100 Gemälde - Schule von Paris
Amedeo Modigliani: 100 wesentliche Gemälde
Moderne Akte, Jeanne Hebuterne, Künstler aus Montparnasse, Kinder und populäre Persönlichkeiten: hundert Gemälde, die Modigliani nachweislich verstehen.
Jeder Hinweis erzählt, was das Werk darstellt, seinen Kontext und was es einzigartig macht Die Bilder öffnen die Alpha-Reproduktionsblätter; ein zweiter Link führt zur Dokumentationsquelle.
Warum Modigliani wichtig ist
Die Linie als Schicksal des Gesichts
Modigliani wandte keine einzige Formel auf alle seine Modelle an Seine längliche Linie dient wiederum Sinnlichkeit, Zurückhaltung, Verletzlichkeit oder Sicherheit.
Nacken, Augen und Körperhaltung sind keine Stil-Tics: Sie organisieren die Beziehung zwischen Model und Betrachter.
Der Weg folgt der tatsächlichen Entwicklung der Werke und identifiziert die Personen, Kontexte und Probleme, die für jedes Gemälde spezifisch sind.
Geben Sie die Rangliste einAmedeo Modiglianis 100 wesentliche Gemälde
Der entscheidende Zyklus von 1916 -1918 und seine Einrahmung ohne mythologischen Vorwand.
#1
Nackte Frau, die auf einem Kissen liegt
Diese 1917 gemalte nackte Frau, die auf einem Kissen liegt, gehört zu dem Zyklus, der Modigliani als einen der Erneuerer des modernen Aktes etabliert Der Körper nimmt fast die gesamte Breite ein, ohne mythologische Rückschau oder Schutzverzierung Das weiße Kissen betont das dunkle Gesicht und den direkten BlickDie durchgehende Linie verwandelt die Offenheit der Pose dennoch in eine ruhige Konstruktion, eher skulptural als anekdotisch.
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#2
Porträt von Jeanne Hebuterne im Profil sitzend
Jeanne Hebuterne ist 1918 im Profil vertreten, vor einem fast nackten grauen Hintergrund sitzend, Modigliani reduziert die Pose auf einige entscheidende Beziehungen: die rote Mütze, den langen hellen Hals, die dunkle Kleidung und den vom Rahmen geschnittenen StuhlGegnerin der Künstlerin seit 1917, Jeanne wird nicht durch biografische Accessoires beschrieben; ihre Silhouette wird zu einer stillen Architektur, nah und fern.
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#3
Nackt liegend mit ungebundenem Haar
Das Model wendet ihr Gesicht dem Betrachter zu, während sich ihr schwarzes Haar über die Schulter und den Hintergrund ausbreitet, entstanden 1917, gehört das Werk zu den vom Kaufmann Léopold Zborowski finanzierten und vertriebenen Akten Die orangefarbene Haut hebt sich von einer sehr engen braun-grünen Umgebung ab Diese freiwillige Nähe beseitigt die traditionelle Distanz zwischen dem exponierten Akt und dem Betrachter.
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#4
Nackt liegen
In diesem liegenden Akt ruht der Kopf auf einem hellen Tuch und der Körper streckt sich schräg auf einer dunkelroten Decke Modigliani nimmt eine uralte Pose ein, die von der liegenden Venus übernommen wurde, schließt aber jeden mythologischen Vorwand ausDas Modell bleibt sich des Blicks von außen bewusst Das Modell bleibt sich des Blicks von außen bewusst Die schwarzen Konturen, der warme Bereich und der abgeflachte Raum verleihen dem Bild von 1917 eine moderne, direkte und vollständig angenommene Präsenz.
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#5
Nackt auf einem blauen Kissen
In der National Gallery of Art erhalten, ruht dieser Akt von 1917 auf einem blauen Kissen, das sich vom erdigen Braun des Hintergrunds abhebt, die Hand stützt die Wange und das Lächeln bleibt kaum umrissen Der Körper wird an den Knien geschnitten, als würde er gewaltsam näher an den Betrachter gebracht Modigliani kombiniert so eine entspannte, fast vertraute Pose mit einer sehr kontrollierten Linie, die die Einheit der Figur wahrt.
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#6
Nackt von hinten liegend
Der Back Nude von 1917 kehrt die übliche Begegnung der Serie von Angesicht zu Angesicht um, Wirbelsäule und Hüfte ziehen eine lange Kurve, während das Gesicht, umgedreht, den diskreten Kontakt zum Betrachter wiederherstelltBei der Barnes Foundation zeigt die Arbeit, dass Modigliani den Rücken nicht als anatomische Studie behandelt: Er macht ihn zur Achse einer Komposition aus Rhythmen, Blättern und warmen Tönen.
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#7
Jeanne Hebuterne sitzend
Jeanne Hebuterne sitzt von vorne, die Hände auf den Knien verschränkt, auf diesem im Kunsthaus Zürich aufbewahrten Gemälde von 1918. Seine dunkle Kleidung bildet eine vertikale Masse, die das ovale Gesicht und der längliche Hals ausstreckenDie ungleichmäßig definierten Augen verhindern jede einfache psychologische Lektüre Modigliani malt weniger für einen Augenblick als einen dauerhaften Zustand der Präsenz, der durch die Stabilität der Pose zurückgehalten wird.
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#8
Nackt an der Halskette sitzend
Eine einfache Kette reicht aus, um die Lesart dieses sitzenden Aktes von 1917 zu modifizieren, sie zieht den Blick zum Hals und verbindet den Kopf mit dem Rumpf, während die auf die Brust gelegte Hand eine Zurückhaltungsbewegung einführt, das Bett wird nur durch wenige Lichtflächen angedeutet, Modigliani vermeidet dekorative Ansammlungen und konzentriert Sinnlichkeit auf den Rhythmus von Schultern, Armen und Gesicht.
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#9
Nackt sitzend
Dieser sitzende Akt stammt aus dem Jahr 1909 und geht den großen Liegefiguren von 1916 -1917 voraus, die Frontalsilhouette, die engen Arme und das fast bewegungslose Gesicht lassen bereits Modiglianis Interesse an Skulptur und archaischen Formen erkennen, das Material bleibt rauer als in Spätwerken Das Material bleibt rauer als in Spätwerken Das Gemälde dokumentiert eine Forschungsstufe, in der der Körper zuerst zu Volumen, Achse und bemalter Oberfläche wird.
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#10
Nacktes Leiden
Der traditionelle Titel Leidender Akt lenkt die Lesung auf die Verletzlichkeit des Modells Gemalt 1908 wirkt die Figur dünn, senkrecht und fast ausgelöscht durch einen in Grau und Braun gearbeiteten Hintergrund Nichts ruft die sinnliche Fülle der Akte von 1917 hervorDiese frühe Arbeit zeigt Modigliani auf der Suche nach einem härteren Ausdruck, wobei die Zerbrechlichkeit des Körpers ebenso zählt wie die Eleganz der Linie.
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#11
Nackt im Hut
Der schwarze Hut verleiht diesem Akt von 1908 eine seltsame Identität: ein soziales Accessoire, das an einem nackten Körper gehalten wird, verhindert, dass die Szene in akademische Zeitlosigkeit verfällt Das Gemälde bleibt bewusst rau, mit Grau, schmutzigem Weiß und sichtbaren Einbänden Damit kontrastiert Modigliani die Vertikalität der Kopfbedeckung mit Nacktheit und schafft so eine moderne Figur, deren Unbehagen Teil der Bedeutung ist.
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#12
Nackt stehen (Elvira)
Elvira steht, Arme an den Seiten, in diesem 1918 im Museum der bildenden Künste in Bern aufbewahrten Gemälde, die Frontalität erinnert an eine Statue, aber die leichte Bewegung der Schultern und die Asymmetrie des Gesichts lassen die Pose lebendig werden Modigliani verlängert die Figur, ohne ihr Gewicht zu löschenDas Werk verbindet die Kühnheit des vollen Aktes mit einer ernsten, fast zeremoniellen Unbeweglichkeit.
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#13
Nackt auf blauem Kissen liegend
Dieser 1916 gemalte längliche Akt ruht den Kopf auf einem blauen Kissen, das den gesamten linken Teil der Leinwand strukturiert. Der helle Körper kreuzt dann einen braunen Hintergrund ohne wirkliche Tiefe. Die Pose scheint aufgegeben zu sein, aber die Linie, die Schulter, Taille und Beine verbindet, ist stark berechnet Diese Wirtschaft kündigt die Akte von 1917 an, bei denen Modigliani den engen Rahmen zu einer Form der Konfrontation machen wird.
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#14
Nackt auf der Couch
In Naked on a Couch, datiert 1918 und in der National Gallery of Art aufbewahrt, hebt das Modell einen Arm und lehnt den Kopf an die HandDas blaue Kissen, das braune Sofa und die rosa Haut bilden drei große FarbflächenDer Blick bricht leicht belustigt mit der Vorstellung eines passiven KörpersDer Blick bricht leicht belustigt mit der Vorstellung eines passiven Körpers Modigliani verwandelt die Pose in einen Austausch, ohne dabei die dekorative Kontinuität der Umrisse zu opfern.
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Die Begleiterin der Künstlerin, ihre Kaufleute und der unmittelbare Kreis.
#15
Leiter Jeanne Hebuterne rechts
Dieser Kopf von 1918 isoliert Jeanne Hebuterne und beseitigt den Körper fast vollständig, das Gesicht dreht sich nach rechts, während das dunkle Haar eine Masse bildet, die das helle Oval betont Der kleine Mund, die gestreckte Nase und die nicht symmetrischen Augen suchen keine fotografische Ähnlichkeit Modigliani verdichtet das Porträt zu präzisen Zeichen, erkennbar, ohne mechanisch zu werden.
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#16
Jeanne Hebuterne am Hut und an der Halskette
Hut und Kette verleihen Jeanne Hebuterne in diesem Gemälde von 1917 eine urbane Eleganz, der breite Rand umrahmt das Gesicht, während die Kette den unverhältnismäßig langgestreckten Hals begleitet Diese Accessoires sind keine einfachen Ornamente: Sie ordnen die Komposition in Kreisen und Vertikalen, Modigliani verwandelt ein zeitgenössisches Outfit in ein fast ikonisches Bild, wo Mode der Struktur des Porträts dient.
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#17
Jeanne Hebuterne mit dem großen Hut
1918 gemalt, zeigt Joan mit dem Großen Hut, wie Modigliani aus einer sofort lesbaren Silhouette ein Porträt konstruieren kann, der Hut nimmt fast die gesamte obere Breite ein, der Hals bildet eine schmale Achse und die Hand schließt die Pose, der erdige Hintergrund beschreibt keinen Ort, diese fehlende Dekoration verleiht dem Modell eine gedankliche Präsenz, wie aus der Alltagszeit entfernt.
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#18
Porträt von Leopold Zborowski
Léopold Zborowski, Dichter und Kaufmann, unterstützte Modigliani ab 1916 und organisierte 1917 seine einzige persönliche Ausstellung zu seinen Lebzeiten. In diesem Porträt von 1916 ertönt sein bärtiges Gesicht aus einem dunklen, nüchtern behandelten Anzug. Der Maler vermeidet Anzeichen eines kommerziellen Erfolgs. Vielmehr behält er eine aufmerksame und zurückhaltende Haltung und verleiht dem Kaufmann die Ernsthaftigkeit eines intellektuellen Partners.
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#19
Porträt von Moses Kisling
Moive Kisling, ein in Montparnasse ansässiger Maler polnischer Herkunft, teilt mit Modigliani Werkstätten, Modelle und Freundschaften. In diesem Porträt von 1915, das im Pinacothèque de Brera aufbewahrt wird, ist der Kopf breit, fast kompakt und der Blick stark asymmetrisch. Die Nähe zwischen den beiden Künstlern führt nicht zu einem schmeichelhaften Bild: Modigliani bevorzugt den Charakter, die Masse und die Intensität des Gesichts.
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#20
Jeanne Hebuterne
Diese Jeanne Hebuterne von 1919 erscheint in einem leichten Kleid, gegen die Rückenlehne eines Sitzes geneigt, Die schräge Pose mildert das mit Modigliani oft verbundene Frontalmuster, das Gesicht bleibt ruhig, aber die Hand in der Nähe des Halses führt eine intime Bewegung ein, Das in den letzten Jahren des Paares entstandene Werk verbindet tägliche Vertrautheit und Stilisierung, ohne Jeanne in ein einfaches biografisches Emblem zu verwandeln.
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#21
Porträt von Paul Guillaume
Paul Guillaume war einer der ersten Kaufleute, der Modigliani 1914 verteidigte, in diesem auf Karton gemalten Porträt von 1915 erscheint der junge Mann in einem dunklen Anzug vor einem Tisch, mit unterdrückter ZuversichtDas langgestreckte Gesicht und die sichtbaren Hände balancieren sozialen Ehrgeiz und ZurückhaltungDas Werk bezeugt die Rolle der Kaufleute in der Pariser Avantgarde, bleibt aber ein sehr individuelles Porträt.
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#22
Porträt von Chaiven Soutine
Chaivem Soutine, ein im heutigen Weißrussland geborener Maler, stand Modigliani in Montparnasse nahe, dieses Porträt von 1916 versucht nicht, seine Gesichtszüge zu mildern: Enger Mund, hervorstehende Ohren und schmales Gesicht machen eine nervöse Präsenz aus Der Hintergrund und das Kostüm verschmelzen zu tiefem Braun. Freundschaft ermöglicht hier eine Offenheit, die Verzerrung in Anerkennung und nicht in Karikatur verwandelt.
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#23
Porträt von Pablo Picasso
Modigliani malte Picasso 1915, als der spanische Maler bereits eine zentrale Figur der Avantgarde warDas breite Gesicht, die eng angesetzten Augen und der rote Bogen ergeben ein kompaktes, fast provokantes BildDie im oberen Teil sichtbare Inschrift bringt das Porträt einer Widmung näher Modigliani erkennt Picassos Autorität, ohne den Kubismus anzunehmen, und behauptet seinen eigenen linienbasierten Weg.
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#24
Paul Guillaume, Novo Pilota
Die Inschrift "Novo Pilota", ein neuer Pilot, präsentiert Paul Guillaume als denjenigen, der die moderne Kunst leiten kann Gemalt 1915 und aufbewahrt bei der Musée de l'Orangerie, zeigt die Leinwand den Kaufmann in Anzug, Hut und Krawatte, vor einem Hintergrund, der seinen Namen trägt Das Gerät ist fast ein Plakat Modigliani verwandelt diese Werbeerklärung dennoch in ein angespanntes Porträt, wo Ehrgeiz in der Haltung zu sehen ist.
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#25
Chaive Soutine
In diesem zweiten Porträt, das um 1917 gemalt wurde, sitzt Soutine in einem dunklen Anzug von Angesicht zu Angesicht Die schmalen Schultern und die engen Hände verleihen dem Körper eine Zerbrechlichkeit, die im Kontrast zum hell modellierten Kopf steht Modigliani wiederholt sein vorheriges Bild nicht: Er beobachtet einen anderen Zustand des Modells, ruhiger und innerer Die Serie erinnert uns daran, dass seine Porträts aus echter Anwesenheit entstanden sind.
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#26
Juan Gray
Juan Gris, ein bedeutender Akteur des Kubismus, wurde 1915 in einer sehr engen Rahmung gemalt, im Metropolitan Museum nimmt sein geneigter Kopf fast das gesamte Format ein und der weiße Kragen kontrastiert mit dem dunklen Hintergrund, Modigliani greift keine Facetten oder kubistische Geometrie auf, vielmehr übersetzt er die geballte Intelligenz seines Kollegen in den Gesichtswinkel, die Spannung der Augenbrauen und die Nüchternheit der Palette.
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#27
Jean Cocteau
Der Dichter Jean Cocteau posierte 1916 steif im Sessel und in einem sorgfältig taillierten blauen Anzug gekleidet, der schlanke Körper, die langen Hände und das spitze Gesicht verlängern sein Bild als weltlicher Literat Modigliani nutzt das vertikale Format, um diese nervöse Eleganz hervorzuhebenDas Porträt ist weniger eine Illustration von Ruhm als eine kritische Lektüre des Vertrauens und der Distanz des Modells.
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#28
Max Jacob
Max Jacob, Dichter, Kritiker und Figur des Bateau-Lavoirs, ist 1910 mit klarer Stirn und stark modelliertem Gesicht vertreten, das dicke Material und die dunklen Farben gehören noch in Modiglianis Übergangszeit, vor der fließenden Linie der späten Porträts sucht der Maler hier den Charakter in Dichte Das Gemälde etabliert einen der wesentlichen Übermittler zwischen moderner Poesie und Malerei.
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#29
Anna Zborowska
Anna Zborowska, Ehefrau von Leopold, erschien 1917 in einem schwarzen Kleid, das ihr sehr blasses Gesicht hervorholte. Die im Museum für moderne Kunst erhaltene Leinwand besteht aus langen Vertikalen: Hals, Büste, Rücken und Rand des Rahmens. Die hellen Augen reagieren nicht genau Diese Asymmetrie verleiht dem Modell ein inneres Leben und behält gleichzeitig die fast abstrakte Eleganz der Silhouette bei.
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#30
Lunia Czechowska
Lunia Czechowska, Freundin der Zborowskis, wurde während des Krieges zu einem der Stammmodelle Modiglianis, in diesem Porträt von 1919 erreichen Gesicht und Hals extreme Länge, kompensiert durch Schulterstabilität Vereinfachung löscht Individualität nicht aus: Hohe Stirn, ruhige Augen und enger Mund bauen eine erkennbare Präsenz auf, fernab jeglicher weltlicher Idealisierung.
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#31
Jacques und Berthe Lipchitz
Der Bildhauer Jacques Lipchitz gab dieses Doppelporträt ab 1916 mit seiner Frau Berthe in Auftrag, am Art Institute of Chicago werden die beiden Figuren nicht auf eine Ebene gesetzt: Jacques dominiert leicht, während Berthe mit ihrem weißen Kragen auffällt, Modigliani passt sein langgestrecktes Vokabular einem echten Paar an und organisiert Intimität ohne demonstrative Gesten, durch die Nähe von Körpern und die Kontinuität des Hintergrunds.
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#32
Porträt von Diego Rivera
Diego Rivera hielt sich in Paris auf, als Modigliani ihn 1916 malteDer spätere mexikanische Wandmaler erschien mit einem massiven Kopf, einem sehr kurzen Hals und einem direkten Blick, weit weg von den üblichen spitz zulaufenden Silhouetten, auf Karton gemalt und in Sao Paulo aufbewahrt, respektiert das Werk den Aufbau des Modells Es zeigt, dass Modiglianis Stil keine einzigartige Formel ist, sondern eine an jede Präsenz angepasste Verzerrung.
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#33
Porträt von Beatrice Hastings
Béatrice Hastings, britische Schriftstellerin und Journalistin, teilte Modiglianis Leben von 1914 bis 1916. In diesem Porträt verliehen die kurzen Haare, der dunkle Hut und der frontale Blick dem Modell eine kämpferische Präsenz. Ihre Beziehung war stürmisch, aber das Gemälde reduziert sich nicht auf diese Geschichte. Modigliani macht Hastings zu einem modernen, kompakten Intellektuellen, der sich des Betrachters bewusst ist.
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#34
Der Cellist
Zu Modiglianis ehrgeizigen frühen Pariser Porträts gehört der 1909 gemalte Cellist, das Instrument nimmt eine breite Diagonale ein und verleiht dem Sitzkörper eine Struktur, die das Studiodekor ausdehnt, der Musiker wird nicht mitten in einem Konzert gezeigt: Er hält den Bogen und bleibt fokussiert Das Werk verbindet Porträt und Handwerk, wobei bereits der Geschmack des Malers für Figuren offenbart wird, die durch eine Haltung definiert sind.
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#35
Der Amazonas
Die Amazone stellt in Reitkleidung Baroness Marguerite de Hasse de Villers dar, das um 1909 von Doktor Paul Alexandre in Auftrag gegebene Porträt wurde schließlich nicht vom Model erworbenDie gelbe Jacke, die schwarze Krawatte und die Hand an der Hüfte komponieren ein Bild von ungewöhnlicher weiblicher Autorität Modigliani konfrontiert hier das weltliche Porträt mit einer harten Vereinfachung, die Schmeicheleien verweigert.
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#36
Der Algerier
Gemalt 1917, Der Algerier zeigt eine eng gerahmte Frauenbüste, mit einem dunklen Kleidungsstück, das zu einem hellen Kragen hin offen ist Der alte Titel weist darauf hin, wie die Modelle dann durch eine vermeintliche Herkunft identifiziert wurden, oft ohne erhaltene Biographie Anstatt eine Exotik zu erfinden, konzentriert Modigliani die Leinwand auf Gesicht, Frisur und Schulterbalance, wodurch das Modell eine nüchterne Individualität erhält.
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#37
Beatrice Hastings vor einer Tür
Beatrice Hastings steht in diesem Porträt von 1915 vor einer Tür, die vertikale Tafel hinter ihr verdoppelt die Schlankheit des Körpers, während Hut und Kleid die Silhouette in dunklen Massen strukturierenDie Tür erzählt nicht von einem Ereignis; sie dient als Rahmen Modigliani verwandelt so einen gewöhnlichen häuslichen Raum in eine Szene der Konfrontation, in der Hastings autonom und seiner Pose voll bewusst erscheint.
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#38
Die Jüdin
La Juive, gemalt 1908, gehört zu Modiglianis ersten ehrgeizigen Werken in Paris, der Titel gibt nicht die Identität des Modells preis, sondern spiegelt eine Epochenbezeichnung wider, die auch mit der jüdischen Herkunft des Künstlers verbunden ist Das Stirngesicht, die dunkle Kleidung und das dicke Material erzeugen ein ernsthaftes Bild, Vor seinen berühmten Ovalen strebte Modigliani bereits danach, soziale Zugehörigkeit und persönliche Singularität zu vereinen.
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#39
Junge im Matrosenanzug
Dieser um 1918 gemalte Junge im Matrosenanzug sitzt frontal, die Hände auf den Knien ruhend, der große weiße Kragen schneidet die schwarze Büste aus und verleiht der Figur eine fast geometrische Klarheit, Modigliani malte während des Krieges mehrere Kinder im Süden, oft ohne erhaltenen Namen, er gewährt ihnen die gleiche ruhige Monumentalität wie den Künstlern und Kaufleuten von Montparnasse.
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#40
Madame Pompadour
Unter dem ironischen Spitznamen Madame Pompadour versteckt sich Béatrice Hastings.1915 gemalt und in Chicago aufbewahrt, trägt sie eine gelbe Jacke, einen kleinen Hut und legt ihre Hand auf die Hüfte. Der Titel spielt mit dem Bild des königlichen Favoriten, aber das Outfit ist entschieden zeitgemäß. Modigliani vereint in einem seiner prägnantesten Porträts liebevolle Satire, Körpersicherheit und vertikale Konstruktion.
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#41
Junge sitzt mit einer Mütze
Der Junge sitzt auf einem Stuhl, die Mütze auf dem Kopf verschraubt und die Hände dicht beieinander, in dieser Leinwand von 1918. Die Rahmung lässt wenig Raum für die Einrichtung und gibt dem Sitz eine Rolle als Rahmen Die weise Pose löscht das Misstrauen des Blicks nicht aus Modigliani vermeidet es, die Kindheit zu berühren: Er malt eine Person, die die Anwesenheit des Zuschauers fast erwachsen unterstützt Zurückhaltung.
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Bescheidene Präsenzen, denen Modigliani monumentale Würde verleiht.
#42
Junge in der blauen Jacke
Das Blau der Jacke dringt fast in die gesamte Komposition ein und isoliert das Lichtgesicht dieses 1918 gemalten Jungen, von vorne sitzend trägt er außer seiner Kleidung und dem roten Stuhl keine erzählerischen Attribute Vereinfachte Hände schließen die Pose Das Werk zeigt, wie Modigliani anonymen Modellen eine bildliche Würde verleiht, die der seiner berühmten Freunde entspricht, ohne für sie eine Geschichte zu erfinden.
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#43
Das dicke Kind
Das 1915 gemalte und in der Pinacoteca di Brera aufbewahrte dicke Kind hebt sich von den mit Modigliani verbundenen fadenförmigen Silhouetten ab, Rundgesicht, kurzer Hals und massive Büste setzen einen weiteren Anteil durchDer alte Titel mag brutal erscheinen, aber das Gemälde macht das Kind nicht lächerlich Es konzentriert sich auf das wahre Gewicht des Körpers, die Frontalität und den ernsten Ausdruck des Modells.
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#44
Der kleine Bauer
Der kleine Bauer wurde 1918 gemalt, während Modiglianis Aufenthalt in Südfrankreich, in der National Gallery in London gehalten, trägt der Junge eine blaue Jacke und sitzt vor hellem Hintergrund, ohne malerische ländliche Einrichtung Seine breiten Hände und sein aufmerksames Gesicht geben der Figur Gewicht Das Gemälde macht ein bescheidenes Modell zu einem monumentalen Porträt und nicht zu einem sozialen Typ.
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#45
Der Sohn des Concierges
Der Conciergesohn gehört zu gegen Kriegsende entstandenen Kinder - und Jugendporträts, der Titel behält den Familienstand und nicht den Vornamen des Models, erinnert an die sozialen Hierarchien der Zeit, Modigliani korrigiert diesen Identitätsmangel durch Malerei: Frontalhaltung, sichtbare Hände und ernster Blick verleihen dem Jungen eine autonome Präsenz, ohne Dekoration oder sentimentale Anekdote.
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#46
Der junge Bauer
Der 1918 und heute im Museum von Artizon gemalte Junge Bauer zeigt einen Jugendlichen, der einfach gekleidet vor einem hellen Hintergrund sitzt Modigliani beschreibt weder landwirtschaftliches Werkzeug noch LandschaftDas Wort "Bauer" stammt aus dem Kontext des Modells, nicht aus einer InszenierungDas Wort "Bauer" stammt aus dem Kontext des Modells, nicht aus einer InszenierungDie Leinwand bewegt das volkstümliche Porträt damit in Richtung einer Form des modernen Klassizismus, die auf Stabilität, Zurückhaltung und Würde basiert.
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#47
Mädchen mit Zöpfen
Die beiden Zöpfe ordnen das Gesicht dieses jungen Mädchens wie Seitenlinien, während das rote Mieder die farbige Hauptnote bringt Gemalt um 1918, hält die Leinwand das Modell in frontaler Pose, aufmerksam, ohne Spiel und Accessoires, Modigliani lehnt das dekorative kindliche Porträt ab, Die Frisur, die Optik und die leichte Asymmetrie des Mundes reichen aus, um eine Persönlichkeit ins Leben zu rufen.
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#48
Kleines Mädchen, das in schwarzer Schürze steht
Dieses kleine Mädchen, das in einer schwarzen Schürze steht, 1918 gemalt und im Kunstmuseum in Basel aufbewahrt wird, nimmt fast die gesamte Höhe des Formats ein, Die Schürze zeichnet eine große dunkle Form, die der weiße Kragen und die Arme unterbrechen Die Pose erinnert an eine Schulfotografie, aber der vereinfachte Hintergrund und die länglichen Proportionen bewegen sie in Richtung der IkoneDas Kind bleibt ernst, nie in ein berührendes Motiv verwandelt.
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#49
Die kleine Magd
Die 1916 gemalte und im Kunsthaus Zürich aufbewahrte Kleine Magd sitzt zu drei Vierteln in einem bescheidenen braunen Outfit, der durch den Titel angedeutete Beruf wird von keinerlei häuslichen Accessoires begleitet Modigliani legt den Fokus alles auf Haltung, Hände und Gesicht, das Gemälde entzieht der jungen Arbeiterin damit die gesellschaftliche Anekdote, um ihr den Raum und die Gravitation eines eigenständigen Porträts zu geben.
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#50
Mädchen in weißer Bluse
Die weiße Bluse beleuchtet Gesicht und Arme dieses jungen Mädchens, das um 1918 gemalt wurde, das kleine gerahmte Format und der braune Hintergrund könnten ein herkömmliches Porträt hervorrufen, aber der lange Hals, die hellen Augen und das bewusst vereinfachte Design bewegen das Bild Modigliani verwendet Kleidung als leuchtende Oberfläche und lässt den Ausdruck unentschlossen, zwischen Zurückhaltung, Müdigkeit und Aufmerksamkeit.
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#51
Porträt eines jungen Mädchens in blauer Bluse
Dieses junge Mädchen in der blauen Bluse, um 1910 gemalt und im Kunstmuseum Hiroshima aufbewahrt, gehört noch zu Modiglianis frühen ForschungenDas dunkle Blau vereinigt die Büste, während das Gesicht leicht geneigt rauer bleibt als auf den Porträts von 1917 -1919. Das Werk zeigt den Übergang zwischen einem von Cezanne geerbten Material und der glatteren Linie, die zu seiner Handschrift werden wird.
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#52
Mädchen in grüner Bluse
Die grüne Bluse nimmt eine große Lichtfläche ein und verleiht dem Porträt seine chromatische BalanceDas junge Mädchen, gemalt um 1918, steht gerade vor einem orangebraunen Hintergrund, ohne Interaktion mit dem Betrachter Modigliani kontrastiert die schlichte Form des Kleidungsstücks mit der Finesse von Hals und GesichtDas Gemälde schöpft seine Stärke aus einem sehr maßvollen Kontrast zwischen kräftiger Farbe und stummem Ausdruck.
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#53
Porträt eines Mädchens
In der National Gallery in London erhalten, zeigt dieses Porträt eines Mädchens von 1917 ein Modell mit kurzen Haaren vor dunklem Hintergrund, der Kopf wirkt für die Büste etwas zu groß, was die Konzentration des Gesichts betontDie Augen werden nicht identisch behandelt, ein übliches Verfahren bei ModiglianiDiese Asymmetrie bedeutet nicht Abwesenheit: Sie verleiht dem Blick eine Tiefe, die schwer zu fixieren ist.
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#54
Rotschopfmädchen
Das 1915 gemalte und in der Musée de l'Orangerie aufbewahrte Rote Mädchen ist um orangefarbenes Haar herum gebaut, das auf den warmen Hintergrund reagiert. Das helle Gesicht und die dunkle Kleidung bilden einen zweiten Kontrast. Modigliani verwandelt die Haarfarbe nicht in malerische Er verwendet sie, um das Modell mit der Leinwand zu vereinen und die Balance zwischen individueller Präsenz und formaler Vereinfachung zu stärken.
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#55
Junges Mädchen mit schwarzen Haaren
Dieses junge Mädchen mit schwarzen Haaren, datiert 1918, hebt sich von einem graugrünen Hintergrund mit fast klösterlicher Strenge ab, der weiße Kragen erhellt das Gesicht, während das kurze Haar seine ovale Form schließt Der enge Mund und die ungleichmäßig geöffneten Augen halten Emotionen zurück Modigliani verleiht dem anonymen Modell eine Intensität, die weder von einem berühmten Namen noch von Dekor abhängt.
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#56
Mädchen mit Hut
Der große braune Hut weitet den oberen Teil dieses Porträts von 1918 und kontrastiert mit der schmalen Büste, das Modell sieht von vorne aus, in einer grauen Jacke, die bis zum Hals geschlossen ist Modigliani verwendet das Accessoire, um die Silhouette zu strukturieren, anstatt sozialen Rang zu signalisieren Das Bild behält eine bewusste Härte, insbesondere in den Wangen und dem violetten Hintergrund, was jede leichte Eleganz verhindert.
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#57
Frau mit schwarzer Krawatte
Die schwarze Krawatte verleiht dieser um 1917 gemalten Frau ein bewusst androgynes und modernes Aussehen, weiße Bluse, helle Jacke und dunkle Schleife lenken die Aufmerksamkeit auf die Oberkante der Büste Modigliani äußert sich nicht zum Kleidungsstück; er nutzt dessen senkrechte Linien, um den Hals zu verlängern und den geneigten Kopf zu stabilisierenDas Porträt macht soziale Autonomie ebenso sichtbar wie Eleganz.
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#58
Frau mit Ohrringen
Im Museum für Moderne Kunst in Paris aufbewahrt, verbindet diese Frau mit Ohrringen von 1917 ein langes Gesicht mit zwei kleinen seitlichen Lichtstößen, der Schmuck fällt ins Auge, ohne das Gesicht zu dominierenDie dunkle Kleidung und der neutrale Hintergrund lassen den Hals zur Hauptachse werden Modigliani verwandelt so ein weltliches Detail in Interpunktion, die einer ruhigen und stark konstruierten Präsenz dient.
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#59
Frau mit roten Haaren
Diese rothaarige Frau, um 1917 gemalt, sitzt zu drei Vierteln und legt einen Arm auf die Rückenlehne, das warme Haar reagiert auf das Holz des Stuhls, während der helle Kragen das Gesicht löstDie Geste schafft echte Entspannung, weg von der FrontalposeDie Geste erzeugt echte Entspannung, weg von der Frontalpose. Modigliani verwendet hier Möbel und Farbe, um eine präzise Haltung zu rendern, anstatt einen einfachen weiblichen Typ.
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#60
Frau mit weißem Mieder
Gemalt im Jahr 1917 und aufbewahrt im Nationalmuseum der Schönen Künste in Buenos Aires, ist die Frau mit dem weißen Körper in der Körpermitte eingerahmt Das helle Kleidungsstück öffnet die Silhouette und bringt den dunklen Kopf zum Vorschein Die Hände sind nicht sichtbar: Jeder Ausdruck kommt durch die Neigung, den Mund und die bläulichen Augen Das Werk veranschaulicht Modiglianis Wirtschaft, die in der Lage ist, eine Präsenz mit sehr wenigen Elementen zu erzeugen.
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#61
Frau mit weißem Kragen
Der weiße Kragen bildet einen Leuchtpunkt im Zentrum dieser im Museum von Grenoble aufbewahrten Leinwand von 1917. Er verbindet das Gesicht mit dem schwarzen Kleidungsstück und verhindert, dass sich die Figur im Hintergrund auflöst Die Kurzfrisur und die Dreiviertelpose verleihen dem Modell eine zeitgemäße Nüchternheit Modigliani organisiert das Porträt in deutlichen Kontrasten, ohne die Person auf eine dekorative Formel zu reduzieren.
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#62
Frau mit blauen Augen
Blaue Augen geben diesem im Museum für Moderne Kunst in Paris aufbewahrten Gemälde von 1918 ihren Titel, bei Modigliani sind die Augen oft undurchsichtig oder asymmetrisch; hier wird ihre Farbe zur Mitte des Gesichts, durch die rote Büste und den dunklen Hintergrund heben sie sich stärker hervor Das Werk zeigt, dass seine berühmte Behandlung des Blicks je nach Modell variiert und niemals Automatismus darstellt.
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#63
Frau mit Samtband
Die 1915 gemalte Frau mit dem Samtband verwendet eine Papierträgerung und ein sehr direktes Ölmaterial, das schwarze Band umgibt den Hals und akzentuiert dessen Länge, während das dunkle Haar ein helles Gesicht umrahmt Dieses Modedetail wird zu einem echten grafischen Scharnier Modigliani verwandelt das Accessoire in eine Struktur, die die Weichheit des Porträts mit einer fast kalligraphischen Konstruktion verknüpft.
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#64
Büste einer Frau
Diese um 1917 gemalte Büste einer Frau zeigt in Schwarz eine Figur vor hellgrauem Hintergrund, der Körper verschwindet fast unter dem Gewand, lässt Gesicht und langen Hals zurück, um die ganze Präsenz zu tragen Der Ausdruck bleibt geschlossen, ohne Geschichte oder Geste Modigliani behandelt die Büste als autonome Form, Erbe der Skulptur, behält aber die Zerbrechlichkeit des Modells durch die leicht unregelmäßigen Konturen bei.
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#65
Büste der jungen Frau
Diese 1908 gemalte und im LaM in Villeneuve-d'Ascq aufbewahrte Büste einer jungen Frau gehört zu den Jahren, in denen Modigliani noch immer zwischen gemalter Modellierung und skulpturaler Vereinfachung zögertDas Gesicht ist dichter, das Material sichtbarer und der Hintergrund weniger vereint als in seinen SpätwerkenDiese Spannung erlaubt es uns, der fortschreitenden Geburt seines Stils zu folgen, anstatt die sofort gefundene Formel anzunehmen.
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#66
Die große rote Büste
Die Große Rote Büste, datiert 1913, gehört in die Zeit, als Modigliani einen Großteil seiner Energie der Bildhauerei widmete Kopf und Rumpf sind auf einfache Volumen reduziert, dominiert von einem erdigen Rot Das Stirngesicht erinnert an die Masken und die antiken Künste, die er dann studierteDas Gemälde funktioniert wie eine farbenfrohe Skulptur, monumental trotz seines Formats.
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#67
Roter Kopf
Auf Karton um 1915 gemalt, ist Red Head mit Blau-Grün - und Rosttönen konstruiert, die dem Gesicht eine ungewöhnliche Intensität verleihen, Die Lichtstütze begünstigt eine direkte, fast experimentelle Ausführung, die Linien bleiben lesbar, die Farbe geht aber über die Beschreibung hinaus Modigliani macht den Kopf zu einem autonomen Bildfeld, wo die Erinnerung an die Skulptur auf eine sehr freie Fläche trifft.
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#68
Frauenkopf. Kiki?
Die traditionelle Identifikation mit Kiki bleibt ungewiss, wie das Fragezeichen des Titels andeutetDer um 1911 -1912 gemalte Kopf ist auf bearbeitetem hellem Hintergrund auf einige dunkle Linien reduziert, Anstatt eine Hypothese in Gewissheit zu verwandeln, müssen wir das Werk als Studie des Gesichts betrachten: Bogenbrauen, gestreckte Nase und seitlicher Blick reichen aus, um eine akute Präsenz zu erzeugen.
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#69
Kopf einer Frau (Anna Zborowska)
Der Kopf dieser Frau steht traditionell Anna Zborowska nahe, einem Modell, das Modigliani mehrfach malte Das geneigte Gesicht, die schwarzen Haare und die dunkle Kleidung bilden ein viel engeres Bild als das große Porträt von 1917 Das Fehlen von Händen oder Verzierungen konzentriert den Vergleich auf die Merkmale Die Leinwand erinnert auch daran, dass sich Modellkennzeichnungen mit der Forschung weiterentwickeln können.
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#70
Kariatid
Cariatide transponiert in die Malerei eine architektonische Figur, die in der Antike ein Gebälk tragen sollte Um 1913 erforschte Modigliani dieses Motiv parallel zu seinen skulptierten Köpfen Der Frontaltorso, die erhobenen Arme und die rotbraune Farbe verleihen dem Körper eine Säulenfunktion Das Werk erzählt keinen bestimmten Mythos: Es stellt sich menschliche Architektur vor, die in Rhythmus und Kraft verdichtet ist.
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#71
Madame Amédee (Frau mit Zigarette)
Madame Amédee, oder Frau mit Zigarette, wurde 1918 gemalt. In der National Gallery of Art dreht das Model ihre Büste leicht und legt eine Hand in ihre Nähe; Die Zigarette trägt zu ihrer modernen Haltung bei, ohne zum Hauptthema zu werden. Der Look ist nicht idealisiert. Modigliani verbindet die soziale Leichtigkeit der Geste mit einer strengen Konstruktion des Halses, des Sessels und des Rückens.
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#72
Karyatidenrose (Audacity)
Rosa Kariatid, genannt Audace, wurde 1914 gemalt und im Norton Museum of Art aufbewahrt, der hockende Körper, die Arme erhoben, scheint eine unsichtbare Ladung zu tragen Die Rosa, Grün - und Ockerfarbe distanzieren die Figur jedoch von einer Steinstudie, Modigliani hingegen verwandelt das Architekturmodell in einen farbigen Organismus Modigliani verwandelt das Architekturmodell in einen farbenfrohen OrganismusDer Titel Audace passt zu dieser Verschmelzung von Archaismus, Sinnlichkeit und modernem Experimentieren.
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#73
Porträt von Dr. Paul Alexandre
Doktor Paul Alexandre war Modiglianis erster wichtiger Förderer in Paris, er kaufte seine Werke und stellte ihn Sammlern vor, in diesem Porträt von 1909 sitzt das Modell vor einem dunklen Hintergrund, mit einer Eleganz, die noch immer der bürgerlichen Porträtmalerei nahekommtDie Verzerrung bleibt gemessenDas Werk dokumentiert eine entscheidende Beziehung und zeigt den Maler vor der extremen Vereinfachung seiner reifen Jahre.
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Ärzte, Künstler, Schriftsteller und Modelle der Reife.
#74
Porträt von Oscar Miestchaninoff
Oscar Miestchaninoff, Bildhauer aus dem heutigen Belarus, gehört zum kosmopolitischen Kreis von Montparnasse, Modigliani malt es mit vollem Gesicht, dunklem Anzug und frontalem Blick, Das Porträt dialogiert mit der Skulptur durch die Masse des Kopfes und die Schärfe des HalsesEs begründet weniger einen Beruf als eine Werkstattpräsenz, solide und konzentriert, innerhalb einer Avantgarde aus Verbannten.
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#75
Porträt von Maude Abrantes
Das 1908 gemalte und im Hecht-Museum aufbewahrte Porträt von Maude Abrantes gehört in die frühen Pariser Jahre, das Model dreht mit dunklem Hut leicht das Gesicht und behält einen aufmerksamen Ausdruck bei, das dicke Material und der blaugraue Hintergrund unterscheiden sich von den späten flachen Bereichen, Modigliani sucht noch immer die Balance zwischen direkter Beobachtung, Erinnerung an Cezanne und persönlicher Vereinfachung.
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#76
Porträt von Frank Burty Haviland
Frank Burty Haviland, französisch-amerikanischer Maler und Sammler, ist 1914 vertreten, in der Peggy Guggenheim Kollektion hebt sich ihr schlanker Körper vor einer mit Vertikalen markierten hellen Wand ab, der Hut und die Hand in Gesichtsnähe schaffen eine Haltung des Rückzugs, Modigliani nutzt das Dekor als Raster und verleiht seinem Freund eine zerbrechliche Eleganz, sehr weit entfernt vom offiziellen Porträt.
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#77
Paul Alexandre vor einem Fenster
Paul Alexandre steht in diesem in Rouen aufbewahrten Porträt von 1913 vor einem Fenster, die Fensterpfosten teilen den Boden und rahmen den stehenden Körper ein, während die auf die Hüfte gelegte Hand dem Modell ruhige Sicherheit gibt Modigliani trennt die Person nicht vom Raum: Die Architektur der Verglasung erweitert das Kostüm und verwandelt das Porträt des Patrons in eine Komposition aus Linien.
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#78
Porträt von Celso Lagar
Der spanische Maler Celso Lagar war 1915, kurz nach seiner Installation in Paris, vertreten, das schmale Gesicht, der Schnurrbart und die dunkle Tracht bilden eine sofort erkennbare Silhouette, erhalten im Israel Museum, gehört das Gemälde zur Galerie der in Montparnasse versammelten ausländischen Schöpfer Modigliani übersetzt weniger eine künstlerische Schule als eine aufmerksame, fast besorgte Haltung.
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#79
Dr. Louis Devraigne
Doktor Louis Devraigne, manchmal auch "der hübsche Major" genannt, wurde 1915 in einem dunklen Outfit gemalt, sein breites Gesicht und sein kräftiger Hals widerstehen einer systematischen Verlängerung, heute zeigt das Porträt in der Sammlung Bührle, wie Modigliani seine Verformung an den tatsächlichen Bau des Modells anpasst, medizinische oder militärische Autorität wird nicht durch Insignien, sondern durch Frontstabilität veranschaulicht.
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#80
Porträt des Mateo Ruiz de Alegria
Mateo Ruiz de Alegría, spanischer Maler, posierte 1915 für ModiglianiDas dünne Gesicht, der Schnurrbart und der schräge Blick tauchen aus einem dunklen Kostüm auf, das von großen Massen behandelt wird, erhalten im Allen Memorial Art Museum, behält das Werk den Überblick über das internationale Umfeld von Paris während des Krieges Modigliani verwandelt einen heute weniger bekannten Kollegen in eine dauerhafte Präsenz, ohne auf seinen Ruhm angewiesen zu sein.
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#81
Porträt von Pierre Reverdy
Pierre Reverdy, ein dem Kubismus nahestehender Dichter und späterer Gründer der Zeitschrift Nord-Sud, malte 1915, das Gesicht erscheint fast zu groß für die Büste und der Blick rutscht leicht ab, Modigliani sucht nicht, ein literarisches Werk zu illustrieren, es übersetzt die Konzentration des Dichters durch die Dichte des Kopfes, das geschlossene Kostüm und einen braunen Hintergrund, der jede Ablenkung beseitigt.
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#82
Porträt von Gaston Modot mit Hut
Gaston Modot, zukünftiger Schauspieler von Buñuel und Renoir, erscheint hier mit einem leichten Hut, 1918 gemalt und in Tel Aviv aufbewahrt, kontrastiert das Porträt mit einem weiteren frontaleren Bild desselben Modells Hut, langer Hals und enge Rahmung verleihen einen fast theatralischen Look Der Vergleich zeigt, wie Modigliani die Anwesenheit einer Person variiert, anstatt einen Mann zu wiederholen.
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#83
Porträt von Madame Dorival
Madame Dorival, eine Theaterschauspielerin, wurde 1916 mit hoher Frisur und hell erleuchtetem Gesicht gemalt, im Kunstmuseum in Basel reagieren die Rottöne von Hintergrund und Haar auf den Hautton, auf den Beruf deutet keine Bühnentracht hin, Modigliani behält vielmehr eine Autorität des Blickes und eine Beherrschung der Pose, als wäre das Theater in Haltung übergegangen.
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#84
Porträt einer Russin
Der alte Titel weist diese Frau ohne Namensbewahrung als Russin aus, um 1918 gemalt, erscheint sie in Büste, mit hoher Frisur und dunkler Kleidung auf rotem Grund Diese Bezeichnung erinnert an die Vielfalt der Migranten und Verbannten aus Montparnasse, soll aber keine unbekannte Biographie ersetzen Modigliani verleiht dem Modell durch Neigung, Augen und Farbe seine Einzigartigkeit.
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#85
Gaston Modot
In diesem im National Museum of Modern Art aufbewahrten Porträt von 1918 erscheint Gaston Modot ohne Hut, bekleidet mit einem offenen weißen Hemd, der lange Kopf und der schmale Hals kontrastieren mit der Breite der Büste, der Schauspieler ist charakterlich nicht vertreten: Modigliani sucht den Mann hinter dem Webstuhl Der blaugraue Hintergrund und die Frontalität verleihen dem Bild eine fast fotografische Einfachheit.
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#86
Junge Frau im gelben Kleid (Renee Modot)
Renée Modot, Ehefrau von Gaston, wurde 1918 in einem gelben Kleid mit kleinen blauen Blumen gemalt. Das Kleidungsstück beleuchtet die Leinwand und unterscheidet dieses Porträt von Modiglianis gedämpfteren Paletten. Die leicht gedrehte Sitzpose behält dennoch große Zurückhaltung Die Farbe verwandelt Renée nicht in ein dekoratives Motiv: Sie offenbart eine ruhige, aufmerksame und körperlich verankerte Präsenz.
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#87
Renee
Dieses 1917 gemalte Porträt von Renée zeigt ein helles, von roten Haaren umgebenes Gesicht auf braunem Grund, die kleine Halskette und dunkle Kleidung rahmen den Hals ein, ohne die Aufmerksamkeit abzulenken, Modigliani strafft die Komposition an der Büste und lässt das Modell allein im Auge stehen, das Werk zeigt, wie manchmal ein Vorname für die Erinnerung an den Katalog ausreicht, wenn das Gemälde mehr bewahrt als die Biografie.
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#88
Renée mit einer hellen Büste
Diese zweite Renée, ebenfalls auf 1917 datiert, zeichnet sich durch eine helle Büste, leuchtend gefärbte Augen und einen blaugrünen Hintergrund aus. Erhalten in Sao Paulo handelt es sich nicht um eine Wiederholung des vorherigen: Der Kopf neigt sich anders und die Palette verändert die gesamte Beziehung zum Modell. Modigliani nutzt die Porträtserie, um verschiedene Zustände zu erkunden, nicht um eine Formel zu reproduzieren.
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#89
Alice
Alice, 1918 gemalt und im Statens Museum for Kunst aufbewahrt, sitzt von vorne in einem dunklen Kleid, die Hände auf den Knien gekreuzt Die rote Rückenlehne und die blaue Wand organisieren die Tiefe in flachen Bereichen Die Inschrift des Vornamens oben auf der Leinwand unterstreicht die Identität des Modells Das Werk vereint fast ikonische Stille und persönliche Details, insbesondere die Frisur und blaue Augen.
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#90
Florenz
Florenz, 1914 gemalt und im Ludwig-Museum aufbewahrt, gehört in die Zeit, als Modigliani seinen Porträtvokabular stabilisierte, Schwarzes Kleid, heller Kragen und langer Hals bilden eine vertikale Silhouette, während das Gesicht leicht geneigt bleibt Der blaugraue Hintergrund nimmt Details auf Das Gemälde zeigt den Übergang zwischen dem Material der Anfänge und der linearen Eleganz der Kriegsjahre.
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#91
Lolotte
Lolotte wurde im Juni 1917 gemalt, ein außergewöhnlich genaues Datum im Katalog, der dunkle Hut, der Blumenstrauß oder das bunte Ornament und das Stirngesicht verleihen dem Porträt eine lebendige Präsenz, erhalten am Nationalmuseum für Moderne Kunst, ist das Werk nicht von einer entwickelten Biographie abhängig, Modigliani schreibt den Vornamen ein und behält eine Haltung, wodurch das Gemälde ebenso zu einem Sitzungsdokument wie zu einer stilisierten Konstruktion wird.
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#92
Antonia
Antonia, datiert 1915, sitzt in einem schwarzen Kleid mit weißem Kragen, Hände zusammen Die sehr vertikale Komposition gehört zur Jean Walter Sammlung - Paul GuillaumeDas Modell behält einen zurückhaltenden Ausdruck bei, ohne Anzeichen von Beruf oder Umwelt Modigliani konstruiert seine Präsenz durch den Kontrast des Kragens, das Oval des Gesichts und die Ruhe der Hände, wodurch einer Identität Gewicht verliehen wird, die heute wenig dokumentiert ist.
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#93
Adrienne
Adrienne, 1917 gemalt und in der National Gallery of Art aufbewahrt, trägt ein dunkles Kleid und dreht den Kopf leicht Der braune Sessel bildet einen Umschlag um die Büste, während die erhobene Hand eine diskrete Bewegung einleitet Die Leinwand ist auf Leinen gemalt, dessen Textur die flachen Bereiche begleitet Modigliani vereint so die Sparsamkeit der Mittel, die tägliche Eleganz und ein Gefühl der unmittelbaren Präsenz.
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#94
Angestellte Elvira
Elvire mit weißem Kragen, gemalt 1918, zeigt das Modell von vorne sitzend, die Hände verschränkt, in einem lila Kleid, der kleine Kragen erhellt die Mitte der Silhouette und führt zum Gesicht hin Modigliani malte Elvira nackt und bekleidet, was uns erlaubt, die Vielfalt der Modellrollen zu messenHier dominieren Pose-Zurückhaltung und Nüchternheit jede sinnliche Dimension.
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#95
Lola von Valencia
Lola de Valence, 1915 in Öl auf Papier gemalt, greift einen Namen auf, der durch eine spanische Tänzerin und durch Manet berühmt wurde, bei Modigliani hebt sich die Figur mit einem sehr langgestreckten Profil vor einem Hintergrund ab, auf dem Inschriften und Linien sichtbar bleiben, der Titel kann sich auf einen Spitznamen oder kulturellen Bezug beziehen Das Werk vereint Erinnerung an moderne Malerei und Experimentieren auf einem leichten Medium.
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#96
Die Verheirateten
Die 1915 gemalte und im Museum für Moderne Kunst aufbewahrte Braut und Bräutigam vereint zwei enge Figuren in vertikalem Format, ihre Köpfe sind weder auf gleicher Höhe noch mit derselben Farbe behandelt, doch dunkle Kleidung vereint sie Modigliani vermeidet sentimentale ErgüsseDas Paar existiert durch Nähe, den Unterschied in den Gesichtern und die Spannung zwischen zwei nebeneinander gehaltenen Individuen.
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#97
Der schöne Droguist
La Belle Droguiste, datiert 1918, trägt einen Titel, der Beruf und ästhetisches Urteilsvermögen verbindetDas Modell sitzt in einem leichten Kleid, die Hände gefaltet, vor einer Wand, die großflächig behandelt wird Modigliani repräsentiert weder Laden noch Produkte Es trennt die Person von ihrer sozialen Funktion und lässt die ruhige Haltung der Leichtigkeit des Spitznamens widersprechen Würde kommt von Pose, nicht Dekor.
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#98
Die hübsche Hausfrau
Die 1915 gemalte und bei der Barnes Foundation aufbewahrte Jolie Ménagère sitzt von vorne in einer leichten Schürze. Die Hände treffen sich auf den Knien und die Möbel bleiben grundlegend. Der alte Titel vereint Aussehen und häusliche Rolle, aber das Gemälde geht über diese Kategorie hinaus. Modigliani gibt dem Modell den gesamten Raum der Leinwand und eine Unbeweglichkeit, die den Alltag in eine monumentale Präsenz verwandelt.
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#99
Der gelbe Pullover
Der 1918 bemalte und im Solomon R. Guggenheim Museum aufbewahrte Gelbe Pullover zeigt im hellen Profil eine sitzende Figur, die eine rote Mütze trägt, das Gelb des Kleidungsstücks und das Rot des Sitzes ergeben eine außergewöhnlich leichte Palette, das Modell hingegen schweigt, Hände auf die Knie gelegt Modigliani macht Farbe zu einem Mittel der Balance und nicht zu einem einfachen dekorativen Effekt.
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#100
Café-konzertsänger
Gemalt im Jahr 1917 und aufbewahrt in der National Gallery of Art, sitzt die Café-Konzertsängerin in einem dunkelblauen Kleid mit gekreuzten Händen. Es erscheint kein Publikum oder Instrument. Das Handwerk ist im Look, in der Frisur und im Selbstvertrauen des Models enthalten. Modigliani wählt Ruhe statt Leistung und enthüllt die Person hinter Montparnasses öffentlicher Rolle und Nachtleben.
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Redaktionsmethode
Einhundert Gemälde, einhundert nachweisbare Hinweise
Der Korpus wurde aus den aktiven Dateien des Ladens rekonstruiert und dann nach Titel, Bild, Technik und institutioneller Quelle gesteuert.
Nur Gemälde
Ausgenommen waren Zeichnungen, Drucke und grafische Arbeiten.
Anti-duplikat
Jeder Titel, Link und jedes Bild ist einzigartig; visuelle Variationen wurden verglichen.
Spezifische Bekanntmachungen
Kein Standardabsatz: Jeder Text erläutert den Gegenstand, Kontext oder Umfang der betreffenden Arbeit.
Quellen
Gegengeprüfte Identifizierungen
Die Metadaten wurden mit Museumskatalogen und verfügbaren Dokumentationshinweisen verglichen. Der institutionelle Link erscheint unter jedem Gemälde.
Häufig gestellte Fragen
Modigliani lesen
Technik, Quellen, Duplikate und Präsentation.
Enthält diese Auswahl nur Gemälde?
Ja. Das bei der Kontrolle identifizierte grafische Werk wurde entfernt Bei den ausgewählten hundert Einträgen handelt es sich um Ölgemälde auf Leinwand, Karton, Tafel, Papier oder Leinen.
Wie wurden Duplikate beseitigt?
Es wurden Titel, Links, Bilddateien und visuelle Ähnlichkeiten verglichen Varianten, die demselben Gemälde entsprechen, wurden verworfen.
Woher kommen Termine und Sammlungen?
Sie wurden mit Museumsunterlagen und Referenzkatalogen verglichen, insbesondere denen der National Gallery of Art, des MoMA, der Barnes Foundation, der Tate und des Art Institute of Chicago.
Enthält der Artikel eine Diashow?
Nr. Die hundert Gemälde bleiben auf einer statischen Seite sichtbar, um sie leicht lesen und kontrollieren zu können.
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