Symbolismus: 100 Gemälde, Mythen und Symbole

Das Sichtbare behält einen Hintergedanken

Hundert Gemälde, in denen jedes Bild ein Geheimnis kennt

Am Ende des 19. Jahrhunderts weigern sich die symbolistischen Maler, die Kunst auf das zu beschränken, was das Auge messen kann. Böcklin erfindet innere Inseln, Munch gibt den Gefühlen einen Himmel, Moreau und Redon erwecken die Mythen, während Klimt, Khnopff, Hodler und ihre europäischen Nachbarn Körper, Landschaft und Dekoration in zu entschlüsselnde Zeichen verwandeln.

Der Symbolismus zieht Rätsel erklärenden Werkbeschreibungen vor. Eine Sphinx, eine Insel oder ein verschlossenes Gesicht leisten darin mehr als eine lange Rede und benötigen viel weniger Stühle.

Das Symbol ist kein Bilderrätsel, das sich ein für alle Mal lösen lässt. Es verbindet Gefühl, Kultur und Form und lässt dem Blick dann das Vergnügen, zurückzukehren und seine Vermutung zu überprüfen.

Chronologie bei gedämpftem Licht

Fünf Daten, die zeigen, wie das Bild das Andeuten lernt

Die Bewegung im Detail

Warum zieht der Symbolismus das Geheimnis vor?

Der Symbolismus erscheint am Ende des 19. Jahrhunderts als Antwort auf die allzu sichtbaren Gewissheiten von Realismus und Naturalismus. Die Künstler wollen nicht nur zeigen, was das Auge sieht: Sie wollen erfahrbar machen, was der Geist ahnt, der Traum verformt, die Erinnerung verschönert oder die Angst leise flüstert. Eine Blume, eine Sphinx, eine Insel, ein verschlossener Blick oder eine in Stoff gehüllte Frau werden zu Türen. Manche knarren ein wenig, was oft ein gutes Zeichen ist.

Arnold Böcklin nimmt mit der Toteninsel eine bedeutende Stellung ein, einem Gemälde, das beinahe zur Ikone des Übergangs, der Stille und des Jenseits geworden ist. Ein Boot, Zypressen, weiße Architektur, unbewegtes Wasser: wenige Elemente, aber eine gewaltige Kraft der Vorstellung. Böcklin beweist, dass eine Landschaft Ihr persönliches Schicksal zu kennen scheinen kann, ohne auch nur die Stimme zu heben, was für einige Felsen sehr beeindruckend ist.

Edvard Munch verleiht dem Symbolismus eine einzigartige psychologische Intensität. Der Schrei, Madonna, der Tanz des Lebens und Melancholie verwandeln Gefühle in Linien, Farben und Atmosphären. Bei ihm empfindet die Landschaft ebenso viel wie die Figur. Der Himmel windet sich, die Gesichter verschließen sich, und die Silhouetten schreiten wie allzu beharrliche Erinnerungen voran. Munch malt nicht nur eine Stimmung: Er gibt ihr einen ganzen Horizont.

Gustave Moreau und Odilon Redon eröffnen zwei französische Wege des Geheimnisses. Moreau häuft Schmuck, Mythen, Salome, Sphinxen und Erscheinungen in dichten, kostbaren, beinahe hypnotischen Kompositionen an. Redon bearbeitet den Traum hingegen mit seltsamer Sanftheit: geschlossene Augen, Blumen, Zyklopen, Buddhas, tiefes Schwarz und schwebende Farben. Moreau gibt dem Symbol einen mit Wandbehängen überladenen Palast; Redon bietet ihm ein Zimmer, in dem die Fantasie atmen kann.

Klimt, Khnopff, Hodler, Toorop, Delville, Rops, Schwabe und die belgischen, Schweizer, österreichischen oder niederländischen Symbolisten zeigen die Vielfalt der Bewegung. Klimt verwandelt den Körper in ein goldenes Mosaik, Khnopff schließt die Figuren in eisige Distanz ein, Hodler sucht beinahe rituelle Rhythmen, Toorop verlängert die Linien bis zur Vision, Rops fügt dunkle Ironie hinzu. Der Symbolismus liebt Schwellen: zwischen Schönheit und Unbehagen, Gebet und Begehren, Stille und innerem Theater.

Die Präraffaeliten und die der Bewegung nahestehenden Künstler, von Rossetti bis zu Burne-Jones und Waterhouse, bereichern diese Konstellation. Mittelalterliche Legenden, Femmes fatales, Ritter, Nymphen, Prophezeiungen und bedeutungsvolle Blumen geben der Malerei einen literarischen Duft. Das Gemälde wird beinahe zu einem Gedicht, das beschlossen hat, ein schweres Kleid, endloses Haar und einen viel zu gut informierten Blick zu tragen.

In einer Einrichtung bringt ein symbolistisches Werk eine ganz besondere Tiefe. Böcklin schafft Stille, Munch emotionale Intensität, Klimt dekorativen Glanz, Moreau mythologischen Reichtum, Redon Träumerei, Gauguin geistliche Farbe, Khnopff kühle Eleganz und Waterhouse erzählerische Poesie. Dieser Stil passt zu Räumen, die Schönheit mit einem Hintergedanken mögen, zu Wänden, die Geheimnisse tragen können, und zu Salons, die den Gästen nicht schon beim Eintreten alles erklären möchten.

Diese Auswahl versammelt Werke, in denen Allegorie, Traum, Mythos, Spiritualität, Angst, die Frau als Symbol, innere Landschaft und gedankliches Bild die Hauptrollen spielen. Manche stammen aus dem Symbolismus im engeren Sinn, andere von den Präraffaeliten, den Nabis, der Secession oder den nordischen und russischen Schulen. Das ist keine Schwäche des Themas, sondern seine Natur. Der Symbolismus zieht wie ein eleganter Rauch durch mehrere Länder und lässt die Vorhänge selten unversehrt.

Der dauerhafte Reiz des Symbolismus liegt darin, dass er sich vollständigen Erklärungen widersetzt. Man kann die Toteninsel, den Schrei, Jupiter und Semele, den Kuss oder den Zyklopen betrachten, ohne ihren Sinn auszuschöpfen. Jedes Werk bewahrt einen Rest, eine Stille, ein Detail, das später wiederkehrt. Ein gutes symbolistisches Bild beendet das Gespräch nicht; es steckt es Ihnen in die Tasche und wartet dann ruhig darauf, dass Sie es im falschen Augenblick wiederfinden.

Motiv, Raum, Farbe und Muster zeigen, wie die Malerei ihr Geheimnis erzeugt. Entscheidend ist nicht, eine einzige Antwort zu finden, sondern zu sehen, wie das Bild mehrere Bedeutungen zusammenhält.

Kabinett der nachprüfbaren Symbole

Nach dem letzten gemalten Rätsel weitersehen

Museen, Künstler, Sammlungen und Quellen stellen die Gemälde in ihren geschichtlichen Zusammenhang. Das Geheimnis gewinnt an Tiefe, wenn es auf Tatsachen beruht, die ihrerseits nicht Verstecken spielen.