Top 100 - Metropolitan Museum of Art
Top 100 Gemälde aus dem Metropolitan Museum of Art
Hundert Gemälde, die die Met überqueren, ohne zu rennen, von Duccio bis Van Gogh, von Vermeer bis Sargent und von Bruegel bis Ogata Kôrin.
Das Metropolitan Museum of Art verfügt über genügend größere Gemälde, um aus einer einstündigen Führung eine Verhandlung mit Ladenschluss zu machen Die hundert Werke stammen aus den offiziellen Met-Aufzeichnungen, mit einer eigenen Identität und einem Bild für jeden Rang.
Hundert Gemälde, ein Museum, das nicht fertig gestellt werden kann
Das Metropolitan Museum, ohne alle Sohlen abzunutzen
Die ersten Orte vereinen Weltbekanntheit, historische Bedeutung und emblematische Rolle in der Sammlung Washington Crossing the Delaware, Madame.
Die Met enthält genügend Gemälde, um aus einem kurzen Besuch einen ganzen Tag zu machen, diese Top 100 bewahrt Meisterwerke auf und lässt unnötige Umwege in der Umkleidekabine.Wechseln Sie zu Bildern
Die 100 Gemälde im Metropolitan Museum of Art
Die ersten zwanzig Reihen vereinen Gemälde, deren Ruhm über die Met-Galerien hinausgeht, von Washington Crossing the Delaware bis zu den Van Goghs und den Vermeers.
#1
Washington überquert den Delaware
In "Washington Crossing the Delaware" fängt der erste Blick das Thema ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Emanuel Leutze das Treffen organisiert Leutze verwandelt die amerikanische Geschichte in ein monumentales Theater, mit genügend Wind in den Flaggen, um vergessen zu lassen, dass Delaware wohl weniger kooperativ war In "Washington Crossing the Delaware" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema In "Washington Crossing the Delaware" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 1 von "Washington Crossing the Delaware" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#2
Der Tod des Sokrates
David ordnet Gesten, Profile und Architektur mit einer neoklassischen Klarheit, die jeder moralischen Entscheidung die Klarheit eines Urteils verleiht "Der Tod des Sokrates" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 2 von "Der Tod des Sokrates" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#3
Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)
Mit "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" verwandelt John Singer Sargent ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz. Sargent gleicht das Porträt zwischen Virtuosität, sozialer Präsenz und Details aus, die in der Lage sind, dem Modell diskret die Szene zu stehlen. In "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" verbinden Pose, Kleidung, Hände und Blick eine soziale Identität, die ebenso wie ein Gesicht ist. Rang 3 von "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und die symbolische Rolle des Metropolitan Museum.
Siehe die Museumsmitteilung →
#4
Weizenfeld mit Zypressen
Der visuelle Erfolg von "Wheat Field with Cypresses" beruht auf einer sofort lesbaren Komposition, die dennoch nach dem regulatorischen Stopp vor dem Kartell weiterhin Details liefert Van Gogh konstruiert den Raum eher nach der Richtung des Schlüssels und nach einer Farbe, die sowohl die Emotion als auch das beobachtete Motiv beschreibt Die Landschaft von "Wheat Field with Cypresses" basiert eher auf Tiefe, Wetter und der Zirkulation von Lichtfelddekor auf dem Boden von Tiefenfeld und nicht auf der Zirkulation von Zypfressen".
Siehe die Museumsmitteilung →
#5
Irisiert
"Irises" zeigt, warum Vincent van Gogh für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne Verwechslung von Fülle und Unordnung Van Gogh konstruiert den Raum nach der Richtung der Tonart und nach einer Farbe, die sowohl die Emotion als auch das beobachtete Motiv beschreibt "Irises" erlauben Objekte, Blumen oder Früchte, Farbe, Textur und Dauer mit einer Präzision zu messen, die die Tabelle überraschend ehrgeizig macht Rang 5 von "Irises" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#6
Selbstporträt mit Strohhut (Vorderseite: Der Kartoffelschäler)
Vor "Selbstbildnis mit Strohhut (Vorderseite: Der Kartoffelschäler)" bewegt sich der Blick von Subjekt zu Material, kehrt dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Trommeln zum Subjekt zurückVan Gogh konstruiert den Raum durch die Richtung des Schlüssels und durch eine Farbe, die sowohl die Emotion als auch das beobachtete Motiv beschreibt "Selbstbildnis mit Strohhut (Vorderseite: Der Kartoffelschäler)", Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren eine soziale Identität so viel wie ein Gesicht-Pose"
Siehe die Museumsmitteilung →
#7
Aristoteles mit einer Büste Homers
Der Platz von "Aristoteles mit einer Büste Homers" in der Sammlung hängt nicht nur von seinem Autor ab: Rembrandt (Rembrandt van Rijn) verdichtet eine Epoche, eine Technik und eine singuläre Art, den Betrachter anzusprechen Rembrandt (Rembrandt van Rijn) gibt "Aristoteles mit einer Büste Homers" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens "Aristoteles mit einer Büste Homers" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als sein alleiniges Sujet "Aristoteles mit dem alleinigen Bild" erklärt die Bedeutung von.
Siehe die Museumsmitteilung →
#8
Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)
"Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" hat diese seltene Qualität der Museumsbilder: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer zu sein, sobald man die Ränder, Gesten und Stille betrachtet Velazquez (Diego Rodriguez de Silva y Velazquez) gibt "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen, 108 deJare (60ca)" eine genauere Identität durch Zeichnung, Farbe und die alleinige Gestaltung der Raumverhältnisse.1.
Siehe die Museumsmitteilung →
#9
Junge Frau mit einem Wasserkrug
In "Junge Frau mit Wasserkrug" passt Johannes Vermeer die Entfernung genau an; die Arbeit zieht erst an, zwingt dann zum EntschleunigenVermeer verwandelt einen ruhigen Raum in ein Erlebnis von Licht, Geometrie und Warten, ohne mehr Möbel als nötig zu bewegen "Junge Frau mit Wasserkrug" konstruieren Pose, Kleidung, Hände und Blick eine soziale Identität ebenso wie ein Gesicht Rang 9 von "Junge Frau mit Wasserkrug" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#10
Die Erntehelfer
Der Titel "Die Erntehelfer" kündigt das Motiv an, Pieter Bruegel der Ältere fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Galerien der Met erklärt Bruegel teilt die Handlung in der Landschaft auf und belohnt das aufmerksame Auge mit Episoden, die der erste Blick hatte entgleiten lassen In "Die Erntehelfer" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 10 von "Die Erntehelfer" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine emblematische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#11
Blick auf Toledo
In "View of Toledo" fängt der erste Look das Thema ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie El Greco (Domenikos Theotokopoulos) das Treffen organisiert. El Greco (Domenikos Theotokopoulos) gibt "View of Toledo" eine präzise Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens Die Landschaft von "View of Toledo" basiert eher auf Tiefe, Wetter und der Zirkulationstiefe von Toledo "und nicht auf der Zirkulationstiefe von Toledo".
Siehe die Museumsmitteilung →
#12
Die Musiker
Caravaggio (Michelangelo Merisi) verleiht "Die Musiker" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, Die Rahmung von "Die Musiker" verteilt Bewegungen, Pausen und Nebenblicke wie eine Szene, in der keine Figur die gesamte Handlung hat Rang 12 von "Die Musiker" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#13
Die Tanzklasse
Edgar Degas verwandelt mit "The Dance Class" ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz Degas konstruiert seine Szenen als überraschte Rahmen, wo Arbeit, Warten und gewöhnliche Gesten mehr zählen als offizielle Pose "The Dance Class" verteilt in der Rahmung Bewegungen, Pausen und Nebenblicke wie eine Szene, in der keine Figur die gesamte Storyline hat Rang 13 von "The Dance Class" verteilt Nebensätze, Pausen und Blicke wie eine Szene, in der keine Figur die gesamte Storyline hat Rang 13 von "The Dance Class" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#14
Der Golfstrom
Der visuelle Erfolg von "The Gulf Stream" ist auf eine sofort lesbare Komposition zurückzuführen, die dennoch nach dem regulatorischen Stopp vor dem Kartell weiterhin Details liefert Homer reduziert die Geschichte auf einige wesentliche Kräfte - Meer, Himmel, Körper, Warten - und lässt die Natur dann wieder den Vorteil gewinnen Die Landschaft von "The Gulf Stream" setzt auf Tiefe, Wetter und den Lichtfluss statt auf einfache Dekoration Die Landschaft von "The Gulf Stream" beruht eher auf Tiefe, Wetter und dem Lichtstrom als auf einfachem DekorDie Landschaft von "The Gulf Stream" beruht eher auf Tiefe, Wetterstrom und auf dem Fluss von einfacher Bedeutung "The Gulf Stream".
Siehe die Museumsmitteilung →
#15
Jeanne d'Arc
"Jeanne d'Arc" zeigt, warum Jules Bastien-Lepage für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne verwirrende Fülle und Unordnung Jules Bastien-Lepage gibt "Jeane von Arc" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Jeane of Arc" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema "Jeanne d'Arc" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 15 von "Jeanne d'Arc" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine emblematische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#16
Die Pferdemesse
Vor "Die Pferdemesse" bewegt sich der Blick von Subjekt zu Material, kehrt dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Trommeln zum Subjekt zurück, Rosa Bonheur gibt "Die Pferdemesse" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen eine genaue Identität, in "Die Pferdemesse" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Sujet Rang 16 der "Pferdemesse" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#17
Blick vom Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, nach einem Gewitter - The Oxbow
Der Ort von "Blick vom Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, nach einem Gewitter - Der Ochsenbogen" in der Sammlung hängt nicht nur von seinem Autor ab: Thomas Cole verdichtet eine Ära, eine Technik und eine einzigartige Art, den Betrachter anzusprechen Cole verwandelt die amerikanische Landschaft in eine moralische, historische und klimatische Erzählung, mit Wolken, die selten als bloße Extras beschäftigt sind Die Landschaft von "Blick vom Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, nach einem Gewitter-Der Ochsenbogen" basiert eher auf Tiefe, Wetter und der Zirkulation von North. Die Landschaft von "Blick vom Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, nach einem Tiefen-Licht" basiert eher auf einer einfachen Zirkulation Vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museum.
Siehe die Museumsmitteilung →
#18
Herz der Anden
"Herz der Anden" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stille betrachtet Kirche verbindet präzise Beobachtung und Panorama-Spektakel, um der Landschaft den Maßstab eines öffentlichen Ereignisses zu geben "Herz der Anden" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 18 von "Herz der Anden" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine ikonische Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#19
Die Kartenspieler
In "Die Kartenspieler" passt Paul Cézanne die Distanz genau an; das Werk zieht erst an, zwingt dann zur Entschleunigung Cezanne bremst das Motiv, um Volumen, bunte Beziehungen und Stabilität zu untersuchen; selbst ein Apfel scheint sich lange und gründlich Gedanken über seinen Platz gemacht zu haben In "Die Kartenspieler" scheinen die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser erklärt zu haben als sein einziges Thema In "Die Kartenspieler" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 19 von "Die Kartenspieler" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und eine symbolträchtige Rolle in der Sammlung des Metropolitan Museums.
Siehe die Museumsmitteilung →
#20
Zwei Männer denken über den Mond nach
Der Titel "Zwei Männer, die den Mond betrachten" kündigt das Motiv an, Caspar David Friedrich fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Galerien der Met erklärt Caspar David Friedrich gibt "Zwei Männer, die den Mond betrachten" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Zwei Männer, die den Mond betrachten", erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema In "Zwei Männer, die den Mond betrachten", erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Rang 20 von "Zwei Männer, die den Mond betrachten" vereint internationale Bekanntheit, historische Bedeutung in Museum.
Siehe die Museumsmitteilung →Von Rembrandt und Vermeer bis hin zu amerikanischen Landschaften und dann von Manet bis Klimt vereint dieser Abschnitt Porträts, die Natur und moderne Brüche.
#21
Selbstporträt
In "Selbstporträt" fängt der erste Blick das Thema ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Rembrandt (Rembrandt van Rijn) das Treffen organisiert Rembrandt (Rembrandt van Rijn) gibt "Selbstporträt" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren in "Selbstporträt" eine soziale Identität so sehr wie ein Gesicht Die offiziellen Wahrzeichen von "Selbstporträt" - 1660; Öl auf Leinwand; 31 5/8 x 26 1/2 in einer allgemeinen Formel umschließen (80,3 x 6 cm).
Siehe die Museumsmitteilung →
#22
Studie einer jungen Frau
Vermeer verwandelt einen ruhigen Raum in ein Erlebnis von Licht, Geometrie und Warten, ohne mehr Möbel als nötig zu bewegen In "Studie einer jungen Frau" konstruieren Pose, Kleidung, Hände und Blick eine soziale Identität so sehr wie ein Gesicht Die offiziellen Benchmarks von "Studie einer jungen Frau" - ca. 1665-67; Öl auf Leinwand; 17 1/2 x 15 3/4 in. (44,5 x 40 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#23
Der Champion-Einer (Max Schmitt im Einzelzweier)
Mit "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" verwandelt Thomas Eakins ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz Eakins betrachtet den Körper, das Handwerk und den Raum mit einer Offenheit, die der modernen Szene eine fast dokumentarische Dichte verleiht "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Benchmarks von "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull) 1" (Max Single Sculls 1)" erklären die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv in einem einzigen Sculls 4.
Siehe die Museumsmitteilung →
#24
Der Veteran in einem neuen Feld
Der visuelle Erfolg von "The Veteran in a New Field" ist auf eine sofort lesbare Komposition zurückzuführen, die dennoch nach dem Regulierungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefert Homer reduziert die Geschichte auf einige wesentliche Kräfte - Meer, Himmel, Körper, Warten - und lässt dann die Natur wieder zum Vorteil kommen Die Landschaft von "The Veteran in a New Field" basiert eher auf Tiefe, Wetter und Lichtzirkulation als auf einer einfachen Umgebung Die offiziellen Wahrzeichen von "The Veteran in a New Field" - 1865; Öl auf Leinwand; 24 1/8 x 38 1/8in. (61,3 x 96,8 cm) Umrahmt: 14 5 1 5/4 1.3.4.3.
Siehe die Museumsmitteilung →
#25
Pelzhändler steigen den Missouri ab
"Fur Traders Descending the Missouri" zeigt, warum George Caleb Bingham für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne Verwechslung von Fülle und Unordnung George Caleb Bingham gibt "Fur Traders Descending the Missouri" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Fur Traders Descending the Missouri" erklären in "Fur Traders Descending the Missouri" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als ihr einziges Motiv "Fur Traders Descending the Missouri" 2 2 - 19 a identifizieren die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht Leinwand in ihrem einzigen Motiv x.
Siehe die Museumsmitteilung →
#26
Die Rocky Mountains, Lander's Peak
Vor "The Rocky Mountains, Lander's Peak" wandert der Blick von Subjekt zu Material und kehrt dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Trommeln zum Subjekt zurück Albert Bierstadt gibt "The Rocky Mountains, Lander's Peak" durch Design, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen eine genaue Identität "The Rocky Mountains, Lander's Peak" basiert eher auf Tiefe, Wetter und der Lichtzirkulation als auf einer einfachen Umgebung "The Rocky Mountains, Lander's Peak" basiert eher auf Tiefe, Wetterlage und Zirkulation Lander's" 6. Die offiziellen Wahrzeichen von "The Rocky Mountains, Lander's Peak" sind auf einer Zirkulation beruhendurchsetzung
Siehe die Museumsmitteilung →
#27
Donnersturm naht
Der Platz von "Approaching Thunder Storm" in der Sammlung hängt nicht nur von seinem Autor ab: Martin Johnson Heade verdichtet eine Ära, eine Technik und eine einzigartige Art, den Betrachter anzusprechen Martin Johnson Heade gibt "Approaching Thunder Storm" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Approaching Thunder Storm" erklären in "Approaching Thunder Storm" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als sein einziges Thema Die offiziellen Benchmarks von "Approaching Thunder Storm" - 1859; Öl auf Leinwand; 28 x 1111111.8 5 (× 1) a 5.
Siehe die Museumsmitteilung →
#28
Stillleben - Violine und Musik
"Still Life - Violin and Music" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stillen betrachtet William Michael Harnett gibt "Still Life-Violin and Music" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Rahmung von "Still Life-Violin and Music" verbreitet Bewegungen, Pausen und Nebenblicke wie eine Szene, von der kein Charakter das gesamte Szenario hat "Still Life - Violin and Music" verteilt Bewegungen, Pausen und Nebenblicke wie eine Szene, von der kein Charakter das gesamte Szenario hat,8 Musikrahmen von "Still Life pauses" a.
Siehe die Museumsmitteilung →
#29
George Washington
Gilbert Stuart passt in "George Washington" die Entfernung genau an; das Werk zieht erst an, zwingt dann zur Entschleunigung Gilbert Stuart gibt "George Washington" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "George Washington" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Landmarken von "George Washington" - begonnen 1795; Öl auf Leinwand; 30 1/4 x 25 1/4 in. (76,8 x 64,1 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#30
Stillleben mit Äpfeln und einem Topf Primeln
Der Titel "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" kündigt das Motiv an, Paul Cezanne fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Met-Galerien erklärt Cezanne verlangsamt das Muster, um Volumen, Farbverhältnisse und Stabilität zu untersuchen; selbst ein Apfel scheint lange und gründlich über seinen Platz nachgedacht zu haben "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" - Objekte, Blumen oder Früchte erlauben es, Farbe, Textur und Dauer mit einer Präzision zu messen, die die Tabelle überraschend ehrgeizig macht Die offiziellen Benchmarks von "Still Life with Apples and a Pot of Primes" - ca. 1890; Öl auf Leinwand; 28/48 x 3,6 3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3,3, umschließen sie in Form.
Siehe die Museumsmitteilung →
#31
Bootfahren
In "Boating" fängt der erste Blick das Motiv ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Edouard Manet das Treffen organisiertManet vereinfacht die Massen, verhärtet bestimmte Kontraste und überlässt es dem Betrachter, eine Szene aufzulösen, die sich höflich weigert, alles zu erklären "Boating" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Die offiziellen Referenzen von "Boating" - 1874; Öl auf Leinwand; 38 1/4 x 51 1/4 in. (97,2 x 130,2 cm) - identifizieren es, ohne es in eine allgemeine Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#32
Junge Dame im Jahr 1866
Manet vereinfacht die Massen, verhärtet bestimmte Kontraste und überlässt es dem Betrachter, eine Szene aufzulösen, die sich höflich weigert, alles zu erklären In "Junge Dame 1866" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Die offiziellen Referenzen von "Junge Dame 1866" - 1866; Öl auf Leinwand; 72 7/8 x 50 5/8 in. (185,1 x 128,6 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#33
Der spanische Sänger
Edouard Manet verwandelt mit "Der spanische Sänger" ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und PräsenzManet vereinfacht die Massen, verhärtet bestimmte Kontraste und überlässt es dem Betrachter, eine Szene aufzulösen, die sich höflich weigert, alles zu erklären "Der spanische Sänger" erklärt in "Der spanische Sänger" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges SujetDie offiziellen Referenzen von "Der spanische Sänger" - 1860; Öl auf Leinwand; 58 x 45 in. (147,3 x 114,3 cm) - identifizieren es, ohne es in eine allgemeine Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#34
Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) und ihre Kinder Georgette-Berthe (1872 -1945) und Paul-Emile-Charles (1875 -1895)
Der visuelle Erfolg von „Madame Georges Charpentier" (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) und „Her Children, Georgette-Berthe" (1872 -1945) und Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" ist auf eine sofort lesbare Komposition zurückzuführen, die dennoch nach der behördlichen Entscheidung vor dem Kartell weiterhin Details liefert. „Madame Georges Charpentier" (Maguerite-Louise Lemonnier, 184 -18) und Her Children, Georgte-B278 (198 (1872 -1945) und Paul-Emile-Charles (1875 -1895)", Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren eine soziale Identität ebenso wie ein Gesicht Die offiziellen Referenzen von "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) und Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) und Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" - 1878; Öl auf Leinwand; 60 1/285 x 704 cm.
Siehe die Museumsmitteilung →
#35
Am Meeresufer
"Am Meeresufer" zeigt, warum Auguste Renoir für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne verwirrende Fülle und Unordnung Auguste Renoir verleiht "Am Meeresufer" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens eine genaue Identität Die Landschaft von "Am Meeresufer" basiert eher auf Tiefe, Wetter und Lichtzirkulation als auf einer einfachen Umgebung Die Landschaft von "Am Meeresufer" basiert eher auf Tiefe, Wetter und der Lichtzirkulation als auf einer einfachen Umgebung Die offiziellen Wahrzeichen von "Am Meeresufer" - 1883; Öl auf Leinwand; 36 1/42 2 x umschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#36
Zwei junge Mädchen am Klavier
Vor "Zwei junge Mädchen am Klavier" bewegt sich der Blick von Subjekt zu Material, kehrt dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Trommeln zum Subjekt zurück, Auguste Renoir verleiht "Zwei junge Mädchen am Klavier" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren in "Zwei junge Mädchen am Klavier" eine soziale Identität ebenso wie ein GesichtDie offiziellen Wahrzeichen von "Zwei junge Mädchen am Klavier" - 1892; Öl auf Leinwand; 44 × 34 in. (1111,8,4 cm) Umrahmt: 57 1.4 1.
Siehe die Museumsmitteilung →
#37
Zirkus-Sideshow (Zirksparade)
Der Platz von "Circus Sideshow (Circus Parade)" in der Sammlung hängt nicht nur von ihrem Autor ab: Georges Seurat verdichtet eine Epoche, eine Technik und eine singuläre Art, den Zuschauer anzusprechen "Circus Sideshow (Circus Parade)" gibt durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Circus Sideshow (Circus Parade)" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv "Circus Sideshow (Circus Parade)", die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht, 9 erklären es besser als seine Stärke des offiziellen Bildes-8.
Siehe die Museumsmitteilung →
#38
Studie für "Ein Sonntag auf La Grande Jatte"
"Studie zu" Ein Sonntag auf La Grande Jatte"" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stille betrachtet "Studie zu" Ein Sonntag auf La Grande Jatte "gibt die genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens" In "Studie zu "Ein Sonntag auf La Grande Jatte" 4 erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als sein alleiniges Thema auf La Grandey "8"
Siehe die Museumsmitteilung →
#39
Ia Orana Maria (Heil Maria)
In "Ia Orana Maria (Hail Mary)" passt Paul Gauguin die Entfernung genau an; das Werk zieht zuerst an, zwingt dann zur Verlangsamung Paul Gauguin gibt "Ia Orana Maria (Hail Mary)" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Ia Orana Maria (Hail Mary)" erklären in "Ia Orana Maria (Hail Mary)" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als sein einziges ThemaDie offiziellen Referenzen von "Ia Orana Maria (Hail Mary)" 3 (Hail Mary 8) 4 identifizieren die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv.
Siehe die Museumsmitteilung →
#40
Mäda Primavesi (1903 -2000)
Der Titel "Mäda Primavesi (1903 -2000)" kündigt das Motiv an, Gustav Klimt fügt aber eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Galerien der Met erklärt "Mäda Primavesi (1903 -2000)" gibt durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genauere Identität "Mäda Primavesi (1903 -2000)", die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären die Stärke des Bildes besser als sein alleiniges Motiv "Mä9 Primavesi (1903 -2000)", die offiziellen Figuren des Raumes und des Raumes.
Siehe die Museumsmitteilung →Moreau, Delacroix, Turner, Ingres, Goya und Poussin geben der gemalten Geschichte Gesten, Kostüme und ein paar Wolken, die ihre Rolle sehr ernst nehmen.
#41
Ödipus und die Sphinx
In "Ödipus und die Sphinx" fängt der erste Blick das Sujet ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Gustave Moreau das Treffen organisiert Gustave Moreau gibt "Ödipus und die Sphinx" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Ödipus und die Sphinx" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges SujetDie offiziellen Referenzen von "Oedipus und die Sphinx" - 1864; Öl auf Leinwand; 81 1/4 × 41 1/4 in einer allgemeinen Formel umschließen 106.4).
Siehe die Museumsmitteilung →
#42
Die Repast des Löwen
Henri Rousseau (der Zollbeamte) verleiht "Die Wiedervergiftung des Löwen" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären in "Die Wiedervergiftung des Löwen" besser als sein einziges ThemaDie offiziellen Landmarken von "Die Wiedervergiftung des Löwen" - ca. 1907; Öl auf Leinwand; 44 3/4 in. × 63 in. (113,7 × 160 cm) - identifizieren, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#43
Der Engländer (William Tom Warrener, 1861 -1934) im Moulin Rouge
Mit viel Engländer (William Tom Warrener, 1861 -1934) im Moulin Rouge" verwandelt Henri de Toulouse-Lautrec ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz. Henri de Toulouse-Lautrec gibt "Der Engländer (William Tom Warrener, 1861 -1934) im Moulin-Rouge" eine genaue Identität als Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen "Der Engländer (William Tom Warrener, 18 -1934) im Moulin Rouge, Gesicht, Pose, Kleidung, Hand und Gaze, 1
Siehe die Museumsmitteilung →
#44
Die Entführung von Rebecca
Der visuelle Erfolg von "Die Entführung der Rebecca" ist einer sofort lesbaren Komposition geschuldet, die dennoch nach dem Regulierungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefert Delacroix bringt die Geschichte eher durch Farbe, Diagonalen und Lichtschocks voran als durch eine weise ausgerichtete Erzählung "Die Entführung der Rebecca" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges ThemaDie offiziellen Landmarken von "Die Entführung der Rebecca" - 1846; Öl auf Leinwand; 39 1/2 x 32 1/4 in. (100,3 x 81,9 cm) - identifizieren es ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#45
Walfänger
"Whalers" zeigt, warum Joseph Mallord William Turner für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne verwirrende Fülle und Unordnung Joseph Mallord William Turner gibt "Whalers" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Whalers" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Wahrzeichen von "Whalers" - ca. 1845; Öl auf Leinwand; 36 1/8 x 48 1/4 in. (91,8 x 122,6 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#46
Die Toilette der Venus
Vor "Die Toilette der Venus" wandert der Blick von Subjekt zu Material dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Trommeln zum Subjekt zurück "Die Toilette der Venus" gibt François Boucher durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Die Toilette der Venus" erklären in "Die Toilette der Venus" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges SubjektDie offiziellen Landmarken von "Die Toilette der Venus" - 1751; Öl auf Leinwand; 42 5/8 x 33 1/2 in. (108,3 x 85,1 cm) - es ohne allgemeine Umfassung zu identifizieren.
Siehe die Museumsmitteilung →
#47
Seifenblasen
Der Platz von "Soap Bubbles" in der Sammlung hängt nicht nur von ihrem Autor ab: Jean Siméon Chardin verdichtet eine Epoche, eine Technik und eine einzigartige Art, den Betrachter anzusprechen Jean Siméon Chardin verleiht "Soap Bubbles" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Soap Bubbles" erklärt in "Soap Bubbles" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Benchmarks von "Soap Bubbles" - ca. 1733-34; Öl auf Leinwand; identifizieren 24 x 24 7/8 in. (61 x 63,2 cm) umschließende allgemeine Formel.
Siehe die Museumsmitteilung →
#48
Mezzetin
"Mezzetin" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stille betrachtet Antoine Watteau gibt "Mezzetin" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Mezzetin" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Referenzen von "Mezzetin" - ca. 1718-20; Öl auf Leinwand; 21 3/4 x 17 in. (55,2 x 43,2 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#49
Baschi-Bazouk
Jean-Léon Gérôme passt in "Bashi-Bazouk" den Abstand genau an; das Werk zieht erst an, zwingt dann zur Entschleunigung Jean-Léon Gérôme gibt "Bashi-Bazouk" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Bashi-Bazouk" erklärt in "Bashi-Bazouk" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Referenzen von "Bashi-Bazouk" - 1868-69; Öl auf Leinwand; 31 3/4 x 26 in. (80,6 x 66 cm) - es in einer allgemeinen Formel zu identifizieren.
Siehe die Museumsmitteilung →
#50
Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Prinzessin de Broglie
Der Titel "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie" kündigt das Motiv an, Jean Auguste Dominique Ingres fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Galerien der Met. Ingres treibt die Linie, das Gewebe und die Pose hin zu einer Eleganz, die so präzise ist, dass die Anatomie manchmal zu Verhandlungen bereit ist "Joséléonore-Marie-Pauline de Galard de Béarnac de Béarnos" (182 -1. Alleinbild de BroarnéJe" erklärt die Beziehungen de Broarnie Broglie" - 1851 -53; Öl auf Leinwand; 47 3/4 × 35 3/4 in. (121,3 × 90,8 cm) Gerahmt: 61 1/4 × 49 1/2 in. (155,6 × 125,7 cm) - identifizieren Sie es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#51
Joseph-Antoine Moltedo (geb. 1775)
In "Joseph-Antoine Moltedo (geb. 1775)" greift der erste Blick das Thema an; der zweite beginnt zu verstehen, wie Jean Auguste Dominique Ingres das Treffen organisiertIngres schiebt die Linie, den Stoff und die Pose zu einer Eleganz hin, die so präzise ist, dass die Anatomie manchmal zu verhandeln bereit ist "Joseph-Antoine Moltedo (geb. 1775)" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv "Antoine Moltedoine 7 (geb. 1)" 2.
Siehe die Museumsmitteilung →
#52
Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) und Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)
David ordnet Gesten, Profile und Architektur mit einer neoklassizistischen Klarheit, die jeder moralischen Entscheidung die Klarheit eines Urteils verleiht "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) und Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges ThemaDie offiziellen Referenzen von "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) und Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Pautze, 17 -183)", die offiziellen Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht 7.
Siehe die Museumsmitteilung →
#53
Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)
Mit "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)" verwandelt Goya (Francisco de Goya y Lucientes) ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz Goya (Francisco de Goya y Lucientes) gibt "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)" eine genaue Identität als Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung als Manrique-Gesicht 7, als Manrique-Wahrzeichen von Manrique-17 (1784 -1792)", Pose, Kleidung, Kleidung und Blick 7
Siehe die Museumsmitteilung →
#54
Condesa de Altamira und ihre Tochter Maria Agustina
Der visuelle Erfolg von "Condesa de Altamira und Ihre Tochter, Maria Agustina" ist auf eine sofort lesbare Komposition zurückzuführen, die dennoch nach dem Regulierungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefertGoya (Francisco de Goya y Lucientes) erklärt "Condesa de Altamira und Ihre Tochter, Maria Agustina" besser die Stärke, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die offiziellen Figuren, Maria-Agonda-Beziehungen und die Benchmarks von Altam erklären die Stärke des Bildes besser als seine alleinigen Figuren, die Beziehungen von Altamondira und Herondira-Raum"
Siehe die Museumsmitteilung →
#55
Der Wahrsager
"Der Wahrsager" zeigt, warum Georges de La Tour für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne verwirrende Fülle und Unordnung Georges de La Tour gibt "Der Wahrsager" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen eine genaue Identität "Der Wahrsager" erklärt in "Der Wahrsager" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Wahrzeichen von "Der Wahrsager" - vermutlich 1630 er Jahre; Öl auf Leinwand; 40 1/8 x 48 5/8 in. (101,9 x 123,5 cm) - identifizieren es in einer allgemeinen Formel.
Siehe die Museumsmitteilung →
#56
Blinder Orion auf der Suche nach der aufgehenden Sonne
Vor "Blind Orion Searching for the Rising Sun" wandert der Blick von Subjekt zu Material und kehrt dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Batterie zum Subjekt zurück "Blind Orion Searching for the Rising Sun" gibt "eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens" Die Landschaft von "Blind Orion Searching for the Rising Sun" basiert eher auf Tiefe, Wetter und der Zirkulation von "Blind Orion Searching on the circulation" 7.
Siehe die Museumsmitteilung →
#57
Die Entführung der Sabinerinnen
Der Platz von "Die Entführung der Sabinerinnen" in der Sammlung hängt nicht nur von ihrem Autor ab: Nicolas Poussin verdichtet eine Epoche, eine Technik und eine singuläre Art, den Betrachter anzusprechen Nicolas Poussin gibt "Die Entführung der Sabinerinnen" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen eine genaue Identität "Die Entführung der Sabinerinnen" erklären in "Die Entführung der Sabinerinnen" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als ihr einziges Thema "Die Entführung der Sabinerinnen" - wahrscheinlich 1633 -3 die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Die offiziellen Benchmarks von "Die Entführung der Sabinerinnen" - 988 - 3 - 2 - (883 - 2).
Siehe die Museumsmitteilung →
#58
Mars und Venus vereint durch Liebe
"Mars and Venus United by Love" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stille betrachtet Paolo Veronese (Paolo Caliari) gibt "Mars and Venus United by Love" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen eine genaue Identität in "Mars and Venus United by Love" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv In "Mars and Venus United by Love" 1 identifizieren die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Wahrzeichen von "Mars und Venus United by Love" 3 8 3 (8).
Siehe die Museumsmitteilung →
#59
Venus und Adonis
In "Venus und Adonis" passt Tizian (Tiziano Vecellio) den Abstand genau an; das Werk zieht erst an, zwingt dann zur Verlangsamung Tizian (Tiziano Vecellio) gibt "Venus und Adonis" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Venus und Adonis" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Referenzen von "Venus und Adonis" - 1550 s; Öl auf Leinwand; 42 x 52 1/2 in. (106,7 x -33) a allgemeine Formel umschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#60
Die letzte Kommunion des Heiligen Hieronymus
Der Titel "Die letzte Kommunion des Heiligen Hieronymus" kündigt das Motiv an, aber Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) fügt eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Met-Galerien erklärt. Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) gibt "Die letzte Kommunion des Heiligen Hieronymus" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art und Weise der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens Die Ikonographie von "Die letzte Kommunion des Heiligen Hieronymus" wird nicht durch eine nachträgliche Ikonographie lesbar von Gestikten "
Siehe die Museumsmitteilung →Botticelli, Duccio, Giotto, Van Eyck, Holbein, Raphael, Rubens und die Caravaggesken installieren Andacht, Porträt und Hell-Dunkel in den Galerien.
#61
Die Verkündigung
In "Die Verkündigung" fängt der erste Blick das Thema ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) das Treffen organisiert Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) verleiht "Die Verkündigung" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität Die Ikonographie von "Die Verkündigung" wird lesbar durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren, nicht durch eine nachträglich verputzte Bildunterschrift Die offiziellen Wahrzeichen von "Die Verkündigung" - Bildunterschrift 1490; Tempera und Gold auf Holz; 7 12 3/8 in 1) a.
Siehe die Museumsmitteilung →
#62
Madonna mit Kind
Duccio kombiniert einen goldenen Hintergrund, eine flexible Linie und Emotion, die gewählt wurden, um die Andacht zu einem Treffen auf Augenhöhe zu machen. Die Ikonographie von „Madonna und Kind" wird durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren lesbar, nicht durch eine nachträgliche Beschriftung. Die offiziellen Markierungen von „Madonna und Kind" - ca. 1290 -1300; Tempera und Gold auf Holz; Insgesamt 11 x 8 1/4 in. (27,9 x 2 2 1 (6 9 2 /2) bemalte Oberfläche (27,9 2 1 3) 1 3.
Siehe die Museumsmitteilung →
#63
Die Anbetung der Könige
Mit "Die Anbetung der Könige" verwandelt Giotto di Bondone ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Gegenwart Giotto di Bondone verleiht "Die Anbetung der Könige" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, die Ikonographie von "Die Anbetung der Könige" wird durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren lesbar, nicht durch eine nachträgliche Legende Die offiziellen Wahrzeichen von "Die Anbetung der Könige" - möglicherweise ca. 1320; Tempera auf Holz, Goldgrund; 17 3/4 x 17 1/4 in einer allgemeinen Formel identifizieren (45,8 x).4 in einer allgemeinen Formel.
Siehe die Museumsmitteilung →
#64
Die Kreuzigung; Das Jüngste Gericht
Der visuelle Erfolg von "Die Kreuzigung; Das Jüngste Gericht" ist einer sofort lesbaren Komposition geschuldet, die dennoch nach dem Ordnungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefert Jan van Eyck gibt "Die Kreuzigung; Das Jüngste Gericht" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Ikonographie von "Die Kreuzigung; Das Jüngste Gericht" wird lesbar durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren, nicht durch eine nachträgliche Bildunterschrift Die offiziellen Landmarken von "Die Kreuzigung; Das Jüngste Gericht" werden zu einer allgemeinen Bildunterschrift, 3.
Siehe die Museumsmitteilung →
#65
Verkündigungstriptychon (Merode-Altar)
"Verkündigung Triptychon (Merode-Altar)" zeigt, warum Robert Campin für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne verwirrende Fülle und Unordnung Robert Campin verleiht "Verkündigungstriptychon (Merode-Altar)" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Ikonographie von "Verkündigungstriptychon (Merode-Altar)" wird lesbar durch Gesten, Attribute und die Hierarchie von Figuren aus Eiche-2, nicht lesbar durch Gesten, "Antiktartikulatur nach Gestik" cm) Mitteltafel: 25 1/4 x 24 7/8 Zoll. (64,1 x 63,2 cm) jeder Flügel: 25 3/8 x 10 3/4 Zoll. (64,5 x 27,3 cm) - identifizieren Sie ihn, ohne ihn in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#66
Ein Goldschmied in seinem Geschäft
Vor "Ein Goldschmied in seinem Laden" wandert der Blick von Motiv zu Material dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Batterie zum Motiv zurück Petrus Christus gibt "Ein Goldschmied in seinem Laden" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Ein Goldschmied in seinem Laden" bevorzugt Linie, flache Bereiche und kostbare Details; es erfordert eine genauere Lektüre als Öl auf Leinwand Die offiziellen Benchmarks von" - 1449; Öl auf Eichenholzplatte 3/8 x 38 38 38 38 308 cm 3.8 388)
Siehe die Museumsmitteilung →
#67
Porträt eines Kartäuser
Die Stelle von "Porträt eines Kartäuser" in der Sammlung hängt nicht nur von seinem Autor ab: Petrus Christus kondensiert eine Epoche, eine Technik und eine singuläre Art der Ansprache des Betrachters Petrus Christus gibt "Porträt eines Kartäuser" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens "Porträt eines Kartäuser", Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren eine soziale Identität so sehr wie ein Gesicht Die offiziellen Landmarken eines Kartäuser" - 1446; Öl auf Eiche; 19,1/2,18 cm (29,2)
Siehe die Museumsmitteilung →
#68
Die Verkündigung
"Die Verkündigung" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stillen betrachtet Hans Memling verleiht "Die Verkündigung" durch Zeichnung, Farbe und Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, die Ikonographie von "Die Verkündigung" wird lesbar durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren, nicht durch eine nachträglich verputzte Bildunterschrift Die offiziellen Wahrzeichen von "Die Verkündigung" - Bildunterschrift. 1465 -70; Öl auf Holz; 73 1/4 x 45 1/4 in. (186,1 x 11114,9 cm) - umschließende Formel) - sie identifiziert sie in einer allgemeinen Formel.
Siehe die Museumsmitteilung →
#69
Hermann von Wedigh III. (gestorben 1560)
In "Hermann von Wedigh III (gestorben 1560)" passt Hans Holbein der Jüngere die Entfernung genau an; das Werk zieht zuerst an, zwingt dann zur Verlangsamung Hans Holbein der Jüngere gibt "Hermann von Wedigh III (gestorben 1560)" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens an "Hermann von Wedigh III (gestorben 1560)", Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren eine soziale Identität so sehr wie ein Gesicht "Hermann von Wedigh III (gestorben 1560)", Pose, Kleidung, Hände und Blicke bilden eine soziale Identität von III.
Siehe die Museumsmitteilung →
#70
Erasmus von Rotterdam
Der Titel "Erasmus von Rotterdam" kündigt das Motiv an, aber Hans Holbein der Jüngere fügt eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Galerien der Met erklärt. Hans Holbein der Jüngere gibt "Erasmus von Rotterdam" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art und Weise der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens "Erasmus von Rotterdam", die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Benchmarks von "Erasmus von Rotterdam" - ca. 1532; Öl auf Lindenplatte; 7 1/4 9/16 1 1.4 1.1 18).1 15.
Siehe die Museumsmitteilung →
#71
Jungfrau und Kind mit der Heiligen Anna
In "Jungfrau und Kind mit der heiligen Anna" fängt der erste Blick das Thema ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Albrecht Dürer das Treffen organisiert Albrecht Dürer gibt "Jungfrau und Kind mit der heiligen Anna" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität Die Ikonographie von "Jungfrau und Kind mit der heiligen Anna" wird durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren lesbar, nicht durch eine nachträgliche Legende Die Ikonographie von "Jungfrau und Kind mit der heiligen Anna" - wahrscheinlich 15198; Öl 2 in einer nachträglichen Legende -8.
Siehe die Museumsmitteilung →
#72
Die Meditation über die Passion
Vittore Carpaccio verleiht "Die Meditation über die Passion" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität Die Technik der "Die Meditation über die Passion" begünstigt Linie, flache Bereiche und kostbare Details; sie erfordert ein genaueres Lesen als Öl auf Leinwand Die offiziellen Benchmarks von "Die Meditation über die Passion" - ca. 1490; Öl und Tempera auf Holz; Insgesamt 27 3/4 x 34 1/8 in. (70,5 x 86,7 cm); bemalte Oberfläche 26 3/16 (33/4 in. (66,5 8 cm) identifizieren sie in einer allgemeinen Formel.
Siehe die Museumsmitteilung →
#73
Die Anbetung der Hirten
Mit "Die Anbetung der Hirten" verwandelt Andrea Mantegna ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Gegenwart Andrea Mantegna gibt "Die Anbetung der Hirten" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Ikonographie von "Die Anbetung der Hirten" wird schnell lesbar durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren, nicht durch eine nachträgliche Bildunterschrift Die offiziellen Wahrzeichen von "Die Anbetung des Hirten" - kurz nach 1450 x 5 5 (40 x 4) 1.
Siehe die Museumsmitteilung →
#74
Thronende Madonna mit Kind und Heiligen
Der visuelle Erfolg von "Madonna und thronendes Kind mit Heiligen" ist einer sofort lesbaren Komposition geschuldet, die dennoch nach dem Ordnungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefert Raffael (Raffaello Sanzio oder Santi) verleiht "Madonna und thronendes Kind mit Heiligen" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Ikonographie von "Madonna und Kind thront mit Heiligen" wird lesbar durch Gesten, Attribute und nachträgliche Figurenhierarchie von "Madron acta" nicht durch eine nachträgliche Legende von Childrona-Figuren und Entronnamitulaturen lesbar. 67 7/8 Zoll. (172,4 x 172,4 cm), lackierte Oberfläche 66 3/4 x 66 1/2 Zoll. (169,5 x 168,9 cm) Brillen, insgesamt 29 1/2 x 70 7/8 Zoll. (74,9 x 180 cm), lackierte Oberfläche 25 1/2 x 67 1/2 Zoll. (64,8 x 180 cm), lackierte Oberfläche 25 1/2 x 67 1/2 in. (64,8 x 17,5 cm).
Siehe die Museumsmitteilung →
#75
Rubens, Helena Fourment (1614 -1673) und ihr Sohn Frans (1633 -1678)
"Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), and Their Son Frans (1633 -1678)" zeigt, warum Peter Paul Rubens wesentlich für die Reise der Met bleibt: das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne Verwechslung von Fülle und Unordnung Peter Paul Rubens gibt "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), und Their Son Frans (1633 -167)" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art und Weise der Verteilung der Aufmerksamkeit im Rahmen.16, 16 (1633 -1678)" - ca. 1635; Öl auf Holz; 80 1/4 x 62 1/4 Zoll. (203,8 x 158,1 cm) - identifizieren Sie es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#76
Simson von den Philistern gefangen genommen
Vor "Samson Gefangen von den Philistern" wandert der Blick von Subjekt zu Material dann mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Trommeln zum Subjekt zurück Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) gibt "Samson Gefangen von den Philistern" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität in "Samson Gefangen genommen von den Philistern" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Subjekt "Samson gefangen genommen von den Philistern" 1; die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht identifizieren die Stärke des Bildes besser als sein einziges Subjekt auf "Samson 1" 1.
Siehe die Museumsmitteilung →
#77
Die Unbefleckte Empfängnis
Der Platz von "Die unbefleckte Empfängnis" in der Sammlung hängt nicht nur von ihrem Autor ab: Guido Reni verdichtet eine Epoche, eine Technik und eine singuläre Art, den Betrachter anzusprechen Guido Reni gibt "Die unbefleckte Empfängnis" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Die unbefleckte Empfängnis" erklären in "Die unbefleckte Empfängnis" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als ihr einziges Thema "Die unbefleckte Empfängnis" erklärt in "Die unbefleckte Empfängnis" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Die offiziellen Maßstäbe von "Die unbefleckte Empfängnis" - 16222/8,8,8,8,8,8,8,8,8,8,8,8,8,8, umschließen es in der Formel.
Siehe die Museumsmitteilung →
#78
Die Krönung der Jungfrau
"Die Krönung der Jungfrau" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stille betrachtet Annibale Carracci gibt "Die Krönung der Jungfrau" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Die Krönung der Jungfrau" erklären in "Die Krönung der Jungfrau" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als ihr einziges Thema "Die Krönung der Jungfrau" - in "Die Krönung der Jungfrau", die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Wahrzeichen von "Die Krönung der Jungfrau" - nach 1584/1; 588888 x.
Siehe die Museumsmitteilung →
#79
Die Kreuzigung mit der Jungfrau und dem Heiligen Johannes
In "Die Kreuzigung mit der Jungfrau und dem heiligen Johannes" passt Hendrick ter Brugghen die Entfernung genau an; das Werk zieht erst an, zwingt dann zur Entschleunigung Hendrick ter Brugghen gibt "Die Kreuzigung mit der Jungfrau und dem heiligen Johannes" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität Die Ikonographie von "Die Kreuzigung mit der Jungfrau und dem heiligen Johannes" wird durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren lesbar, nicht durch eine nachträgliche Legende Die Ikonographie von "Die Kreuzigung mit der Jungfrau und dem heiligen Johannes" 2 wird durch Gesten, Attribute und die hierarchische der Figuren-2 lesbar.
Siehe die Museumsmitteilung →
#80
Fröhliche bei Shrovetide
Der Titel "Merrymakers at Shrovetide" kündigt das Motiv an, Frans Hals fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Met-Galerien erklärt Frans Hals gibt "Merrymakers at Shrovetide" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Merrymakers at Shrovetide" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Die offiziellen Referenzen von "Merrymakers at Shrovetide" - ca. 1616-17; Öl auf Leinwand; 51 3/4 x 39 1/4 in Formel umschließen es in einer allgemeinen Formel. (19.4).
Siehe die Museumsmitteilung →Die letzten zwanzig Werke verlagern sich von den Niederlanden nach Spanien und Frankreich, bevor sie mit vier großen Gemälden aus China und Japan enden.
#81
Weizenfelder
In "Wärmefelder" fängt der erste Blick das Thema ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Jacob van Ruisdael das Treffen organisiert Jacob van Ruisdael gibt "Wärmefelder" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, die Landschaft von "Wärmefelder" basiert eher auf Tiefe, Wetter und Lichtzirkulation als auf einer einfachen Einstellung Die offiziellen Landmarken von "Wärmefelder" - ca. 1670; Öl auf Leinwand; 39 3/8 x 51 1/4 in. (100 x 130,2 cm) - kennzeichnen es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#82
Freizeit in einem eleganten Ambiente
Pieter de Hooch gibt "Freizeit in einer eleganten Einstellung" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens "Freizeit in einer eleganten Umgebung" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Benchmarks von "Freizeit in einer eleganten Umgebung" - ca. 1663-65; Öl auf Leinwand; erweiterte Leinwand 22 15/16 x 27 5/16 in. (58,48 69,4 cm) 5 16,58 sichtbare Leinwand (51 5/8 x 26,48 in.
Siehe die Museumsmitteilung →
#83
Fröhliche Gesellschaft auf einer Terrasse
Mit "Merry Company on a Terrace" verwandelt Jan Steen ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz Jan Steen gibt "Merry Company on a Terrace" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Merry Company on a Terrace" erklären in "Merry Company on a Terrace" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als sein einziges ThemaDie offiziellen Benchmarks von "Merry Company on a Terrace" - ca. 1; Öl auf einer Terrasse "0" identifizieren die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema. 1.
Siehe die Museumsmitteilung →
#84
Die junge Jungfrau
Der visuelle Erfolg von "Die junge Jungfrau" ist einer sofort lesbaren Komposition geschuldet, die dennoch nach dem Regulierungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefert, Francisco de Zurbaran verleiht "Die junge Jungfrau" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Die junge Jungfrau" erklärt in "Die junge Jungfrau" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als ihr einziges ThemaDie offiziellen Wahrzeichen von "Die junge Jungfrau" - ca. 1632-33; Öl auf Leinwand; 46 x 37 in. (116,8 x 94 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#85
Heiliger Hieronymus als Gelehrter
"Der heilige Hieronymus als Gelehrter" zeigt, warum El Greco (Domenikos Theotokopoulos) für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne verwirrende Fülle und Unordnung El Greco (Domenikos Theotokopoulos) gibt "Der heilige Hieronymus als Gelehrter" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Ikonographie des "heiligen Hieronymus als Gelehrter" wird lesbar durch Gesten, Attribute und die Hierarchie der Figuren nach Jerom 1, nicht durch eine nachträgliche Legende der „Scholar" wird zu lesen. 6.
Siehe die Museumsmitteilung →
#86
Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)
Vor "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" wandert der Blick von Thema zu Thema zurück mit einigen zusätzlichen Informationen und im Idealfall etwas mehr Batterie El Greco (Domenikos Theotokopoulos) gibt "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung des Rahmens "Das Licht von Fernando Niño de Guev0" (151 -1609) erklärt besser als seine alleinigen Figuren von Niño
Siehe die Museumsmitteilung →
#87
Selbstporträt mit zwei Schülern, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) und Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)
Die Stelle von "Selbstbildnis mit zwei Schülern, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) und Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" in der Sammlung hängt nicht nur von ihrer Autorin ab: Adélaive Labille-Guiard verdichtet eine Ära, eine Technik und eine einzigartige Art, die Aufmerksamkeit des Betrachters zu richten. Adelaive Labille-Guiard gibt "Selbstporträt mit zwei Pupillen, Marie Gabrielle-Gui 17 -1888" und Marie Marguerite Carraux de Rosemond (188) a Kleidung, Hände und Blick konstruieren eine soziale Identität ebenso wie ein Gesicht Die offiziellen Referenzen von "Selbstbildnis mit zwei Schülern, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) und Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" - 1785; Öl auf Leinwand; 83 x 59 1/2 in. (210,8 x 151,1 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#88
Gräfin de la Chasta (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)
"Comtesse de la Chatiere (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: Wiedergabe erkennbar und viel komplexer, sobald man die Ränder, Gesten und Stillen betrachtet Elisabeth Louise Vigee Le Brun gibt "Comtesse de la Chatre (Marie Charlotte Louise Perretta Aglae, 1762 -1848)" eine präzise Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung im Rahmen "Comtesse de la Chatre 48 Perte8 a Beamte der "Comtesse de la Chastatre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" - 1789; Öl auf Leinwand; 45 x 34 1/2 Zoll. (114,3 x 87,6 cm) - identifizieren, ohne es in eine allgemeine Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#89
Elizabeth Farren (geboren um 1759, gestorben 1829), spätere Gräfin von Derby
In "Elizabeth Farren (geboren um 1759, gestorben 1829), Later Countess of Derby", passt Sir Thomas Lawrence die Entfernung genau an; das Werk zieht zuerst an, zwingt dann zur Verlangsamung Sir Thomas Lawrence gibt "Elizabeth Farren (geboren um 1759, gestorben 1829), Later Countess of Derby" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens an "Elizabeth Farren (geboren um 1759, gestorben 1829), Later Countess of Derby-Figuren starb im Raum"79
Siehe die Museumsmitteilung →
#90
Hagar in der Wildnis
Der Titel "Hagar in the Wilderness" kündigt das Motiv an, Camille Corot fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Met-Galerien erklärt Camille Corot gibt "Hagar in the Wilderness" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Hagar in the Wilderness" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Referenzen von "Hagar in the Wilderness" - 1835; Öl auf Leinwand; 71 x 106 1/2 in. (180,3 x 270,5 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#91
Sibylle
In "Sibylle" fängt der erste Blick das Motiv ein; der zweite beginnt zu verstehen, wie Camille Corot das Treffen organisiert Camille Corot gibt "Sibylle" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, in "Sibylle" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Referenzen von "Sibylle" - ca. 1870; Öl auf Leinwand; 32 1/4 x 25 1/2 in. (81,9 x 64,8 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#92
Jalais Hill, Pontoise
Camille Pissarro verleiht "Jalais Hill, Pontoise" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität, die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht erklären in "Jalais Hill, Pontoise" die Stärke des Bildes besser als sein einziges SujetDie offiziellen Referenzen von "Jalais Hill, Pontoise" - 1867; Öl auf Leinwand; 34 1/4 x 45 1/4 in. (87 x 114,9 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#93
Heuhaufen: Herbst
Mit "Haystacks: Autumn" verwandelt Jean-François Millet ein identifizierbares Motiv in eine Konstruktion aus Licht, Rhythmus und Präsenz Jean-François Millet gibt "Haystacks: Autumn" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Haystacks: Autumn" erklären in "Haystacks: Autumn" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema Die offiziellen Referenzen von "Haystacks: Autumn" - ca. 1874; Öl auf Leinwand; 33 1/2 x 43 3/8 in einer allgemeinen Umhüllung (85,1 x 1110,2 cm) - identifizieren es.
Siehe die Museumsmitteilung →
#94
Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang
Der visuelle Erfolg von "Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang" ist einer sofort lesbaren Komposition geschuldet, die dennoch nach dem Regulierungsurteil vor dem Kartell weiterhin Details liefert, Théodore Rousseau gibt "Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang" durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens eine genaue Identität "Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang" erklären in "Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang" die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht besser als sein einziges Thema "Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang" - In "Der Wald im Winter bei Sonnenuntergang" - 1846 - 6 erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Thema.
Siehe die Museumsmitteilung →
#95
Junge Damen des Dorfes
"Junge Damen des Dorfes" zeigt, warum Gustave Courbet für die Reise der Met wesentlich bleibt: Das Werk erzählt, beschreibt und organisiert den Raum ohne Verwechslung von Fülle und Unordnung Courbet gibt der Realität ein materielles Gewicht: Gesichter, Felsen, Stoffe und Erde besetzen die Leinwand, ohne um Verschönerung zu bitten "Junge Damen des Dorfes" erklären die Beziehungen zwischen Figuren, Raum und Licht die Stärke des Bildes besser als sein einziges Motiv Die offiziellen Referenzen von "Junge Damen des Dorfes" - 1851-52; Öl auf Leinwand; 76 3/4 x 102 3/4 in. (194,9 x 261 cm) - identifizieren es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#96
Frau mit Papagei
Vor "Frau mit Papagei" wandert der Blick von Subjekt zu Material, kehrt dann mit einigen Zusatzinformationen und im Idealfall etwas mehr Batterie zum Subjekt zurück, Courbet gibt der Realität materielles Gewicht: Gesichter, Felsen, Stoffe und Erde besetzen die Leinwand, ohne um Verschönerung zu bitten "Frau mit Papagei" konstruieren Pose, Kleidung, Hände und Blick eine soziale Identität so sehr wie ein Gesicht Die offiziellen Wahrzeichen von "Frau mit Papagei" - 1866; Öl auf Leinwand; Pose, Kleidung, Hände und Blick konstruieren eine soziale Identität so sehr wie ein Gesicht Die offiziellen Wahrzeichen von "Frau mit Papagei" - 1866; Öl auf Leinwand 7,5 x.
Siehe die Museumsmitteilung →
#97
Iris in Yatsuhashi (Acht Brücken)
Der Platz von "Irises at Yatsuhashi (Acht Brücken)" in der Sammlung hängt nicht nur von seinem Autor ab: Ogata Kôrin verdichtet eine Ära, eine Technik und eine einzigartige Art, den Betrachter anzusprechen Ogata Kôrin gibt "Irises at Yatsuhashi (Acht Brücken)" eine präzise Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art und Weise der Verteilung der Aufmerksamkeit innerhalb des Rahmens. In "Irises at Yatsuhashi (Acht Brücken)", Objekte, Blumen oder Früchte lassen überraschend lange, die Farbe, Textur und Dauer der Tabelle zu "ergeben" Papier; Bild (jeder Bildschirm): 64 7/16 Zoll. x 11 Fuß. 6 3/4 Zoll. (163,7 x 352,4 cm) Insgesamt (jeder Bildschirm): 70 1/2 Zoll. x 12 Fuß. 2 1/4 Zoll. (163,7 x 352,4 cm) Insgesamt (jeder Bildschirm): 70 1/2 Zoll. x 12 Fuß. 2 1/4 Zoll. (179,1 x 371,5 cm) - identifizieren Sie es, ohne es in einer allgemeinen Formel einzuschließen.
Siehe die Museumsmitteilung →
#98
Alte Pflaume
"Old Plum" hat diese seltene Qualität von Museumsgemälden: in der Reproduktion erkennbar und viel komplexer zu sein, sobald man die Ränder, Gesten und Stillen betrachtet Kano Sansetsu gibt "Old Plum" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die "Old Plum" - Technik bevorzugt Linien, flache Bereiche und kostbare Details; sie erfordert eine genauere Lektüre als Öl auf Leinwand Die "Old Plum" - Technik bevorzugt Linie, flache Bereiche und kostbare Details; sie erfordert eine genauere Lektüre als Öl auf Leinwand "68" 168 (164); insgesamt vier Schiebetüren/48 (8,8). cm) Insgesamt (b): 68 3/8 x 48 3/4 Zoll. (173,7 x 123,8 cm) Insgesamt (c): 68 1/2 x 47 3/4 Zoll. (174 x 121,3 cm) Insgesamt (d): 68 1/2 x 47 3/4 Zoll (174 x 12,3 cm) Insgesamt (d): 68 1/2 (17)
Siehe die Museumsmitteilung →
#99
Raue Wellen
In "×" passt Ogata Kôrin den Abstand genau an; die Arbeit zieht zuerst an, dann zwingt sie zur Verlangsamung Ogata Kôrin gibt "Rough Waves" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die "Rough Waves" Technik bevorzugt Linie, flache Bereiche und kostbare Details; sie erfordert eine genauere Lektüre als Öl auf Leinwand Die offiziellen Benchmarks von "Rough Waves" - ca. 1704-9; Zweiteiliger Klappschirm; Tinte, Farbe, und Blattgold auf Papier; Bild: 57 11/16 × 1/8 15.
Siehe die Museumsmitteilung →
#100
Nachtlich weiß
Der Titel "Nachtglänzendes Weiß" kündigt das Motiv an, Han Gan fügt jedoch eine visuelle Struktur hinzu, die seine dauerhafte Präsenz in den Met-Galerien erklärt Han Gan gibt "Nachtglänzendes Weiß" eine genaue Identität durch Zeichnung, Farbe und die Art der Aufmerksamkeitsverteilung innerhalb des Rahmens Die Technik "Nachtglänzendes Weiß" bevorzugt Strich, flache Bereiche und kostbare Details; sie erfordert ein genaueres Lesen als Öl auf Leinwand Die offizielle "Nachtglänzendes Weiß" - ca. 750; Handschrift; Tinte auf Papier; Bild: 12 13 3/8 in 30 3.8 in.8 (30 cm).8 in.
Siehe die Museumsmitteilung →Was das Ranking verrät
Die Met hat kein Meisterwerk, sie hat mehrere Etagen
Das Ranking begünstigt zunächst die weltweite Bekanntheit und historische Bedeutung und gleicht dann die Schulen, Epochen, Formate und Funktionen der Malerei aus.
Ruhm hat viele Gesichter
Eine nationale Ikone von Leutze, ein Porträt von Sargent und ein Raum von Vermeer erzählen nicht die gleiche Geschichte, aber jedes ist zu einem Tor zum Museum geworden.
Stifter gestalteten die Emporen
Havemeyer, Annenberg, Wolfe und viele andere Privatsammlungen haben der Met ihre spektakulärsten Ensembles beschert.
Eine Sammlung bleibt lebendig
Zuschreibungen, Restaurierungen, Hinrichtungen und Recherchen verändern ständig die Art und Weise, Werke zu lesen, von denen wir dachten, sie seien uns auswendig bekannt.
Die Met in fünf Terminen
Fünf Wahrzeichen vor dem Betreten der Galerien
Das Metropolitan Museum of Art wurde mit dem Ehrgeiz geboren, Kunst der amerikanischen Öffentlichkeit zugänglich zu machen.
Das Museum eröffnete sein Central Park-Gebäude und erweiterte es dann, bis es dem Wort Flügel eine fast geografische Bedeutung verlieh.
Spenden und Vermächtnisse stärkten schnell die europäische und amerikanische Malerei.
Neue Flügel, Akquisitionen und Forschung geben den Traditionen und der Moderne der Welt mehr Raum.
Die Met erneuert ihre Galerien und Lesungen; selbst berühmte Gemälde verändern Nachbarn und manchmal auch ihre Bedeutung.
Das Museum in der Tiefe
Wie kann man ein enzyklopädisches Museum einordnen, ohne den Plan zu verlieren?
Die ersten Orte vereinen Weltbekanntheit, historische Bedeutung und emblematische Rolle in der Sammlung Washington Crossing the Delaware, Madame.
Die Rangfolge beschränkt sich nicht auf die am häufigsten reproduzierten Werke. Es bewahrt die Gemälde, die die enzyklopädische Identität des Met erklären: italienische Renaissance, niederländisches Goldenes Zeitalter, Spanien, Frankreich, amerikanische Malerei, persische, indische, chinesische und japanische Traditionen.
Jedes Werk wird in der API und der offiziellen Mitteilung des Metropolitan Museum überprüft Titel, Künstler, Datum, Technik, Abmessungen und Bild müssen übereinstimmen; doppelte Identität und visuelle Elemente werden vor der Veröffentlichung verweigert.
Die Bilder stammen aus dem Open Access der Met, sie werden vollständig mit objektgerechtem Behälter, auch für schmale Porträts und große horizontale Formate, ausgestellt, denn ein monumentales Gemälde verdient etwas Besseres als ein unfreiwilliger Haarschnitt.
Nach der Einführung geht der Besuch direkt zu den hundert Gemälden, ein Werk pro Reihe Kein Filter oder Diashow unterbricht die Klassifizierung.
Vier Besuchsschlüssel
Wie man hundert Gemälde betrachtet, ohne alles durcheinander zu bringen
Eine nützliche Klassifizierung muss lesbar bleiben: Wenn Sie sich Datum, Funktion, Herkunft und Technik ansehen, können Sie von einer mittelalterlichen Jungfrau zu Van Gogh wechseln, ohne Geschwindigkeit und Eile zu verwechseln.
Lokalisieren vor dem Vergleich
Zwei durch drei Jahrhunderte getrennte Porträts können eine Pose teilen, aber nicht dieselbe soziale Welt oder dieselbe Beziehung zum Betrachter.
Fragen Sie, warum es das Werk gibt
Hingabe, politische Führung, private Dekoration, Studium oder modernes Manifest verändern die Art und Weise, ein Gemälde zu lesen, tiefgreifend.
Schau dir das Material an
Tempera, Öl, Tinte, Gold und undurchsichtiges Aquarell erzeugen Oberflächen, deren digitale Reproduktion die Unterschiede nicht auslöschen sollte.
Beobachten Sie die Nachbarschaften
An der Met führt ein Werk Dialoge mit seiner Abteilung, seiner Erhängung und der Architektur; Das Museum schreibt auch mit Wänden.
Mitteilungen, Kataloge und Recherchen
Setzen Sie den Besuch nach Nummer 100 fort
Die Aufzeichnungen des Metropolitan Museum, seine Sammlung Meisterwerke Gemälde, die Heilbrunner Zeitleiste der Kunstgeschichte und die MetPublications Kataloge ermöglichen es Ihnen, Daten, Techniken, Abmessungen, Provenienzen und Restaurierungen zu überprüfen.
Häufig gestellte Fragen
Die Met ohne einen mit Akkordeon gefalteten Plan
Einige Antworten, um sich auf den Besuch vorzubereiten, die Klassifizierung zu verstehen und die Werke in der Sammlung zu finden.
Was ist das berühmteste Gemälde im Metropolitan Museum?
Washington Crossing the Delaware von Emanuel Leutze, Madame X von Sargent, die Van Goghs und die Vermeers gehören zu den bekanntesten Bildern Die Wahl hängt auch von der Zeit und der Schule ab, die man sieht.
Wie viele Gemälde hat die Met?
Die Met unterhält Tausende von Gemälden, die auf mehrere Abteilungen verteilt sindDiese Top 100 ist eine redaktionelle Auswahl, nicht das komplette Inventar der Sammlung.
Sind all diese Werke dauerhaft ausgestellt?
Nr. Die Behänge ändern sich, einige Werke reisen oder werden in Reserve gehalten, oft wird im offiziellen Met-Hinweis angegeben, ob ein Gemälde gerade sichtbar ist und in welcher Galerie.
Warum sind asiatische Gemälde in diesem Ranking zu finden?
Das Metropolitan Museum ist enzyklopädisch Seine Sammlungen chinesischer, japanischer, indischer und persischer Malerei sind unerlässlich; ein Ausschluss würde ein künstlich schmales Bild des Museums ergeben.
Können Bilder wiederverwendet werden?
Die hier verwendeten Bilder werden von der Met als Open Access und Public Domain gekennzeichnet Der Hinweis zu jedem Werk bleibt die Referenz für die Prüfung der Bedingungen und das Herunterladen der offiziellen Datei.
Wo kann man die europäischen Gemälde der Met sehen?
Vieles davon befindet sich in den europäischen Gemäldegalerien an der Fifth Avenue Galerienummern und - hänge können sich ändern; konsultieren Sie die Karte und die Museumsanleitung am Tag des Besuchs.
Wie lange dauert es, diese Top 100 im Museum zu sehen?
Mindestens mehrere Stunden, und wahrscheinlich mehr, wenn man wirklich hinschaut Die Met-Belohnungen brechen; Es sanktioniert insbesondere zu optimistische Schuhe.
Wie wird diese Top 100 eingestuft?
Die ersten Reihen vereinen internationale Bekanntheit, historische Bedeutung und Meisterwerksstatus in der Sammlung Die Suite gleicht Perioden, Schulen und Traditionen ohne Doppelarbeit oder Image aus.
0 Bemerkungen