Top 100 - Deutsche Malerei: 100 berühmte Gemälde von Dürer bis Richter
Deutsche Malerei: 100 berühmte Gemälde von Dürer bis Richter
Renaissance, Romantik, Expressionismus und Erinnerung: fünf Jahrhunderte erzählt von hundert Museumswerken
Diese Tour vereint einhundert Gemälde deutscher Maler, von Albrecht Dürer bis Gerhard Richter, basierend auf kontrollierten Referenzen.
Fünf Jahrhunderte Präzision, Bruch und Erinnerung
Einhundert Gemälde, um die Geschichte der deutschen Malerei zu erzählen
An der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert gaben Dürer, Cranach, Grünewald, Altdorfer und Holbein dem Bild eine neue AutoritätDas Porträt bekräftigt den Einzelnen, die Landschaft gewinnt ihre Autonomie, während die religiöse Malerei Hingabe, Beobachtung und Umbrüche der Reformation vermischtDie Präzision der Zeichnung ist niemals reine Virtuosität: Sie organisiert eine kritische Sichtweise.
Von Dürers Frontalität bis zu Richters Unschärfe fragt die deutsche Malerei immer wieder, was ein Bild zeigen, glauben, gedenken oder herausfordern kann.Wechseln Sie zu Bildern
Einordnung in Bilder
Friedrich, Dürer, Grünewald, Marc, Kirchner und Dix eröffnen die Strecke mit Bildern, die zu Emblemen geworden sind.
#1
Wanderer über dem Nebelmeer
Eine von hinten gesehene Silhouette beherrscht ein im Nebel ertrunkenes Relief; der Betrachter teilt seinen Standpunkt, ohne je seine genaue Position erreichen zu können Friedrich beschreibt nicht einfach eine Stätte: Er konstruiert eine gedankliche Erfahrung von Distanz, Stille und Erhabenem durch von hinten gesehene Horizonte, Ruinen, Berge und Figuren aus dem Jahr 1817 ist dieses Werk in Öl auf Leinwand und Maße 94,8 × 74,8 cm; es gehört zur Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei diesem Rundgang ist das Werk mit der Nummer 1 versehen, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Romantik und die Geburt der modernen Landschaft Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
© SHK /Hamburger Kunsthalle /ARTOTHEK, Foto Elke Walford Produkt ansehen →
#2
Selbstporträt mit pelzbesetztem Kleid
Dürer präsentiert sich frontal, fast als Ikone Christi, und macht sein Gesicht und seine Hand zur feierlichen Bekräftigung des modernen Status des KünstlersDürer vereint nordische Beobachtung, humanistische Kultur und die durch den Kontakt mit Italien erlernten Proportionen; sein Pinsel verleiht dem Porträt und der sakralen Geschichte eine neue Autorität, datiert 1500, wird dieses Werk in Öl auf Lindenplatte und misst 67,1 × 48,9 cm; sie gehört zur Alten Pinakothek, München, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei diesem Rundgang ist das Werk mit der Nummer 2 versehen, da es einen Moment beleuchtet Von der deutschen Renaissance verschieden Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgesetzsammlungen Produkt ansehen →
#3
Isenheimer Altar
Der gequälte Leib Christi, die kränkliche Farbe und das fortschreitende Öffnen der Fensterläden machen eine visuelle Maschine aus, die für Patienten entwickelt wurde, die mit Schmerzen konfrontiert sind Grünewald kontrastiert die klassische Balance mit einem Gemälde von körperlicher und geistiger Intensität, das in der Lage ist, den Blick von extremem Leiden zur Brillanz der Auferstehung zu führen.Datiert 1512 -1516, wird dieses Werk in Tempera produziert und Öl auf Tafel und messen Mehrere Tafeln; es gehört Musée Unterlinden, Colmar. Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Auf diesem Weg ist das Werk mit 3 nummeriert, weil es eines beleuchtet Erkennbarer Moment der deutschen Renaissance Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Museum Unterlinden, Colmar Siehe im Museum →
#4
Der Mönch am Meer
Ein winziger Mönch stellt sich drei fast leeren Bändern aus Sand, Meer und Himmel; der Raum reduziert die Erzählung auf die schwindelerregende Erfahrung der Unendlichkeit Friedrich beschreibt nicht einfach eine Stätte: Er konstruiert eine geistige Erfahrung von Distanz, Stille und Erhabenem durch Horizonte, Ruinen, Berge und von hinten gesehene FigurenDatiert 1808 -1810, entsteht dieses Werk in Öl auf Leinwand und misst 110 × 171,5 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 4, da es einen deutlichen Moment beleuchtet Romantik und die Geburt der modernen Landschaft Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
© Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie /Andres Kilger Produkt ansehen →
#5
Das Eismeer
Eisplatten, die wie Mineralsplitter errichtet wurden, verschlingen das Schiff und ersetzen die heroische Landschaft durch eine dem Menschen gleichgültige Natur Friedrich beschreibt nicht einfach eine Stätte: Er konstruiert eine geistige Erfahrung von Distanz, Stille und Erhabenem durch Horizonte, Ruinen, Berge und von hinten gesehene FigurenDatiert 1823 -1824, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand und Maße 96,7 × 126,9 cm; es gehört zur Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, In diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 5, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Romantik und die Geburt der modernen Landschaft Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
© Hamburger Kunsthalle /bpk, Foto Elke Walford Produkt ansehen →
#6
Die Schlacht Alexanders bei Issus
Tausende Soldaten setzen sich unter apokalyptischem Himmel ein, während das Mittelmeer den Horizont knickt: Die Schlacht wird zur Weltkarte Altdorfer macht die Landschaft zum Akteur der Geschichte und erweitert die Geschichten zu kosmischen Räumen, schwindelerregender Architektur oder autonomen Wäldern, datiert 1529, ist diese Arbeit in Öl auf Lindenplatte gefertigt und misst 158,4 × 120,3 cm; Sie Gehört Alte Pinakothek, München Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Provenienz, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert, Bei dieser Führung trägt das Werk die Nummer 6, da es einen deutlichen Moment der deutschen Renaissance beleuchtetSie zeigt Auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgesetzsammlungen Produkt ansehen →
#7
Der Krieg (Triptychon)
Dix zeigt in Form eines antiken Altarbildes den Aufbruch, das Massengrab, die Rettung und den Schlaf von Soldaten ohne Erlösungsversprechen Dix verbindet den klinischen Blick der Neuen Sachlichkeit mit den Techniken der alten Meister, um Krieg und Weimarer Gesellschaft ohne Ablass zu beschreibenDatiert 1929 -1932, wird dieses Werk in Mischtechnik auf Holz produziert und misst 204 × 468 cm; Es gehört Albertinum, Staatliche Kunstsammlungen Dresden Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 7, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
© VG Bild-Kunst /SKD, Foto Estel-Klut Siehe im Museum →
#8
Straße, Berlin
Zwei elegante Frauen rücken inmitten einer komprimierten männlichen Menschenmenge vor; Winkel, Blicke und scharfe Farben machen die Spannung der Metropole wahrnehmbar Kirchner übersetzt urbane Energie, den Zirkus und die Berge mit spitzen Winkeln, dissonanten Farben und einer Linie, die die Dringlichkeit von Die Brücke bewahrtDatiert 1913, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 120,6 × 91,1 cm; Es gehört zum Museum of Modern Art (MoMA), New York, Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 8, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
© Nachlass von Ernst Ludwig Kirchner /MoMA Siehe im Museum →
#9
Tierisches Schicksal
In "Tierdestinien" macht Marc Farbe und Tiere zu Zeichen einer bedrohten geistigen Welt, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde einen Meilenstein der deutschen Reise darstellt, datiert 1913, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 194,7 × 263,5 cm; es gehört dem Kunstmuseum Basel Der institutionelle Hinweis ermöglicht die Kontrolle der Identität des Werkes, der Seine Datierung, Technik und Erhaltungsort Sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
Bild aus dem Alpha-Reproduktionsblatt; Originalwerk dokumentiert vom Museum Produkt ansehen →
#10
Die Nacht
Beckmann komprimiert in "Die Nacht" die moderne Welt zu allegorischen Szenen mit scharfen Konturen, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1918 -1919, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 133 × 154 cm; es gehört zur Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf Der institutionelle Hinweis erlaubt es Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#11
Blaues Pferd I
Das junge blaue Pferd steht vor roten und gelben Hügeln; seine meditative Pose verwandelt willkürliche Farbe in spirituelle Präsenz Marc schreibt der Farbe einen spirituellen Wert zu und macht das Tier zum sensiblen Mittelpunkt einer Welt, in der natürliche Formen und abstrakte Rhythmen zu verschmelzen beginnen.Datiert 1911, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 112 × 84,5 cm; Sie Zu Lenbachhaus, München gehört Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 11, da es einen Moment beleuchtet, der sich von den Avantgarden, dem Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
CC0 1.0, Lenbachhaus, Bernhard und Elly Koehler Stiftung Produkt ansehen →
#12
Abtei im Oakwood
Friedrich macht in "Abtei im Eichenholz" die Landschaft zu einem inneren Erlebnis, wo der Betrachter seinen eigenen Platz misst Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1809 -1810, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 110,4 × 171 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt es Überprüfen Sie die Identität des Werks, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort. Sein Platz in dieser Klassifizierung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#13
Kreidefelsen auf Rügen
Friedrich macht in "Kreidefelsen auf Rügen" Landschaft zu einem inneren Erlebnis, wo der Betrachter seinen eigenen Platz misst Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1818, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 90,5 × 71 cm; es gehört dem Museum Oskar Reinhart am Stadtgarten, Winterthur Der Hinweis Institutionell ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#14
Die vier Apostel: die Heiligen Markus und Paulus
Die in den Weltraum verpackten monumentalen Figuren nehmen die Autorität eines von Dürer an seine Stadt Nürnberg gerichteten religiösen und bürgerlichen Manifests einDürer vereint nordische Beobachtung, humanistische Kultur und die durch den Kontakt mit Italien erlernten Proportionen; sein Pinsel verleiht dem Porträt und der sakralen Geschichte eine neue AutoritätDatiert 1526, wird dieses Werk in Öl auf Lindenplatte und Maße 212,4 × 76,3 cm; es gehört zur Alten Pinakothek, München, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 14, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Deutsche Renaissance. Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
CC BY-SA, Bayerische Staatsgesetzsammlungen Produkt ansehen →
#15
Eine Dame mit einem Eichhörnchen und einem Star (Anne Lovell?)
In "Eine Dame mit Eichhörnchen und Starling (Anne Lovell?)" verwandelt Holbein die Porträtmalerei in die Sprache des Ranges, der Identität und der Diplomatie Thema, Rahmen und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt Wahrscheinlich datiert 1527 -1528, besteht es aus Öl auf Eiche und misst 56 × 38,8 cm; es gehört zur National Gallery, London Der Hinweis Institutionell ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#16
Judith mit dem Haupt des Holofernes
In "Judith mit dem Haupt des Holofernes" vereint Cranach Hof, Reform und bildliche Erfindung, Thema, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert ca. 1530, es besteht aus Öl auf Linde und misst 89,5 × 61,9 cm; es gehört zum Metropolitan Museum of Art, New York Der institutionelle Hinweis erlaubt es Ihnen Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#17
Porträt der Journalistin Sylvia von Harden
Der Journalist, Zigarette und Monokel in der Hand, besetzt allein den Tisch eines Berliner Cafés; die emanzipierte Pose bleibt von bewusst diskordanten Details durchzogen Dix verbindet den klinischen Blick der Neuen Sachlichkeit mit den Techniken der alten Meister, um den Krieg und die Weimarer Gesellschaft ohne Nachsicht zu beschreiben.Dieses Werk stammt aus dem Jahr 1926, ist in Öl und Tempera auf Holz gefertigt und misst 121 ̄en 89 cm; es gehört zum Centre Pompidou, Paris Die mit dieser Karte verknüpfte Bekanntmachung des Museums ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour ist das Werk mit 17 nummeriert, da es einen von den Avantgarden unterschiedlichen Moment beleuchtet Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
© ADAGP, Paris; Centre Pompidou, MNAM-CCI /Audrey Laurans /Dist. GrandPalaisRmn Siehe im Museum →
#18
Selbstporträt als Soldat
In "Selbstbildnis als Soldat" übersetzt Kirchner die Stadt und die moderne Krise in Farben und Winkel unter Spannung, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 69,2 × 60,8 cm; es gehört zum Allen Memorial Art Museum, Oberlin Die institutionelle Mitteilung Ermöglicht die Kontrolle der Identität des Werkes, seiner Datierung, seiner Technik und seines Erhaltungsortes Sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#19
Fünf Frauen auf der Straße
In "Fünf Frauen auf der Straße" übersetzt Kirchner die Stadt und die moderne Krise in Farben und Winkel unter Spannung, das Thema, die Rahmung und das Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 120,5 × 91 cm; es gehört dem Museum Ludwig, Köln Der institutionelle Hinweis erlaubt Kontrolle Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#20
Ad Parnassum
In "Ad Parnassum" behandelt Klee die Malerei als einen Organismus von Zeichen, Rhythmen und Farben, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, es ist aus Öl und Kasein auf Leinwand datiert und misst 100 × 126 cm; es gehört dem Zentrum Paul Klee, Bern. Der institutionelle Hinweis ermöglicht die Kontrolle der Identität Des Werkes, seiner Datierung, seiner Technik und seines Erhaltungsortes Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#21
Abfahrt
Beckmann komprimiert in "Abfahrt" die moderne Welt mit scharfen Konturen zu allegorischen Szenen, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1932 -1935, besteht aus Öl auf Leinwand, Triptychon und misst insgesamt 215,3 × 314 cm; es gehört zum Museum of Modern Art, New York Der institutionelle Hinweis erlaubt es Ihnen Überprüfen Sie die Identität des Werks, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort. Sein Platz in dieser Klassifizierung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#22
Kerze (Kerze)
Vor einer grauen Wand hebt sich eine stille Flamme ab; die fotografische Präzision und leichte Unschärfe halten das Bild zwischen Präsenz, Erinnerung und Wiedergabe aufrecht Richter versetzt das in Bilder gesetzte Vertrauen in eine Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige WahrheitsregimeDatiert 1982, wird dieses Werk in Öl auf Leinwand und Maße 69,8 × 54,6 cm (27 1/2 × 21 1/2 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg ist das Werk mit 22 nummeriert, da es Beleuchtet einen deutlichen Moment der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute, zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Durch vorrangige Schenkung von Herrn und Frau Lewis Larned Coburn; Geschenk der Lannan Foundation Siehe im Museum →
#23
Die Hülsenbeck-Kinder
Runge verleiht der deutschen Romantik in "Die Hülsenbecker Kinder" eine symbolische, familiäre und kosmische Dimension, Thema, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1805 -1806, besteht aus Öl auf Leinwand und misst 131,5 × 143,5 cm; es gehört zur Hamburger Kunsthalle, Hamburg Der institutionelle Hinweis erlaubt es Ihnen Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
Fotografie Dguendel, CC BY 4.0; Werke im öffentlichen Bereich Produkt ansehen →
#24
Kreuz im Gebirge (Tetschener Altar)
Friedrich macht in "Kreuz in den Bergen (Tetschenaltar)" die Landschaft zu einem inneren Erlebnis, wo der Betrachter seinen eigenen Platz misst Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1807 -1808, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 115 × 1110,5 cm; es gehört der Galerie Neue Meister, Dresden Der Hinweis Institutionell ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#25
Zwei Männer denken über den Mond nach
In "Zwei Männer, die den Mond betrachten" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Caspar David Friedrich spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Friedrich beschreibt nicht einfach eine Stätte: Er konstruiert eine mentale Erfahrung von Distanz, Stille und Erhabenem durch Horizonte, Ruinen, Berge und von hinten gesehene FigurenDatiert ca. 1825 -30, ist dieses Werk aus Öl Wir bespielen und messen 13 3/4 x 17 1/4 in. (34,9 x 43,8 cm); es gehört zum The Metropolitan Museum of Art, New York Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der unter dem Bild angezeigte Kredit die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg ist das Werk mit 25 nummeriert Denn sie beleuchtet einen deutlichen Moment der Romantik und die Geburt der modernen Landschaft, sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Wrightsman Fund, 2000 Produkt ansehen →Cranach, Holbein, Altdorfer und Elsheimer verleihen der bemalten Tafel eine neue politische, religiöse und räumliche Präzision.
#26
Gelbe Kuh
Eine gelbe Kuh springt in eine spiralförmige chromatische Landschaft; das Tier wird zur freudigen und fast kosmischen Energie der Natur Marc schreibt der Farbe einen spirituellen Wert zu und macht das Tier zum sensiblen Mittelpunkt einer Welt, in der natürliche Formen und abstrakte Rhythmen zu verschmelzen beginnen, Datiert 1911, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 140,5 × 189,2 cm; es gehört zu Solomon R. Guggenheim Museum, New York Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 26, da es einen von den Avantgarden, dem Expressionismus, abweichenden Moment beleuchtet und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York Siehe im Museum →
#27
Dame in einer grünen Jacke
Macke konstruiert in "Dame in grüner Jacke" von der Promenade, dem Fenster und der Farbe eine leuchtende Moderne, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Route darstellt, datiert 1913, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 44 × 43,5 cm; es gehört dem Museum Ludwig, Köln Der institutionelle Hinweis erlaubt es Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#28
Das Eisenwalzwerk (Modern Cyclops)
In "Das Eisenwalzwerk (Moderner Zyklop)" nimmt Menzel Alltag, Industrie und preußische Geschichte zu einer beispiellosen visuellen Intensität auf, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1872 -1875, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 158 × 254 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der Hinweis Institutionell ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#29
Flötenkonzert Friedrichs des Großen in Sanssouci
In "Flötenkonzert Friedrichs des Großen zu Sanssouci" nimmt Menzel Alltag, Industrie und preußische Geschichte zu einer beispiellosen visuellen Intensität auf, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1850 -1852, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 142 × 205 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin. Dort Institutionelle Bekanntmachung ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren Sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#30
Frau an einem Fenster
Friedrich macht in "Frau an einem Fenster" die Landschaft zu einem inneren Erlebnis, wo der Betrachter seinen eigenen Platz misst Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1822, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 44 × 37 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt Kontrolle Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#31
Mondaufgang über dem Meer
Friedrich macht in "Mondaufgang über dem Meer" die Landschaft zu einem inneren Erlebnis, wo der Betrachter seinen eigenen Platz misst Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1822, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 55 × 71 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt es Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#32
Die Lebensabschnitte
Friedrich macht in "Die Lebensstationen" Landschaft zu einem inneren Erlebnis, wo der Betrachter seinen eigenen Platz misst Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert ca. 1835, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 72,5 × 94 cm; es gehört Museum der bildenden Künste, Leipzig Der institutionelle Hinweis erlaubt Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#33
Der Sänger Francisco d'Andrade als Don Giovanni
In "Der Sänger Francisco d'Andrade als Don Giovanni" macht Slevogt Licht und Bewegung zu den treibenden Kräften der Szene, Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, es ist aus Öl auf Leinwand datiert 1912 und misst 210 × 170 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt es Ihnen Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#34
Selbstporträt zum sechsten Hochzeitstag
In "Selbstbildnis zum sechsten Hochzeitstag" vereinfacht Modersohn-Becker Formen und Farben, um dem Körper eine frontale Präsenz zu verleihen Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Route darstellt, datiert 1906, es besteht aus Tempera und Öl auf Karton und misst 101,8 × 70,2 cm; es gehört zu Museums Böttcherstraße, Bremen. Die institutionelle Bekanntmachung ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
Bild aus dem Alpha-Reproduktionsblatt; Originalwerk dokumentiert vom Museum Produkt ansehen →
#35
Salome II
In "Salom II" gibt Korinth die Berührung allmählich an die Grenze des Expressionismus frei, das Sujet, die Rahmung und das Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1900, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 127 × 148 cm; es gehört zum Museum der bildenden Künste, Leipzig Der institutionelle Hinweis erlaubt die Kontrolle Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
Bild aus dem Alpha-Reproduktionsblatt; Originalwerk dokumentiert vom Museum Produkt ansehen →
#36
Die Nymphe des Frühlings
In "Die Nymphe der Quelle" vereint Cranach Hof, Reform und bildliche Erfindung, Thema, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, es ist nach 1537 datiert, besteht aus Öl auf Tafel und misst 48,4 × 72,8 cm; es gehört zur National Gallery of Art, Washington Der institutionelle Hinweis erlaubt die Überprüfung der Identität Des Werkes, seiner Datierung, seiner Technik und seines Erhaltungsortes Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#37
Porträt einer jungen Venezianerin
In "Bildnis einer jungen Venezianerin" verbindet Dürer Beobachtung, Humanismus und den neuen Ehrgeiz des Malers Thema, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde einen Meilenstein der deutschen Reise darstellt, datiert 1505, es ist aus Öl auf Tafel und misst 32,5 × 24,5 cm; es gehört zum Kunsthistorischen Museum, Wien Der institutionelle Hinweis erlaubt die Kontrolle Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#38
Porträt von Oswolt Krel
In "Porträt Oswolt Krel" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Laboratorium der Rahmung, Farbe und Materialspezifisch für Albrecht DürerDürer vereint nordische Beobachtung, humanistische Kultur und die durch den Kontakt mit Italien erlernten Proportionen; sein Pinsel verleiht dem Porträt und der Sakralgeschichte eine neue AutoritätDatiert 1499, wird dieses Werk in Öl auf Tafel und Vermessung hergestellt 50 × 39 cm; es gehört zur Alten Pinakothek, München, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 38, da es einen deutlichen Moment der Renaissance beleuchtet Deutsch. Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#39
Der Selbstmord von Lucretia
In "Der Selbstmord der Lukretia" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Laboratorium der Rahmung, Farbe und Materialspezifisch für Albrecht Dürer, Dürer vereint nordische Beobachtung, humanistische Kultur und die durch den Kontakt mit Italien erlernten Proportionen; sein Pinsel verleiht dem Porträt und der Sakralgeschichte eine neue Autorität, datiert 1518, wird dieses Werk in Öl auf Lindenplatte und Maße 168 × 74 cm; es gehört zur Alten Pinakothek, München, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 39, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Deutsche Renaissance. Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#40
Susanna und die Ältesten
In "Susanna und die Ältesten" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Albrecht Altdorfer spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Altdorfer macht die Landschaft zum Akteur der Geschichte und erweitert die Geschichten zu kosmischen Räumen, schwindelerregender Architektur oder autonomen Wäldern, datiert 1526, ist dieses Werk in Öl auf Tafel gefertigt und misst 74,8 × 61,2 cm; es gehört zu Alte Pinakothek, München Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei dieser Führung trägt das Werk die Nummer 40, da es einen deutlichen Moment der deutschen Renaissance beleuchtet, das zeigt es auch Die deutsche Malerei folgt keinem geradlinigen Verlauf: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#41
Porträt von Magdalena von Sachsen, Ehefrau des Kurfürsten Joachim II. von Brandenburg
In "Bildnis Magdalena von Sachsen, Gemahlin des Kurfürsten Joachim II. von Brandenburg" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Laboratorium von Rahmung, Farbe und Material, das für Lucas Cranach d. Cranach spezifisch ist, die Renaissance an den Hof Sachsens adaptiert: Nervöse Silhouetten, frank Farben, politische Porträts und biblische Geschichten teilen die gleiche prägnante Eleganz Datiert um 1529, Diese Arbeit besteht aus Öl auf Tafel und misst 59,8 × 41,6 cm (23 9/16 × 16 3/8 in); Gerahmt: 69,3 × 50,8 × 5,8 cm (27 1/4 × 20 × 2 1/4 in); sie gehört zum Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis erlaubt die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Provenienz, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben eindeutig identifiziert Die Institution oder Rechteinhaber Auf dieser Reise trägt das Werk die Nummer 41, weil es einen deutlichen Moment der deutschen Renaissance beleuchtet, es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter, diese Kontinuität Kritik stellt einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#42
Terminus, das Gerät des Erasmus
In "Terminus, das Gerät des Erasmus" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Hans Holbein den Jüngeren ist Holbein treibt das Porträt zu einer diplomatischen Präzision, wo jeder Stoff, jedes Emblem und jede Flexion des Blicks Informationen über Rang ebenso wie über Charakter liefert Datiert um 1532, ist dieses Werk in Öl auf Holz und Maße gerahmt: 32,4 x 32,4 x 4,5 cm (12 3/4 x 12 3/4 x 1 3/4 in); Ungerahmt: 21,6 x 21,6 cm (8 1/2 x 8 1/2 in); es gehört zum Cleveland Museum of Art, Cleveland Der mit dieser Karte verknüpfte Museumsdatensatz ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der unter dem Bild angezeigte Kredit die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert. In diesem Reise, das Werk trägt die Nummer 42, weil es einen ausgeprägten Moment der deutschen Renaissance beleuchtet, es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der Leitfäden Fester des Korpus.
Geschenk von Dr. und Mrs. Sherman E. Lee zum Gedenken an Milton S. Fox Produkt ansehen →
#43
Adam
In "Adam" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Laboratorium von Rahmung, Farbe und Material, das für Lucas Cranach d. Cranach spezifisch ist, die Renaissance an den Hof Sachsens anpasst: Nervöse Silhouetten, frank Farben, politische Porträts und biblische Geschichten teilen die gleiche prägnante Eleganz, datiert 1533 -37, ist dieses Werk in Öl auf Tafel gefertigt und misst 107,5 × 36,4 cm (42 5/16 × 14 5/16 in.); gerahmt: 121,6 × 51,6 cm (47 7/8 × 20 5/16 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Bekanntmachung des Museums ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 43 weil sie einen ausgeprägten Moment der deutschen Renaissance beleuchtet, zeigt sie auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#44
Eva
In "Eve" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das für Lucas Cranach d. Cranach spezifisch ist, die Renaissance an den Hof Sachsens anpasst: Nervöse Silhouetten, frank Farben, politische Porträts und biblische Geschichten teilen die gleiche prägnante Eleganz, datiert 1533 -37, ist dieses Werk in Öl auf Tafel gefertigt und misst 107,5 × 36,4 cm (42 5/16 × 14 5/16 in.); gerahmt: 121,6 × 51,6 cm (47 7/8 × 20 5/16 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Bekanntmachung des Museums ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 44 weil es einen ausgeprägten Moment der deutschen Renaissance beleuchtet Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#45
Charles de Solier, Sieur de Morette
In "Charles de Solier, Sieur de Morette" verwandelt Holbein die Porträtmalerei in die Sprache des Ranges, der Identität und der Diplomatie, Thema, Rahmen und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, Datiert 1534 -1535, besteht es aus Öl auf Eiche und misst 92,5 × 75,5 cm; es gehört der Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden. Der Hinweis Institutionell ermöglicht es, die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort zu kontrollieren, sein Platz in dieser Klassifikation ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#46
Die Kreuzigung
In "Die Kreuzigung" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Laboratorium von Rahmung, Farbe und Material, das für Lucas Cranach d. Cranach spezifisch ist, die Renaissance passt er dem Hof Sachsens an: Nervöse Silhouetten, frank Farben, politische Porträts und biblische Geschichten teilen die gleiche prägnante Eleganz, datiert 1538, ist dieses Werk in Öl auf Tafel gefertigt und misst 121,1 × 82,5 cm (47 3/4 × 32 1/2 in.); gerahmt: 147,4 × 109 × 7,7 cm (58 × 42 7/8 × 3 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk Nummer 46, weil sie einen deutlichen Moment der deutschen Renaissance beleuchtet, sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#47
Sir Thomas mehr
In "Sir Thomas More" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmen, Farbe und Material, das spezifisch für Hans Holbein den Jüngeren ist. Holbein treibt das Porträt zu einer diplomatischen Präzision, wobei jeder Stoff, jedes Emblem und jede Flexion des Blicks sowohl Informationen über den Rang als auch über die Figur liefert.Dieses Werk stammt aus den 1600er Jahren und ist in Öl auf Holz in einem vergoldeten Holzrahmen gefertigt und misst Gerahmt: 8,6 x 8,6 x 1,3 cm (3 3/8 x 3 3/8 x 1/2 Zoll); Durchmesser: 6,5 cm (2 9/16 Zoll); Ungerahmt: 6,7 x 6,4 cm (2 5/8 x 2 1/2 Zoll); Durchmesser des Rahmens: 8 cm (3 1/8 Zoll); es gehört zum Cleveland Museum of Art, Cleveland. Der mit dieser Karte verknüpfte Museumsdatensatz ermöglicht Ihnen die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der Kredit unter dem Bild angezeigt wird Identifiziert eindeutig die Institution oder Rechteinhaber Auf dieser Reise trägt das Werk die Nummer 47, da es einen deutlichen Moment der Romantik und die Geburt der modernen Landschaft beleuchtet Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#48
Heiliger Johannes der Täufer in der Wildnis
In "Der heilige Johannes der Täufer in der Wildnis" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Adam Elsheimer spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Elsheimer verdichtet weite Geschichten in kleinen Kupferformaten, wo Nachtbeleuchtung und atmosphärische Tiefe barocke Forschungen ankündigen Datiert c. Ca. 1605, ist dieses Werk aus Öl auf Kupfer und misst 21 ̄ 16,3 cm (8 1/4 × 6 3/8 in); eingerahmt: 33 × 26,7 × 2,5 cm (13 × 10 1/2 × 1 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk Nummer 48, weil sie einen deutlichen Moment der Romantik und der Geburt der modernen Landschaft beleuchtet, zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der leitendsten Fäden dar Korpusfeststoffe.
Lacy Armor Fund, Chester D. Tripp Estate Fund, European Painting General Sales Proceeds, Mrs. Albert Beveridge Fund, Rhoades Foundation Produkt ansehen →
#49
Der Park der Villa d'Este
In "Der Park der Villa d'Este" beobachtet Blechen das Licht und die Landschaft mit einer Freiheit, die die Moderne ankündigt Motiv, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert ca. 1830, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 78 × 100 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt es Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#50
Das Innere des Palmenhauses auf der Pfaueninsel bei Potsdam
In "Das Innere des Palmenhauses auf der Pfaueninsel bei Potsdam" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Carl Blechen spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und MaterialBlechen befreit die romantische Landschaft von Idealisierung und beobachtet mit einer fast modernen Freimütigkeit direkt Licht, Industriearchitektur und Vegetation, aus dem Jahr 1834 ist dieses Werk entstanden In Öl auf Leinwand und misst 135 × 126 cm (52 1/2 × 50 in); Gerahmt: 155 × 145,5 cm (61 × 57 1/4 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert In diesem Eine Reise, das Werk trägt die Nummer 50, weil es einen deutlichen Moment der Romantik und der Geburt der modernen Landschaft beleuchtet, es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität eine der dar Stärkste Führungsfäden des Korpus.
Durch frühere Erwerbungen der George F. Harding Collection; LL- und AS-Stiftungen von Coburn und Alexander A. McKay; durch vorherige Schenkung von William Wood Prince; durch frühere Erwerbungen der Charles H. und Mary FS Worcester Endowment Produkt ansehen →Runge, Friedrich, Blechen, Menzel, Leibl, Liebermann und Slevogt bewegen die Malerei in Richtung des modernen Erlebnisses.
#51
Der Balkonraum
In "Das Balkonzimmer" nimmt Menzel Alltag, Industrie und preußische Geschichte in einer beispiellosen visuellen Intensität auf, Thema, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1845, es ist aus Öl auf Leinwand und misst 58 × 47 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt es Ihnen Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und seinen Erhaltungsort überprüfen, sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#52
Das Künstlersitzzimmer in der Ritterstraße
In "Das Sitzzimmer des Künstlers in der Ritterstraße" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Adolph Menzel spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Menzel untersucht das industrielle und heimische Preußen mit erstaunlicher Schärfe; seine mobile Rahmung bringt Alltag, Arbeit und Geschwindigkeit in die Historienmalerei, datiert 1851, wird dieses Werk in Öl auf Pappe und misst 12 5/8 x 10 5/8 in. (32,1 x 27 cm); es gehört zum Metropolitan Museum of Art, New York Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der unter dem Bild angezeigte Kredit die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 52 Denn sie beleuchtet einen ausgeprägten Moment des deutschen Realismus und Impressionismus, sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Kauf, Neunzehnter-Jahrhundert, Modern and Contemporary Funds, Leonora Brenauer Vermächtnis, zum Gedenken an ihren Vater Joseph B. Brenauer, Catharine Lorillard Wolfe Collection, Wolfe Fund und Paul L. und Marlene A. Herring und John D. Herring Gift, 2009 Produkt ansehen →
#53
Frauen pflücken Gänse
Liebermann vereint in "Gänse pflückenden Frauen" soziale Anschauung, die Natur und den Berliner Impressionismus Thema, Rahmung und Material erklären, warum dieses Gemälde einen Meilenstein der deutschen Reise darstellt, datiert 1871 -1872, besteht aus Öl auf Leinwand und misst 118 × 172 cm; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis ermöglicht die Überprüfung der Identität von Das Werk, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#54
Bauernmädchen mit weißer Kopftuch
In "Bauernmädchen mit weißer Kopftuch" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Wilhelm Leibl spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Leibl setzt einen dichten Realismus, ohne überflüssige Anekdote, auf, der auf der materiellen Präsenz von Gesichtern, Kleidung und bäuerlichen Gesten beruht, aus Öl auf Leinwand datiert 1885, misst dieses Werk 9 7/8 x 9 1/8 in. (25,1 x 23,2 cm); Es gehört zum The Metropolitan Museum of Art, New York Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, In dieser Tour trägt das Werk die Nummer 54, da es einen Moment beleuchtet, der sich vom Realismus und Germanischer Impressionismus Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#55
Flachsspinner in Laren
In "Flax Spinners in Laren" vereint Liebermann den sozialen Blick, die Natur und den Berliner Impressionismus, das Thema, die Rahmung und das Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, es ist aus Öl auf Leinwand und Messformat vom Museum gelistet; es gehört zur Alten Nationalgalerie, Berlin Der institutionelle Hinweis erlaubt die Kontrolle Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
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#56
Stillleben mit grüner Blumenvase
In "Still-Life with a Green Flower Vase" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmen, Farbe und Material, das für Paula Modersohn-Becker spezifisch ist Modersohn-Becker vereinfacht Volumina und Farben, um Körpern, Kindern und Stillleben ein Frontalgewicht zu verleihen, das dem Expressionismus vorausgeht Dieses Werk stammt aus Öl auf braunem Holzstoffbrett, datiert um 1902 Lackiert und misst 37,7 × 29,1 cm (14 7/8 × 11 1/2 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 56, weil Möge es Licht auf einen Moment werfen, der sich vom deutschen Realismus und Impressionismus unterscheidet Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem Status des Bildes selbst zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#57
Ringer in einem Zirkus
In "Ringer im Zirkus" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Ernst Ludwig Kirchner spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Kirchner übersetzt städtische Energie, Zirkus und Berge durch spitze Winkel, dissonante Farben und eine Linie, die die Dringlichkeit von Die Brücke beibehältDatiert 1909, ist dieses Werk in Öl auf Leinwand gefertigt und misst Gerahmt: 107,5 x 121 x 7 cm (42 5/16 x 47 5/8 x 2 3/4 in.); Ungerahmt: 80,5 x 94 cm (31 11/16 x 37 in); es gehört zum Cleveland Museum of Art, Cleveland Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg das Werk Trägt die Zahl 57, weil sie ein ausgeprägtes Moment der Avantgarden, des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit beleuchtet, zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der Fäden Stärkste Direktoren im Korpus.
Zeitgenössische Sammlung des Cleveland Museum of Art and Bequest of William R. Valentiner Produkt ansehen →
#58
Stillleben mit Queen
In "Still Life with Queen" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Gabriele Münter spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Münter vereinfacht die Konturen und intensiviert die Kontraste, um die Landschaft und das Stillleben zu einem Feld frank chromatischer Entscheidungen zu machen, aus dem Jahr 1912 stammt diese Arbeit aus Öl auf Leinwand und misst 78,4 × 57,5 cm (30 7/8 × 22 5/8 In.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 58, da es einen vom Bild verschiedenen Moment beleuchtet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Arthur Jerome Eddy Memorial Collection Siehe im Museum →
#59
Der Blaue See (Der blaue See)
In "Der blaue See (Der blaue See)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Gabriele Münter spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Münter vereinfacht die Konturen und intensiviert die Kontraste, um Landschaft und Stillleben zu einem Feld frank chromatischer Entscheidungen zu machen, aus dem Jahr 1912 stammt diese Arbeit aus Öl auf Leinwand und misst 45,4 × 60,5 cm (17 7/8 × 23 3/4 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 59, da es einen von dem abweichenden Moment beleuchtet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Versprochenes Geschenk von Dale Taylor und Angela Lustig Siehe im Museum →
#60
Hutladen
Eine von hinten gesehene Frau hält vor einem Fenster, wo Hüte und Spiegelungen in farbigen Facetten angeordnet sind; der moderne Spaziergang wird zum optischen Ereignis Macke malt die fröhliche Moderne von Spaziergängen, Fenstern und Gärten; die von Delaunay strukturierte Farbe verwandelt jede Tagesszene in leuchtende Architektur, datiert 1913, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 54,9 × 44,4 cm; es gehört zu Lenbachhaus, München Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 60, da es einen von den Avantgarden unterschiedenen Moment beleuchtet, nämlich Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
CC0 1.0, Lenbachhaus, Bernhard und Elly Koehler Stiftung Produkt ansehen →
#61
Spaziergang
In "Promenade" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für August Macke spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Macke malt die fröhliche Modernität von Spaziergängen, Fenstern und Gärten; die von Delaunay strukturierte Farbe verwandelt jede Tagesszene in leuchtende Architektur, datiert 1913, ist dieses Werk aus Öl auf Karton und misst 51,5 × 57,5 cm; Sie Zu Lenbachhaus, München gehört Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution bzw. Rechteinhaber eindeutig identifiziert, bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 61, da es einen von den Avantgarden, dem Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#62
Die verhexte Mühle
In "Die verzauberte Mühle" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Franz Marc spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Marc schreibt der Farbe einen spirituellen Wert zu und macht das Tier zum sensiblen Mittelpunkt einer Welt, in der natürliche Formen und abstrakte Rhythmen zu verschmelzen beginnen, aus dem Jahr 1913 stammt dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst ohne Rahmen: 130,2 × 90,8 cm (51 5/16 × 35 3/4 in.); 130,2 × 91,2 cm (51 1/4 × 35 7/8 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Bekanntmachung des Museums ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 62 Denn sie beleuchtet ein ausgeprägtes Moment der Avantgarden, des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit, sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der leitendsten Fäden dar Korpusfeststoffe.
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#63
Sandsturm in der Libyschen Wüste
Zwei winzige Reiter stehen einer vom Licht überschwemmten Wüste gegenüber; die schnelle Berührung löst fast Sand, Luft und Horizont in derselben Schwingung auf Slevogt entwickelte einen energischen Impressionismus, aufmerksam auf bewegtes Licht und die Fähigkeit einiger schneller Berührungen, den Raum wiederherzustellen.Datiert 1914, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst die vom Museum aufgeführten Abmessungen; Es gehört Albertinum, Staatliche Kunstsammlungen Dresden Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei diesem Rundgang trägt das Werk die Nummer 63, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#64
Figur und Blumen
In "Figur und Blumen" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Emil Nolde spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Nolde treibt Aquarell und Öl in Richtung extremer Sättigungen; Gesichter, Blumen und Meereshorizonte scheinen direkt aus der nassen Farbe hervorzugehen, datiert um 1915, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 60,6 × 47,9 cm (23 7/8 × 18 7/8 in.); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 64, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk von Richard Feigen Siehe im Museum →
#65
Selbstporträt mit Hut und Mantel
In "Selbstbildnis mit Hut und Mantel" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Lovis Corinth spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Korinth verlagert den Naturalismus hin zu einer zunehmend freien Malerei, wo das Material, die Geschwindigkeit der Geste und das Selbstporträt zu den Instrumenten einer instabilen Wahrheit werdenDatiert 1915, wird dieses Werk in Öl auf Leinwand und Gerahmtes Maß: 118,1 x 97,5 x 8,3 cm (46 1/2 x 38 3/8 x 3 1/4 in.); Ungerahmt: 99,7 x 78,8 cm (39 1/4 x 31 in); es gehört zum Cleveland Museum of Art, Cleveland Der mit dieser Karte verknüpfte Museumsdatensatz ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der unter dem Bild angezeigte Kredit die Institution oder die Begünstigten eindeutig identifiziert Richtig. Auf dieser Reise trägt das Werk die Nummer 65, weil es ein ausgeprägtes Moment der Avantgarden, des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit beleuchtet, es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinen geradlinigen Verlauf nimmt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter, diese Kontinuität Kritik stellt einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#66
Selbstporträt
In "Selbstporträt" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Lovis Corinth spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material, Korinth verschiebt den Naturalismus hin zu einer zunehmend freien Malerei, wo das Material, die Geschwindigkeit der Geste und das Selbstporträt zu den Instrumenten einer instabilen Wahrheit werdenDatiert 1917, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 46 × 36,8 cm (18 1/8 × 14 1/2 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 66, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
Herr und Frau Lewis Larned Coburn Memorial Collection Siehe im Museum →
#67
Rothaariges Mädchen
In "Rothaariges Mädchen" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Emil Nolde istNolde treibt Aquarell und Öl in Richtung extremer Sättigungen; Gesichter, Blumen und Meereshorizonte scheinen direkt aus der nassen Farbe hervorzugehenDatiert 1919, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 65,4 × 40 cm (25 3/4 × 15 3/4 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 67, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Vermächtnis von Herrn und Frau George H. Tagge Siehe im Museum →
#68
Tod im Garten (Legende)
In "Tod im Garten (Legende)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und MaterialKlee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach eigenen Gesetzen, datiert 1919, ist dieses Werk aus Öl auf Baumwolle, auf Holz genageltem Karton und Maßnahmen 27,3 × 24,8 cm (10 3/4 × 9 3/4 in); es gehört Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 68, da es a beleuchtet Ein ausgeprägtes Moment der Avantgarden, des Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
Geschenk von Herrn und Frau Joseph R. Shapiro Siehe im Museum →
#69
Kummeralp Mountain und zwei Schuppen
In "Kummeralpberg und zwei Schuppen" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Ernst Ludwig Kirchner spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Kirchner übersetzt städtische Energie, Zirkus und Berg durch spitze Winkel, dissonante Farben und eine Linie, die die Dringlichkeit von Die Brücke bewahrt, aus dem Jahr 1920 wird dieses Werk in Öl und Enkaustik auf Leinwand und Maße 98,4 × 120 cm (38 3/4 × 47 1/4 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert, auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 69, da es beleuchtet Ein abgegrenzter Moment von den Avantgarden, dem Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit, zeigt auch, dass die deutsche Malerei nicht einem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Wilson L. Mead Fund Siehe im Museum →
#70
Schulhaus
In "Schulhaus" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1920, ist dieses Werk aus Öl auf Papier, an Bord und misst 36,8 × 31,8 cm (14 1/2 × 12 1/2 In.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 70, da es einen vom Bild verschiedenen Moment beleuchtet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#71
Der Jochberg am Walchensee
In "Der Jochberg am Walchensee" gibt Korinth allmählich den Hauch an die Grenze des Expressionismus frei, das Sujet, die Rahmung und das Material erklären, warum dieses Gemälde ein Wahrzeichen der deutschen Reise darstellt, datiert 1924, ist es aus Öl auf Leinwand und misst 65 × 88 cm; es gehört zur deutschen öffentlichen Sammlung Der institutionelle Hinweis erlaubt die Kontrolle Die Identität des Werkes, seine Datierung, seine Technik und sein Erhaltungsort Sein Platz in dieser Einteilung ist auf seine historische Bedeutung, seine visuelle Stärke und die Qualität seiner Dokumentation zurückzuführen.
Bild aus dem Alpha-Reproduktionsblatt; Originalwerk dokumentiert vom Museum Produkt ansehen →
#72
Asiatischer Gott
In "Asiatischer Gott" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1924, ist dieses Werk aus Öl und Gips, über Gaze, auf Tafel und misst 56,5 × 35,6 cm (22 1/4 × 14 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 72, da es einen Moment beleuchtet, der sich von dem unterscheidet Avantgarden, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#73
Stakim
In "Stakim" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen Datiert um 1928, ist dieses Werk aus Öl auf Gips und misst 20,3 × 32,4 cm (8 × 12 3/4 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 73, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk von Frau Gilbert W. Chapman Siehe im Museum →
#74
Liegender Akt
In "Reclining Nude" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Max Beckmann spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Beckmann umschließt die Welt in schwarzen Konturen, komprimierten Räumen und persönlichen Mythologien, wo das Theater des modernen Lebens zur Allegorie wird, aus dem Jahr 1929 ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 83,4 × 1119 cm (32 7/8 × 46 13/16 in); Es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 74, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Joseph Winterbotham-Sammlung Siehe im Museum →
#75
Flüchtender Geist
In "Fleeing Ghost" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1929, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 89,5 × 63,5 cm (35 1/4 × 25 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 75, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Vermächtnis von Claire Zeisler Produkt ansehen →Klee, Münter, Nolde, Grosz, Beckmann, Kiefer und Richter stellen sich Farbe, Katastrophe und Fortpflanzung.
#76
Seltsamer Blick
In "Seltsame Blicke" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1930, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 65,4 × 38,1 cm (25 3/4 × 15 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 76, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#77
Sonnenuntergang
In "Sunset" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1930, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 46,1 × 70,5 cm (18 1/8 × 27 3/4 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 77, da es einen von den Avantgarden getrennten Moment beleuchtet, Expressionismus und Neue Sachlichkeit Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
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#78
Im Magic Mirror
In "Im Zauberspiegel" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und MaterialKlee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1934, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand, an Bord und misst 66 × 50 cm (26 × 19 3/4, dieses Werk ist aus Öl auf Leinwand, an Bord und misst 66 × 50 cm (26 × 19 3/4/4 In.); es gehört zum Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 78, da es einen deutlichen Moment im Gemälde beleuchtet Deutsch zwischen Katastrophe und Wiederaufbau Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
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#79
Selbstporträt
In "Selbstbildnis" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Max Beckmann spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Beckmann umschließt die Welt in schwarzen Konturen, komprimierten Räumen und persönlichen Mythologien, wo das Theater des modernen Lebens zur Allegorie wird, aus dem Jahr 1937 ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 192,5 × 89 cm (75 3/4 × 35 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört, Die mit dieser Karte verlinkte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 79, da es einen von der deutschen Malerei abweichenden Moment beleuchtet Zwischen Katastrophe und Wiederaufbau Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk von Lotta Hess Ackerman und Philip E. Ringer Siehe im Museum →
#80
Harmonisierte Region
In "Harmonisierte Region" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach eigenen Gesetzen, datiert 1938, ist dieses Werk aus Öl auf Sackleinen auf Karton und misst 38,7 × 47 cm (15 1/4 × 18 1/2 in.); es gehört Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Bekanntmachung des Museums ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 80, da es einen deutlichen Moment im Gemälde beleuchtet Deutsch zwischen Katastrophe und Wiederaufbau Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
Schenkung des Nachlasses von Alexander M. Bing Produkt ansehen →
#81
Exoten
In der "Exotik" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt die Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1939, ist dieses Werk aus Öl auf Sackleinen und misst 71,1 × 55,9 cm (28 × 22 in); es gehört zu Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Bekanntmachung des Museums ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 81, da es einen deutlichen Moment in der deutschen Malerei zwischen Katastrophen beleuchtet und Rekonstruktion. Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Vermächtnis von Frau Walter Paepcke Siehe im Museum →
#82
Kriegsgott
In "Gott des Krieges" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmen, Farbe und Material, das spezifisch für George Grosz ist Grosz verwandelt die moderne Stadt in Satire: Cafes, politische Ambitionen und soziale Körper werden von einer korrosiven Linie und bewusst sauren Farben erfasst, aus dem Jahr 1940 ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 119,5 × 90 cm (47 × 35 3/8 in); Es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 82, da es einen von der deutschen Malerei abweichenden Moment beleuchtet Zwischen Katastrophe und Wiederaufbau Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Versprochene Gabe von Robert J. Buford Siehe im Museum →
#83
Landschaft mit Sunbather
In "Landschaft mit Sonnenanbeter" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmen, Farbe und Material, das spezifisch für George Grosz ist Grosz verwandelt die moderne Stadt in Satire: Cafes, politische Ambitionen und soziale Körper werden von einer korrosiven Linie und bewusst sauren Farben erfasst, aus dem Jahr 1940 ist dieses Werk aus Öl auf Leinwandbrett und misst 41 × 50,8 cm (16 1/8 × 20 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 83, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Deutsche Malerei zwischen Katastrophe und Wiederaufbau Sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
Vermächtnis von Sylvia Simons Sehenswürdigkeiten Siehe im Museum →
#84
Tanzendes Mädchen
In "Tanzendes Mädchen" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Paul Klee spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Klee behandelt Malerei als sichtbaren Gedanken: Zeichen, Architekturen, musikalische Rhythmen und imaginäre Organismen entwickeln sich nach ihren eigenen Gesetzen, datiert 1940, ist dieses Werk aus Öl auf Tuch und misst 53,3 × 51,2 cm (21 × 20 7/8 in); Sie Art Institute of Chicago, Chicago gehört Der mit dieser Karte verlinkte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der unter dem Bild angezeigte Credit die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 84, da es einen von der deutschen Malerei abweichenden Moment beleuchtet Zwischen Katastrophe und Wiederaufbau Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk von George B. Young Siehe im Museum →
#85
Perseus' letzte Pflicht
In "Perseus' letzte Pflicht" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Max Beckmann spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Beckmann umschließt die Welt in schwarzen Konturen, komprimierten Räumen und persönlichen Mythologien, wo das Theater des modernen Lebens zur Allegorie wird, aus dem Jahr 1949 ist dieses Werk in Öl auf Leinwand gefertigt und misst Gerahmt: 125 x 178,5 x 8,5 cm (49 3/16 x 70 1/4 x 3 3/8 in.); Ungerahmt: 89,4 x 142 cm (35 3/16 x 55 7/8 in.); es gehört zum Cleveland Museum of Art, Cleveland Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk Nummer 85, weil sie in der deutschen Malerei einen deutlichen Moment zwischen Katastrophe und Rekonstruktion beleuchtet, zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der Fäden Stärkste Direktoren im Korpus.
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#86
Mund (Mund)
In "Mund (Mund)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das für Gerhard Richter spezifisch ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1963, ist dieses Werk aus Öl auf Leinwand und misst 67 × 74 cm (26 1/2 × 29 1/4 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 86, da es einen bestimmten Moment beleuchtet Von der deutschen Kunst der Nachkriegszeit bis heute Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Durch vorrangige Schenkung von Frau Henry C. Woods; Schenkung der Lannan Foundation Siehe im Museum →
#87
Christa und Wolfi
In "Christa und Wolfi" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Gerhard Richter ist Richter versetzt die in Bilder gesetzte Zuversicht in eine Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1964, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand gefertigt und misst 150 × 130 cm (59 × 51 1/4 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 87, da es einen Moment beleuchtet Von der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute abgegrenzt, zeigt sie auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Joseph Winterbotham-Sammlung Siehe im Museum →
#88
Frau steigt die Treppe hinunter (Frau die Treppe herbgehend)
In "Frau, die Treppe herabsteigt (Frau die Treppe herabgehend)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Gerhard Richter spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Richter setzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1965, ist diese Arbeit Aus Öl auf Leinwand und misst 198 × 128 cm (79 × 51 in); es gehört zum Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während der unter dem Bild angezeigte Kredit die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 88 Denn sie beleuchtet einen deutlichen Moment der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute, sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden der Korpus.
Roy J. und Frances R. Friedman Endowment; Schenkung der Lannan Foundation Siehe im Museum →
#89
Jagdgesellschaft (Jagdgesellschaft)
In "Jagdpartei (Jagdgesellschaft)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Gerhard Richter ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1966, wird dieses Werk in Öl auf Leinwand und Maße 160 × 179 cm (63 × 70 5/8 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert, auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 89, da es einen beleuchtet Ein unverwechselbarer Moment in der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk der Edlis Neeson-Sammlung Siehe im Museum →
#90
Frau Wolleh mit Kindern (Frau Wolleh mit Kindern)
In "Frau Wolleh mit Kindern (Frau Wolleh mit Kindern)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Gerhard Richter spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Richter setzt die in Bilder gesetzte Zuversicht in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1967, wird dieses Werk produziert In Öl auf Leinwand und misst 200 × 160 cm (78 3/4 × 63 in); es gehört zum Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg ist das Werk mit 90 nummeriert, weil Möge sie einen deutlichen Moment der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute beleuchten Sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des dar Korpus.
Durch vorrangige Schenkung von Herrn und Frau Lewis Larned Coburn; Geschenk der Lannan Foundation Siehe im Museum →![Gerhard Richter, Townscape (P1) [Stadtbild (P1)], 1968, Art Institute of Chicago, Chicago](https://www.artic.edu/iiif/2/f69c0687-7233-f1ad-d340-3e8c26334304/full/843,/0/default.jpg)
#91
Ortsbild (P1) [Stadtbild (P1)]
In "Stadtbild (P1) [Stadtbild (P1)]" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Gerhard Richter ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1968, wird dieses Werk in Öl auf Leinwand und Maße 102 × 92 cm (40 × 36 1/4 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 91, da es einen beleuchtet Ein unverwechselbarer Moment in der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk der Edlis Neeson-Sammlung Siehe im Museum →
#92
Kleine Landschaft am Meer (Kleine Landschaft am Meer)
In "Kleine Landschaft am Meer (Kleine Landschaft am Meer)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem für Gerhard Richter spezifischen Labor von Rahmung, Farbe und Material Richter setzt die in Bilder gesetzte Zuversicht in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige WahrheitsregimeDatiert 1969, ist diese Arbeit Aus Öl auf Leinwand und misst 72,4 × 105,1 cm (28 1/2 × 41 3/8 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk das Nummer 92, weil sie einen deutlichen Moment der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute beleuchtet, zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der leitendsten Fäden dar Korpusfeststoffe.
Durch vorrangige Schenkung von Herrn und Frau Lewis Larned Coburn; Geschenk der Lannan Foundation Siehe im Museum →
#93
Grau
In "Grau" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das für Gerhard Richter spezifisch ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in eine Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der Wahrheit Datiert 1972 -73, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand gefertigt und misst 250,2 × 200 cm (98 1/2 × 78 3/4 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 93, weil es einen bestimmten Moment beleuchtet Von der deutschen Nachkriegskunst bis heute Es zeigt sich auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk von Donna und Howard Stone Siehe im Museum →
#94
Davos
In "Davos" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das für Gerhard Richter spezifisch ist Richter versetzt das in Bilder gesetzte Vertrauen in eine Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1981, ist diese Arbeit aus Öl auf Leinwand und misst 50,2 × 69,9 cm (19 3/4 × 27 1/2 in.); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben das Institut oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 94, da es einen vom Bild abweichenden Moment beleuchtet Deutsche Kunst von der Nachkriegszeit bis heute Sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Geschenk der Edlis Neeson-Sammlung Siehe im Museum →
#95
Zwei Kerzen (Zwei Kerzen)
In "Zwei Kerzen (Zwei Kerzen)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Gerhard Richter ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1982, wird dieses Werk in Öl auf Leinwand und Messung produziert 120 × 100 cm (47 1/4 × 39 1/2 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg ist das Werk mit 95 nummeriert, da es a beleuchtet Ein unverwechselbarer Moment in der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Ermessensfonds des zwanzigsten Jahrhunderts Siehe im Museum →
#96
Der Orden der Engel (Die Ordnung der Engel)
In "Der Orden der Engel (Die Ordnung der Engel)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmen, Farbe und Material, das spezifisch für Anselm Kiefer ist Kiefer arbeitet deutsches Gedächtnis in schweren Oberflächen, wo Farbe, Blei, Stroh, Fotografie und Bücher zu historischen Materialien werden, Datiert 1983/84, besteht dieses Werk aus Öl, Emulsion, Schellack, Stroh, Fotografie und Bücher werden zu historischen Materialien. Datiert 1983/84, besteht dieses Werk aus Öl, Emulsion, Schellack, Stroh, und Blei auf Leinwand und misst 330 × 555 cm (130 × 218 1/2 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 96, weil Möge sie einen deutlichen Moment der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute beleuchten Sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des dar Korpus.
Gekauft mit Mitteln der Nathan Manilow Foundation; Lewis und Susan Manilow, Samuel A. Marx finanziert Siehe im Museum →![Gerhard Richter, Venice (Staircase) [Venedig (Treppe)], 1985, Art Institute of Chicago, Chicago](https://www.artic.edu/iiif/2/2fc6cbcb-3c5f-c1c3-47c2-d0ccb9914058/full/843,/0/default.jpg)
#97
Venedig (Treppe) [Venedig (Treppe)]
In "Venedig (Treppe) [Venedig (Treppe)]" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Gerhard Richter ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der WahrheitDatiert 1985, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand und Maß 51,4 × 71,8 cm (19 3/4 × 27 1/2 in); es gehört Art Institute of Chicago, Chicago Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder Rechteinhaber eindeutig identifiziert Auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 97, weil Möge sie einen deutlichen Moment der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute beleuchten Sie zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des dar Korpus.
Geschenk der Edlis Neeson-Sammlung Siehe im Museum →
#98
Eis (1)
In "Ice (1)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das für Gerhard Richter spezifisch ist Richter versetzt das in Bilder gesetzte Vertrauen in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der Wahrheit Datiert 1989, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand gefertigt und misst 203,2 × 162,6 cm (80 × 64 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert. Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 98, weil es einen bestimmten Moment in der Kunst beleuchtet Deutsch von der Nachkriegszeit bis heute Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zum Porträt, zur Landschaft, zur Geschichte und zum eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter stellt diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus dar.
Durch vorrangige Schenkung von Joseph Winterbotham; Schenkung der Lannan Foundation Siehe im Museum →
#99
Eis (2)
In "Ice (2)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das spezifisch für Gerhard Richter ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in die Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der Wahrheit Datiert 1989, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand gefertigt und misst 203,2 × 162,6 cm (80 × 64 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago Die mit dieser Karte verknüpfte Museumsmitteilung ermöglicht es Ihnen, Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft zu überprüfen, während die unter dem Bild angezeigte Gutschrift die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert Bei dieser Tour trägt das Werk die Nummer 99, da es einen deutlichen Moment in der Kunst beleuchtet Deutsch von der Nachkriegszeit bis heute Es zeigt auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen. Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Durch vorrangige Schenkung von Joseph Winterbotham; Schenkung der Lannan Foundation Siehe im Museum →
#100
Blumen (Blumen)
In "Blumen (Blumen)" wird das durch den Titel angekündigte Motiv zu einem Labor von Rahmung, Farbe und Material, das für Gerhard Richter spezifisch ist Richter versetzt das Vertrauen in Bilder in eine Krise: fotografische Unschärfe, Grau, Landschaft, Kerze und abgekratzte Abstraktion erforschen inkompatible, aber gleichzeitige Regime der Wahrheit Datiert 1993, ist diese Arbeit in Öl auf Leinwand und misst 72,4 × 102,2 cm (28 1/2 × 40 1/4 in); es gehört dem Art Institute of Chicago, Chicago, Der mit dieser Karte verknüpfte Museumshinweis ermöglicht die Überprüfung von Titel, Datierung, Technik, Format, Inventar und Herkunft, während das unter dem Bild angezeigte Guthaben die Institution oder die Rechteinhaber eindeutig identifiziert, auf diesem Weg trägt das Werk die Nummer 100, da es einen Moment beleuchtet Von der deutschen Kunst von der Nachkriegszeit bis heute abgegrenzt, zeigt sie auch, dass die deutsche Malerei keinem geradlinigen Verlauf folgt: Sie kehrt ständig zur Porträtmalerei, Landschaft, Geschichte und dem eigentlichen Status des Bildes zurück, um sie wieder in Spannung zu setzen Von Dürer bis Richter bildet diese kritische Kontinuität einen der stärksten Leitfäden des Korpus.
Durch vorrangige Schenkung von Frau Henry C. Woods; Schenkung der Lannan Foundation Siehe im Museum →Was das Ranking verrät
Einhundert Gemälde, drei Traditionen, die aufeinander reagieren
Die Präzision der Zeichnung, die Innerlichkeit der Landschaft und die Kritik an den Bildern bilden keine drei geschlossenen Perioden, sie kehren von Dürer zu Richter zurück und geben der deutschen Malerei ihre tiefste Kontinuität.
Sehen bleibt ein kritischer Akt
Porträt, Foto oder Landschaft: Das deutsche Bild fordert den Betrachter oft auf, zu überprüfen, was er zu erkennen glaubt.
Die Vergangenheit bleibt aktiv
Reform, Krieg, Nationalsozialismus und Wiederaufbau sind keine historischen Schauplätze; Sie modellieren Formen, Materialien und Stille.
Materie denkt
Holz, Aquarell, Öl, Blei, Stroh und abgekratzte Oberfläche verwandeln das Gemälde in einen Ort der Erinnerung und nicht nur in eine Darstellung.
Eine Chronologie der Bewegungen
Fünf Termine, um Geschichte zu schreiben
Das Münchner Selbstporträt bejaht den Maler als Intellektuellen und Schöpfer auf Augenhöhe mit Humanisten.
Der Mönch am Meer verwandelt die romantische Landschaft in ein radikales Erlebnis der Unendlichkeit.
Marc, Macke und Münter geben innerhalb des Blauen Reiters Farbe ab, während Die Brücke die Figur und die Stadt elektrifiziert.
Das Triptychon nimmt die Form des Altarbildes an, um ein Denkmal zu errichten, ohne die Erfahrung der Schützengräben zu erlösen.
Das fotografische Bild, exakt und verschwommen, wird gleichzeitig Präsenz, Wiedergabe, Erinnerung und Zweifel.
Deutsche Malerei in der Tiefe
Von Dürer zu Richter: eine deutsche Geschichte des Blicks
An der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert gaben Dürer, Cranach, Grünewald, Altdorfer und Holbein dem Bild eine neue AutoritätDas Porträt bekräftigt den Einzelnen, die Landschaft gewinnt ihre Autonomie, während die religiöse Malerei Hingabe, Beobachtung und Umbrüche der Reformation vermischtDie Präzision der Zeichnung ist niemals reine Virtuosität: Sie organisiert eine kritische Sichtweise.
Um 1800 bewegten Runge und Caspar David Friedrich die Landschaft in Richtung des inneren ErlebensNebel, Meer, Wald, Berg - und Eisscholle beschreiben nicht nur die Natur; sie messen den zerbrechlichen Platz des ZuschauersBlechen, Menzel, Leibl, Liebermann und Slevogt weiten diese Aufmerksamkeit auf die moderne Welt aus, von der Industriewerkstatt bis hin zum städtischen Leben und Reisen.
Anfang des 20. Jahrhunderts haben Die Brücke und Der Blaue Reiter Farbe freigesetzt und das Sichtbare verzerrt Kirchner, Marc, Macke, Münter, Nolde und Klee teilen keinen einzigartigen Stil, sondern die Überzeugung, dass Linie und Farbe Kräfte empfindlich machen können, die Nachahmung allein nicht zum Greifen reichtDie Stadt, der Körper, das Tier und die Landschaft werden zu Feldern der Intensität.
Der Erste Weltkrieg, die Weimarer Republik und dann der Nationalsozialismus veränderten den Status der Malerei radikalDix, Grosz und Beckmann verbinden Satire, Frontalität und das Erbe der alten Meister, um soziale und politische Gewalt zu zeigenIhre Bilder verweigern sowohl Heroisierung als auch den Trost der einfachen Beobachtung.
Nach 1945 standen Kiefer und Richter vor einer mit Dokumenten und Schweigen durchtränkten ErinnerungBlei, Stroh, Fotografie, Unschärfe und Raclette machen das Gemälde zu einem materiellen Objekt ebenso wie eine DarstellungDie Klassifikation erhebt nicht den Anspruch, ein Werkverzeichnis zu ersetzen: Sie bietet hundert nachweisbare Einstiegspunkte, ausgewählt aufgrund ihrer historischen Bedeutung, ihrer visuellen Stärke und Qualität Aus ihrer Museumsdokumentation.
Vier Lesetasten
Verfolgen Sie Retouren statt Etiketten
Chronologie hilft, aber die Werke profitieren davon, durch ihre gemeinsamen Probleme verbunden zu sein: den Status des Porträts, die Konstruktion der Landschaft, die Gewalt der Geschichte und das Vertrauen, das in das Bild gesetzt wird.
Frontigkeit beobachten
In Dürer werden Holbein, Dix oder Richter das Schauen und Anschauen zu zwei untrennbaren Operationen.
Entfernung messen
Nebel, Wald, Wüste, Berg - oder Eisscholle organisieren eine moralische und physische Beziehung zwischen Körper und Welt.
Fleckenbrüche
Reform, Industrialisierung, Kriege und nationales Gedächtnis verändern Themen und Bildmaterial.
Zweifle am Bild
Schwarze Umrisse, feuchtes Aquarell, Blei oder Raclette erinnern uns daran, dass jede Darstellung ein konstruiertes Objekt ist.
Sammlungen und amtliche Bekanntmachungen
Weiter geht es direkt zu den Museen
Jedes Bild stammt aus der offiziellen Museumsinfrastruktur; jeder Knopf öffnet den entsprechenden Hinweis und der Abspann bleibt unter den hundert Werken sichtbar.
In Alpha-Reproduktion
01Die 100 berühmtesten Gemälde der WeltAlpha-Reproduktionskurs02Die 100 wesentlichen Gemälde des 20. JahrhundertsAlpha-Reproduktionskurs03Die 100 berühmten Gemälde, die die Geschichte von Kandinsky erzählenAlpha-ReproduktionskursMuseen und Referenzen
01Selbstporträt Dürers am PinakothekenMuseum & amp; Referenz02Der Mann, der in der Hamburger Kunsthalle über ein Nebelmeer nachdenktMuseum & amp; Referenz03Der Mönch am Meer in den Berliner MuseenMuseum & amp; Referenz04Das Blaue Pferd I am LenbachhausMuseum & amp; Referenz05Straße, Berlin im MoMAMuseum & amp; Referenz06Otto Dix' Krieg am AlbertinumMuseum & amp; ReferenzHäufig gestellte Fragen
Deutsche Malerei ohne vereinfachte Erzählung
Die wesentlichen Maßstäbe für das Verständnis der deutschen Renaissance, Romantik, des Expressionismus, der Neuen Sachlichkeit, der Nachkriegszeit und der Wahl von hundert Werken.
Welches Bild eröffnet diese Einteilung der deutschen Malerei?
Den ersten Platz belegt Caspar David Friedrichs Mann, der ein Nebelmeer betrachtet Seine Silhouette von hinten, die einer instabilen Landschaft zugewandt ist, verdichtet das romantische Erlebnis und bleibt gleichzeitig eines der bekanntesten deutschen Bilder der Welt.
Warum ist Dürer ein wesentlicher Ausgangspunkt?
Dürer vereint nordische Präzision, humanistische Kultur, Kenntnisse der italienischen Kunst und neues Statusbewusstsein des Künstlers Sein Selbstporträt aus dem Jahr 1500, frontal und monumental, verwandelt das Porträt des Malers in eine wahre intellektuelle Erklärung.
Welchen Platz nimmt der Expressionismus in der Auswahl ein?
Ein zentraler, aber nicht exklusiver Ort Marc, Macke, Münter, Kirchner und Nolde zeigen die Vielfalt von Blaue Reiter und Die Brücke; Klee, Dix, Grosz und Beckmann ermöglichen es dann, den Transformationen und Herausforderungen dieses Erbes zu folgen.
Enthält die Klassifizierung noch Fotografien, Drucke oder Zeichnungen?
Nr. Die Auswahl wurde rekonstruiert, um nur Gemälde zu erhalten: Öle, Tempera, Enkaustiken und Bildtechniken auf Leinwand, Tafel oder ähnlichen Trägern Aquarelle, Pastellfarben, Lithografien, Bücher und fotografische Arbeiten wurden ausgeschlossen.
Wie wurden die hundert Werke ausgewählt?
Die Auswahl vereint historische Bedeutung, Ruhm, Vielfalt der Epochen und Verfügbarkeit eines offiziellen Bildes, begleitet von einem Museumshinweis. Doppeltitel, Bild und Bekanntmachung wurden ausgeschlossen.
Wo kann man die wichtigsten Meisterwerke sehen?
Aus dieser Einteilung bewahren die Pinakotheken in München, die Hamburger Kunsthalle, die Staatliche Museen zu Berlin, das Lenbachhaus, das Albertinum in Dresden, die Met, das Art Institute of Chicago, Cleveland, das MoMA und das Centre Pompidou Werke.
Wie wurden Bilder und Rechte kontrolliert?
Jedes Werk behält seinen musealen Bezug und seine Erwähnung von Rechten Neu hinzugefügte Produkte verwenden nur Bilder, die explizit für die kommerzielle Wiederverwendung offen sind, einschließlich CC0 oder Open Access; die anderen Werke bleiben mit dem Museum verbunden.
Was machen die Knöpfe unter den Werken?
"Siehe im Museum" öffnet den offiziellen Hinweis in einem neuen Tab, wenn die Reproduktion nicht angeboten wird oder ihre kommerziellen Rechte nicht bestätigt werden.
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