Paris · 1904 -1940 · Ölgemälde
Pariser Schule: 100 wesentliche Gemälde
Modigliani, Soutine, Valadon, Utrillo, Pascin, Kisling, Gris, Delaunay, Matisse, Derain, Léger und Picabia erzählen die Geschichte einer Hauptstadt, in der Exil, Freundschaft und Avantgarden die Malerei veränderten.
Zusammenfassung der Werke
- Nackt liegen
- Der gehäutete Ochse
- Das Blaue Zimmer
- Frau mit Hut
- Porträt von Pablo Picasso
- Der Stadt Paris
- Das agile Kaninchen, Montmartre
- Der kleine Konditor
- Jeanne Hebuterne mit dem großen Hut
- Das Glück des Lebens
- Porträt von Madeleine Castaing
- Rue du Mont-Cénis
- Gegensätze der Formen
- Gebirge in Collioure
- Kiki de Montparnasse
- Porträt von Chaiven Soutine
- Der Start des Netzes
- Udnie
- Paul Guillaume, Novo Pilota
- Porträt von Lucy Krohg
- Pierrot im Cluster
- Porträt von Paul Guillaume
- Beatrice Hastings vor einer Tür
- Jeanne Hebuterne
- Porträt von Lunia Czechowska in einer weißen Bluse
- Frau mit blauen Augen
- Jeanne Hebuterne bei Collier
- Jeanne Hebuterne sitzend
- Porträt von Moses Kisling
- Porträt von Jeanne Hebuterne
- Porträt von Pablo Picasso
- Nackt sitzend
- Porträt von Diego Rivera
- Selbstporträt
- Der kleine Bauer
- Porträt von Erik Satie
- Nackt mit rotem Laken
- Nackt auf einem Sofa sitzend
- Die Dame mit dem kleinen Hund
- Nackt sitzend
- Die Jüdin
- Kirche von Clignancourt
- Rue Norvins in Montmartre
- Place du Tertre
- Die Sackgasse Cottin
- Rue Lepic, die Galette-Mühle
- Unserer Lieben Frau
- Sacré-C andur de Montmartre und das Schloss Brouillards
- Rue Custine in Montmartre
- Atelier Theater, Place Dancourt
- Die Rote Mauer, Boulevard de la Chapelle
- Landschaft von Céret
- Häuser in einer Landschaft
- Le Mas Passe-Temps, Céret
- Großer Ben
- Die Westminster Bridge
- Boote in Collioure
- Der Hafen von Collioure
- Hyde Park
- Der Faubourg de Collioure
- Das Londoner Becken
- Tanz II
- Luxus, Ruhe und Flüchtigkeit
- Musik
- Die Rote Werkstatt
- Blauer Akt (Erinnerung an Biskra)
- Der Rote Trolley
- Goldfisch
- Französisches Fenster in Collioure
- Pierrot an der Gitarre
- Violine
- Harlekin auf der Geige
- Harlekin an der Gitarre
- Harlekin
- Sitzende Harlekin
- Simultanfenster n°2
- Der Eiffelturm
- Kreisformen
- Simultandiskette
- Das Cardiff-Team
- Fenster mit orangefarbenen Vorhängen
- Selbstporträt
- Orangen auf grünem Grund
- Frau in roter Bluse
- Die Tabelle
- Der alte Mann mit gefalteten Händen
- Stillleben auf Geige, Brot und Fisch
- Der Idiot
- Junge Frau im weißen Mantel
- Bauernmädchen
- Die Freude am Leben
- Selbstporträt
- Porträt von Maurice Utrillo
- André Utter und seine Hunde
- Die Frau in Blau
- Die Stadt
- Mechanische Elemente
- Die Wecker
- Edtaonisl (Kirchenlehrer)
- Fangen Sie, wie es möglich ist
Eine Gemeinschaft, niemals ein einzigartiger Stil
Wie heißt die Schule von Paris?
Die Pariser Schule verfügt weder über ein gemeinsames Manifest, noch über eine offizielle Werkstatt, noch über eine obligatorische Ästhetik. Der Begriff bezieht sich auf die Konstellation französischer und ausländischer Künstler, die Paris zu Beginn des 20. Jahrhunderts zu ihrem Hauptarbeitsplatz machten. Der Kritiker André Warnod machte es 1925 populär, um ein bereits sehr reales Umfeld zu nennen: Maler aus Italien, Russland, Litauen, Spanien oder Mitteleuropa teilten sich dieselben Cafés, dieselben Modelle, dieselben Kaufleute und oft die gleichen Schwierigkeiten.
Montmartre bleibt das Territorium der weißen Straßen von Utrillo und der Kabarett-Souvenirs. Danach übernahm Montparnasse mit seinen Armenwerkstätten, La Ruche, den Freien Akademien und den Cafe's am Wegekreuz Vavin. Modigliani erfindet dort seine gestreckten Gesichter; Soutine lässt Fleisch und Landschaften zum Schwingen kommen; Kisling verleiht den Modellen eine stille Schärfe. Valadon, unabhängiger von dieser Geographie des Exils, zwang ein Gemälde von Körpern auf, die von akademischen Konventionen befreit waren.
Um diesen figurativen Kern herum fungiert Paris auch als Labor. Matisse und Derain geben Farbe frei, Gris ordnet Kubismus, Delaunay macht Licht zu einer Kreisbewegung, Léger übersetzt die Kraft der mechanischen Welt, Picabia weigert sich, sich auf eine Sprache zu fixieren. Der Begriff "Schule" darf daher Unterschiede nicht auslöschen: Sein Reichtum rührt gerade von der Koexistenz unvereinbarer Trajektorien her, die von der Stadt zusammengeführt werden.
Die Schule von Paris ist weniger eine Art zu malen, als vielmehr eine Art, gemeinsam die Moderne zu bewohnen, in einer Stadt, die zu einer Werkstatt der Welt geworden ist.
Modelle, Freunde und Gönner bilden die menschliche Erinnerung an Montparnasse, zwischen emotionaler Nähe und formaler Erfindung.
Straßen von Montmartre, Cafés und Fassaden werden zu ebenso ausdrucksstarken Bildstrukturen wie die Figuren.
Fauvismus und Orphismus lösen die Töne der Nachahmung, um Licht zu einem Bauelement zu machen.
Von den kalkhaltigen Weißen von Utrillo bis zu den Impastos von Soutine behält die Oberfläche den Rhythmus von Geste und Zeit bei.
Hundert Öle, um das Paris der Avantgarden zu durchqueren
Redaktionelle AuswahlDie Gründungskonstellation
Die zwanzig Ikonen der Pariser Schule
Die Werke in der Auswahl
Amedeo Modigliani
Nackt liegen
Dieser Akt gehört zu der 1917 für den Kaufmann Léopold Zborowski gemalten Serie. Diese in der Galerie Berthe Weill präsentierten Gemälde lösten das Eingreifen der Polizei aus, weniger wegen ihrer Installation als vielmehr wegen der als zu direkt angesehenen Nacktheit. Dennoch konstruiert Modigliani das Bild mit einer langen, ruhigen Kurve, die sowohl Tizian und Ingres als auch Montparnasse ein Erbe ist.
Chaive Soutine
Der gehäutete Ochse
Soutine griff 1925 das Motiv des Rembrandtschen Blattochsens auf. Er hängt einen Kadaver in seine Werkstatt und belebt seine Farbe mit frischem Blut, zur großen Verzweiflung der Nachbarschaft. Diese spektakuläre Vorbereitung ist keine unnötige Anekdote: Die Roten, Blauen und Weißen verwandeln das Fleisch in eine Bildlandschaft, sowohl brutal als auch prächtig.
Suzanne Valadon
Das Blaue Zimmer
Valadon malte 1923 eine Frau, die in gestreiften Hosen lag, eine Zigarette auf den Lippen, umgeben von Stoffen und Büchern. Das Model spielt weder die fügsame Muse noch die angebotene Odaliske: Er besetzt den Raum mit stiller Souveränität. Das alte Modell wurde zum Maler und kehrt damit die Konventionen der Akt- und Weiblichkeit um.
Henri Matisse
Frau mit Hut
Im Salon d'Automne von 1905 schockierte das Porträt von Amélie Matisse mit seinen Grün-, Rosa- und Orangenfarben, die von natürlichen Farben befreit waren. In dem Raum, der bald den Spitznamen "Käfig der wilden Tiere" trägt, wird dieses Gesicht zu einem der unfreiwilligen Manifeste des Fauvismus. Die Steins kaufen es und geben Matisse damit entscheidende Unterstützung.
Juan Gray
Porträt von Pablo Picasso
Gris stellte dieses Porträt 1912 im Salon des Indépendants aus. Er stellt Picasso als bereits etablierten Meister dar und demonstriert gleichzeitig seine eigene Version des Kubismus: scharfe Aufnahmen, beibehaltene Farben und Inschrift des Namens im Bild. Der Tribut ähnelt daher auch einer Unabhängigkeitserklärung zwischen Nachbarn von Montmartre.
Robert Delaunay
Der Stadt Paris
Diese umfangreiche Komposition wurde um 1910 begonnen und im Salon des Indépendants von 1912 ausgestellt. Sie vereint den Eiffelturm, die drei Grazien und die moderne Stadt. Delaunay fragmentiert Paris, ohne auf seine Lesbarkeit zu verzichten. Die Hauptstadt wird gleichzeitig zu einer antiken Erinnerung, einer zeitgenössischen Baustelle und einem Farblabor.
Maurice Utrillo
Das agile Kaninchen, Montmartre
Das Kabarett Lapin Agile war eines der Zentren der Montmartre-Boheme, die von Malern, Dichtern und Sängern frequentiert wurde. Utrillo malte es während seiner berühmten weißen Periode, als Gips, Zink und Leim den Fassaden eine kalkige Textur verliehen. Der Partyort erscheint fast verlassen, als ob er im Gedächtnis erhalten und nicht an Ort und Stelle erobert worden wäre.
Chaive Soutine
Der kleine Konditor
Zwischen 1922 und 1923 malte Soutine mehrere junge Hotel - und Restaurantangestellte in ihren Uniformen. Der Konditor, isoliert vor einem Glühhintergrund, erwirbt die Würde eines zeremoniellen Porträts. Die zu langen Ärmel und der labile Hut erzählen dennoch die Geschichte der sozialen Zerbrechlichkeit des Modells ebenso wie die Virtuosität des Malers.
Amedeo Modigliani
Jeanne Hebuterne mit dem großen Hut
Jeanne Hebuterne lernte Modigliani 1917 kennen und wurde seine Begleiterin sowie eines seiner beständigsten Models. Der große Hut verleiht hier einer Figur, die aus einigen Kurven besteht, Breite. Hinter der Eleganz verbirgt sich die tragische Geschichte des Paares, das im Januar 1920 im Abstand von zwei Tagen starb.
Henri Matisse
Das Glück des Lebens
Diese große Landschaft wurde 1905 -1906 gemalt und vereint Schwimmer, Musiker und Tänzer in einem bewusst unwirklichen Raum. Leo und Gertrude Stein erwarben es nach dem stürmischen Empfang im Salon des Indépendants. Die Runde hinten kündigt direkt den Tanz an, während die flachen Farben einen wichtigen Weg zur modernen Malerei eröffnen.
Chaive Soutine
Porträt von Madeleine Castaing
Madeleine Castaing und ihr Mann unterstützten Soutine ab Ende der 1920 er Jahre und nahmen ihn oft in ihrem Haus in Lüttich auf. In diesem Porträt von 1929 wirkt der zukünftige Dekorateur sowohl weltlich als auch besorgt. Gesichts- und Stuhlwindungen verhindern, dass Eleganz zu einer einfachen sozialen Pose wird.
Maurice Utrillo
Rue du Mont-Cénis
Utrillo kennt jede Piste des Montmartre, arbeitet aber auch von Postkarten aus. Um 1910 erlaubte ihm die rue du Mont-Cenis, die Tiefe der Straße mit den weiß getünchten Wänden seiner weißen Periode zu kontrastieren. Das Fehlen von Menschenmengen verwandelt ein Arbeiterviertel in eine Architektur der Stille.
Fernand Léger
Gegensätze der Formen
1913 trieb Léger den Kubismus in Richtung einer Reihe von Zylindern, Kurven und farbigen Volumen, fast ohne erkennbares Motiv. Diese Formkontraste gehören zu den ersten offen abstrakten französischen Gemälden. Das Experiment wird durch den Krieg unterbrochen, der seine Beziehung zu Maschinen und Körpern nachhaltig verändern wird.
André Derain
Gebirge in Collioure
Im Sommer 1905 schloss sich Derain Matisse in Collioure an. Gemeinsam bemalen sie Hafen und Berge mit reinen Farben, die in separaten Akzenten aufgetragen werden. Die nach Paris zurückgeholten Gemälde heizten den Skandal um den Salon d'Automne an und gaben dem Fauvismus seine Gründungslandschaft.
Moses Kisling
Kiki de Montparnasse
Alice Prin, bekannt als Kiki, war Sängerin, Model, Schauspielerin und wahre Persönlichkeit des öffentlichen Lebens in Montparnasse. Kisling malte es 1924 mit seiner glatten Modellierung und den großen dunklen Augen. Das Porträt bewahrt weniger einen bestimmten Abend als vielmehr die Gewissheit einer Frau, die zum Wahrzeichen einer kosmopolitischen künstlerischen Umgebung geworden ist.
Amedeo Modigliani
Porträt von Chaiven Soutine
Modigliani und Soutine teilen Armut, Cafés und die Unterstützung des Kaufmanns Zborowski. Im Jahr 1916 vermittelte Modigliani ein angespanntes, fast verbeultes Bild seines Freundes, wobei das Kostüm die Anwesenheit nicht disziplinierte. Das Gemälde ist auch ein seltenes Dokument über die Solidarität von Montparnasse.
Suzanne Valadon
Der Start des Netzes
Dieses große Triptychon wurde 1914 im Salon des Indépendants präsentiert und zeigt den männlichen Körper in voller Anstrengung. Valadon nimmt sich André Utter als Vorbild und beansprucht für eine Malerin ein Thema, das zuvor männlichen Akademien vorbehalten war. Die Wiederholung der Geste verwandelt körperliche Bewegung in einen monumentalen Rhythmus.
Franziskus Picabia
Udnie
Picabia entwickelte Udnie nach seiner Reise nach New York im Jahr 1913, wo er die Energie der Armory Show entdeckte und einen Tänzer an Bord beobachtete. Der rätselhafte Titel begleitet eine Komposition aus Spiralen und ineinandergreifenden Ebenen. Bewegung, Erinnerung und Begehren werden zu einem bunten Mechanismus, der sich nur schwer bewegungsunfähig machen lässt.
Amedeo Modigliani
Paul Guillaume, Novo Pilota
Der junge Kaufmann Paul Guillaume unterstützt Modigliani und organisiert Möglichkeiten für seine Arbeit. In diesem Porträt von 1915 feiert die lateinische Inschrift "Novo Pilota", der neue Pilot, seine Rolle als Kundschafter der modernen Kunst. Die Frontalpose verleiht dem Modell die Autorität eines Kapitäns des neuen Gemäldes.
Jules Pascin
Porträt von Lucy Krohg
Lucy Krohg gehört zum Montparnasse-Kreis, den Pascin zwischen Werkstätten, Cafes und Ausflügen frequentiert. Die in den frühen 1920 er Jahren gemalte Figur besteht aus milchigen Tönen und einem geschmeidigen Design, das weltliche Brillanz verweigert. Pascin fängt die Intimität des Modells ein, ohne es in ein theatralisches Geständnis zu verwandeln.
Gesichter einer Gemeinschaft
Montparnasse: Porträts, Modelle und Workshops
Juan Gray
Pierrot im Cluster
Nach dem Ersten Weltkrieg kehrte Gris oft zu Pierrot zurück, einer Theaterfigur, die zu einem melancholischen Begleiter des Kubismus geworden war. Im Jahr 1919 behielten der Cluster, das Kostüm und die farbenfrohen Pläne die Verbindung zum Stillleben bei. Die menschliche Figur hingegen erlaubt es dem Maler, seiner Geometrie eine neue Gravitation zu verleihen.
Amedeo Modigliani
Porträt von Paul Guillaume
In diesem zweiten Bild von Paul Guillaume aus dem Jahr 1916 vereinfacht Modigliani das Gesicht und die Silhouette weiter. Der Kaufmann ist nicht mehr nur ein erkennbarer Freund: Er wird zu einem modernen, eleganten und fokussierten Kerl. Die implizite Widmung erinnert an die Bedeutung von Galerienetzwerken für das Überleben ausländischer Künstler in Paris.
Amedeo Modigliani
Beatrice Hastings vor einer Tür
Die britische Journalistin Beatrice Hastings erzählte Modiglianis Leben zwischen 1914 und 1916. Vor der Tür bilden seine schlanke Figur und sein Hut eher eine nervöse Präsenz als ein weltliches Porträt. Ihre turbulente Beziehung gehört zu den Jahren, in denen der Künstler seine Sprache mit länglichen Linien festlegte.
Amedeo Modigliani
Jeanne Hebuterne
1919 war Jeanne Hebuterne Modiglianis Hauptmodell und Mutter der gemeinsamen Tochter. Der Maler reduziert das Dekor, sodass das blasse Gesicht, der Haaransatz und der lange Hals das ganze Bild tragen. Diese Zählung verleiht der jungen Frau eine zurückhaltende Präsenz, weit entfernt von der tragischen Legende, die nach ihrem Tod hinzugefügt wurde.
Amedeo Modigliani
Porträt von Lunia Czechowska in einer weißen Bluse
Lunia Czechowska, Freundin von Léopold Zborowski, posierte in seinen letzten Jahren regelmäßig für Modigliani. 1917 erweiterte die weiße Bluse die Silhouette, während sich das Gesicht zu einem fast skulptierten Oval festzog. Vereinfachte Augen unterdrücken das Individuum nicht: Sie lenken die Aufmerksamkeit in Richtung Einstellung und vertrauensvoller Beziehung zum Maler.
Amedeo Modigliani
Frau mit blauen Augen
Diese 1918 gemalte Figur zeigt, dass Modigliani die Pupillen seiner Modelle nicht immer auslöscht. Das sehr präsente Blau des Blicks reagiert auf die Kleidung und bricht mit den erdigen Tiefen zahlreicher Porträts. Diese Ausnahme macht die Begegnung direkter und behält gleichzeitig die charakteristische Dehnung des Künstlers bei.
Amedeo Modigliani
Jeanne Hebuterne bei Collier
Die Halskette verschaffte Modigliani eine diskrete Achse, um die Büste von Jeanne Hebuterne im Jahr 1917 zu organisieren. Schmuck signalisiert keinen weltlichen Reichtum: Er durchsticht eine Silhouette, die aus Hals, Schultern und Haarmasse besteht. Die Intimität des Modells lässt sich in dieser Ökonomie der Zeichen ablesen.
Amedeo Modigliani
Jeanne Hebuterne sitzend
1918 blieben Modigliani und Jeanne Hebuterne im Süden, um den Kriegsschwierigkeiten von Paris zu entkommen. Die Sitzhaltung wirkt stabil, aber Arme, Rumpf und Hals bilden eine Reihe leicht versetzter Kurven. Das Porträt bewahrt somit die Ruhe des Modells, ohne es einzufrieren.
Amedeo Modigliani
Porträt von Moses Kisling
Kisling gehört zu Modiglianis engem Kreis in Montparnasse und wird ihm zum Zeitpunkt seiner Beerdigung noch helfen. Dieses Porträt von 1915 verbindet die Anerkennung eines Freundes mit einer fast ikonischen Vereinfachung. Das schmale Gesicht und der dunkle Anzug machen die Intensität des Blicks deutlich.
Amedeo Modigliani
Porträt von Jeanne Hebuterne
Diese Version von 1918 gehört zu der langen Porträtserie, in der Modigliani Jeanne Hebuterne beobachtet, ohne genau die gleiche Formel zu wiederholen. Die Frisur, die Neigung der Büste und die Beziehung zum Hintergrund verändern jedes Mal ihren Charakter. Die Serie fungiert als visuelles Tagebuch ihrer letzten gemeinsamen Jahre.
Amedeo Modigliani
Porträt von Pablo Picasso
Modigliani malte Picasso im Jahr 1915, als sich die Wege der beiden Künstler in den Kreisen von Montmartre und Montparnasse kreuzten, ohne demselben ästhetischen Lager anzugehören. Der massive Kopf und die Frontalität erkennen seine Autorität. Die Inschrift und Vereinfachung des Gesichts verleihen dem Porträt jedoch eine sehr modiglianische Unabhängigkeit.
Amedeo Modigliani
Nackt sitzend
Dieser Akt von 1916 geht der großen Serie voraus, die Zborowski im folgenden Jahr in Auftrag gegeben hatte. Die vertikale Pose zwingt Modigliani, den Körper in einem engen Format ohne narrative Dekoration zu halten. Die durchgehende Linie verbindet Schultern, Taille und Beine und verwandelt das Studium des Modells in eine monumentale Konstruktion.
Amedeo Modigliani
Porträt von Diego Rivera
Diego Rivera blieb in Paris, bevor er der große mexikanische Wandmaler wurde. Modigliani malte es 1916 mit einem breiten Kopf und einem kompakten Körper, der im Kontrast zu seinen normalerweise schlanken Silhouetten stand. Das Gemälde erinnert daran, wie Montparnasse dann Künstler zusammenbrachte, die dazu aufgerufen waren, ganz unterschiedliche Wege zu verfolgen.
Amedeo Modigliani
Selbstporträt
Dieses 1919, kurz vor seinem Tod, gemalte Selbstporträt ist das einzige, das Modigliani in Öl fertigstellte. Das dünne Gesicht, der geschlossene Mantel und der Blick weg vermeiden jede heroische Inszenierung. Die Zurückhaltung der Leinwand steht in scharfem Kontrast zu der lauten Legende, die den Künstler bald umgeben wird.
Amedeo Modigliani
Der kleine Bauer
Le Petit Paysan wurde 1918 im Süden gemalt und gehört zu Porträts von Kindern und Jugendlichen, die sich weit entfernt vom Pariser Gesellschaftskreis trafen. Die blaue Jacke und die platzierten Hände verleihen dem Modell eine Schwerkraft ohne Betonung. Modigliani passt seine langgestreckte Sprache an eine irdischere und stillere Präsenz an.
Suzanne Valadon
Porträt von Erik Satie
Valadon lernte Erik Satie in Montmartre kennen und hatte 1893 eine kurze Affäre mit ihm. Der Komponist verliebte sich lange in sie, während sie dieses Frontalporträt in gedeckten Farben malte. Das Werk ist sowohl eine intime Erinnerung als auch ein frühes Zeugnis seines Übergangs vom Status des Modells zum Status des Künstlers.
Suzanne Valadon
Nackt mit rotem Laken
Im Jahr 1920 kontrastierte Valadon das helle Fleisch des Modells mit einem roten Blatt, das fast den gesamten Raum strukturierte. Ihre Erfahrung als altes Model ermöglicht es ihr, allzu freundliche Posen zu vermeiden: Der Körper ruht mit seinem echten Gewicht. Die warme Farbe verwandelt die Bühne nicht in ein Spektakel, sie bekräftigt ihre Materialität.
Suzanne Valadon
Nackt auf einem Sofa sitzend
Um 1920 kehrte Valadon mit einer Offenheit, die seine Arbeit vom Akademismus unterschied, zum Sitzakt zurück. Sofa, Kissen und dunkle Konturen verhindern, dass der Körper in einem abstrakten Raum schwimmt. Das Model scheint die Pose zu bewohnen, anstatt sie für den Zuschauer zu spielen.
Suzanne Valadon
Die Dame mit dem kleinen Hund
Diese 1912 gemalte Frau in Begleitung eines kleinen Hundes greift ein bekanntes Motiv aus dem Gesellschaftsbildnis auf. Valadon jedoch verlagert das Interesse in Richtung der Solidität der Pose, der Klamotte des Kleidungsstücks und der fast gleichberechtigten Beziehung zwischen dem Tier und seiner Geliebten. Eleganz bleibt präsent, aber frei von Schmeicheleien.
Moses Kisling
Nackt sitzend
Kisling malte diesen Akt im Jahr 1917, als sein präzises Design und seine glatten Oberflächen ihr Gleichgewicht fanden. Das Modell ist isoliert vor einem Hintergrund, der fast nichts sagt. Diese Nüchternheit konzentriert den Blick auf die Pose und auf die ruhige Spannung, die durch die Konturen entsteht.
Die Stadt und ihre Fluchten
Montmartre, Céret und bewohnte Landschaften
Amedeo Modigliani
Die Jüdin
Die 1908 gemalte Jüdin gehört zu Modiglianis Pariser Anfängen, vor der vollständigen Fixierung seines länglichen Stils. Der Titel spiegelt die damaligen Ausstellungskategorien mehr wider als eine mit Sicherheit bekannte Identität. Das dunkle Material und das noch modellierte Gesicht zeigen, wie der Künstler den Expressionismus seiner frühen Jahre verlässt.
Maurice Utrillo
Kirche von Clignancourt
Um 1910 malte Utrillo die Kirche Notre-Dame de Clignancourt im Herzen eines immer noch beliebten und peripheren Viertels. Die klare Fassade steht hinter einer fast leeren Straße. Das Gebäude wird nicht als touristisches Denkmal behandelt, sondern als Fixpunkt der täglichen Geographie.
Maurice Utrillo
Rue Norvins in Montmartre
Die Rue Norvins durchquert den alten Montmartre in der Nähe der Place du Tertre. Utrillo repräsentiert es während seiner weißen Zeit, als kalkhaltige Mauern und feuchte Straßen zu seinen wichtigsten Ausdrucksmitteln werden. Die Steigung reicht aus, um einem fast menschenleeren Raum Bewegung zu verleihen.
Maurice Utrillo
Place du Tertre
Lange vor den für Besucher vorgesehenen Terrassen und Staffeleien bleibt der Place du Tertre für Utrillo eine Reihe von Fassaden und Ecken. Um 1910 schwächte er die Animation ab, um die Architektur hervorzuheben. Das Gemälde bewahrt somit ein gelebtes Montmartre, weniger malerisch als melancholisch.
Maurice Utrillo
Die Sackgasse Cottin
Impasse Cottin bietet Utrillo ein geschlossenes Motiv, fast ohne Flucht, im Netz der Montmartre-Straßen. Die weißlich geklärten Wände und der unebene Boden absorbieren die seltenen Lebenszeichen. Um 1910 wurde diese Nebenroute zu einer Übung in Tiefe und städtischer Isolation.
Maurice Utrillo
Rue Lepic, die Galette-Mühle
Die Rue Lepic führt zum Moulin de la Galette, einem Ort, der bereits für Renoir, Van Gogh und Toulouse-Lautrec berühmt ist. Utrillo übernahm das Gelände um 1910, ohne eine Party zu suchen. Die Gebäude, der Aufstieg und die Silhouette der Mühle erzählen vielmehr die Geschichte der Beständigkeit eines Viertels im Wandel.
Maurice Utrillo
Unserer Lieben Frau
Utrillo beschränkt sein Paris nicht auf Montmartre: Notre-Dame erlaubt ihm, die historische Messe der Kathedrale mit den Kais und Häusern zu konfrontieren. Die Aussicht bleibt mit der gleichen Nüchternheit gebaut wie die Straßen in der Nachbarschaft. Das Denkmal erscheint eher in die alltägliche Stadt integriert als isoliert in prestigeträchtigen Bildern.
Maurice Utrillo
Sacré-C andur de Montmartre und das Schloss Brouillards
Das Sacré-C,ur, noch neu in der Pariser Landschaft, dominiert hier das Schloss des Brouillards, eine Residenz, die mit dem antiken Montmartre verbunden ist. Utrillo vereint somit zwei Epochen des Viertels. Das Weiße der Basilika und die Fassaden vereinen diese Topographie aus persönlichen Erinnerungen.
Maurice Utrillo
Rue Custine in Montmartre
Die Rue Custine steigt zum Fuß des Hügels hinab und bietet Utrillo eine Perspektive auf aufeinanderfolgende Fassaden. Um 1910 verwendete er gedämpfte Töne, um den Wänden ein schräges und kaltes Gefühl zu verleihen. Ein paar Silhouetten reichen aus, um die Skala zu messen, ohne die Straße in eine lebendige Szene zu verwandeln.
Maurice Utrillo
Atelier Theater, Place Dancourt
Das heutige Théaste de l'Atelier, damals das Montmartre-Theater, verschließt die Perspektive des Place Dancourt. Utrillo erinnert sich hauptsächlich an die Fassade und die Anordnung der Wegekreuzung. Showleben bleibt abseits der Kamera: Malerei konzentriert sich auf die Art und Weise, wie ein kultureller Ort in das Gefüge der Nachbarschaft passt.
Maurice Utrillo
Die Rote Mauer, Boulevard de la Chapelle
Das Rot der Mauer verleiht diesem Blick auf den Boulevard de la Chapelle eine ungewöhnliche Intensität in Utrillos oft weißer Palette. Die Farbe dient als Wahrzeichen inmitten der Mineraltöne der Straße. Der Maler zeigt damit, dass ein einfacher Fassadenausschnitt eine ganze Stadtlandschaft ordnen kann.
Chaive Soutine
Landschaft von Céret
Soutine arbeitete zwischen 1919 und 1922 in Céret, unterstützt von Zborowski. Die Häuser und Hügel scheinen von einem gemeinsamen Schub mitgerissen zu sein, als würde die Topographie atmen. Diese südlichen Landschaften stellen die Verzerrung und Dicke des Schlüssels in den Mittelpunkt seiner Sprache.
Chaive Soutine
Häuser in einer Landschaft
Um 1921 malte Soutine die Häuser von Céret aus, ohne die erwartete Stabilität der Architektur zu respektieren. Dächer, Bäume und Wege neigen sich in der gleichen Bewegung. Das Dorf ist keine originalgetreue Vermessung: Es erfasst den physischen Eindruck von steilem Gelände.
Chaive Soutine
Le Mas Passe-Temps, Céret
Mas Passe-Temps ist einer der Orte, die Soutine während seines katalanischen Aufenthalts von 1920 bis 1921 malte. Das Gebäude scheint von bewegter Vegetation und Erde gefangen zu sein. Der friedliche Name der Stätte steht im Gegensatz zur Spannung der Leinwand, auf der keine Linie gerade bleiben zu wollen scheint.
André Derain
Großer Ben
Ambroise Vollard schickte Derain 1906 nach London, um die von Monet gemalte Stadt im fauvistischen Stil zu erneuern. Big Ben und das Parlament werden zu orange-blauen Massen, die von Reflexionen durchzogen sind. Derain kopiert die Londoner Atmosphäre nicht: Er rekonstruiert sie durch den Gegensatz von Farben.
André Derain
Die Westminster Bridge
In der von Vollard in Auftrag gegebenen Londoner Serie verleiht die Westminster Bridge Derain eine lange horizontale Struktur. Die Boote und das Ufer sind in lebhaften Akzenten verteilt, was die Tiefe vereinfacht. Die Themse wird weniger zum Nebel als zum Feld der aktiven Farben.
André Derain
Boote in Collioure
In Collioure boten die Boote im Sommer 1905 Derain einfache Formen, die bereits vom Wasser und den Kais geschnitten waren. Es betont ihre Muscheln mit reinen Tönen und bunten Schatten. Die Hafenszene trägt direkt zur Geburt des Fauvismus bei.
André Derain
Der Hafen von Collioure
Derain malte 1905 neben Matisse den Hafen von Collioure. Die Häuser, Masten und Hügel sind durch Berührungen getrennt, die manchmal die Leinwand atmen lassen. Die topografische Treue weicht der Wärme und dem Rhythmus des Mittelmeerstandorts.
André Derain
Hyde Park
Der Hyde Park gehört zu den Ausblicken auf London, die für Vollard aufgenommen wurden. Derain behandelt den Park als grünen Kontrapunkt und offen für die Brücken und Docks der Serie. Die Reiter, Wege und Bäume werden vereinfacht, so dass die Farbe den Spaziergang selbst organisiert.
André Derain
Der Faubourg de Collioure
Im Vorort Collioure entfernt sich Derain etwas vom Hafen, um Häuser, Wege und Reliefs zu betrachten. Farben folgen nicht gehorsam dem natürlichen Licht. Sie verteilen die Massen und geben dem Dorf eine Klarheit, die eher konstruiert als beschreibend ist.
Paris als Labor
Kubismus, Fauvismus und Orphismus
André Derain
Das Londoner Becken
Diese Sicht auf das Londoner Becken gehört zu der von Vollard 1906 finanzierten Kampagne. Schiffe und Docks ermöglichen es Derain, das Trubel des Wassers mit den Häuserblöcken der Stadt zu vergleichen. Rot und Blau verwandeln einen Industrieraum in ein wildes Erlebnis.
Henri Matisse
Tanz II
Im Auftrag des russischen Sammlers Sergei Schtschukin für seinen Moskauer Palast Tanz II 1910 gemalt ist. Matisse greift das Thema der Runde auf und reduziert es auf fünf orangerote Körper auf grünem Boden vor blauem Himmel. Diese endgültige Version, die in der Eremitage aufbewahrt wird, unterscheidet sich von der klareren Studie von 1909 im MoMA. Eremitage-katalog.
Henri Matisse
Luxus, Ruhe und Flüchtigkeit
Der Titel stammt aus Baudelaires Einladung zum Reisen. Das 1904 nach einem Aufenthalt in Saint-Tropez bei Signac gemalte Werk verwendet noch immer den geteilten Hauch des Neoimpressionismus, seine Farben verkünden jedoch bereits den Fauvismus. Matisse verwandelt moderne Freizeit in ein Paradies, das von Farben erbaut wurde.
Henri Matisse
Musik
Shchukin gibt Musik als Gegenstück zum Tanz in Auftrag. Die fünf Figuren, ohne Tiefe angeordnet, singen oder spielen in einer auf zwei farbige Bänder reduzierten Landschaft. Die Sparmaßnahmen von 1910 sind überraschend: Wo sich Tanz dreht, stoppt Musik die Zeit und verteilt Klang im Raum.
Henri Matisse
Die Rote Werkstatt
Matisse malte 1911 sein Atelier in Issy-les-Moulineaux für Schtschukin, der das Gemälde schließlich ablehnte. Ein durchgehendes Rot bedeckt die Wände und den Boden, während Möbel und Gemälde in Reserve erscheinen. Das lange Zeit missverstandene Werk wurde zu einer wichtigen Referenz für amerikanische Maler der Nachkriegszeit.
Henri Matisse
Blauer Akt (Erinnerung an Biskra)
Nachdem in seinem Atelier eine Aktskulptur zerbrochen war, nahm Matisse 1907 die Malerei wieder auf. Der blaue Körper, bewusst eckig, beunruhigt das Publikum und verursacht sogar sein symbolisches Brennen während einer amerikanischen Ausstellung. Die Erinnerung an Algerien wird vor allem zu einer Herausforderung für die klassische Anatomie.
Henri Matisse
Der Rote Trolley
Die Leinwand wurde 1908 als dekorative Tafel für Schtschukin in Auftrag gegeben und sollte zunächst blau sein. Matisse bedeckt schließlich fast die gesamte Oberfläche mit einem Zierrot, bei dem Tisch und Wand verschmelzen. Das Fenster hat noch ein Äußeres, aber die Arabeske dringt bereits in den häuslichen Raum ein.
Henri Matisse
Goldfisch
Matisse beobachtete auf seinen Reisen in Marokko Gläser mit Goldfischen und griff dieses Motiv 1912 auf. Der Kreis des Glases stabilisiert eine Zusammensetzung, bei der der Tisch zu neigen scheint. Das bescheidene Thema wird zu einer Meditation über den ruhigen Blick, die Farbe und den Raum des Workshops.
Henri Matisse
Französisches Fenster in Collioure
Dieses 1914 bemalte französische Fenster öffnet sich zu einem schwarzen Streifen, dessen Radikalität für Matisse nach wie vor außergewöhnlich ist. Balkon und Fensterläden rahmen ein fast abstrakt gewordenes Äußeres ein. Am Vorabend des Krieges unterbricht das Werk den Durchgang zwischen Innenraum und Landschaft.
Juan Gray
Pierrot an der Gitarre
Im Jahr 1919 brachte Gris Pierrot mit der Gitarre in Verbindung, einem mit dem Kubismus vertrauten Instrument. Die Figur bleibt trotz der verschachtelten Pläne des Kostüms und des Hintergrunds lesbar. Nach den Kriegsjahren führte diese Theaterfigur die menschliche Melancholie in ihre stark kontrollierte Konstruktion ein.
Juan Gray
Violine
Diese 1913 gemalte Geige stammt aus der Zeit, als Gris den analytischen Kubismus mit schärferen Formen klärte. Die Kurven des Instruments dienen als Referenz in der Mitte der Ebenen. Das Objekt wird nicht durch Analyse zerstört: Es wird rekonstruiert, um anders erkannt zu werden.
Juan Gray
Harlekin auf der Geige
Gris kehrte 1919 nach Harlekin zurück und vertraute ihm eine Geige an, als wolle er Theater und Musik in derselben Figur zusammenführen. Das Schachbrett des Kostüms reagiert auf die kubistischen Raumaufteilungen. Der Charakter behält jedoch eine Schwerkraft, die über das dekorative Spiel hinausgeht.
Juan Gray
Harlekin an der Gitarre
In diesem Gemälde von 1917 bieten Harlekin und die Gitarre Gris ein Netzwerk aus gebogenen und vertikalen Diamanten. Die Figur erscheint mit den gleichen Mitteln wie ein Stillleben zusammengesetzt. Die theatralische Maske ermöglicht es dem Maler, eine menschliche Präsenz einzuführen, ohne die kubistische Strenge aufzugeben.
Juan Gray
Harlekin
Der Harlekin von 1918 erscheint nach den Entbehrungen und Vertreibungen des Krieges. Gris greift zum Diamantkostüm, einem idealen Muster, um den Körper in farbenfrohen Aufnahmen zu artikulieren. Hinter der Klarheit der Komposition hält die Figur den Abstand eines Schauspielers zwischen zwei Szenen.
Juan Gray
Sitzende Harlekin
Im Jahr 1919 stellte Gris Harlequin in einer stabilen Haltung dar, die die kubistischen Brüche verlangsamte. Beine, Rumpf und Kostüm konstruieren eine Art menschliche Architektur. Die Sitzposition verleiht der Figur eine stille Schwerkraft abseits der traditionellen Farce.
Robert Delaunay
Simultanfenster n°2
1912 nutzte Delaunay das Fenstermuster, um Farben zu zirkulieren, ohne auf ein zentrales Objekt angewiesen zu sein. Die Fragmente des Eiffelturms und der Stadt bleiben wahrnehmbar, doch die chromatische Gleichzeitigkeit kontrolliert nun den Raum. Apollinaire wird diese Forschung bald mit dem Orphismus in Verbindung bringen.
Robert Delaunay
Der Eiffelturm
Delaunay malte den Eiffelturm seit 1909 mehrfach. In dieser Version von 1911 faltet sich das Denkmal, fragmentiert und scheint von mehreren Punkten gleichzeitig beobachtet zu werden. Technisches Symbol von Paris, es wird auch zum idealen Test einer modernen und mobilen Vision.
Robert Delaunay
Kreisformen
Ab 1913 verzichtete Delaunay fast vollständig auf urbane Motive zugunsten farbenfroher Schallplatten. Kreisförmige Formen führen zu Bewegungen in der Nähe von Farbtönen, ohne eine klassische Perspektive. Licht beleuchtet keine Objekte mehr: Es wird zum eigentlichen Thema der Malerei.
Robert Delaunay
Simultandiskette
Die Simultaneous Disc von 1912 -1913 konzentriert Delaunays Forschung auf Farbkontraste. Die Sektoren des Kreises rücken je nach Intensität vor oder ziehen sich zurück. Dieses autonome Werk markiert den Übergang vom Fenster und dem Eiffelturm zu einer vollchromatischen Abstraktion.
Robert Delaunay
Das Cardiff-Team
Ein Pressefoto, das eine Rugby-Mannschaft zeigt, inspiriert diese großartige Komposition aus dem Jahr 1913. Delaunay mischt Sport, Werbung, Luftfahrt und den Eiffelturm, als ob die ganze Stadt im gleichen Tempo operiere. Die Farbe nimmt somit Massenbilder auf, ohne auf buntes Experimentieren zu verzichten.
Nach den Manifesten
Eine weltoffene Moderne
Robert Delaunay
Fenster mit orangefarbenen Vorhängen
Im Jahr 1912 rahmten orangefarbene Vorhänge noch ein Fenster ein, das Äußere wurde jedoch in leuchtende Ebenen unterteilt. Delaunay nutzt dieses Übergangsmotiv, um die Verbindung zur Stadt aufrechtzuerhalten und gleichzeitig der Farbe Initiative zu geben. Die eigentliche Öffnung wird zur Öffnung des Blicks.
Chaive Soutine
Selbstporträt
Soutine stellte sich um 1918 mit straffem Gesicht, großen Ohren und verdächtiger Miene dar. Das Selbstporträt sucht weder Eleganz noch eine unkonventionelle Erzählung. Es zeigt einen jungen Maler, der aus dem Russischen Reich kam, immer noch arm, der sein eigenes Aussehen zu einem Material macht, das so instabil ist wie seine Landschaften.
Chaive Soutine
Orangen auf grünem Grund
Um 1916 platzierte Soutine Orangen gegen ein dichtes Grün, wodurch ihre Farbe vibrierte. Das Stillleben geht auf die schwierigen Jahre in Paris zurück, als kleine Formate ein zugängliches Testgelände bieten. Die Früchte wirken einfach, aber ihr Gleichgewicht bleibt bewusst nervös.
Chaive Soutine
Frau in roter Bluse
Diese Frau in der roten Bluse wurde um 1923 -1924 gemalt und gehört zu den Porträts anonymer Models, die Soutine mit ebenso großer Aufmerksamkeit behandelt wie ihre Gönner. Das Kleidungsstück verleiht dem Gemälde seinen farbenfrohen Rahmen. Die Pose enthält ein diskretes Unbehagen, das das Material ohne Karikatur verstärkt.
Chaive Soutine
Die Tabelle
Soutine machte den Tisch um 1923 zu einem geneigten Raum, an dem Gegenstände und Lebensmittel vom Verrutschen bedroht schienen. Rot- und Weißrot bewahren die Erinnerung an große antike Stillleben. Die instabile Perspektive verwandelt die Tradition jedoch in unmittelbare körperliche Erfahrung.
Chaive Soutine
Der alte Mann mit gefalteten Händen
Dieser alte Mann, der um 1940 gemalt wurde, gehört zu den letzten Jahren Soutines, die von Krankheit und bald von antisemitischer Verfolgung geprägt waren. Die gefalteten Hände konzentrieren einen Großteil des Ausdrucks. Das Model ist nicht auf ihr Alter reduziert: Ihre Haltung bewahrt eine unruhige Würde.
Chaive Soutine
Stillleben auf Geige, Brot und Fisch
Soutine brachte um 1922 eine Geige, Brot und einen Fisch in einer Komposition zusammen, bei der jedes Objekt seine eigene Spannung zu haben schien. Das Instrument erinnert an die Musikkultur der Boheme, während das Essen den Alltag zurückbringt. Eine dicke Berührung verhindert, dass das Ganze zu einem einfachen Inventar wird.
Chaive Soutine
Der Idiot
Der alte Titel dieser um 1920 gemalten Leinwand verwendet heute veraltetes Vokabular, um ein verletzliches Modell zu bezeichnen. Soutine betrachtet es jedoch nicht als Kuriosität. Das Stirngesicht und die dunkle Kleidung sorgen für eine individuelle Präsenz, was den gesellschaftlichen Konventionen der Zeit peinlich ist.
Chaive Soutine
Junge Frau im weißen Mantel
Um 1922 -1923 bot das weiße Fell Soutine eine große Fläche, auf der Falten und Schatten fast zur Landschaft wurden. Das Gesicht bleibt zurückhaltender als die Kleidung. Diese Dissoziation verleiht dem Modell eine fragile Präsenz inmitten eines sehr aktiven Bildmaterials.
Chaive Soutine
Bauernmädchen
Gemalt um 1919, vermutlich zu Beginn der Céret-Zeit, gehört dieser junge Landarbeiter zu den bescheidenen Vorbildern, die Soutine favorisierte. Das Outfit und die Hände vermeiden jegliche Bilderlichkeit. Der Maler lässt uns Müdigkeit und Zurückhaltung empfinden, ohne die Figur in eine soziale Illustration zu verwandeln.
Suzanne Valadon
Die Freude am Leben
1911 vereinte Valadon mehrere Akte in einer Landschaft und verlieh dem Gemälde einen Titel, den Matisse bereits berühmt gemacht hatte. Sein Ansatz bleibt jedoch irdischer: Körper haben Gewicht und die Beziehungen zwischen Figuren bleiben unklar. André Utter steht als männliches Model im Mittelpunkt dieser sehr persönlichen Szene.
Suzanne Valadon
Selbstporträt
Valadon malte sich 1927, im Alter von zweiundsechzig Jahren, ohne die Zeichen der Zeit zu löschen. Das Stirngesicht und die nüchterne Kleidung verweigern das zeremonielle Selbstporträt. Die ehemalige Akrobatin und Model behauptet einfach gegen viele Hindernisse ihren von ihr aufgebauten Malerstatus.
Suzanne Valadon
Porträt von Maurice Utrillo
1921 malte Valadon seinen Sohn Maurice Utrillo, der ein anerkannter Künstler geworden war, nach Jahren, die von Alkohol und Krisen geprägt waren. Familienbindungen mildern die Beobachtung nicht. Das Porträt behält den nötigen Abstand, um einen erwachsenen Mann ebenso zu zeigen wie eine schwierige mütterliche Geschichte.
Suzanne Valadon
André Utter und seine Hunde
André Utter, ehemaliges Model und damaliger Ehemann von Valadon, erschien hier 1932 umgeben von seinen Hunden. Die häusliche Szene kommt zu einer Zeit, in der sich ihre Beziehung verschlechtert. Die Tiere führen zu einer lebendigen Vertrautheit, während Utters Haltung eine gewisse Trennung beibehält.
Fernand Léger
Die Frau in Blau
1912 baute Léger diese Frau mit zylindrischen Bänden, was ihr manchmal das Etikett „Tubismus" einbrachte. Blau vereinigt die Figur, ohne die Pausen in den Plänen zu verschleiern. Der menschliche Körper wird zum Terrain, auf dem der Maler mit Kubismus, Farbe und mechanischem Empfinden konfrontiert wird.
Fernand Léger
Die Stadt
The City wurde 1919 nach dem Fronterlebnis gemalt und vereint Treppen, Buchstaben, Silhouetten und mechanische Fragmente. Eine bestimmte Straße beschreibt Léger nicht: Er rekonstruiert den visuellen Schock der modernen Metropole. Die flachen Bereiche verleihen diesem Tumult eine nahezu architektonische Lesbarkeit.
Fernand Léger
Mechanische Elemente
Mechanical Elements wurde 1920 gemalt und setzt Légers Faszination für Maschinen fort, die während des Krieges mit neuer Brutalität entdeckt wurden. Kolben, Scheiben und Rohre sind von jeder spezifischen Funktion isoliert. Ihre Farbe und Schärfe machen sie zu Schauspielern in einer rekonstruierten Welt.
Fernand Léger
Die Wecker
1914 erlaubte ein einfacher Wecker Léger, Alltagsgegenstände und kubistischen Wortschatz zu kombinieren. Die Zifferblätter und Federn reagieren auf seine zylindrischen Formen. Am Vorabend der Mobilmachung verkündet die kleine Hausmaschine bereits die Bedeutung, die der Künstler der mechanischen Welt beimessen wird.
Franziskus Picabia
Edtaonisl (Kirchenlehrer)
Picabia malte Edtaonisl im Jahr 1913, als seine Titel ebenso rätselhaft wurden wie seine Formen. Das Wort könnte Namen oder private Erinnerungen kombinieren, ohne einen endgültigen Schlüssel anzugeben. Die verschachtelten Kurven rufen eine bewegte Figur hervor und verweigern gleichzeitig eine stabile Lesart.
Franziskus Picabia
Fangen Sie, wie es möglich ist
Der englische Titel bezeichnet eine Form des Kampfes, bei der fast alle Griffe erlaubt sind. 1913 setzte Picabia diese Idee in kreisförmige Kräfte und Pläne um, die packend zu sein schienen. Das Werk gehört zu seiner abstrakten Periode, kurz bevor die mechanische Bildsprache die Oberhand gewann.
Eine Geographie der Schöpfung
Werkstätten, Cafés, Kaufleute und Durchgangsorte
Mobilität ist das Herzstück der Pariser Schule. Künstler kommen mit unterschiedlichen Sprachen, Hintergründen und Erinnerungen an. Viele sind in Akademien zu finden, in denen die Bildung freier ist als in offiziellen Institutionen. Cafés dienen als Büros, Aufenthaltsräume und manchmal auch als Zufluchtsorte; Porträts kursieren als Zeichen der Freundschaft oder Anerkennung.
Kaufleute spielen eine entscheidende Rolle. Paul Guillaume unterstützt Modigliani und Soutine; Galerien machen immer noch prekäre Maler sichtbar; Sammler verwandeln nach und nach eine Randumgebung in ein Hauptkapitel der modernen Kunst. Diese Anerkennung beseitigt jedoch nicht die Armut oder den Antisemitismus, die viele eingewanderte Künstler bis zu den Verfolgungen des Zweiten Weltkriegs heimgesucht haben.
Die Landschaft erweitert diese Karte weiter. Céret bietet Soutine ein mineralisches und gequältes Material; Collioure offenbart Matisse und Derain ein Licht, das allen Mut macht; London wird für Derain zu einer farbenfrohen Antwort auf Monet. Paris bleibt das Zentrum, doch seine Energie wird ständig durch Abgänge und Rückführungen genährt.
Beliebte Straßen, Kabaretts und Mauern: Utrillo macht es zu einer gemalten Erinnerung an die Oberstadt.
Werkstätten, Akademien und Cafés bringen Künstler, Models, Schriftsteller, Kaufleute und Exilanten zusammen.
Eine billige Künstlerstadt, in der sich mehrere Figuren der kosmopolitischen Moderne treffen.
Zwei südliche Labore, in denen Landschaft, Licht und Farbe die in Paris erlernten Regeln bewegen.
Die Wahl der Farbe
Öl als gemeinsame Sprache
Das Korpus vereint nur Ölgemälde auf Leinwand oder Tafel. Diese enge Auswahl ermöglicht es uns, dem zu folgen, was jeder Künstler mit demselben Medium macht: Modigliani verdünnt das Material zugunsten der Linie, Soutine verdickt es, bis das Muster zittert, Utrillo verleiht ihm die pudrige Opazität einer Wand, Matisse und Derain setzen es ein flache leuchtende Bereiche.
Ausgenommen sind grafische Arbeiten, Pastellfarben, Tinten, Drucke, Fotografien und Collagen. Bei Juan Gris, dessen kubistische Praxis manchmal geklebtes Papier, Graphit oder Holzkohle kombiniert, behält die Auswahl bemalte Öle wie die Porträts von Pierrot und Harlekin bei. Diese materielle Kohärenz vereinheitlicht die Tabellen nicht: im Gegenteil, sie macht ihre Unterschiede sichtbarer.
Echtes Foto des Ortes
Die Pont Neuf und die Seine in Paris
Dieses Panoramafoto stellt den Pont Neuf, die Kais und die Seine in ihrer realen Umgebung wieder her. Ein nützlicher visueller Hinweis, um das heutige Paris mit den Rahmen, Perspektiven und Lichteffekten zu vergleichen, die moderne Maler suchen.
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