte Porträt wurde zu einem der Wahrzeichen des Fauvismus und erinnerte uns daran, dass ein wahrscheinlicher Teint keine Verwaltungspflicht darstellt.
Siehe das Gemälde →
#035
Fünf Frauen auf der Straße
Kirchner malte 1913 fünf elegante Dresdnerinnen als spitz zulaufende Figuren, fast skulptiert von den Straßenecken, Gesichtsmasken und saure Farben verwandeln die Stadtpromenade in ein nervöses Erlebnis der Moderne.
Siehe das Gemälde →
#036
Charing Cross Bridge
Derain entdeckte London 1906 dank des Kaufmanns Ambroise Vollard, der bei ihm Ansichten der Stadt in Auftrag gabDie Charing Cross Bridge wird zu einer Architektur aus reinen Farben und schnellen Berührungen, weniger dem Nebel treu als der Energie, die auf der Themse empfunden wird.
Siehe das Gemälde →
#037
Großer Ben
In dieser London-Ansicht von 1906 stellt Derain Big Ben inmitten eines orangefarbenen Flusses und eines grünblauen Himmels, die bekannte Silhouette stabilisiert eine durch die Farbe Rehkitz wieder aufgebaute Stadt, die britisches Wetter mit recht beneidenswerter Freiheit behandelt.
Siehe das Gemälde →
#038
Der Tiger
Franz Marc malte diesen Tiger 1912 mit farbigen Facetten, die das Tier in der Oberfläche zusammendrücken, Inspiriert vom Kubismus und seinem Streben nach einer spirituellen Beziehung zur Tierwelt verleiht es dem Tier eine ebenso mentale wie physische Spannung.
Siehe das Gemälde →
#039
Frau mit Hut
Dieses 1905 im Salon d'Automne präsentierte Porträt von Amélie Matisse trug zum Skandal bei, der Les Fauves seinen Namen gab. Die kräftigen Farben und der monumentale Hut machen das Modell zum Zentrum eines Bilderlebnisses, bei dem Eleganz Exzesse bereitwillig akzeptiert.
Siehe das Gemälde →
#040
Der Grinder
Malewitsch malte diese Schleifmaschine 1912 in wiederholte Pläne und Bewegungen zerlegt, das Werk verbindet Kubismus und futuristische Faszination mit der Maschine, bevor der Künstler die Vereinfachung bis zum Suprematismus forcierte.
Siehe das Gemälde →
#041
Jeanne Hebuterne
Modigliani malt Jeanne Hebuterne, seine Begleiterin, mit dem verlängerten Hals und den Augen, denen oft Pupillen entzogen sind, die seine späten Porträts charakterisieren. Die formale Sanftmut nimmt einen besonderen Stellenwert ein, wenn wir den tragischen Tod des Paares im Jahr 1920 kennen.
Siehe das Gemälde →
#042
Marokkaner
Matisse komponierte Les Marocains zwischen 1915 und 1916 nach Erinnerungen an seine Aufenthalte in Tanger, es reduziert Figuren, Architektur und Vegetation auf große schwarze und farbenfrohe Schilder, verwandelt das Erlebnis des Reisens in eine mentale Konstruktion statt in eine malerische Szene.
Siehe das Gemälde →
#043
Frau in grüner Jacke
Gemalt im Jahr 1913, kreuzt dieser Spaziergänger aus Macke eine Welt aus Fenstern und transparenten Farben, der Maler vereinfacht die Figur und das Dekor unter dem Einfluss des Kubismus und der außereuropäischen Künste, während er die Leichtigkeit eines urbanen Tages beibehält.
Siehe das Gemälde →
#044
Ad Parnassum
1932 vollendete Klee diese große Komposition, die er nach dem Berg Parnass, der mythischen Residenz von Apollo und den Musen, benannte Ein Mosaik aus kleinen bunten Akzenten baut Berg, Sonne und monumentale Tür, als hätte die Antike heimlich den Pointillismus gelernt.
Siehe das Gemälde →
#045
Selbstporträt
Werefkin stellt sich um 1910 mit einem Stirngesicht dar, verstärkt durch unwirkliche Farben und kompromisslosen Blick, nachdem sie Jawlenskys Karriere schon lange unterstützt hat, setzt sie hier ihre eigene expressionistische Stimme mit einer Autorität durch, die keiner Einführung mehr bedarf.
Siehe das Gemälde →
#046
Porträt eines deutschen Offiziers
Hartley malte 1914 ein gesichtsloses Porträt von Karl von Freyburg, einem deutschen Offizier, dem er tief verbunden war Uniformen, Fahnen, Nummern und Abzeichen bilden ein verschlüsseltes Denkmal, in dem Militärsprache zu einem privaten Bekenntnis wird.
Siehe das Gemälde →
#047
Brooklyn-Brücke
In dieser Vision von 1919-1920 verwandelte Joseph Stella die Brooklyn Bridge in eine elektrische Kathedrale, Die Kabel, Bögen und Lichter sind wie eine moderne Ikone geordnet, ein Beweis dafür, dass die Industrie auch ein wenig Kontemplation verlangen kann.
Siehe das Gemälde →
#048
Die Stadt bei Nacht
Exter malt die Nachtstadt als eine Abfolge von leuchtenden Ebenen und angespannten Diagonalen, genährt vom Kubismus und Futurismus, macht sie Architektur zu einem Bühnenrhythmus, kündigt ihre Forschungen für Theater und Dekor an.
Siehe das Gemälde →
#049
Der grüne Strahl
Rozanova konstruiert diese abstrakte Komposition aus dem Jahr 1917 um eine grüne Diagonale, die ein weißes Feld spaltet, auf fast nichts reduziert, wird Farbe zu einem reinen Ereignis; nach Jahrhunderten der Landschaft reicht plötzlich eine einzige Linie aus, um das gesamte Land zu besetzen.
Siehe das Gemälde →
#050
Entrada
Entrada wurde um 1917 gegründet und vereint Briefe, Architekturfragmente und dynamische Formen auf einer bewusst instabilen Oberfläche. Souza-Cardoso vereint Kubismus, Futurismus und portugiesische Populärkultur und bekräftigt damit eine Moderne, die sich weigert, einen einzigen Pass zu wählen.
Siehe das Gemälde →Pirosmani, Séraphine Louis, Vivin, Pippin, Wallis und Wölfli zeigen, dass Erfindung nicht immer die Erlaubnis offizieller Schulen einholt.
#051
Der gehäutete Ochse
Soutine griff um 1925 das von Rembrandt berühmt gewordene Muster des gehäuteten Rindfleischs auf und hängte den Kadaver in seiner Werkstatt aufDie Rottöne, Blau - und Verformungen machen das Fleisch zu einem fast lebendigen Bildmaterial, zum wahrscheinlich großen Missfallen der Nachbarschaft und des Hygienedienstes.
Siehe das Gemälde →
#052
Selbstporträt mit Physalis
Schiele stellte sich 1912 mit dünnem Körper, angespanntem Blick und einem Zweig roter Physalis darDie Pflanze, zerbrechlich und schillernd, reagiert auf die nervöse Silhouette; das Selbstporträt wird weniger Ähnlichkeit als eine psychologische Enthüllung.
Siehe das Gemälde →
#053
Das Gelbe Meer
Lacombe skulptiert das Gemälde fast in diesem gelben Meer von 1892, inspiriert von bretonischen Klippen. Die Wellen passen in dekorative, dicke Bänder zusammen und verleihen der Landschaft die kompakte Stärke eines Nabi-Reliefs.
Siehe das Gemälde →
#054
Die Weißen und die Schwarzen
Vallotton malte 1913 eine weiße Frau, die in der Nähe einer sitzenden schwarzen Frau lag und dabei bewusst die Struktur von Manets Olympia aufgriff. Der Kontrast von Körpern, Blicken und sozialen Positionen macht die Szene verstörend und lädt uns ein, die Machtverhältnisse, die sie begründet, zu untersuchen.
Siehe das Gemälde →
#055
Avenue de Clichy, fünf Uhr abends
1887 verwandelte Anquetin eine Pariser Allee in der Dämmerung in flache dunkle, von Blau umgebene Bereiche, diese partitionistische Technik, nahe Glasfenstern und Druckgrafiken, beeinflusste Bernard und Gauguin zu der Zeit, als die junge Malerei einen Ausstieg zum Naturalismus suchte.
Siehe das Gemälde →
#056
Die Elektrizitätsfee
Dieses monumentale Fresko wurde für den Elektrizitätspavillon der Internationalen Ausstellung 1937 in Auftrag gegeben und entfaltet die Geschichte der Erfindungen auf fast sechzig Metern. Dufy bringt Wissenschaftler, Maschinen und Götter in einer farbenfrohen Party zusammen, auf der die Steckdose endlich ihr Epos erhält.
Siehe das Gemälde →
#057
Der Nap
Um 1905 malte Manguin eine Ruherszene in warmen Farben, als er mit den Fauves ausstellte. Der Körper und die Landschaft verschmelzen zu einem mediterranen Licht, das akademische Modellierung durch direkte Harmonie ersetzt.
Siehe das Gemälde →
#058
La Ciotat
Friesz arbeitete 1907, kurz nach der gelbbraunen Explosion des Salon d'Automne, in La Ciotat, die Kiefern, die Küste und das Meer sind in robusten Massen organisiert; die Farbe bleibt frei, aber die Komposition findet bereits eine klassischere Struktur.
Siehe das Gemälde →
#059
Fülle
1911 im Salon des Indépendants präsentiert, zeigt L'Abondance eine monumentale Figur inmitten einer fragmentierten Landschaft. Le Fauconnier kombiniert allegorisches Thema, kubistische Bände und archaische Bezüge, um der Moderne einen Flachreliefbau zu verleihen.
Siehe das Gemälde →
#060
Die Badegäste
Gleizes malte diese Badegäste 1912 als ein in die Landschaft eingebettetes Volumen, das klassische Thema dient als Labor für Salons Kubismus, der weniger die Welt zu brechen als vielmehr mit sehr ehrgeizigen Anweisungen wieder aufzubauen sucht.
Siehe das Gemälde →
#061
Tanz II
Die 1910 für die Schtschukin-Treppe fertiggestellte Endfassung von La Danse intensiviert das Rot der Körper und die Spannung des Kreises, Matisse verwandelt eine verträumte primitive Szene in einen monumentalen Rhythmus, ohne überflüssige Dekoration und Stühle für müde Tänzer.
Siehe das Gemälde →
#062
Marcella
Kirchner malte Marcella um 1910 unter den jungen Vorbildern der Die Brücke-GruppeDas kantige Gesicht, die grünen und rosa Farben und die Frontalpose drücken eine Suche nach Spontaneität aus, die heute mit Aufmerksamkeit für Alters- und Machtverhältnisse betrachtet werden muss.
Siehe das Gemälde →
#063
Die gelbe Kuh
Die 1911 gemalte gelbe Kuh springt wie eine freudige Kraft in eine blau-rote Landschaft, Marc schreibt Farben einen spirituellen Wert zu und sucht durch Tiere eine Unschuld, die die moderne Welt verloren zu haben scheint.
Siehe das Gemälde →
#064
Türkischer Kaffee
Macke malte dieses Café 1914, inspiriert von seiner Reise nach Tunesien mit Paul Klee und Louis Moilliet. Figuren, Teppiche und Architektur werden zu leuchtenden Ebenen; Das lokale Erlebnis nährt moderne Farben, ohne auf ein touristisches Inventar reduziert zu werden.
Siehe das Gemälde →
#065
Senecio
1922 komponierte Klee dieses Gesicht mit einigen farbigen Rechtecken und Elementarlinien, der lateinische Titel, der so viel wie alter Mann bedeutet, verwandelt das Porträt in eine wechselnde Maske, auf halbem Weg zwischen menschlicher Figur, Zeichen und Erinnerung an einen Ritualgegenstand.
Siehe das Gemälde →
#066
Selbstporträt zum sechsten Hochzeitstag
1906 malte sich Modersohn-Becker nackt und angeblich schwanger zu ihrem sechsten Hochzeitstag, obwohl sie es nicht war Dieses beispiellose Selbstporträt bejaht eine künstlerische Identität und symbolische Fruchtbarkeit, weit entfernt von den dekorativen Rollen, die damals Frauen zugewiesen wurden.
Siehe das Gemälde →
#067
Venedig
Exter übersetzt Venedig in bunte, diagonale Pläne, die Paläste, Wasser und Licht zum Schwingen bringen Die historische Stadt wird zu einem kubofuturistischen Labor, ein Beweis dafür, dass eine Gondel Geometrie überstehen kann, ohne ihren ganzen Charme zu verlieren.
Siehe das Gemälde →
#068
Die zerbrochene Säule
Kahlo malte 1944 nach einer Wirbelsäulenoperation Die gebrochene Säule Sein offener Rumpf offenbart eine gebrochene Ionenwirbelsäule, während Nägel, Tränen und ein medizinisches Korsett chronische Schmerzen in ein kaum erträgliches Bild verwandeln.
Siehe das Gemälde →
#069
Schlacht am Licht, Coney Island
1914 präsentierte Stella diese Vision von Coney Island, einem elektrischen Vergnügungspark und Symbol der modernen Menschenmenge, die Lichter und Fahrgeschäfte brachen in bunte Facetten, als hätte der Futurismus ein unbegrenztes Ticket für den Abend gekauft.
Siehe das Gemälde →
#070
Madeleine im Bois d'Amour
Bernard malte Madeleine 1888 im Bois d'Amour, während Pont-Avens Forschungen zum Partitionismus, Die sitzende Figur, die Bäume und der Boden werden in ruhige Bereiche zurückgebracht, was dem Träumer eine fast heilige Schwerkraft verleiht.
Siehe das Gemälde →
#071
Die Musen
Maurice Denis malte diese Frauen 1893 im Garten von Saint-Germain-en-Laye und verlieh ihnen die Merkmale von Verwandten und Freunden. Das alte heilige Holz wird zu einem zeitgenössischen Park, der als dekorativer Fries durch vertikale Stämme und leichte Kleider organisiert wird.
Siehe das Gemälde →
#072
Das Bad im Sommerabend
Vallotton stellte dieses große Sammelbad 1893 aus, zu einer Zeit, als die Nabis die dekorative Malerei erneuertenDie abgeflachten Körper und fast ausgeschnittenen Silhouetten verwandeln das Sommervergnügen in ein seltsames Theater, beobachtet mit der kalten Ironie, die speziell für den Künstler gilt.
Siehe das Gemälde →
#073
Der kleine Konditor
Soutine malte Anfang der 1920 er Jahre mehrere kleine Konditoren, fasziniert von ihren weißen Uniformen und ihren unsicheren PosenDer Junge wird zu einer verletzlichen Präsenz, konstruiert durch Rotweine und Verzerrungen und nicht durch das soziale Prestige des offiziellen Porträts.
Siehe das Gemälde →
#074
Die Familie
Schiele malte diese Familie 1918, während seine Frau Edith ein Kind erwartete Der Künstler modifiziert eine frühere Komposition, um sich das Paar und das Baby vorzustellen; alle drei starben während der Grippepandemie, was dieser häuslichen Projektion eine ergreifende Abschiedsdimension verlieh.
Siehe das Gemälde →
#075
Der Wolkenmann
Van den Berghe platziert eine solitäre Figur in einer Landschaft aus Wolken und instabilen Formen, charakteristisch für seinen expressionistischen Surrealismus der 1930 er JahreDer Körper scheint weniger die Welt zu bewohnen, als zu versuchen, mit einem Traum zu verhandeln, der zur Meteorologie geworden ist.
Siehe das Gemälde →Klee, Kandinsky, Malewitsch, die russischen Avantgarden und mehrere Singularstimmen erweitern die Forschung, ohne alle Modernitäten austauschbar zu machen.
#076
Buddha in seiner Jugend
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts malte Redon mehrere stille Buddhas, umgeben von Blumen und farbenfrohen Landschaften, er strebt keine archäologische Restitution an, sondern ein Bild der inneren Kontemplation, genährt durch symbolistisches Interesse an den Religionen Asiens.
Siehe das Gemälde →
#077
Ödipus und die Sphinx
1864 nahm Moreau die Konfrontation zwischen Ödipus und der Sphinx wieder auf, zu einer Zeit, als die Historienmalerei noch Königin der Salons warDer Held und das Monster geraten in ein Stillduell, bei dem das Rätsel auch sexuell, psychologisch und bildlich wird.
Siehe das Gemälde →
#078
Frühlingsformel
Filonov arbeitete zwischen 1927 und 1929 an dieser riesigen Zusammensetzung nach seiner Analysemethode, konstruierte Zelle für Zelle Gesichter, Pflanzen und Fragmente vermehren sich dort wie ein wachsender Organismus, was den Frühling viel mühsamer macht als die einfache Blüte.
Siehe das Gemälde →
#079
Kiki de Montparnasse
Kisling malt Kiki de Montparnasse in den 1920 er Jahren zum Herzstück des Pariser Kunstlebens, Vorbild, Sänger und Muse vieler Künstler, behält hier eine autonome Präsenz hinter den für den Maler charakteristischen glatten Konturen und großen Augen.
Siehe das Gemälde →
#080
Die Montagnards wurden von Bären angegriffen
Präsentiert 1912 verwandelt dieses große Gemälde von Le Fauconnier einen Bärenangriff in den Bergen in mächtige, enge Blöcke Die spektakuläre Geschichte dient dem Maler dazu, eine monumentale kubistische Konstruktion zu testen, bei der jeder Felsen eine militärische Ausbildung durchlaufen zu haben scheint.
Siehe das Gemälde →
#081
Plakate in Trouville
Dufy malte Trouville um 1906, als Plakate, Fahnen und Fassaden zu Vorwänden für Farbe für die Fauves wurdenDas moderne Seebad liest sich wie eine Oberfläche, die von Wind, Publicity und dem Vergnügen, schnell zu malen, beseelt ist.
Siehe das Gemälde →
#082
Die Saint-Michel-Brücke
Marquet beobachtet die Saint-Michel-Brücke von den Pariser Kais aus zu Beginn des 20. Jahrhunderts, sie vereinfacht Seine, Verkehr und Gebäude zu großen, nüchternen Massen, zeigt, dass direktes Bauen modern sein kann, ohne seine Stimme zu erheben.
Siehe das Gemälde →
#083
Gottes Tag
Der 1894 gemalte Tag Gottes organisiert einen tahitianischen Ritus, der um ein zentrales Idol, unbewegliche Figuren und drei Körper in der Nähe des Wassers erfunden wurde. Gauguin vereint lokale Motive und persönliche Symbole in einem verführerischen Bild, das auch seine westliche Sicht auf Polynesien offenbart.
Siehe das Gemälde →
#084
Zorah auf der Terrasse
Matisse malte Zorah 1912 in Tanger, auf einer Terrasse sitzend, die auf einige dekorative Farben und Muster reduziert war. Das Porträt zeugt von seinem marokkanischen Aufenthalt und stellt gleichzeitig die Frage nach dem orientalistischen Blick, der einen echten Menschen in ein Emblem von anderswo verwandelt.
Siehe das Gemälde →
#085
Boote in Collioure
In Collioure malte Derain 1905 die Boote mit kräftigen Berührungen und lila Schatten, neben Matisse, Der kleine Hafen wird zu einem der Labore des Fauvismus, wo Farbe aufhört, gehorsam zu beschreiben, um alle Empfindungen zu organisieren.
Siehe das Gemälde →
#086
Porträt von Chaiven Soutine
Modigliani malte um 1916 seinen Freund Chaaivem Soutine, während die beiden Künstler Montparnasses Prekarität teiltenDas längliche Gesicht und die dunkle Tracht verleihen dem jungen Maler eine ernste Würde, weit entfernt von der böhmischen Karikatur.
Siehe das Gemälde →
#087
Die Großen Blauen Pferde
Diese drei blauen Pferde aus dem Jahr 1911 füllen die Leinwand mit einer kollektiven und friedlichen Kurve. Marc verbindet Blau mit Spiritualität und sucht ursprüngliche Harmonie im Tier, kurz bevor Europa dieses Vertrauen auf tragische Weise zerbrechlich machte.
Siehe das Gemälde →
#088
Der Holzfäller
Malewitsch malte diesen Arbeiter 1912 in Zylinder, Kegel und Metallic-Farben verwandeltDas ländliche Motiv begegnet dem russischen Kubofuturismus, als wäre eine Bauernikone zerlegt und dann in einer Maschinenwerkstatt wieder zusammengesetzt worden.
Siehe das Gemälde →
#089
Stillleben
In diesem Stillleben der 1910 er Jahre zersplittert Exter Objekte und Raum in überlappende bunte EbenenDas Alltagsmotiv wird zum Testfeld des Kubismus, bevor der Künstler diese Energie auf die Bühne und das Kostüm ausdehnt.
Siehe das Gemälde →
#090
Selbstporträt
Rozanova malte sich 1911 mit abrupter Frontalität und dicken Farben, zu Beginn ihrer Avantgarde-Karriere. Das Gesicht behält etwas von der Ikone bei, bekräftigt aber eine moderne Identität und beschäftigt sich bald mit Futurismus und dann mit Abstraktion.
Siehe das Gemälde →
#091
Bretonisches Wrestling
Serusier malte um 1890 einen bretonischen Kampf, dessen Körper in festen flachen Bereichen zusammenpassen. Die beliebte Szene wird zu einem dekorativen Fries, der von Pont-Aven und der Suche nach einer Kunst genährt wird, die als direkter gilt als akademische Konventionen.
Siehe das Gemälde →
#092
Die Ernte
Bernard malte La Moisson Ende der 1880 er Jahre, indem er Felder, Kleidung und Gesten auf große umzingelte Flächen reduzierte, Ländliche Arbeit wird nicht als flüchtiger Moment behandelt, sondern als kollektiver Rhythmus nahe dem Wandteppich.
Siehe das Gemälde →
#093
Katholisches Mysterium
Dieses 1889 gemalte katholische Mysterium transponiert die Verkündigung in eine moderne Szene mit vereinfachten Figuren. Denis bekräftigt bereits, dass die farbige Oberfläche genauso viel zählt wie die religiöse Geschichte, ein Prinzip, das zu einem der Grundphrasen der Nabi-Malerei werden wird.
Siehe das Gemälde →
#094
Skelette kämpfen um einen Hering
1891 malte Ensor zwei Skelette, die jeweils an einem Hering ziehen, ein visuelles Spiel nach dem französischen Ausdruck hareng saur Unter dem Gitterwitz karikiert er die Auseinandersetzungen der künstlerischen Welt mit Protagonisten, die den Streit deutlich bis auf die Knochen trieben.
Siehe das Gemälde →
#095
Jupiter und Semele
Moreau arbeitete von 1894 bis 1896 an dieser monumentalen Vision, in der Semele von der göttlichen Erscheinung Jupiters verzehrt wurde Mythen, Schmuck, Figuren und Symbole sättigen die Oberfläche und verwandeln den Tod der Heldin in eine wissenschaftliche Apotheose.
Siehe das Gemälde →
#096
Köpfe
Filonov konstruiert diese Köpfe nach seiner analytischen Methode, durch eine enge Ansammlung kleiner Formen Die Gesichter wirken gleichzeitig mineralisch, organisch und historisch, als ob mehrere Generationen versuchen würden, dieselbe Haut zu besetzen.
Siehe das Gemälde →
#097
Der Absinth-Trinker
Im Jahr 1907 malte Spilliaert diese Frau absorbiert vor einem Glas Absinth, in der nächtlichen und einsamen Atmosphäre, die ihre Werke von Ostende kennzeichnet Die dunklen Linien und das hohle Gesicht verwandeln den Kaffee in einen mentalen Raum und nicht in eine Szene der Geselligkeit.
Siehe das Gemälde →
#098
Der Jäger
Der Falconer malte The Hunter 1911, als der Salonkubismus monumentale und lesbare Figuren suchteKörper, Waffe und Landschaft sind zu robusten Volumina zusammengesetzt, die dem Motiv eine archaische Gravitation verleihen.
Siehe das Gemälde →
#099
Die Frau mit Phloxen
Gleizes präsentiert diese von Blumen umgebene Frau 1911 im Salon des Indépendants, einer entscheidenden Ausstellung zur Anerkennung des Kubismus. Das Porträt bleibt identifizierbar, während sich die Aufnahmen vermehren, was die menschliche Präsenz und neue Oberflächenarchitektur in Einklang bringt.
Siehe das Gemälde →
#100
Der Hafen von Le Havre
Dufy malte den Hafen von Le Havre zu Beginn seiner Karriere, bevor seine Palette durch den Kontakt mit dem Fauvismus völlig klarer wurde. Die Kais, Masten und der Rauch erzählen die Geschichte der Industriestadt, in der er geboren wurde, immer noch beobachtet mit einer Nüchternheit, die er von seinen Anfängen geerbt hat.
Siehe das Gemälde →Was die Werke verraten
Hundert Gemälde, viele Erfindungen und ein paar notwendige Fragen
Primitivismus ist weder ein einzigartiger Stil noch ein unschuldiges Paradies Das Ranking zeigt Künstler, die die Form vereinfachen, Quellen verschieben und neue Energie suchen, mit Ergebnissen, die so kraftvoll wie manchmal widersprüchlich sind.
Einfachheit wird aufgebaut
Bei Gauguin, Rousseau oder Matisse stammen die scheinbaren Beweise aus präzisen Arbeiten zu Kontur, flachen Bereichen und Rhythmus; Sogar Spontaneität hat ihre Hausaufgaben gemacht.
Anderswo wird oft vorgestellt
Tahiti von Gauguin und der Dschungel von Rousseau erzählen ebenso viel über das europäische Verlangen wie die dargestellten Orte, was einen Blick auf das Gemälde und seinen Standpunkt erfordert.
Der Körper wird zum Zeichen
Blauer Akt, Tanz, Karyatiden - oder langgestrecktes Gesicht reduzieren die Modellierung, sodass Haltung, Farbe und Silhouette die Emotion direkt in sich tragen.
Die Ränder verändern das Zentrum
Naive Kunst, Autodidakt und Volkstraditionen zeigen, dass die moderne Geschichte auch weit entfernt von Akademien und ihren sehr gut polierten Gängen geschrieben wurde.
Chronologie einer Moderne auf der Suche nach anderswo
Fünf Termine nach Darlehen und Kündigungen
Gauguin transformiert eine bretonische Szene durch flache Bereiche, Umrisse und mentalen Raum; die beobachtete Welt weicht einem rekonstruierten Bild.
Die Reise nährt eine große persönliche Mythologie, aber auch einen kolonialen Look, den eine aktuelle Lesart nicht aus dem Rahmen lassen kann.
Matisse und Derain geben der Farbe eine neue Freiheit; Das Gemälde bittet den Himmel nicht mehr um Erlaubnis, rot oder grün zu werden.
Pariser Sammlungen und Treffen verändern den Wortschatz der Avantgarden, oft ohne die Quellenkulturen und Künstler richtig zu erkennen.
Rousseau und Matisse bieten zwei sehr unterschiedliche Gipfel: unbeweglicher Dschungel auf der einen Seite, monumental rund auf der anderen Seite, mit dem gleichen Vertrauen in die direkte Form.
Primitivismus in der Tiefe
Wie kann man Primitivismus verstehen, ohne ein Auge zuzudrücken?
Der Primitivismus ist eine der treibenden Kräfte der modernen Kunst, aber auch einer ihrer heikelsten Bereiche, westliche Künstler projizieren ihre Wünsche nach Herkunft, Einfachheit, Spiritualität oder Bruch, oft basierend auf den Künsten Afrikaner, Ozeanier, populäre, mittelalterliche, naive oder außerwestliche, die sie teilweise verstehen Dieser westliche Blick erzeugt kraftvolle Werke, aber er muss genau untersucht werden Wir müssen diese Bilder daher mit betrachten Zwei Augen weit auf: das eine für plastische Kraft, das andere für kulturelle Themen, das ist anspruchsvoller als ein einfacher Spaziergang zum Museum, aber viel ehrlicher.
Einen zentralen Platz nimmt Paul Gauguin ein, der in der Bretagne dann auf Tahiti nach einem synthetischen, symbolischen Gemälde suchte, weniger naturalistisch, mehr durch flache Bereiche und Konturen unterbrochen Seine Bilder sind kraftvoll, farbenfroh, oft geheimnisvoll Sie bauen aber auch eine sehr persönliche Welt auf, vermischt mit westlichen Träumen und kolonialer Realität Gauguin öffnet Türen, die für die Moderne unerlässlich sind, auch wenn bei genauer Betrachtung etwas knarrt.
Henri Rousseau stellt einen weiteren Weg dar: den einer naiven, frontalen, phantasievollen Malerei, ohne klassische akademische AusbildungDer Traum, Der schlafende Böhme oder Der Schlangenbeschwörer verleiht Urwäldern und Figuren Präsenz Hypnotisch. Rousseau malt die Exotik nicht als gelehrten Reisenden; er erfindet ein Mentaltheater, wo jedes Blatt einzeln eingeladen worden zu sein scheintDer Dschungel ist vielleicht nicht botanisch, aber er hat ein ausgezeichnetes Gedächtnis Dekorativ.
Matisse, Derain, Vlaminck und die wilden Bestien nutzen den Primitivismus als Befreiung von Farbe und Form Tanz, Das Glück des Lebens, die blauen Akte oder die Landschaften von Derain vereinfachen Körper, verstärken Töne, Suche direkte Energie Populäre Kunst, Drucke, antike oder außerwestliche Skulptur nähren diese Verwandlung Das Gemälde hört auf höflich zu flüstern und beschließt, in Farbe zu singen, manchmal mit einer Stimme, die Kreuzt drei Stücke.
Modigliani, Kirchner, Nolde, Pechstein, Franz Marc, Klee und Jawlensky verlängern diese Quest mit länglichen Gesichtern, Masken, Symboltieren, Zeichen und Elementarformen, in Modigliani wird das Gesicht zur Ikone Schweigend; bei Kirchner, die Figur wird gezähnt; bei Franz Marc trägt das Tier eine geistige Kraft; bei Klee findet das Zeichen eine fast kindliche Frische Der Primitivismus ist kein einzigartiger Stil, sondern eine Familie von Impulsen hin Ein weniger höfliches Bild.
Die Bewegung berührt auch naive Kunst, Autodidakten, populäre oder spirituelle Visionen: Pirosmani, Séraphine Louis, Vivin, Pippin, Wallis, Lesage und Wölfli zeigen, dass die Moderne nicht nur von Akademien und Manifeste. diese Künstler verschieben den Blick durch formale Offenheit, eine singuläre Vorstellungskraft, eine direktere Beziehung zum Motiv Sie erinnern uns daran, dass ein Gemälde sehr gelehrt sein kann, ohne unbedingt das Kostüm des Retterei.
In einer Dekoration bringt ein mit dem Primitivismus verbundenes Werk Präsenz, Farbe und grafische Kraft mit sich Gauguin stellt eine symbolische Intensität her, Rousseau öffnet verträumte Dschungel, Matisse gibt Schwung, Modigliani bringt Adel Schweigend fügen Klee oder Marc Zeichen und mit Energie aufgeladene Tiere hinzuDas sind Gemälde, die laut visuell sprechen, auch wenn sie nicht gerade ihre Stimme erheben Die Wand gewinnt an Charakter, manchmal auch den Eindruck, einen Stamm gefunden zu haben Farben im Wohnzimmer.
This Top vereint Werke, wo sich Vereinfachung, gefragter Archaismus, naive Kunst, Masken, Zeichen, Symbolik, Fauvismus, Expressionismus und nicht-akademische Moderne überschneiden Es verwandelt Primitivismus nicht in eine unschuldige Postkarte: Es zeigt seine Schönheit, seine Dreistigkeit, seine Spannungen und seine blinden Flecken Gerade diese Mischung macht es wichtigDie Moderne lernt zu verlernen, was nützlich ist, aber sie muss vermeiden, sich für unschuldiger zu halten, als sie ist Ist.
Vier Lesetasten
Betrachten Sie die Kraft, ohne den Kontext zu verlieren
Kontur, Farbe, Quelle und Standpunkt erlauben es Ihnen, diese Gemälde zu bewundern, ohne die Kulturgeschichte in einen ziemlich exotischen Hintergrund zu verwandeln.
Folgen Sie der Silhouette
Eine dicke Linie, eine Frontalform oder ein längliches Profil vereinfachen das Volumen, um das Vorhandensein unmittelbarer zu machen.
Messen Sie Ihre Autonomie
Grün, Rot, Blau oder Gelb hören auf, nur zu beschreiben; Sie organisieren Raum, Emotionen und manchmal das gesamte Innenwetter.
Identifizieren Sie, was beobachtet wird
Populäre Kunst, afrikanische oder ozeanische Skulptur, Ikone, Druck und antike Kunst haben weder die gleiche Geschichte noch den gleichen Status.
Fragen Sie, wer erzählt
Das Bild kann großartig sein, während es an anderer Stelle vereinfacht wird; Wenn man diese beiden Ideen zusammenhält, wird der Look präziser und nicht weniger sensibel.
Nachprüfbare primitivistische Bibliothek
Weiter nach dem hundertsten Gemälde
MoMA, Tate, Musée d'Orsay, Metropolitan Museum, Philadelphia Museum of Art, Wikipedia, Wikidata und Wikimedia Commons ermöglichen die Überprüfung von Werken, Daten, Abmessungen und Kontexten. Eine solide Quelle verhindert außerdem, dass es zu einer einfachen, praktischen Erfindung wird.
0 Bemerkungen