Top 100 – Postimpressionismus
Postimpressionismus: 100 Gemälde und ihre Künstler
100 Gemälde von Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat und ihren Zeitgenossen: Entstehungsdaten, Sammlungen, Analysen und Quellen zum Verständnis ihrer künstlerischen Forschungen.
Diese redaktionelle Auswahl erkundet expressive Farbe, den Aufbau der Formen, Symbolismus und Neoimpressionismus. Jeder Eintrag stellt das abgebildete Werk und Angaben zum Original vor, ergänzt durch eine Quelle zur Vertiefung.
Nach dem Augenblick die Vision
Den Postimpressionismus anhand von 100 Gemälden verstehen
Der Postimpressionismus umfasst Künstler mit unterschiedlichen Methoden und keine Gruppe mit einem gemeinsamen Programm. Diese Auswahl berücksichtigt auch ihre Vorläufer und Weiterentwicklungen, insbesondere die Nabis. Sie ermöglicht den Vergleich von Landschaften, Porträts, Stillleben und Szenen des modernen Lebens.
Achten Sie beim Betrachten eines Werkes auf die Richtung der Pinselstriche, die Konturen, die Farbverhältnisse und darauf, wie die Bildebenen den Raum ordnen.
Der Name ist mit der Ausstellung verbunden, die Roger Fry 1910 in London organisierte. Quelle: National Galleries of Scotland.
Zu den BildernDie Werke der Auswahl
Die Werke in Bildern
Van Gogh, Seurat, Cézanne, Gauguin und Toulouse-Lautrec eröffnen den Rundgang mit den Werken, die der Bewegung ihre berühmtesten Gesichter gegeben haben.
#1 1. Die Sternennacht
Eine dunkle Zypresse verbindet das Dorf mit dem weiten blauen Himmel, den Kurven und gelbe Lichthöfe durchziehen. Rechts beleuchtet der Mond die Komposition; Dächer und Kirchturm bleiben viel ruhiger als die Bewegungen des Himmels. Van Gogh malt diese Leinwand im Juni 1889 in Saint-Rémy, angeregt durch den Blick aus seinem Zimmer in Saint-Paul-de-Mausole. Dennoch führt er sie in mehreren Sitzungen tagsüber aus. Das Dorf war von diesem Fenster aus nicht sichtbar, und die Zypresse ist näher herangerückt: Beobachtung, Erinnerung und Erfindung verbinden sich. Die dicken Pinselstriche und die Kontraste von Blau und Gelb verleihen der Landschaft so eine expressive Kraft, die über die Wiedergabe eines beobachteten Lichts hinausgeht.
Quelle: MoMA – The Starry Night, 472.1941.
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#2 2. Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte
Auf einer Seine-Insel bei Paris stehen Spaziergänger zwischen den Bäumen, sitzen oder liegen im Gras. Das große Paar rechts, das Mädchen in Weiß in der Mitte und die Boote links gliedern diese Freizeitszene. Aus der Nähe zerfallen die Formen in Punkte und kleine nebeneinandergesetzte Farbstriche; aus der Ferne gewinnen sie ihre Geschlossenheit zurück. Seurat bereitet das Gemälde mit zahlreichen Studien vor und arbeitet von 1884 bis 1886 daran, bevor er 1888–1889 den farbigen Rand ergänzt. Die unbeweglichen Figuren und der strenge Aufbau erinnern eher an einen Fries als an einen spontan erfassten Augenblick. Das Werk wird 1886 bei der letzten impressionistischen Ausstellung gezeigt und markiert die Etablierung des Neoimpressionismus.
Quellen: Art Institute of Chicago – Werkeintrag 1926.224 ; Seurat and the Making of La Grande Jatte.
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#3 3. Der Mont Sainte-Victoire – Fassung in Edinburgh
Ein kahler Baum im Vordergrund durchzieht die Aussicht mit seinen feinen Ästen, vor den Feldern des Arc-Tals und der bläulichen Silhouette des Sainte-Victoire. Cézanne betrachtet diese Landschaft vom Südwesten von Aix-en-Provence aus. Die Ockertöne der Erde und das Grün der Anbauflächen antworten auf das Graublau des Berges; die Pinselstriche bilden Farbzonen statt einer vollständig durchgehenden Perspektive. Obwohl das Werk an ein Aquarell erinnert, ist es in dünnen Ölschichten gemalt, wobei Teile der hellen Grundierung sichtbar bleiben. Das Museum schlägt eine Datierung um 1890–1895 vor, die sich kaum weiter eingrenzen lässt. Diese Fassung in Edinburgh zeigt, wie Cézanne die Beobachtung der Landschaft mit einer Suche nach Struktur und Gleichgewicht verbindet.
Quelle: National Galleries of Scotland – Montagne Sainte-Victoire, NG 2236.
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#4 4. Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?
Dieses monumentale Gemälde vereint Figuren unterschiedlichen Alters in einer Landschaft, in der dunkle Blau- und Grüntöne vorherrschen. Rechts liegt ein Baby neben einer sitzenden Gruppe; in der Mitte hebt eine stehende Figur die Arme zu einer Frucht; links hält eine zusammengekauerte Person die Hände an den Kopf. Ein blaues Götterbild und mehrere Tiere ergänzen diese friesartige Komposition. Gauguin malt das Werk 1897–1898 auf Tahiti und schreibt die drei Fragen des Titels in die linke obere Ecke. Das Gemälde lädt zu einer Betrachtung über Ursprung, Identität und menschliches Schicksal ein. Seine vereinfachten Formen und seine vom Naturalismus entfernten Farben unterstützen diese symbolische Dimension, deren Deutung offenbleibt.
Quelle: Museum of Fine Arts, Boston – Werkeintrag 36.270.
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#5 5. Im Moulin Rouge
Im Gemälde Im Moulin Rouge stellt Toulouse-Lautrec die Stammgäste des berühmten Pariser Lokals dar. An einem Tisch sitzen mehrere Personen aus seinem Umfeld, während La Goulue im Hintergrund ihre Haare richtet. Der Künstler hat sich selbst im Hintergrund neben seinem wesentlich größeren Cousin dargestellt. Rechts nimmt das vom Bildrand angeschnittene Gesicht der Sängerin May Milton unter dem künstlichen Licht eine grüne Färbung an. Die Diagonalen der Brüstung und des Fußbodens führen den Blick zu dieser Gruppe. Abrupte Bildausschnitte und grelle Farben verleihen der Szene eine besondere Spannung: Dieses Gruppenporträt beschreibt das Nachtleben von Montmartre und erkundet zugleich die Wirkungen elektrischen Lichts.
Quelle: Art Institute of Chicago – Im Moulin Rouge.
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#6 6. Van Goghs Schlafzimmer in Arles – Fassung des Musée d'Orsay
Ein gelbes Bett nimmt die rechte Seite des Gemäldes Van Goghs Schlafzimmer in Arles ein. Zwei Stühle, ein kleiner Tisch mit Toilettenartikeln und einige Bilder ergänzen diesen Innenraum ohne Personen. Die bläulichen Wände kontrastieren mit dem gelben Holz und der roten Decke; die Bodenlinien lenken den Blick zum grünen Fenster. Van Gogh möchte durch die Einfachheit der Möbel und die Farbflächen Ruhe vermitteln, trotz einer instabilen Perspektive. Das gezeigte Bild entspricht der verkleinerten Fassung des Musée d'Orsay, die im September 1889 in Saint-Rémy für seine Familie in den Niederlanden entstand. Sie greift eine erste, im Oktober 1888 in Arles gemalte Komposition auf, die heute in Amsterdam aufbewahrt wird; eine weitere Fassung befindet sich in Chicago.
Quelle: Musée d'Orsay – Van Goghs Schlafzimmer in Arles.
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#7 7. Die Kartenspieler – Fassung der Courtauld Gallery
Zwei Männer sitzen sich im Gemälde Die Kartenspieler gegenüber. Der linke raucht eine Pfeife; sein Partner blickt auf sein Blatt. Ihre Hände und die hellen Karten heben sich vor einem orangefarbenen Tisch und einem dunklen Innenraum ab. Cézanne baut die Figuren mit farbigen Pinselstrichen auf, die Jacken, Hüten und Armen Gewicht verleihen. Keine spektakuläre Geste unterbricht ihre Konzentration: Das Gleichgewicht der Volumen trägt die Szene. Die abgebildete Fassung gehört zur Courtauld Gallery in London. Sie ist Teil einer Gruppe von fünf Gemälden mit unterschiedlichen Kompositionen aus den 1890er-Jahren. Landarbeiter vom Familienbesitz Cézannes standen für diese Figuren Modell.
Quelle: Courtauld Gallery – Die Kartenspieler.
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#8 8. Vision nach der Predigt
Im Gemälde Vision nach der Predigt nehmen Bretoninnen mit weißen Hauben den Vordergrund ein, manche mit gefalteten Händen oder gesenktem Blick. Jenseits eines Baumstamms, der die Komposition diagonal durchquert, ringt Jakob auf einer weiten roten Fläche mit einem Engel. Diese biblische Szene stellt die Vision dar, die sich die Frauen nach dem Anhören der Predigt vorstellen, und kein Ereignis, das sie vor sich beobachten. Gauguin malt das Werk 1888 in Pont-Aven. Er vereinfacht die Formen, verstärkt ihre Konturen und verwendet eine Farbe, die von der natürlichen Landschaft abweicht. Der Kontrast zwischen den leuchtenden Hauben und dem roten Hintergrund macht die Trennung zwischen den Gläubigen und ihrem inneren Erleben sichtbar: Die Malerei gibt der religiösen Vorstellung eine Form.
Quelle: National Galleries of Scotland – Vision nach der Predigt.
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#9 9. Badende bei Asnières
Im Gemälde Badende bei Asnières ruhen Männer und Jungen am Ufer der Seine. In der Mitte lässt eine im Profil sitzende Figur ihre Beine ins Wasser hängen; rechts hält ein junger Badender die Hände an den Mund. Ein Hund begleitet den im Vordergrund liegenden Mann. Brücken und Fabrikschornsteine verorten diese Freizeitbeschäftigung im industriellen Umland von Paris. Seurat komponiert das große Gemälde im Atelier anhand von Vorstudien: Die Unbeweglichkeit der Figuren verleiht der Szene eine ungewöhnliche Feierlichkeit. Das 1884 gemalte Werk geht seinem systematischen Pointillismus voraus, auch wenn einzelne Partien später mit Farbpunkten überarbeitet wurden. Im Salon abgelehnt, wurde es anschließend im Salon des Artistes Indépendants gezeigt.
Quelle: National Gallery – Badende bei Asnières.
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#10 10. Caféterrasse am Abend
Im Gemälde Caféterrasse am Abend stellt Van Gogh die Place du Forum in Arles unter einem Sternenhimmel dar. Links sind die Markise und die Fassade des Cafés in gelbes Licht getaucht; Tische und Stühle reichen auf das Pflaster hinaus, während Passanten die Straße überqueren. Das tiefe Blau des Himmels und der Häuser hebt die warmen Töne der Terrasse hervor. Van Gogh malt diese Szene nachts vor Ort, um die Farben unter Gasbeleuchtung zu beobachten. Das auf September 1888 datierte Werk zeigt, wie er eine nächtliche Landschaft mit intensiven Farbkontrasten aufbaut. Die Straßenperspektive verbindet die Betriebsamkeit des Cafés mit der dunklen Ferne und verleiht dem Gemälde Tiefe.
Quelle: Kröller-Müller Museum – Caféterrasse am Abend.
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#11 11. Die großen Badenden – Fassung in London
Elf Frauen versammeln sich auf einer Lichtung unter blauem Himmel im Gemälde Die großen Badenden . Stehend, sitzend oder liegend bilden sie eine kompakte Gruppe, deren Neigungen den Baumstämmen entsprechen. Im Vordergrund ergeben ein kleiner dunkler Hund und Früchte ein Stillleben. Trotz des Titels ist in dieser Fassung kein Gewässer zu sehen. Cézanne verbindet die Körper durch blaue Konturen und wiederholte Farbstriche mit der Landschaft; die Figuren scheinen aus derselben Materie wie Boden und Laub zu bestehen. Das abgebildete Werk gehört zur National Gallery in London. Es zählt zu den drei großen Kompositionen von Badenden, an denen er am Ende seines Lebens arbeitete und deren Datierungen annähernd bleiben.
Quelle: National Gallery – Die großen Badenden.
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#12 12. Der gelbe Christus
Ein Christus mit gelbem Körper beherrscht eine bretonische Landschaft im Gemälde Der gelbe Christus . Zu seinen Füßen versinken Frauen in regionalen Trachten und weißen Hauben in Andacht, während Felder und Bäume Ocker- und Rottöne annehmen. Gauguin lässt sich von einem bemalten hölzernen Kruzifix des 17. Jahrhunderts in der Kapelle von Trémalo bei Pont-Aven anregen. Er platziert dieses religiöse Bild in einer zeitgenössischen Umgebung statt in einer Rekonstruktion des Heiligen Landes. Deutliche Konturen und vereinfachte Flächen rücken die Figur an die Landschaft heran. Gelb wird zum Mittel symbolischen Ausdrucks: Die Farbe verbindet den Körper Christi mit der herbstlichen Landschaft und der Frömmigkeit der Bewohner.
Quelle: Buffalo AKG Art Museum – Der gelbe Christus.
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#13 13. Der Zirkus
Eine Kunstreiterin steht auf einem weißen Pferd im Gemälde Der Zirkus , während rechts ein Akrobat eine Figur ausführt. Im Vordergrund öffnet ein von hinten gesehener Clown die Szene zur Manege. Seurat stellt den Kurven des Pferdes, der Körper und der Peitsche die regelmäßigen Zuschauerreihen gegenüber, deren Silhouetten unbeweglich bleiben. Kleine rote, gelbe und blaue Pinselstriche erzeugen ein von hellen Tönen beherrschtes Licht. Auch der auf die Leinwand gemalte blaue Rand trägt zum Gleichgewicht der Farben bei. Das Werk wird 1891 im Salon des Artistes Indépendants gezeigt und bleibt beim Tod des Malers unvollendet. Es setzt seine Forschungen über populäre Darbietungen und die expressiven Wirkungen von Linie und Farbe fort.
Quelle: Musée d'Orsay – Der Zirkus.
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#14 14. Jane Avril – Porträt des Clark Art Institute
Jane Avril erscheint als Brustbild mit einem großen dunklen Hut, in einen malvenfarbenen Umhang gehüllt. Ihr rotes Haar rahmt ein blasses Gesicht mit halb geschlossenen Augen und roten Lippen. Toulouse-Lautrec konzentriert die Aufmerksamkeit auf diesen zurückhaltenden Ausdruck, während die vertikalen Pinselstriche des Hintergrunds mit den breiten Falten des Kleidungsstücks kontrastieren. Zwischen den farbigen Strichen bleibt der Karton erkennbar und verleiht dem Porträt seine leichte Ausführung. Dieses um 1891–1892 gemalte Werk des Clark Art Institute zeigt die berühmte Tänzerin des Moulin Rouge außerhalb einer Bühnennummer. Es bezeugt Lautrecs anhaltendes Interesse an Jane Avril, von der er mehrere Porträts und Plakate geschaffen hat: Hier rahmt das Kostüm die Person, statt ihren Tanz zu zeigen.
Quelle: Clark Art Institute – Katalog europäischer Gemälde, Eintrag Jane Avril, Nr. 331.
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#15 15. Der Apfelkorb
Ein geneigter Korb zeigt seine Äpfel auf der linken Seite des Gemäldes Der Apfelkorb . Eine dunkle Flasche steht in der Mitte, während rechts ein Teller mit gestapeltem Gebäck liegt. Auf dem weißen Tischtuch verteilte Früchte verbinden diese Gegenstände. Cézanne strebt keine vollkommen einheitliche Perspektive an: Die Tischkanten sind gegeneinander verschoben und die Flasche neigt sich, wodurch ein instabil wirkendes Gleichgewicht entsteht. Dicke Pinselstriche verleihen den Äpfeln und den Stofffalten Volumen; leichtere Striche lassen einzelne Konturen offen. Dieses um 1893 gemalte Stillleben verwandelt Alltagsgegenstände in eine Aufgabe des malerischen Aufbaus. Die links unten sichtbare Signatur ist im Werk des Malers selten.
Quelle: Art Institute of Chicago – Der Apfelkorb.
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#16 16. Sonnenblumen – Fassung in London
Fünfzehn Sonnenblumen füllen eine Vase in dieser Fassung der Sonnenblumen . Manche Blumen besitzen noch ihre Blütenblätter, während andere mit Samen gefüllte Köpfe zeigen: Der Strauß vereint mehrere Stadien ihres Lebens. Van Gogh arbeitet mit Gelbtönen, von den blassen Tönen des Hintergrunds bis zum orangefarbenen Ocker der Blumen, mit einigen grünen und blauen Akzenten. Die dicke Farbe gibt den Samen Relief, während längliche Striche den Stielen und Blütenblättern folgen. Diese Leinwand entsteht im August 1888 in Arles, um das Gelbe Haus vor Gauguins Ankunft zu schmücken. Sie gehört zur National Gallery in London; weitere Fassungen befinden sich unter anderem in Amsterdam und Philadelphia. Die Signatur „Vincent“ erscheint auf der Vase.
Quelle: National Gallery – Sonnenblumen.
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#17 17. Stillleben mit Äpfeln – Fassung des MoMA
Rote, gelbe und grüne Äpfel verteilen sich auf einem weißen Tischtuch im Gemälde Stillleben mit Äpfeln . Eine Obstschale, ein Glas und ein Krug entfalten ihre Volumen vor einem gemusterten Vorhang und einem braunen Hintergrund. Die Stofffalten führen den Blick zwischen diesen Gegenständen hindurch, doch die beiden Seiten des Tisches folgen keiner einheitlichen Perspektive. Cézanne lässt auch einzelne Leinwandbereiche und unvollständige Konturen sichtbar. Diese Abweichungen lenken die Aufmerksamkeit auf den Aufbau des Gemäldes ebenso wie auf die dargestellten Früchte. Die abgebildete Fassung entstand zwischen 1895 und 1898 und gehört zum MoMA in New York. Sie zeigt, wie ein Stillleben zur Erforschung der Wahrnehmung von Formen, Licht und Raum werden kann.
Quelle: MoMA – Stillleben mit Äpfeln.
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#18 18. Wann heiratest du?
Während Gauguins erstem Aufenthalt auf Tahiti gemalt, zeigt Wann heiratest du? zwei sitzende Frauen vor einer leuchtenden Landschaft. Im Vordergrund trägt eine junge Frau eine weiße Blume am Ohr, ein helles Oberteil und ein rotes Kleidungsstück mit großen Mustern. Hinter ihr hebt eine zweite, in Rosa gekleidete Figur eine Hand. Dunkle Konturen und breite gelbe, grüne und blaue Flächen ordnen den Raum, ohne eine streng realistische Perspektive anzustreben. Der tahitianische Titel Nafea faa ipoipo stellt eine Frage nach der Heirat, ohne eine eindeutige Geschichte zu liefern. Diese Szene drückt auch das idealisierte Bild Tahitis aus, das der europäische Maler entwarf; sie ist kein neutrales Dokument des polynesischen Lebens.
Quellen: Museo Reina Sofía ; The Phillips Collection, Bericht 2016.
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#19 19. Der Traum
Im Gemälde Der Traum liegt eine nackte Frau auf einem roten Sofa mitten im Dschungel: Dieses vertraute Möbelstück lässt die Szene sofort fremdartig wirken. Blätter mit präzisen Konturen, riesige Blumen und Tiere bilden eine Kulisse fast ohne Tiefe. Zwei Löwen blicken zum Betrachter, während inmitten der Vegetation ein Musiker ein Blasinstrument spielt. Rousseau erklärte diese unwahrscheinliche Begegnung mit dem Traum der in den Wald versetzten Frau. Der Maler, der nie außerhalb Frankreichs gereist war, ließ sich insbesondere von Pflanzen und Tieren im Pariser Jardin des Plantes anregen. Diese Verbindung von genauer Beobachtung und Erfindung nimmt das Interesse der Surrealisten an Traumbildern vorweg.
Quelle: Museum of Modern Art, Werkeintrag zu Der Traum.
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#20 20. Der Hafen von Saint-Tropez
In dieser Ansicht des Hafens von Saint-Tropez vereint Signac die Fischer im Vordergrund, die vertäuten Segelboote und die vom Kirchturm überragten Fassaden. Die Kurve des Kais führt den Blick zum Wasser, dessen Spiegelungen das Rosa, Gelb und Blau des Himmels und der Boote aufgreifen. Die Farbe ist in sichtbare Pinselstriche aufgeteilt, größer als winzige Punkte: Ihre Nebeneinanderstellung verleiht der Oberfläche den Charakter eines Mosaiks. Signac entdeckt Saint-Tropez 1892 und entwickelt dort seine neoimpressionistischen Forschungen weiter. Diese monumentale, 1901–1902 gemalte Komposition zeigt, wie er die Kontraste zwischen den Pinselstrichen verstärkt, um der Farbe eine expressive Kraft zu verleihen, die einige Forschungen der Fauves vorwegnimmt.
Quelle: Nationalmuseum für westliche Kunst, Tokio.
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#21 21. Das Nachtcafé
Das Nachtcafé zeigt den Innenraum des Café de la Gare an der Place Lamartine in Arles, eines die ganze Nacht geöffneten Lokals, in dem Van Gogh wohnte. Der Billardtisch nimmt die Mitte ein, während die Gäste entlang der Wände verstreut bleiben und ein Mann in Weiß dem Betrachter gegenübersteht. Die Linien des Parketts und die schräg gestellten Möbel verstärken die Tiefe, lassen den Raum aber auch instabil wirken. Das Rot der Wände steht dem Grün der Decke und des Billardtischs gegenüber; die Lampen verbreiten große gelbe Lichthöfe. Van Gogh erklärte seinem Bruder Theo, diese Kontraste sollten menschliche Leidenschaften und die Gefahr eines Ortes ausdrücken, an dem man sich verlieren kann. Die Farbe verwandelt so eine Alltagsszene in ein Bild des Unbehagens.
Quelle: Yale University Art Gallery.
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#22 22. Der Geist der Toten wacht
Im Gemälde Der Geist der Toten wacht , auch unter dem Titel Manaò tupapaú bekannt, blickt eine auf einem Bett liegende Figur zur Seite, während hinter ihr eine schwarz gekleidete Silhouette erscheint. Das hellgelbe Laken, der Körper in Brauntönen und die violette Wand bilden starke Kontraste. Gauguin verband die weißen Formen im Hintergrund mit übernatürlichen Lichtern und beschrieb die Silhouette als Totengeist. Diese Erklärung ist jedoch als Erzählung des Malers und weniger als objektive Darstellung tahitianischer Glaubensvorstellungen zu verstehen. Das Museum erinnert daran, dass das Modell Teha’amana eine Jugendliche war, und hebt das Machtverhältnis zwischen ihr und dem Künstler hervor. Die Mehrdeutigkeit des Blicks verhindert, das Gemälde auf eine einfache Illustration einer Legende zu reduzieren.
Quelle: Buffalo AKG Art Museum.
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#23 23. Die schlafende Zigeunerin
Im Gemälde Die schlafende Zigeunerin schläft eine Frau in einem Gewand mit langen farbigen Streifen in einer vom Mond beleuchteten Wüstenlandschaft. Eine Mandoline und ein Krug liegen neben ihr; ein Löwe nähert sich ihrem Gesicht, ohne dass das Gemälde einen Angriff zeigt. Der liegende Körper, die Berglinie und der Wasserstreifen gliedern die Komposition in Horizontale, denen die detaillierte Mähne und der erhobene Schwanz des Tieres antworten. Klare Konturen und große Farbflächen verleihen der Szene eine fast unwirkliche Unbeweglichkeit. Das Zusammentreffen dieser ungewöhnlichen Erscheinungen erzeugt eine Spannung zwischen friedlichem Schlaf und möglicher Gefahr. Rousseau entwirft so ein rätselhaftes Bild, in dem der Betrachter sich vorstellt, was geschehen könnte, ohne eine endgültige Antwort zu finden.
Quelle: Museum of Modern Art.
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#24 24. Weizenfeld mit Krähen
Im Gemälde Weizenfeld mit Krähen verleiht das sehr langgestreckte Format der Landschaft eine ungewöhnliche Weite. Drei Wege in Rot- und Brauntönen durchziehen das gelbe Getreide unter einem blauen Himmel mit dunklen Wolkenmassen. Die schwarzen Vögel, auf wenige Pinselstriche reduziert, rhythmisieren das Zusammentreffen von Feld und Himmel. Die dicken Pinselstriche folgen unterschiedlichen Richtungen: Sie bewegen die Ähren, vertiefen die Wege und verstärken die Bewegungen der Wolken. Dieses im Juli 1890 in Auvers-sur-Oise gemalte Werk gehört zu Van Goghs letzten Arbeitswochen. Das Museum erinnert jedoch daran, dass seine Einordnung als letztes Gemälde ein hartnäckiger Mythos ist. Seine visuelle Spannung reicht daher nicht aus, um es als eindeutige Abschiedsbotschaft zu verstehen.
Quelle: Van Gogh Museum, Werkeintrag ; Texte zur Dauersammlung.
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#25 25. Der Knabe mit der roten Weste – Fassung des MoMA
In dieser Fassung des Knaben mit der roten Weste sitzt das junge Modell im Profil, die Hände auf den Knien. Seine leuchtende Weste kontrastiert mit dem hellen Hemd, den bläulichen Schatten der Ärmel und dem dunklen Vorhang. Cézanne baut Gesicht und Kleidung durch Farbstriche auf, die Volumen erzeugen, ohne die gemalte Oberfläche zu verdecken. Das MoMA identifiziert das Modell als Michelangelo di Rosa, einen jungen Italiener, den der Künstler in vier Gemälden und zwei Aquarellen darstellte. Die zurückhaltende Haltung überlässt Farbe und Konturen den Ausdruck des Porträts. Diese Leinwand gehörte Claude Monet, der sie für das beste Gemälde seiner Sammlung hielt: ein Zeugnis seiner Bewunderung für Cézanne.
Quelle: Museum of Modern Art.
Entdecken →Arles, Tahiti, Pont-Aven und Montmartre zeigen, wie eine Palette eine Emotion, einen Ort oder eine Idee erzählen kann, ohne die Wirklichkeit fügsam nachzuahmen.
#26 26. La Berceuse – Fassung des Stedelijk Museum
La Berceuse zeigt Augustine Roulin, die Ehefrau des Briefträgers Joseph Roulin, Van Goghs Freund in Arles. Sie sitzt in einem Sessel und hält eine Schnur, mit der sie eine außerhalb des Bildes stehende Wiege schaukeln kann. Ihr grünes Kleid, ihr orangefarbenes Haar und der rote Boden heben sich vor einer geblümten Tapete ab, deren Muster dem Porträt eine dekorative Dimension verleihen. Dunkle Konturen vereinfachen die Volumen und verbinden die Figur mit dem Hintergrund. Der Titel bezeichnet sowohl die wiegende Frau als auch das musikalische Wiegenlied: Van Gogh wollte Trost und Mutterschaft evozieren. Er wiederholte diese Komposition in fünf Gemälden. Die hier abgebildete Fassung gehört zum Stedelijk Museum und trägt die Referenz F507.
Quellen: Van Gogh Museum, Eintrag auf Google Arts & Culture ; Van Gogh Museum Journal, Untersuchung der Fassungen.
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#27 27. Sternennacht über der Rhône
Im September 1888 in Arles gemalt, zeigt Sternennacht über der Rhône Himmel, Stadtlichter und ihre Spiegelungen auf dem Fluss. Blautöne beherrschen die Leinwand, während die Gaslichter lange gelbe und orangefarbene Streifen auf dem Wasser bilden. Im Vordergrund geht ein Paar am Ufer entlang; seine Anwesenheit gibt der weiten nächtlichen Szene einen menschlichen Maßstab. Sichtbare Pinselstriche beleben die Oberfläche, ohne Gebäude oder Boote aufzulösen. Van Gogh versuchte damals, die Farben der Nacht wiederzugeben, die er für besonders reich hielt. Diese Ansicht der Rhône geht der 1889 gemalten Sternenlandschaft von Saint-Rémy voraus: Sie besitzt eine eigene Komposition und eine ruhigere Atmosphäre.
Quelle: Musée d'Orsay.
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#28 28. Selbstporträt mit verbundenem Ohr
Van Gogh malt dieses Selbstporträt mit verbundenem Ohr im Januar 1889, kurz nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus in Arles. Seine pelzbesetzte Mütze und sein grüner Mantel erinnern an die Winterkälte; der Verband bleibt deutlich sichtbar. Da das Bild mithilfe eines Spiegels gemalt wurde, zeigt es das verletzte Ohr auf der entgegengesetzten Seite. Im Hintergrund erinnern eine Leinwand auf einer Staffelei und ein japanischer Holzschnitt an seine Arbeit und seine Inspirationsquellen. Kurze Pinselstriche, dunkle Konturen und das Verhältnis von Grün, Blau und Gelb verleihen dem Gesicht eine intensive Präsenz. Die Courtauld Gallery deutet diese Atelierhinweise als Ausdruck seiner Entschlossenheit, weiterzumalen: Das Porträt zeigt auch den Künstler bei der Arbeit nach der Krise.
Quelle: Courtauld Gallery, Online-Sammlung.
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#29 29. Die Schlangenbeschwörerin
Eine Flötenspielerin hebt sich als dunkle Silhouette vor einem vom Mond beleuchteten Gewässer ab. Um sie herum vermischen sich Schlangen mit Ästen und langen Blättern; im Vordergrund erscheint ein Vogel. Rousseau baut eine üppige Vegetation mit klaren Konturen und zahlreichen Grüntönen auf. Der Kontrast zwischen dem blassen Himmel, dem fast unbeweglichen Wasser und der dunklen Pflanzenmasse verleiht der Szene eine stille, beunruhigende Atmosphäre. Die Musik scheint Mensch und Tiere in demselben Zauber zu vereinen. Dieser 1907 gemalte imaginäre Dschungel verbindet eine sorgfältige Zeichnung mit einer asymmetrischen Komposition: Seine Fremdartigkeit erklärt das Interesse, das das Werk bei den Surrealisten wecken wird.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Die Schlangenbeschwörerin.
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#30 30. Die Kirche von Auvers-sur-Oise
Van Gogh stellt die Kirche von Auvers von der Chorseite aus dar, unter einem intensiv blauen Himmel, dessen Farbe sich in den Fenstern wiederfindet. Wände und Dächer wirken wellenförmig, während zwei Wege um das Gebäude führen; eine Frau geht auf dem linken entlang. Die gebogenen Pinselstriche des Himmels und die schnellen Linien des Bodens verleihen dieser massiven Architektur Bewegung. Das während seines Aufenthalts in Auvers 1890 gemalte Bild verwandelt ein erkennbares Gebäude in eine fast lebendige Erscheinung. Der Kontrast zwischen dem Schatten der Kirche und den hellen Wegen verstärkt diese Spannung. Wie das Musée d'Orsay hervorhebt, bevorzugt Van Gogh hier einen persönlichen Ausdruck des Motivs: Verformungen und Farbe kündigen die Forschungen der Fauves und Expressionisten an.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Die Kirche von Auvers-sur-Oise, Ansicht von der Chorseite.
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#31 31. Die Kartoffelesser
Fünf Personen teilen eine Mahlzeit in einem bescheidenen Innenraum unter einer Hängelampe. Links greifen die Hände zum Kartoffelteller; rechts gießt eine Frau ein Getränk in die Tassen. Die von hinten gesehene Figur rückt den Betrachter näher an den Tisch. Brauntöne, dunkles Grün und gelbliches Licht betonen die von der Arbeit geprägten Gesichter und Hände. Dieses 1885 in Nuenen entstandene Gemälde gehört zu Van Goghs niederländischer Periode, vor seiner leuchtenden Palette in Arles. Der Maler wollte Bauern zeigen, deren Mahlzeit die Frucht ihrer Arbeit auf dem Land war. Ihre bewusst rauen Züge und die Schlichtheit der Umgebung verleihen dieser Alltagsszene Würde ohne Idealisierung.
Quelle: Van Gogh Museum, Eintrag zu Die Kartoffelesser.
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#32 32. Die Modelle
Drei nackte Figuren nehmen das Atelier ein: Eine sitzt mit dem Rücken zum Betrachter, eine andere steht ihm zugewandt, die dritte richtet einen Strumpf. Kleidung, Schuhe und Accessoires erinnern an die tägliche Arbeit der Modelle. Links stellt Seurat einen Teil seines eigenen Gemäldes La Grande Jatte dar und schafft damit einen Dialog zwischen der Freizeitszene im Freien und der Körperstudie im Atelier. Kleine Farbstriche bauen sowohl Hauttöne als auch Wände und Stoffe auf. Dieses 1888 gezeigte große Gemälde antwortet auf die Kritik, die den Pointillismus auf Landschaften beschränkte. Seurat zeigt, dass seine Methode auch den Akt, ein bedeutendes Thema der Kunsttradition, mit einer durchdachten Komposition und einem einheitlichen Licht behandeln kann.
Quelle: Barnes Foundation, Vorstellung von Die Modelle.
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#33 33. Mandelblüte
Mit weißen Blüten bedeckte Mandelzweige entfalten sich vor einem türkisblauen Himmel, ohne Horizont oder umgebende Landschaft. Der nahe Bildausschnitt und die betonten Konturen verleihen ihren Verzweigungen eine dekorative Präsenz, geprägt von Van Goghs Interesse an japanischen Holzschnitten. Die hellen, manchmal rosa getönten Blüten heben sich zwischen den geschwungenen Linien der Zweige ab. Dieses im Februar 1890 in Saint-Rémy-de-Provence gemalte Bild ist ein Geschenk für seinen neugeborenen Neffen Vincent Willem, den Sohn von Theo und Jo. Der Mandelbaum, der früh blüht und den Frühling ankündigt, symbolisiert hier ein beginnendes Leben. Dieser familiäre Kontext erklärt die Wahl des Motivs und gibt der hellen Atmosphäre des Werkes eine konkrete Bedeutung.
Quelle: Van Gogh Museum, Eintrag zu Mandelblüte.
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#34 34. Porträt von Ambroise Vollard
Ambroise Vollard sitzt mit gekreuzten Beinen und einem Buch auf den Knien. Sein brauner Anzug, seine Fliege und sein leicht geneigtes Gesicht verleihen ihm eine schlichte Präsenz. Das Fenster links beleuchtet einen Teil seines Körpers, der sich vor dem dunklen Hintergrund des Ateliers abhebt. Cézanne baut Gesicht und Kleidung durch Pinselstriche und farbige Flächen auf: Variationen von Ocker, Grün und Blau erzeugen Volumen, ohne die malerische Materie zu verdecken. Das 1899 entstandene Porträt bezeugt die Beziehung zwischen dem Maler und dem Händler, der sein Werk seit 1895 unterstützte. Nach Vollards Erzählung waren 115 Sitzungen erforderlich, ein Zeichen für die geduldige Beobachtung, die Cézanne verlangte.
Quelle: Paris Musées, Eintrag zum Porträt von Ambroise Vollard.
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#35 35. Das Haus des Gehängten
Ein abschüssiger Weg durchquert den Vordergrund zwischen einer Böschung und Häusern mit hellen Wänden. Kahle Bäume stellen ihre Stämme vor die Fassaden, während eine Öffnung zwischen den Gebäuden den Blick auf das Dorf und die Hügel freigibt. Cézanne gliedert den Raum durch die Diagonalen des Geländes, die Dächer und die Vegetationsmassen. Dicke Pinselstriche verleihen Wänden und Boden eine raue Textur; Grün-, Ocker- und Blautöne rücken die verschiedenen Ebenen zusammen. Diese 1873 in Auvers-sur-Oise gemalte Landschaft gehört zu den drei Werken, die Cézanne bei der ersten impressionistischen Ausstellung 1874 zeigt. Sie hilft, seine Entwicklung zu verstehen: Die Beobachtung der Landschaft geht bereits mit Forschungen über den Aufbau von Formen und Raum einher.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Das Haus des Gehängten.
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#36 36. Eine moderne Olympia
Eine Dienerin hebt ein Laken vor einer nackten Frau auf einem Bett an, während ein schwarz gekleideter Mann, von hinten gesehen, die Szene betrachtet. Vorhang, roter Tisch, Blumenstrauß und kleiner Hund verleihen diesem Innenraum einen theatralischen Charakter. Cézanne greift das Thema von Manets Olympia auf, fügt jedoch einen Zuschauer ins Bild ein und verwandelt die Komposition durch schnelle Pinselstriche und leuchtende Farben. Diese Fassung von 1873–1874 unterscheidet sich von einer ersten, dunkleren Interpretation. Bei der ersten impressionistischen Ausstellung 1874 gezeigt, löste sie Unverständnis und Spott aus. Ihr Interesse liegt ebenso im Dialog mit Manet wie in ihrer freien Ausführung: Die Formen bleiben skizzenhaft und lassen die Bewegung des Pinsels sowie Cézannes Entwicklung zu einer helleren Palette sichtbar werden.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Eine moderne Olympia.
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#37 37. Der Talisman
Große gelbe, grüne, rote und blaue Flächen bilden diese kleine Landschaft des Bois d'Amour in Pont-Aven. Bäume, das schräge Ufer, ihre Spiegelungen im Aven und eine Mühle hinten rechts lassen sich noch erkennen. Sérusier vereinfacht die Formen und bevorzugt Farbverhältnisse gegenüber traditioneller Modellierung und Tiefe. Die Inschrift auf der Rückseite datiert die Ausführung auf Oktober 1888 unter Gauguins Anleitung. Nach Paris gebracht, wird die Tafel zur Referenz für die jungen Künstler, die die Nabis bilden werden. Ihre Kraft liegt in dieser neuen Freiheit der Farbe. Obwohl Der Talisman häufig mit den Ursprüngen der Abstraktion verbunden wird, bleibt er an eine beobachtete Landschaft gebunden: Deren malerische Umsetzung verändert sich.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Der Talisman.
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#38 38. Die Alyscamps
Ein hellblauer Kanal durchquert diese Herbstlandschaft, gesäumt von orangefarbenen Bäumen und dunkelgrünen Massen. Drei Personen gehen am Ufer entlang, während im Hintergrund der Turm der Kirche Saint-Honorat erscheint. Trotz des Titels lässt Gauguin die Sarkophage der berühmten Nekropole von Arles außerhalb des Bildes: Er bevorzugt die Landschaft und ihre Farben. Dieses 1888 entstandene Gemälde gehört zu dem Aufenthalt, während dessen er mit Van Gogh zusammenarbeitet. Die Diagonalen von Kanal und Weg führen den Blick zu den Spaziergängern und anschließend zur Kirche. Schraffierte Pinselstriche und stark betonte Farben verwandeln den Ort in eine dekorative Komposition. Diese persönliche Landschaftsinterpretation veranschaulicht Gauguins Synthetismus, der die Massen vereinfacht, ohne auf ein erkennbares Motiv zu verzichten.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Die Alyscamps.
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#39 39. Äpfel und Orangen
Äpfel und Orangen verteilen sich auf einem Teller, einer Fußschale und zwischen den Falten eines weißen Tischtuchs. Rechts antwortet ein Krug mit Blumendekor auf die gemusterten Stoffe im Hintergrund. Cézanne stellt die Rundung der Früchte den Winkeln und Kurven des Tuchs gegenüber: Jeder Gegenstand trägt zum Aufbau des Ganzen bei. Rot-, Gelb- und Orangetöne heben sich vor dem blau und violett getönten Weiß ab. Die Neigungen von Geschirr und Unterlage lassen den Raum leicht instabil wirken, während das Gleichgewicht zwischen den Massen erhalten bleibt. Dieses um 1899 gemalte Stillleben zeigt, wie Cézanne ein vertrautes Thema durch Farbe, Volumen und die Anordnung der Ebenen erneuert. Das Betrachten der Falten hilft, die Verbindungen zwischen den verschiedenen Obstgruppen nachzuvollziehen.
Quelle: Musée d'Orsay, Eintrag zu Äpfel und Orangen.
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#40 40. Ia Orana Maria
Rechts trägt eine Frau in einem roten Pareo ein Kind auf den Schultern; ihre Heiligenscheine kennzeichnen sie als Maria und Jesus. Zwei Frauen falten in der Mitte die Hände, während links ein Engel mit gelben Flügeln erscheint. Früchte im Vordergrund, blühende Bäume und große Farbflächen verorten diese Szene in einer von Gauguin erdachten tahitianischen Landschaft. Das 1891 während seines ersten Aufenthalts auf Tahiti gemalte Werk überträgt eine christliche Ikonografie in diesen neuen Rahmen. Der mit „Ave Maria“ übersetzte Titel verbindet den tahitianischen Gruß mit den Worten der Verkündigung. Dieses Zusammentreffen religiöser Bezüge und polynesischer Figuren entspringt der Erfindung des Malers: Es ist nicht als unmittelbares Zeugnis lokaler Glaubensvorstellungen zu lesen.
Quelle: Metropolitan Museum of Art, Eintrag zu Ia Orana Maria.
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#41 41. Zwei Tahitianerinnen am Strand
Zwei stehende Frauen nehmen fast die gesamte Höhe der Leinwand ein. Die linke ist von vorn gesehen, während die andere ihren Rücken zeigt und den Kopf zu ihr wendet. Zwischen ihren Silhouetten erscheint ein schwarzer Hund. Im Hintergrund bilden Meer, Schaum und Strand blaue, weiße und rosa Streifen, die mit den Braun- und Grüntönen der Figuren kontrastieren. Betonte Konturen und vereinfachte Farbflächen verleihen der Szene einen dekorativen Aufbau. Dieses in Honolulu aufbewahrte und vom Museum auf 1891–1894 datierte Gemälde gehört zu Gauguins erstem Aufenthalt auf Tahiti. Es lädt dazu ein, die Anordnung von Körpern und Landschaft zu beobachten, statt die Szene als objektive Beschreibung des lokalen Lebens anzusehen.
Quelle: Honolulu Museum of Art, Vorstellung von Two Nudes on a Tahitian Beach.
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#42 42. Le Chahut
Eine Reihe von Tänzern führt den Chahut, eine Form des Cancan, vor den im Vordergrund gesehenen Musikern und dem Dirigenten auf. Erhobene Beine, hochgezogene Röcke und lächelnde Gesichter bilden einen wiederkehrenden Rhythmus. Seurat ordnet diese Energie durch ein Netz kleiner Farbstriche und aufsteigender Linien: Der Hals des Kontrabasses, Gesten, Schnurrbärte und sogar die Blumenmuster verlängern die Bewegung nach oben. Warme Töne erinnern an die künstliche Beleuchtung des Saals. Diese 1889–1890 gemalte Szene verwandelt die Darbietung in eine sorgfältig berechnete Komposition. Sie macht den Pointillismus über die sichtbaren Punkte hinaus verständlich: Farben, Richtungen und Wiederholungen tragen gemeinsam zum Ausdruck von Musik und Tanz bei.
Quelle: Kröller-Müller Museum, Eintrag zu Le Chahut.
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#43 43. Vorhang, Krug und Obstschale
Ein Steingutkrug steht links neben einer mit Früchten gefüllten Obstschale. Zwischen ihnen bildet ein weißes Tischtuch große Falten, die den Tisch durchqueren und an seiner Vorderseite herabfallen. Der dunkle Vorhang gleicht die Obstmasse rechts aus. Cézanne baut die Volumen durch Grün-, Rot- und Gelbvariationen auf und betont zugleich die Konturen einzelner Gegenstände. Die Neigung der Obstschale und die Richtungen des Tuchs erzeugen Spannung in dieser vertrauten Anordnung. Dieses im Werkverzeichnis auf 1893–1894 datierte Stillleben zeigt, wie Farben den Raum ordnen. Einzelne Früchte verbinden die beiden Hauptgruppen, während der Kontrast zwischen hellem Stoff und dunklem Hintergrund den Blick durch die Komposition führt.
Quelle: Werkverzeichnis von Cézanne, FWN 854.
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#4444. Die Rothaarige (Die Toilette)
1889 · Öl auf Karton · 67 × 54 cm · Musée d'Orsay, Paris
Im Gemälde Die Rothaarige , auch bekannt unter dem Titel Die Toilette , stellt Toulouse-Lautrec eine von hinten gesehene sitzende Frau dar, umgeben von Wäsche und Rattansesseln. Ihr kupferfarbenes Haar zieht den Blick inmitten der Grau-, Blau- und Gelbtöne des Innenraums an. Die Aufsicht und der nahe Bildausschnitt geben Zugang zu einem alltäglichen Moment ohne feierliche Pose. Schnelle Pinselstriche lassen den Karton durchscheinen und bevorzugen die Bewegung der Linien gegenüber einer glatten Modellierung. Degas' Einfluss ist an diesem intimen Thema und der dezentrierten Komposition erkennbar. Der Kontrast zwischen hellem Rücken, zerknitterten Textilien und Möbeln zeichnet einen engen Raum, in dem die Anwesenheit des Modells mehr zählt als die Einzelheiten der Einrichtung.
Quelle: Musée d'Orsay, RF 2242.
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#4545. Die Iris
1890 · Öl auf dünnem Karton, auf Leinwand aufgezogen · 62,2 × 48,3 cm · National Gallery of Canada, Ottawa
Die Iris konzentriert den Blick auf eine blaue Blume, die aus einem Gewirr von Blättern und Gräsern hervorragt. In diesem Hochformat folgt Van Gogh den Stielen mit geschmeidigen Linien und stellt sie den kurzen Pinselstrichen des Hintergrunds gegenüber. Gelbgrün, Blau und braune Akzente verleihen der Vegetation eine lebendige Präsenz. Es gibt weder Horizont noch Vase: Der Bildausschnitt rückt den Betrachter an den Boden heran und macht die Pflanze zum gesamten Thema des Gemäldes. Die Blume links oben zieht die Aufmerksamkeit auf sich, während die langen Blätter den Blick nach unten führen. Diese in Ottawa aufbewahrte Studie unterscheidet sich von Van Goghs großem Irisbeet im Getty Museum.
Quelle: National Gallery of Canada, auf Google Arts & Culture.
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#4646. Doktor Paul Gachet
1890 · Öl auf Leinwand · 68,2 × 57 cm · Musée d'Orsay, Paris
Van Gogh malt Doktor Paul Gachet in Auvers-sur-Oise, wo der Arzt ihn in den letzten Monaten seines Lebens begleitet. Der auf die Hand gestützte Kopf, das geneigte Gesicht und der ferne Blick ergeben eine nachdenkliche Haltung. Jacke und Hintergrund entfalten tiefe Blautöne, denen das Orangerot des Tisches antwortet. Ein Fingerhutzweig erinnert an die medizinische Tätigkeit des Modells. In dieser Fassung des Musée d'Orsay liegt die Blume direkt auf dem Tisch, und die im anderen Porträt vorhandenen Bücher fehlen. Betonte Konturen und gerichtete Pinselstriche verleihen dieser unbeweglichen Pose Spannung. Gachet, selbst Kunstliebhaber und Radierer, erscheint so in einer Beziehung, die über die Begegnung zwischen Arzt und Patient hinausgeht.
Quelle: Musée d'Orsay, RF 1949 16.
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#47 47. Fatata te Miti
1892 · Öl auf Leinwand · 67,9 × 91,5 cm · National Gallery of Art, Washington
Fatata te Miti , oder Am Meer , zeigt zwei Frauen, die sich auf das Baden vorbereiten, und einen Fischer mit einem langen Speer im Wasser. Ein dunkler Baumstamm durchquert die Komposition und trennt die Figuren im Vordergrund. Das rosa und violette Ufer, orangefarbene Blumen und tiefgrünes Wasser bilden eine Landschaft klarer Farben statt einer naturalistischen Beschreibung. Vereinfachte Silhouetten und geschwungene Konturen verleihen der Szene ihren dekorativen Rhythmus. Dieses während Gauguins erstem Aufenthalt auf Tahiti gemalte Bild gibt seine idealisierte Vorstellung der Insel wieder. Es informiert daher mehr über die Vorstellungswelt des Malers als über das tatsächliche Leben der dargestellten Personen. Die Komposition lädt dazu ein, den Kurven des Stammes und anschließend den Gesten der Badenden zum Wasser hin zu folgen.
Quelle: National Gallery of Art, 1963.10.149.
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#48 48. Der Verlust der Jungfräulichkeit
1890–1891 · Öl auf Leinwand · 89,5 × 130,2 cm · Chrysler Museum of Art, Norfolk
Im Gemälde Der Verlust der Jungfräulichkeit verbindet Gauguin eine liegende Figur, einen Fuchs und eine bretonische Küstenlandschaft zu einer symbolischen Szene. Der helle Körper durchquert den Vordergrund, während rosa Felder, grüne Hügel und das blaue Meer in breiten Streifen übereinanderliegen. Ein kleiner Zug folgt einem Weg in der Ferne. Das Museum deutet die Weizengarbe nahe den Füßen als Fruchtbarkeitssymbol und den Fuchs als bedrohliche Erscheinung. Diese Elemente geben dem Bild eine Mehrdeutigkeit, die die Landschaft allein nicht erklären würde. Das vor Gauguins Abreise nach Tahiti entstandene Werk zeigt bereits seine Vorliebe für vereinfachte Farben und Bilder, deren Sinn über die Darstellung eines Ortes hinausgeht.
Quelle: Chrysler Museum of Art, 71.510.
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#49 49. Die Pinie von Bonaventure
1893 · Öl auf Leinwand · 65,7 × 81 cm · Museum of Fine Arts, Houston
Im Gemälde Die Pinie von Bonaventure in Saint-Tropez, Opus 239 verleiht Signac einer Schirmkiefer die Präsenz eines echten Porträts. Ihre breite dunkle Krone nimmt fast die ganze Leinwand ein, über einem grünen Hang und einer Bucht mit einigen Segelbooten. Die blauen und grünen Punkte des Laubs werden von gelben und orangefarbenen Akzenten belebt; der helle Himmel bleibt zwischen den Ästen sichtbar. Diese Nebeneinanderstellung von Farben kennzeichnet die divisionistische Methode des Malers. Nach einer Studie vor dem Motiv führt Signac die endgültige Komposition im Atelier aus. Die in Arabesken geordnete Silhouette verbindet Beobachtung und Stilisierung. Das kurz nach seiner Entdeckung von Saint-Tropez gemalte Bild zeigt, wie das mediterrane Licht seine Arbeit an Farbkontrasten und am Gleichgewicht der Formen bereichert.
Quelle: Museum of Fine Arts, Houston, 74.142.
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#50 50. Tag Gottes
1894 · Öl auf Leinen · 68 × 91 cm · Art Institute of Chicago
Tag Gottes , oder Mahana no atua , ordnet eine Landschaft um eine in der Mitte aufgerichtete Statue. Figuren gehen, tragen Opfergaben oder ruhen an einem rosa Ufer. Im Vordergrund ist eine Badende von zwei liegenden Figuren und großen Wasserflächen in Gelb, Blau, Grün und Orange umgeben. Diese ineinandergreifenden Formen geben der Oberfläche einen fast abstrakten Rhythmus. Gauguin schafft das Gemälde in Paris nach seinem ersten Aufenthalt auf Tahiti: Er komponiert aus Erinnerung und Vorstellung. Er beschreibt somit keine vor Ort beobachtete Zeremonie. Die Figurengruppen, die vereinfachte Landschaft und die ungewöhnlichen Farben entwerfen eine symbolische Welt, in der Gesten und Formen ebenso viel zählen wie das im Titel angekündigte religiöse Thema.
Quelle: Art Institute of Chicago, 1926.198.
Entdecken →Cézannes Volumen, neoimpressionistische Punkte und synthetistische Farbflächen geben verschiedene Antworten auf dieselbe Frage: Was folgt auf die unmittelbare Empfindung?
#51 51. Abendluft
Um 1893 · Öl auf Leinwand · 116 × 166 cm · Musée d'Orsay, Paris
Abendluft zeigt Frauen, die unter Pinien ruhen und umhergehen, nahe einem Meer mit vorbeiziehenden Segelbooten. Die vertikalen Stämme rhythmisieren die Landschaft, während Ufer und Horizont die Szene horizontal ausdehnen. Cross wählt einen ruhigen späten Nachmittag und komponiert eine ideale Landschaft statt eines flüchtigen Augenblicks. Für dieses große Format verbreitert er den neoimpressionistischen Pinselstrich: Kleine Farbrechtecke erzeugen einen Mosaikeffekt, besonders sichtbar in Kleidern, Boden und Laub. Das Werk antwortet auf das dekorative Projekt, das sein Freund Signac 1893 vorschlägt. Später diesem geschenkt, wird es von Matisse in dessen Haus entdeckt und bereichert seine Überlegungen zu Luxus, Ruhe und Wollust . Sein Licht verbindet so die Ruhe der Figuren mit farbiger Schwingung.
Quelle: Musée d'Orsay, RF 1976 81.
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#52 52. Der Golf von Marseille von L'Estaque aus gesehen
1878–1879 · Öl auf Leinwand · 59,5 × 73 cm · Musée d'Orsay, Paris
Im Gemälde Der Golf von Marseille von L'Estaque aus gesehen blickt Cézanne von den Höhen des Ufers auf die Bucht. Häuser, Mauern und ein Industrieschornstein nehmen den Vordergrund zwischen Felsen und Vegetation ein. Dahinter erstrecken sich das blaue Wasser, die Hügelkette und ein Streifen hellen Himmels. Diese vier Zonen ordnen die Landschaft durch Massen statt durch eine regelmäßige Perspektive. Die gebauten Elemente werden durch dunkle Konturen betont, während nebeneinandergesetzte Pinselstriche Bäume und Steine beleben. Der Kontrast zwischen dem dichten Ufer und dem glatteren Meer gibt der Komposition Stabilität. Diese Fassung von 1878–1879 im Musée d'Orsay gehört zum Vermächtnis Caillebotte und unterscheidet sich von den späteren Ansichten desselben Golfs.
Quelle: Musée d'Orsay, RF 2761.
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#53 53. Im Salon der Rue des Moulins
1894 · Öl auf Leinwand · 111 × 132 cm · Musée Toulouse-Lautrec, Albi
Im Gemälde Im Salon der Rue des Moulins stellt Toulouse-Lautrec wartende Frauen in einem Pariser Bordell dar. Das Museum verbindet diese Szene mit dem Zeitpunkt einer ärztlichen Untersuchung. Ein großer roter Divan nimmt den Vordergrund ein, während die sitzenden Figuren jeweils in ihre Gedanken versunken scheinen. Das ausgestreckte Bein und der Arm des nächstgelegenen Modells bilden eine Diagonale, die den Raum ordnet; die Kurve des Sofas schließt die Komposition. Rot, Rosa und gedämpftes Grün verstärken den Eindruck eines geschlossenen Innenraums. Lautrec individualisiert Gesichter und Haltungen, statt die Frauen auf eine anonyme Gruppe zu reduzieren. Das Gemälde zeigt so einen Moment des Wartens und der Müdigkeit, fern von der Bewegung der Pariser Darbietungen, die der Maler ebenfalls darstellt.
Quelle: Musée Toulouse-Lautrec, Albi.
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#54 54. Esszimmer auf dem Land
1913 · Öl auf Leinwand · 164,47 × 205,74 cm · Minneapolis Institute of Art
Esszimmer auf dem Land zeigt den Innenraum von Ma Roulotte , dem Haus, das Bonnard 1912 in Vernonnet kaufte. Ein großer Tisch mit weißer Decke nimmt den Vordergrund ein; Katzen schleichen zwischen den Stühlen umher, und Marthe erscheint am Fenster. Die offene Tür und das offene Fenster verbinden den Raum mit dem Garten. Das Orangerot der Wände und der Kleidung antwortet auf das Grün und Blau der Landschaft, während freie Pinselstriche die Gegenstände durch Farbe verbinden. Bonnard malt hier aus der Erinnerung und bevorzugt seine persönliche Wahrnehmung dieses vertrauten Raums. Das Gemälde verbindet so eine erkennbare häusliche Szene mit einer farbigen Ordnung, in der Innen- und Außenraum dasselbe Licht zu teilen scheinen.
Quelle: Minneapolis Institute of Art, 54.15.
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#55 55. Junge Frau beim Pudern
Um 1888–1890 · Öl auf Leinwand · 95,5 × 79,5 cm · Courtauld Gallery, London
Junge Frau beim Pudern zeigt Madeleine Knobloch, Seurats Lebensgefährtin, vor einem kleinen Spiegel auf einem Tisch. Ihre Hand hält eine Puderquaste, während ihr Blick der Bewegung bei der Toilette folgt. Haarknoten, Oberteil und Rock bilden große runde Volumen, denen die Kurven der Möbel antworten. Farbpunkte bedecken Gesicht, Kleidung und den gemusterten blauen Hintergrund gleichermaßen. Diese pointillistische Methode belebt die Oberflächen durch das Nebeneinandersetzen kontrastierender Töne. Das intime Thema unterscheidet sich von den großen Freizeitszenen des Malers: Seurat gibt hier einer alltäglichen Geste monumentale Größe. Das Zusammenspiel von Körperformen, Spiegel und Dekor verwandelt diese vertraute Szene in eine sorgfältig geordnete Komposition.
Quelle: Courtauld Gallery, P.1932.SC.396 ; Kommentar des Museums.
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#56 56. Der Engländer im Moulin Rouge
1892 · Öl auf Karton · 85,7 × 66 cm · Metropolitan Museum of Art, New York
Der Engländer im Moulin Rouge zeigt William Tom Warrener, einen englischen Maler und Freund Toulouse-Lautrecs, im Gespräch mit zwei Frauen. Zylinder und dunkler Anzug bilden eine kompakte Silhouette gegenüber den hellen Kleidern und nah beieinanderliegenden Gesichtern. Der Bildausschnitt schneidet die Figuren an und konzentriert die Szene auf ihren Austausch. Schnelle Linien, sichtbare Kartonbereiche und gelbe und violette Akzente verleihen dem Gemälde den Charakter einer lebendigen Studie. Das Museum deutet Warreners gerötetes Ohr als Zeichen der Verlegenheit in diesem Gespräch. Das 1892 entstandene Bild bereitet eine Farblithografie desselben Themas vor. Es zeigt den Übergang von der Beobachtung der Stammgäste des Moulin Rouge zur grafischen Vereinfachung, die Lautrecs Drucke kennzeichnet.
Quelle: Metropolitan Museum of Art, 67.187.108.
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#57 57. Brüste mit roten Blumen
1899 · Öl auf Leinwand · 94 × 72,4 cm · Metropolitan Museum of Art, New York
Im Metropolitan Museum aufbewahrt unter dem Titel Zwei Tahitianerinnen , ist dieses Gemälde auch bekannt als Brüste mit roten Blumen . Zwei nah beieinanderstehende Figuren nehmen fast das gesamte Hochformat ein: Eine präsentiert ein Tablett mit Früchten, die andere hält Blumen und wendet sich ihrer Gefährtin zu. Blaue Stoffe, Hauttöne und rote Akzente heben sich vor einem vereinfachten Pflanzenhintergrund ab. Gesten und Blicke verleihen der Szene eine stille Präsenz. Das Museum betont, dass Gauguin eine imaginäre Vorstellung Tahitis entwirft, geprägt von Bezügen zum klassischen Akt und seinem eigenen Blick auf indigene Frauen. Das Werk ist daher als idealisierte Komposition und weniger als Dokument ihres Alltags zu lesen. Der enge Bildausschnitt konzentriert die Aufmerksamkeit auf das Verhältnis zwischen Figuren, Gaben und Farbe.
Quelle: Metropolitan Museum of Art, 49.58.1.
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#58 58. Die Musen
Maurice Denis versetzt die antiken Musen in einen Garten mit Frauen in zeitgenössischen Kleidern. Im Vordergrund bilden drei sitzende Figuren einen Gesprächskreis; seine Ehefrau Marthe erscheint zweimal in dieser Gruppe. Die Stämme der Kastanien gliedern die Oberfläche, während Blätter und Stoffe aufeinander antwortende Muster bilden. Die Szene ist von der Terrasse in Saint-Germain-en-Laye angeregt, doch Farben und vereinfachte Silhouetten verleihen ihr die Atmosphäre eines heiligen Hains. Flächige Farben und betonte Konturen zeigen die Vorliebe der Nabis für dekorative Malerei. Achten Sie besonders darauf, wie die Kleider die Arabesken des Laubs fortsetzen: Landschaft und Figuren bilden gemeinsam denselben Rhythmus.
Quelle: Musée d'Orsay, Die Musen.
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#59 59. Der Krieg
Eine Frau mit erhobenem Schwert und einer Fackel durchquert auf einem schwarzen Pferd eine verwüstete Landschaft. Unter ihr liegen Opfer auf dem Boden, und Krähen bevölkern die Szene. Rousseau personifiziert so den Krieg, ohne eine erkennbare Schlacht zu erzählen. Gebrochene Äste, rote Wolken und große dunkle Silhouetten verleihen dieser Allegorie eine Gewalt, die seine vereinfachte Zeichnung noch eindringlicher macht. Das Musée d'Orsay erinnert an die Bedeutung des Deutsch-Französischen Kriegs und der Pariser Kommune für den Kontext. Das 1894 im Salon des Indépendants gezeigte Werk spaltet die Kritik. Beachten Sie den Kontrast zwischen dem horizontalen Schwung des Pferdes und der Unbeweglichkeit der Körper: Die gesamte Komposition stellt zerstörerische Kraft ihren menschlichen Folgen gegenüber.
Quelle: Musée d'Orsay, Der Krieg.
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#60 60. Badender mit ausgestreckten Armen
An einem ockerfarbenen Ufer steht ein Badender in Unterhose dem Betrachter zugewandt, mit einem erhobenen und einem gesenkten Arm. Hinter ihm nehmen Wasser und Himmel fast die gesamte Fläche ein, mit einigen fernen Gebäuden. Cézanne modelliert den Körper durch dicke Pinselstriche und dunkle Konturen statt durch einen glatten Farbverlauf. Das Blau und Violett der Landschaft finden sich in den Schatten der Figur wieder, während warme Töne ihre Haut mit dem Ufer verbinden. Diese kleine Leinwand gehört zu mehreren Studien desselben Motivs: Die abgebildete Fassung trägt die Nummer FWN 912 im Werkverzeichnis. Betrachten Sie die Diagonalen der Arme und die Stellung der Beine: Ihre Asymmetrie verleiht der Figur eine gespannte, skulpturale Präsenz.
Quelle: Société Paul Cezanne, Werkverzeichnis, FWN 912.
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#61 61. Arearea no varua ino
Zwei Frauen nehmen den Vordergrund ein: Eine sitzt im Profil und blickt nach rechts; die andere stützt den Kopf auf ihre Hand. Ein dunkler Baum trennt ihre Silhouetten von den fernen Figuren und leuchtenden Farbflächen. Der links unten eingeschriebene tahitianische Titel wird im Führer des Saint Louis Art Museum mit „Die Vergnügungen des bösen Geistes“ übersetzt. Dieser verbindet die Erscheinung mit der geschnitzten Figur, die die Szene links beherrscht. Gauguin malt diese Vision jedoch nach seiner Rückkehr aus Tahiti in der Bretagne und widmet die Leinwand seiner Gastgeberin Madame Gloanec. Violette Schatten und rosa Boden verwandeln die Landschaft in eine symbolische Kulisse: Sie drücken eine Atmosphäre aus statt natürliches Licht.
Quelle: Saint Louis Art Museum, Führer zur Ausstellung Paul Gauguin: The Art of Invention.
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#62 62. Der Mont Sainte-Victoire mit großer Pinie
Stämme und Äste der Pinien rahmen eine weite Ebene, hinter der sich der Sainte-Victoire abhebt. In dieser Fassung in Washington verteilt Cézanne Felder, Häuser und Wege auf kleine grüne und ockerfarbene Flächen. Der kühlere und hellere Berg schließt die Aussicht ab, ohne die Landschaft zu erdrücken. Rechts erinnern die Bögen des Viadukts daran, dass dieses provenzalische Panorama auch die moderne Eisenbahn umfasst. Die Pinselstriche bleiben sichtbar, und stellenweise scheint die Leinwand durch: Der Aufbau beruht ebenso auf den Zwischenräumen wie auf den gemalten Massen. Achten Sie darauf, wie die Äste des Vordergrunds die Linien des Reliefs begleiten, während die Diagonalen der Ebene den Blick allmählich zum Gipfel führen.
Quelle: The Phillips Collection, Mont Sainte-Victoire.
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#63 63. Katholisches Mysterium
Maurice Denis versetzt die Verkündigung in einen zeitgenössischen Innenraum. Rechts sitzt die Jungfrau nahe einem Fenster; ihr gegenüber ersetzt ein Diakon mit einem Buch den traditionellen Engel, begleitet von zwei Ministranten. Heiligenscheine und weiße Lilie bewahren die Zeichen des Sakralen, während Möbel und die draußen sichtbare Landschaft die Szene an das vertraute Leben heranrücken. Blasse Töne, bläuliche Schatten und rote Akzente ordnen ein eher spirituelles als naturalistisches Licht. Diese Leinwand ist die zweite der sechs Fassungen des Themas und laut Museum die größte. Beachten Sie die Vertikalen der Kerzen, der Lilie und des Fensters: Sie verleihen dieser stillen Begegnung eine fast zeremonielle Struktur.
Quelle: Musée départemental Maurice Denis, Katholisches Mysterium.
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#64 64. Weizenfeld mit Zypressen
Goldenes Getreide nimmt den Vordergrund ein, während die Zypressen rechts ihre dunkle Silhouette aufrichten. Zwischen ihnen verbinden Olivenbäume und bläuliche Hügel die Erde mit dem von eingerollten Wolken durchzogenen Himmel. Van Gogh malt diese Landschaft während seines Aufenthalts in Saint-Rémy nach der Natur; die dicken Farbschichten machen die Pinselbewegungen in jedem Teil der Szene sichtbar. Die gebogenen Striche der Bäume antworten auf die Wellenbewegungen des Himmels, während die Ähren einen breiten leuchtenden Streifen bilden. Die abgebildete Fassung gehört zum Metropolitan Museum und entstand im Sommer 1889, vor den Wiederholungen der Komposition im Herbst. Beachten Sie den Kontrast zwischen der Vertikalität der Zypressen und den horizontalen Rhythmen des Feldes: Er gibt dieser lebendigen Landschaft ihr Gleichgewicht.
Quelle: Metropolitan Museum of Art, Weizenfeld mit Zypressen.
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#65 65. Akt in der Badewanne
Bonnards Ehefrau Marthe liegt in einer von oben gesehenen Badewanne. Ihr Körper hebt sich nur allmählich vom Wasser ab, so stark rücken Spiegelungen und Farben die Haut an die Umgebung heran. Die Gelbtöne von Wand und Fenster kontrastieren mit dem Blau des Bodens und dem Violett der Schatten; der weiße Wannenrand zieht eine Diagonale, die den Raum lesbar hält. Diese vertraute Szene wird so zur Erforschung von Licht und Wahrnehmung. Bonnard kehrt häufig zum Bademotiv zurück und arbeitet anhand von Notizen und Erinnerungen statt bei durchgehendem Modellstehen. Beachten Sie die kleinen Pinselstriche der Fliesen: Ihre Wiederholung belebt die Oberfläche und tritt in einen Dialog mit den unsichereren Konturen der Figur.
Quelle: Musée d'Art moderne de Paris, Akt in der Badewanne.
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#66 66. Château Noir
Das ockerfarbene Gebäude erscheint hinter dichter Vegetation, deren Stämme und Laub den Zugang zur Landschaft verschleiern. Cézanne stellt die warmen Fassaden dem tiefen Grün und dem Blau des Himmels gegenüber, doch dieselben breiten Pinselstriche durchziehen Architektur und Bäume. Diese einheitliche Behandlung rückt die Ebenen zusammen, statt eine regelmäßige Perspektive zu vertiefen. Das Château Noir bei Aix-en-Provence ist ein neugotisches Gebäude, das an alte Ruinen erinnert; Cézanne macht es wiederholt zum Gegenstand seiner Malerei. Die abgebildete Fassung im MoMA gehört zu den letzten Jahren seiner Laufbahn. Beachten Sie die Fenster und Mauerstücke, die zwischen den Ästen hervortreten: Wenige geometrische Formen reichen aus, um das Gebäude in diesem Farbgewebe erkennbar zu machen.
Quelle: Museum of Modern Art, Château Noir.
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#67 67. Die Mahlzeit
Ein großes Bündel roter Bananen, ein Holzgefäß und einige Früchte beherrschen den Tisch vor drei Kindern mit auseinandergerichteten Blicken. Gauguin verbindet hier Stillleben und menschliche Figuren mit einer bewussten Unverhältnismäßigkeit, die den Gegenständen eine imposante Präsenz verleiht. Das in den ersten Monaten seines Aufenthalts auf Tahiti gemalte Bild beschreibt keine beobachtete Mahlzeit: Das Musée d'Orsay betont den arrangierten Charakter dieser Komposition. Die weiße Tischdecke, violette Schatten und das schräge Messer bauen den Raum auf, während die farbigen Wandstreifen den Hintergrund verflachen. Das auch „Die Bananen“ genannte Werk bewahrt einen rätselhaften Anteil. Beachten Sie die isolierte Figur in der Öffnung rechts: Sie erweitert den Raum und verstärkt den Abstand zwischen den Personen.
Quelle: Musée d'Orsay, Die Bananen, auch Die Mahlzeit genannt.
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#68 68. Die Clownin Cha-U-Kao
Toulouse-Lautrec zeigt Cha-U-Kao in einem Innenraum, wo sie ihr Kostüm richtet, statt vor Publikum aufzutreten. Die große gelbe Halskrause und das Band ihres Kopfschmucks ziehen zwischen der dunklen Kleidung, dem roten Sofa und der grünlichen Wand sofort den Blick an. Der nahe Bildausschnitt macht den Rücken und die Bewegung der Arme zu den Hauptelementen des Porträts. Als Tänzerin, Clownin und gelegentlich Akrobatin gehört Cha-U-Kao zur Welt des Nouveau Cirque und des Moulin Rouge; das Musée d'Orsay verbindet ihren Künstlernamen mit den Wörtern „chahut“ und „chaos“. Schnelle Pinselstriche geben dem Kostüm eine fast von der Person unabhängige Energie. Beachten Sie das kleine Gesicht links oben: Ob Porträt oder Spiegelung, seine Anwesenheit bleibt mehrdeutig.
Quelle: Musée d'Orsay, Die Clownin Cha-U-Kao.
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#69 69. Schädelpyramide
Vier Schädel bilden eine Pyramide, mit einem hellen Kopf an der Spitze und dunkleren Formen, die das Ganze tragen. Der fast schwarze Hintergrund und der weiße Stoff betonen ihr Volumen, ohne den Blick abzulenken. Cézanne moduliert die Knochenoberflächen durch Ocker-, Grün- und Graustriche: Die Farbe macht die Wechsel der Ebenen sichtbar, während die Augenhöhlen zu ausgeprägten Vertiefungen werden. Das Thema erinnert an die Vanitas-Tradition, in der der Schädel zum Nachdenken über die Sterblichkeit einlädt, doch der Aufbau bleibt zunächst eine Erforschung der Beziehungen zwischen Formen. Beachten Sie die unterschiedlichen Ausrichtungen der Köpfe und ihre Überlagerungen: Sie verleihen diesem kleinen, im Werkverzeichnis auf 1898–1900 datierten Stillleben eine besondere Dichte.
Quelle: Société Paul Cezanne, Werkverzeichnis, FWN 874.
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#70 70. Porträt von Alice Sèthe
Datum: 1888 · Technik: Öl auf Leinwand · Maße: 195 × 98 cm · Sammlung: Musée départemental Maurice Denis, Saint-Germain-en-Laye (PMD 978.13.1).
Alice Sèthe steht in einem langen malvenfarbenen Kleid vor einem Spiegel, der ihre Frisur von hinten zeigt. Der goldene Rahmen, die Konsole und die dunkle Skulptur bilden einen eleganten Innenraum, während das schmale Format die Vertikalität der Figur betont. Kleine blaue, violette und gelbe Pinselstriche beleben Stoff und Einrichtung; das Gesicht bewahrt ein weicheres Licht. Laut dem Musée Maurice Denis ist dies das erste Porträt, in dem Van Rysselberghe die bei Seurat entdeckte neoimpressionistische Technik anwendet. Das Nebeneinandersetzen der Farben soll ihre Mischung im Auge des Betrachters erzeugen. Das Gemälde zeigt so, wie der Divisionismus über die Landschaft hinaus eine individuelle Präsenz aufbauen kann.
Quelle: Musée Maurice Denis – Porträt von Alice Sèthe.
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#71 71. Der Eiffelturm
Datum: um 1889 · Technik: Öl auf Holztafel · Maße: 24,1 × 15,2 cm · Sammlung: Fine Arts Museums of San Francisco, Legion of Honor.
Auf dieser kleinen hochformatigen Tafel nimmt der Eiffelturm fast die gesamte Bildhöhe ein. Seine Pfeiler und Etagen zeichnen sich in roten und orangefarbenen Pinselstrichen vor einem blassblauen Himmel ab, während links ein Baum die Silhouette des Bauwerks ausgleicht. Seurat reduziert die Details der Metallstruktur, um ihre Linien und Farbverhältnisse hervorzuheben. Die Pinselstriche bleiben selbst im Himmel und im Vordergrund sichtbar: Das Licht entsteht durch Nebeneinanderstellung statt durch einen durchgehenden Farbverlauf. Diese um 1889 gemalte Ansicht, als der Turm zum Symbol der Weltausstellung wird, verbindet ein Motiv moderner Architektur mit den Farbforschungen des Neoimpressionismus.
Quellen: Legion of Honor – Werkeintrag ; Fine Arts Museums of San Francisco – Datierung.
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#72 72. Der Steinbruch von Bibémus
Datum: um 1895 · Technik: Öl auf Leinwand · Maße: 92 × 73 cm · Sammlung: Barnes Foundation, Philadelphia (BF34).
In dieser hochformatigen Fassung von Der Steinbruch von Bibémus nimmt eine große Felswand die rechte Seite ein, während Pinien und Gebüsch die Blöcke im Vordergrund durchziehen. Cézanne stellt das orangefarbene Ocker des Steins dem Grün der Vegetation und den blaugrauen Schatten gegenüber. Die behauenen Flächen verleihen der Landschaft eine kantige Struktur, belebt durch die Neigungen der Stämme und Äste. Der Blick geht von einer Ebene zur anderen, ohne einem klar gezeichneten Weg zu folgen: Die Tiefe entsteht aus den Beziehungen zwischen Farben und Massen. Dieses Gemälde der Barnes Foundation gehört zu den Ansichten der Steinbrüche bei Aix-en-Provence, wo Cézanne das Gleichgewicht zwischen mineralischer Festigkeit und dem malerischen Aufbau der Landschaft erforscht.
Quelle: Barnes Foundation – Bibémus Quarry, BF34.
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#73 73. Im Bett, der Kuss
Datum: 1892 · Technik: mit Terpentin verdünnte Farbe auf Holztafel · Maße: 45,5 × 58,5 cm · Sammlung: Privatsammlung, 2015 von Christie's dokumentiert.
Zwei Frauen küssen sich in einem Bett, ihre Gesichter nahe beieinander zwischen Kissen und Laken. Der enge Bildausschnitt schließt das Zimmer fast vollständig aus und konzentriert die Aufmerksamkeit auf die verschlungenen Arme. Rotes Haar und warme Hauttöne heben sich vor blaugrauer Wäsche ab, durchzogen von schnellen Linien, die die Bewegung der Gesten fortsetzen. Das Malen mit Terpentin ermöglicht eine flüssige Materie, in der die Zeichnung sehr präsent bleibt. Diese Fassung von Im Bett, der Kuss , unter der Nummer Dortu P.438 verzeichnet, gehört zu den Szenen weiblicher Paare, die Toulouse-Lautrec 1892 malt. Sie verbindet die Beobachtung eines intimen Moments mit einer eng um die Umarmung gebauten Komposition.
Quelle: Christie's – Au lit: Le baiser, Dortu P.438.
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#74 74. Der hungrige Löwe wirft sich auf die Antilope
Datum: 1898/1905 laut Fondation Beyeler · Technik: Öl auf Leinwand · Maße: 200 × 301 cm · Sammlung: Fondation Beyeler, Riehen/Basel.
Im Vordergrund packt ein Löwe eine Antilope, während ein Panther und Vögel zwischen den Ästen erscheinen. Rousseau schließt die Szene in eine dichte Vegetation ein, in der sich jedes Blatt durch seine Kontur und seinen Grünton abhebt. Die im Hintergrund sichtbare rote Sonne verleiht dieser fast unbeweglichen Landschaft Spannung. Die gewaltsame Handlung kontrastiert mit der gleichmäßigen Präzision des Laubs: Der Dschungel wirkt wie eine konstruierte Kulisse. Dieses 1905 im Salon d'Automne gezeigte große Gemälde markiert eine wichtige Etappe in Rousseaus Anerkennung. Die Fondation Beyeler datiert es auf 1898/1905; ihre Restaurierungsuntersuchung identifizierte Überarbeitungen, deren Materialien mit einem Eingriff des Malers vereinbar sind.
Quellen: Fondation Beyeler – Werk und Restaurierung ; Ausstellungseintrag.
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#75 75. Port-en-Bessin, Hafeneinfahrt
Datum: 1888 · Technik: Öl auf Leinwand · Maße: 54,9 × 65,1 cm · Sammlung: Museum of Modern Art, New York (126.1934).
Von einer Anhöhe blickt Seurat auf die Hafeneinfahrt: Zwei Molen rahmen die Durchfahrt, in der mehrere Segelboote verkehren. Ein Grashang nimmt den Vordergrund ein, während Horizont und Hafenanlagen den oberen Bereich in horizontale Streifen gliedern. Helle Segel setzen Akzente auf dem von dunkleren Zonen durchzogenen Wasser. Kleine grüne, blaue und gelbe Pinselstriche lassen die Oberflächen vibrieren, ohne die Klarheit der Komposition aufzulösen. Der Pointillismus dient hier dem Aufbau von Lichtwirkungen: Nebeneinandergesetzte Farben verbinden sich im Auge. Das MoMA erinnert daran, dass Alfred H. Barr Jr. die Segel und Wolkenschatten mit unabhängigen Melodien verglich, die zu einem harmonischen Ganzen vereint sind.
Quelle: MoMA – Port-en-Bessin, Entrance to the Harbor.
Entdecken →Bonnard, Denis, Vuillard, Vallotton und die späten Werke erweitern das Experiment auf Intimität, Dekoration und die Avantgarden des 20. Jahrhunderts.
#76 76. Graues Wetter, Grande Jatte
Datum: um 1886–1888 · Technik: Öl auf Leinwand · Maße: 70,5 × 86,4 cm · Sammlung: Metropolitan Museum of Art, New York (2002.62.3).
Bäume rahmen eine Ansicht der Seine von der Insel La Grande Jatte aus. In der Mitte liegen ein Boot mit Schornstein und kleine Fahrzeuge auf hellem Wasser; am anderen Ufer erscheinen rote Dächer unter bedecktem Himmel. Das schräge Ufer im Vordergrund verbindet die Stämme und führt den Blick zum Fluss. Seurat belebt dieses sanfte Licht mit zahlreichen grünen, gelben, blauen und violetten Pinselstrichen: Graues Wetter kann so eine farbreiche Oberfläche hervorbringen. Der ebenfalls pointillistisch gemalte Rand setzt diese Kontraste um die Landschaft herum fort. Laut dem Metropolitan Museum wurde er kurz vor der ersten Ausstellung des Werkes 1889 hinzugefügt.
Quelle: Metropolitan Museum – Gray Weather, Grande Jatte.
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#77 77. Te aa no areois – Der Samen der Areoi
Datum: 1892 · Technik: Öl auf Juteleinen · Maße: 92,1 × 72,1 cm · Sammlung: Museum of Modern Art, New York (SPC14.1990).
Eine auf blau-weißem Stoff sitzende Figur nimmt die Mitte dieser tahitianischen Landschaft ein. Ihre unbewegliche Haltung kontrastiert mit rosa Blumen, gelben Palmblättern und orangefarbenem Boden; im Vordergrund verstärken Früchte die Farbklänge. Dunkle Bergsilhouetten und große, wenig modellierte Flächen verleihen der Szene einen symbolischen Charakter. Laut dem MoMA stellt Gauguin hier Vairaumati dar, verbunden mit dem Ursprungsmythos der Areoi, und kombiniert ägyptische, japanische und javanische Bezüge. Diese erfundene Komposition drückt seine Vorstellung einer idealisierten polynesischen Vergangenheit aus: Die Gesellschaft der Areoi war auf einer durch die Kolonisation veränderten Insel bereits verschwunden. Die Farbe wirkt somit vollständig am Aufbau der Erzählung mit.
Quelle: MoMA – The Seed of the Areoi.
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#78 78. Bonjour Monsieur Gauguin
Im Gemälde Bonjour Monsieur Gauguin trennt eine Holzbarriere einen Mann mit Baskenmütze von einer von hinten gesehenen Bretonin. Ein kleiner weißer Hund nimmt den unteren Teil des Weges ein; hinter den Figuren ordnen farbige Felder und kahle Bäume die Tiefe. Diese im Herbst 1889 in Le Pouldu in der Bretagne gemalte Begegnung greift den Titel von Bonjour Monsieur Courbet auf, das Gauguin mit Van Gogh in Montpellier entdeckt hatte. Die Nationalgalerie Prag hebt den Kontrast zwischen dem von Courbet erdachten feierlichen Empfang und Gauguins gewöhnlicherem, ironisch gefärbtem Gruß hervor. Achten Sie darauf, wie die Barriere die Komposition strukturiert: Sie rückt die Personen im Bild zusammen und hält zugleich einen Abstand zwischen ihnen aufrecht.
Quelle: Nationalgalerie Prag – Bonjour Monsieur Gauguin.
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#79 79. Das Becken des Jas de Bouffan
Im Gemälde Das Becken des Jas de Bouffan fasst Cézanne ein Wasserbecken auf dem Familienbesitz bei Aix-en-Provence in den Bildausschnitt. Die Orangerie erscheint links; große Bäume, Blumen und Skulpturen säumen das Becken. Ihre Spiegelungen nehmen den gesamten Vordergrund ein, in dem blaue, grüne und ockerfarbene Pinselstriche die Formen fragmentieren. Die horizontale Linie des Randes stabilisiert die Komposition, während aufrechte Stämme und Wasserstrahlen ihren Rhythmus bestimmen. Betrachten Sie die Spiegelungen der Pfeiler: Ihre Farben antworten auf die Gebäude und verbinden die beiden Bildhälften. Diese unter FWN 92 verzeichnete und auf etwa 1876 datierte Fassung zeigt, wie Cézanne eine Landschaft durch Farbverhältnisse und die Richtung der Pinselstriche aufbaut.
Quelle: Société Paul Cezanne – Werkverzeichnis, FWN 92. Das Verzeichnis nennt 49 × 55 cm und führt auch die Maße der Eremitage an: 46,1 × 56,3 cm.
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#80 80. Die schöne Angèle
Die schöne Angèle zeigt Marie-Angélique Satre, eine Gastwirtin in Pont-Aven, in festlicher bretonischer Tracht. Gauguin fasst ihr Gesicht, ihre Haube und ihre gefalteten Hände in ein großes Medaillon ein, das sich vor einem blauen Hintergrund mit Blumenmustern abhebt. Links begleitet eine anthropomorphe Keramik peruanischer Inspiration das Porträt. Das Musée d'Orsay verbindet diesen kreisförmigen Bildausschnitt mit japanischen Holzschnitten: Der Raum wird zu einer dekorativen Oberfläche, auf der dunkle Konturen und vereinfachte Formen mehr zählen als traditionelle Perspektive. Beachten Sie den Kontrast zwischen heller Haube und dunkler Kleidung, dann die wiederkehrenden Kurven des Medaillons und der Keramik. Das Modell lehnte das Gemälde ab; Degas, der es bewunderte, kaufte es 1891. Diese entgegengesetzten Reaktionen beleuchten die Kühnheit des Porträts.
Quelle: Musée d'Orsay – Die schöne Angèle, RF 2617.
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#81 81. Der Sämann – Fassung in Winterthur
In dieser Fassung des Gemäldes Der Sämann durchquert ein Bauer ein weites gelbes Feld, einen Sack am Körper und einen Arm ausgestreckt, um Samen zu verteilen. Furchen und gebogene Pinselstriche nehmen fast die gesamte Leinwand ein; Gebäude und Bäume bei Arles bilden einen schmalen Streifen am Horizont. Die dunkle Silhouette und ihr Schatten heben sich vor dem Gelb, Ocker und bläulichen Grau des Bodens ab. In seinem Brief an Theo vom 27. oder 28. Oktober 1888 beschreibt Van Gogh eine neue Studie mit einer sehr flachen Landschaft und einer kleinen, wenig detaillierten Figur. Die wissenschaftliche Briefausgabe identifiziert dieses Werk als F 494 / JH 1617. Beachten Sie, wie die geringe Größe des Sämanns dem Feld seine ganze Weite verleiht.
Quellen: Van Gogh Museum und Huygens Institute – Brief 714, Anmerkung 5 ; Kunst Museum Winterthur – Werkliste der Villa Flora, Nr. 18.
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#82 82. Blick aus Vincents Atelier
Blick aus Vincents Atelier zeigt ein Gewirr von Pariser Dächern, Schornsteinen und Fassaden von oben. Blaugraue Flächen überlagern sich; kleine orangefarbene Schornsteinaufsätze und einige grüne Pinselstriche unterbrechen die zurückhaltende Farbskala. Der helle Himmel nimmt den oberen Bildteil ein, während Vegetation den Vordergrund abschließt. Diese im Juni 1886 in Paris gemalte kleine Ölmalerei auf Karton lädt dazu ein, die Stadt durch ihre Volumen und Oberflächen zu betrachten. Achten Sie darauf, wie die vertikalen Schornsteine die Dachdiagonalen unterbrechen: Sie bieten Orientierung in einem sehr dichten Raum. Sichtbare Pinselstriche folgen den Dachneigungen und beleben die Fassaden, ohne auf eine Straßenszene oder Personen zurückzugreifen.
Quelle: Van Gogh Museum – View from Vincent's Studio, s0095V1962.
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#83 83. Das offene Fenster
Im Gemälde Das offene Fenster lässt Bonnard ein Zimmer seines Hauses in der Normandie mit dem Garten draußen in einen Dialog treten. Das Blau des Himmels und das Grün des Laubs kontrastieren mit dem Rot und Orange von Wänden und Möbeln. Ein dunkles Rollo schneidet den oberen Teil der Öffnung ab; der helle Fensterflügel rechts verlängert das Licht in den Raum. Eine Frau und eine Katze erscheinen unauffällig in der rechten unteren Ecke. Beachten Sie, wie diese Figuren erst nach dem Fenster entdeckt werden, das zunächst den Blick anzieht. Die Phillips Collection erinnert daran, dass Bonnard aus der Erinnerung arbeitete: Diese häusliche Szene ist eine malerische Rekonstruktion. Die Restaurierung von 2023 zeigte, dass selbst die scheinbar schwarze Katze mit Mischungen von Blau und Rot gemalt ist.
Quellen: The Phillips Collection – The Open Window, Nr. 0172 ; Bonnard's Worlds – Untersuchung und Restaurierung des Gemäldes.
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#84 84. Der See von Annecy
Im Gemälde Der See von Annecy rahmt ein großer Baum links das blaue Wasser, das Schloss am Ufer und die Berge. Spiegelungen verlängern die Formen in die untere Bildhälfte, während Äste die Landschaft diagonal durchqueren. Cézanne malt diese Ansicht 1896 während eines Alpenaufenthalts mit seiner Frau und seinem Sohn. Laut der Courtauld Gallery ist dies das einzige während dieser Reise entstandene Gemälde. Der Maler ordnet die ihm zu malerisch erscheinende Landschaft neu: Das Schloss wird zu einer Anordnung geometrischer Volumen, und die Hänge werden durch kontrastierende Farbflächen aufgebaut. Beachten Sie, wie die Ockertöne des Stammes und der Gebäude auf das Blau und Grün des Sees antworten: Die Farbe verbindet die verschiedenen Ebenen.
Quelle: Courtauld Gallery – Lac d'Annecy, P.1932.SC.60.
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#85 85. Zwei Bretoninnen auf einer Wiese
Im Gemälde Zwei Bretoninnen auf einer Wiese platziert Émile Bernard die beiden kleinen Figuren in der rechten unteren Ecke in einer von Bäumen und Himmel beherrschten Landschaft. Die gelbgrüne Wiese, bläuliche Schatten und das Laub werden durch zahlreiche kleine, getrennte Pinselstriche aufgebaut. Beachten Sie, wie sich die Farben aus der Entfernung vermischen und wie jeder einzelne Strich beim Näherkommen wieder hervortritt. Diese 1886 in Pont-Aven gemalte Ölmalerei auf Holztafel bezeugt eine Phase pointillistischer Experimente Bernards, die im wissenschaftlichen Katalog des Van Gogh Museum beschrieben wird. Die absteigende Diagonale der Baumlinie führt zu den Personen; ihre geringe Größe lässt die Weite der Wiese spüren. Dieses Gemälde macht die Vielfalt seiner Forschungen vor den großen cloisonnistischen Kompositionen von 1888 verständlich.
Quellen: Van Gogh Museum – Two Breton Women in a Meadow ; Wissenschaftlicher Katalog – Bernards Forschungen 1886.
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#86 86. Das gelbe Haus
Das gelbe Haus zeigt die Place Lamartine in Arles, wo Van Gogh im Mai 1888 vier Zimmer mietet. Die grünen Fensterläden kennzeichnen seine Wohnung im Eckgebäude. Gelbe Fassaden und Fahrbahn kontrastieren mit einem intensiv blauen Himmel; die Straßenlinien führen zur Eisenbahnbrücke und zum Zug rechts. Kleine Passanten und sitzende Figuren beleben die Umgebung des Hauses. Das Van Gogh Museum erinnert daran, dass der Künstler dieses Gemälde Die Straße nannte: Es zeigt auch links das Restaurant, in dem er aß, und hinter der zweiten Brücke das Viertel seines Freundes Joseph Roulin. Beachten Sie das Zusammentreffen von Gelb und Blau: Es gibt dem Ort, an dem Van Gogh Maler zum gemeinsamen Leben und Arbeiten versammeln wollte, eine visuelle Einheit.
Quelle: Van Gogh Museum – The Yellow House (The Street), s0032V1962.
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#87 87. Der Kanal von Gravelines am Abend
Im Gemälde Der Kanal von Gravelines am Abend ordnet Seurat eine Hafenansicht um große horizontale Streifen: den dunklen Kai im Vordergrund, das helle Wasser, das gegenüberliegende Ufer und den Himmel. Ein Pfosten links und die schrägen Anker rechts rahmen die Segelboote, deren Silhouetten und Spiegelungen Akzente im Kanal setzen. Beachten Sie den Unterschied zwischen diesen nahen, sehr dunklen Gegenständen und den blasseren Booten: Er macht die Entfernung lesbar, obwohl die Oberfläche vollständig mit kleinen Pinselstrichen bedeckt ist. Diese vom MoMA auf den Sommer 1890 datierte Ölmalerei zeigt, wie der Pointillismus eine feste geometrische Struktur mit einem zarten Licht verbinden kann. Rosa, blaue, grüne und gelbe Punkte beleben selbst die Bereiche, die aus der Ferne fast weiß erscheinen.
Quelle: MoMA – The Channel at Gravelines, Evening, 785.1963.
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#88 88. Porträt von Eugène Boch
Im Porträt von Eugène Boch stellt Van Gogh den hellen Kopf und das gelbe Jackett des belgischen Malers einem tiefblauen, sternenbesäten Hintergrund gegenüber. Das schmale Gesicht, die grünen Augen und die gestreifte Krawatte verleihen dem Modell eine genaue Präsenz; der Himmel verwandelt das Porträt jedoch in ein imaginäres Bild. Das Musée d'Orsay erklärt, dass Van Gogh seine Zuneigung zu diesem Künstlerfreund ausdrücken wollte, indem er eine gewöhnliche Wand durch eine Vorstellung der Unendlichkeit ersetzte. Er nannte das Werk Der Dichter . Beachten Sie, wie die Gelbtöne von Gesicht und Kleidung auf die Sterne antworten: Die Farbe verbindet die Person mit diesem symbolischen Hintergrund. Van Gogh rahmte das Bild und hängte es in seinem Schlafzimmer im Gelben Haus auf; es erscheint in der ersten Fassung des Gemäldes Das Schlafzimmer .
Quelle: Musée d'Orsay – Eugène Boch, RF 1944 9.
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#89 89. Der rote Weinberg
Im Gemälde Der rote Weinberg verwandelt Van Gogh die Weinlese bei Arles in eine Gegenüberstellung von Farben: Rote und orangefarbene Rebstöcke antworten auf die blauen und grünen Kleider der Arbeiter unter einer großen gelben Sonne. Die Baumreihe links und der helle Weg rechts führen den Blick nach hinten, während die gebeugten Silhouetten die Erntearbeit spürbar machen. Beachten Sie die dicken, gerichteten Pinselstriche: Sie verleihen dem Gelände eine Bewegung, die über die bloße Landschaftsbeschreibung hinausgeht. Dieses im November 1888 gemalte Bild wird im Puschkin-Museum aufbewahrt. Anna Boch kaufte es 1890 in Brüssel; es gehört zu den wenigen zu Van Goghs Lebzeiten verkauften Werken und sollte nicht als sein einziger Verkauf bezeichnet werden.
Quellen: Puschkin-Museum – aktueller Katalog, Ж-3372 ; Historischer Museumseintrag.
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#90 90. Harlekin
Im Gemälde Harlekin malt Cézanne seinen Sohn Paul im Kostüm einer Figur der Commedia dell'Arte. Rote und schwarze Rauten gliedern die Silhouette vor einer blaugrünen Wand, während der helle Hut und das Holzschwert leuchtende Akzente einführen. Beachten Sie die lange Diagonale dieses Schwertes, die versetzten Beine und die große Hand: Diese Details verleihen der Pose eine Spannung, die das unbewegte Gesicht zurückzuhalten scheint. Der Vorhang über der Figur erinnert an das Theater, doch weder Publikum noch Partner beleben die Szene. Diese Fassung in Washington gehört zu einer Werkgruppe, die Mardi gras und mehrere einzelne Harlekine umfasst. Sichtbare Pinselstriche bauen Körper und Umgebung durch Farbflächen statt durch eine detailgenaue Zeichnung auf.
Quelle: National Gallery of Art – Harlequin, 1985.64.7.
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#91 91. Das weiße Pferd
Im Gemälde Das weiße Pferd entwirft Gauguin eine von Vegetation geschlossene tahitianische Landschaft ohne Himmel oder Horizont. Das Pferd im Vordergrund trinkt aus einem dunklen Bach; sein Fell nimmt grüne Nuancen an, die es mit dem Laub verbinden. Zwei kleinere Reiter setzen die Szene nach oben fort, während geschwungene Äste und Blumen einen dekorativen Rahmen bilden. Beachten Sie, wie tiefes Blau, Grün und orangefarbene Akzente den Raum ordnen: Die Farbe zählt mehr als realistische Perspektive. Diese während Gauguins zweitem Aufenthalt auf Tahiti gemalte Komposition entspringt einer neu zusammengesetzten Vision statt einer getreuen Bestandsaufnahme. Das Museum berichtet, dass der Auftraggeber das Gemälde ablehnte, weil ihm das Pferd zu grün erschien: ein konkretes Beispiel für die chromatische Kühnheit des Malers.
Quelle: Musée d'Orsay – Das weiße Pferd, RF 2616.
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#92 92. Hommage an Cézanne
Im Gemälde Hommage an Cézanne vereint Maurice Denis Künstler und Kritiker in Ambroise Vollards Galerie. Cézanne wird durch Obstschale, Glas und Äpfel evoziert, das Stillleben auf der Staffelei. Links hört Odilon Redon Paul Sérusier zu, dessen offene Hände der Diskussion eine sichtbare Präsenz geben. Zu den weiteren Figuren gehören Vuillard, Vollard, Denis, Ranson, Roussel, Bonnard und Marthe Denis. Beachten Sie den Kontrast zwischen dunkler Kleidung und Gesichtern, dann zwischen diesen Silhouetten und den farbigen Bildern im Hintergrund: Er ordnet dieses Gruppenporträt um die Malerei und ihre Fürsprecher. Das 1900 entstandene Werk bekräftigt die Bezugspunkte eines Teils der Nabis. André Gide kaufte es, bevor er es 1928 dem Staat schenkte.
Quelle: Musée d'Orsay – Hommage an Cézanne, RF 1977 137.
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#93 93. Allein
Im Gemälde Allein erfasst Toulouse-Lautrec eine Frau auf einem ungemachten Bett, den Kopf rechts und die Beine zum Vordergrund hin herabhängend. Schwarze Strümpfe bilden zwei dunkle Akzente zwischen den weißen Laken; wenige blaue Linien reichen aus, um Körper, Matratze und Falten anzudeuten. Beachten Sie die großen sichtbaren Ockerflächen: Der Karton trägt zur Farbe dieser Studie bei, deren schnelle Ausführung den Eindruck einer unmittelbaren Geste erzeugt. Sie entstand 1896 und bereitet Müdigkeit vor, eine Lithografie des Albums Elles , das dem Alltag von Frauen in Bordellen gewidmet ist. Die Szene zeigt einen Ruhemoment ohne gesellschaftliche Pose oder moralisches Urteil. Das kleine Format und die leichte Materie konzentrieren die Aufmerksamkeit auf die Haltung des Modells.
Quelle: Musée d'Orsay – Allein, RF 1984 30.
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#94 94. Selbstporträt mit Strohhut
In diesem Selbstporträt mit Strohhut stellt Van Gogh das Gelb des Hutes und die rötlichen Barttöne dem Blau und Grün der Jacke gegenüber. Kleine Pinselstriche folgen den Rundungen von Gesicht und Kopfbedeckung, während die des Hintergrunds eine Schwingung um den Blick erzeugen. Beachten Sie, wie die Farben aus der Nähe getrennt bleiben, aber aus der Ferne gemeinsam die Volumen aufbauen: Diese Fassung von 1887 bezeugt die Pariser Forschungen des Künstlers zu Pinselstrich und Farbe. Da ihm die Mittel fehlten, regelmäßig ein Modell zu beschäftigen, schuf Van Gogh während seines Pariser Aufenthalts zahlreiche Selbstporträts. Die Leinwand im Met trägt auf der Rückseite eine ältere Bauernstudie, Der Kartoffelschäler , gemalt 1885.
Quelle: Metropolitan Museum of Art – Self-Portrait with a Straw Hat, 67.187.70a.
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#95 95. Öffentliche Gärten: Spielende Mädchen
Im Gemälde Öffentliche Gärten: Spielende Mädchen nutzt Vuillard ein hohes, schmales Format, um Kinder zwischen einem großen Stamm und dem Laub hervortreten zu lassen. Rote, blaue und gelbe Kleider setzen Akzente im unteren Teil der Komposition, während helle Pinselstriche von Boden und Bäumen die Figuren mit dem Garten verbinden. Beachten Sie den Stamm, der einen Teil der Gruppe verdeckt: Dieser Bildausschnitt verwandelt eine Spielszene in eine dekorative Anordnung von Formen und Farben. Die Tafel gehört zum neunteiligen Zyklus Öffentliche Gärten , den Alexandre Natanson 1894 für seine Pariser Wohnung bestellte. Der Eintrag des Musée d'Orsay präzisiert, dass Vuillard sie 1936 überarbeitete. Ihre Komposition ist somit als Teil eines Dekors zu verstehen, das die Bewohner eines Raums umgeben sollte.
Quellen: Musée d'Orsay – Tafel RF 1978 46 ; Vorstellung des Zyklus.
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#96 96. Zirkusparade
Im Gemälde Zirkusparade stellt Seurat eine Attraktion vor dem Zirkus Corvi dar, die Passanten zum Kauf einer Eintrittskarte bewegen sollte. Der Posaunist in der Mitte, die Musiker links und die Figuren rechts erscheinen unter einer Reihe von Gasflammen, während die Hüte des Publikums den unteren Bildrand gliedern. Beachten Sie die horizontalen Linien der Brüstung und die Vertikalen der Figuren: Sie verleihen dieser Darbietungsszene eine fast unbewegliche Struktur. Kleine Farbstriche erzeugen ein diffuses Licht, das sich deutlich vom hellen Sonnenlicht in La Grande Jatte unterscheidet. Diese 1887 anhand von Skizzen begonnene und 1888 abgeschlossene Komposition ist Seurats erstes großes Nachtbild über populäre Unterhaltung.
Quelle: Metropolitan Museum of Art – Parade de cirque, 61.101.17.
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#97 97. Der Ball
Im Gemälde Der Ball betrachtet Vallotton den Garten von einem erhöhten Standpunkt aus. Ein Kind mit weißem Kittel und gelbem Hut läuft auf einen kleinen roten Ball zu, auf einem ockerfarbenen Weg, den Baumschatten durchqueren. Zwei winzige Frauen in Blau und Weiß stehen weiter hinten nahe dem Laub. Beachten Sie den Größenunterschied zwischen ihnen und dem Kind, dann die große Kurve, die den hellen Weg von der dunklen Vegetation trennt: Diese Entscheidungen erzeugen Tiefe und machen die Landschaft zugleich zu einer fast ebenen Fläche. Das 1899 gemalte Werk verbindet eine vertraute Szene mit einem kühnen Bildausschnitt. Vereinfachte Formen und Farbzonen geben der Leere des Gartens ebenso viel Bedeutung wie den Personen.
Quelle: Musée d'Orsay – Der Ball, RF 1977 353.
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#98 98. Ich selbst, Porträt-Landschaft
Im Gemälde Ich selbst, Porträt-Landschaft stellt sich Rousseau stehend in schwarzem Anzug und Baskenmütze dar, mit Palette und Pinsel in den Händen. Seine monumentale Silhouette beherrscht einen Pariser Kai, ein beflaggtes Schiff, eine Brücke und den Eiffelturm; ein Heißluftballon schwebt am Himmel. Beachten Sie die beiden kleinen Spaziergänger am Wasser: Ihr Maßstab unterstreicht den Platz, den der Maler sich in dieser neu zusammengesetzten Landschaft zuweist. Klare Konturen und sorgfältig getrennte Details verleihen der Szene eine besondere Feierlichkeit. Der Titel verbindet ausdrücklich Porträt und Landschaft, und die Malwerkzeuge bekräftigen Rousseaus berufliche Identität. Die auf 1890 datierte Leinwand gehört seit ihrem Erwerb durch den tschechoslowakischen Staat 1923 zur Nationalgalerie Prag.
Quellen: Nationalgalerie Prag – Porträt O 3221 ; Musée de l'Orangerie – Rousseau-Begleitheft 2026, Format und Technik.
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#99 99. Blühende Obstgärten mit Blick auf Arles
Im Gemälde Blühende Obstgärten mit Blick auf Arles platziert Van Gogh rechts einen großen beschnittenen Baum so nah am Betrachter, dass seine Äste über den Bildrand hinausreichen. Dahinter liegen blühende Bäume, orangefarbene Dächer und die Türme von Arles übereinander über einer grünen Wiese. Beachten Sie die kleinen weißen und gelben Blütenstriche gegenüber den blauen und violetten Astkonturen: Sie lassen den Frühling vibrieren, ohne die Struktur der Bäume aufzulösen. Diese auf April 1889 datierte Fassung in Amsterdam trägt die Nummer F515; sie unterscheidet sich von der Ansicht F516 in München. Das Museum betont den Einfluss japanischer Holzschnitte auf den Bildausschnitt des Baumes im Vordergrund, der die Landschaft in eine bewusst dezentrierte Komposition verwandelt.
Quellen: Van Gogh Museum – Eintrag auf Google Arts & Culture ; Museumsshop – Originalmaße, s0036V1962.
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#100 100. Tahitianische Landschaft
Im Gemälde Tahitianische Landschaft durchquert ein rosa Weg eine gelbgrüne Wiese und erreicht die Bäume am Fuß eines roten Berges. Eine Person mit einer Last geht auf diesem Weg, während sich links ein kleiner Hund abhebt. Beachten Sie die Palmen mit ihren schlanken Stämmen: Ihre Vertikalen verbinden den Vordergrund mit den hellen Wolken, während farbige Massen das Relief vereinfachen. Dieses 1891 während Gauguins erstem Aufenthalt auf Tahiti gemalte Werk bevorzugt geschwungene Konturen und intensive Farben gegenüber einer getreuen Lichtwiedergabe. Das Museum in Minneapolis erkennt darin eine Suche nach tropischer Gelassenheit: Die Landschaft drückt somit eine vom Maler konstruierte Vision aus statt eines neutralen Dokuments über die Insel.
Quelle: Minneapolis Institute of Art, Werkeintrag und Maße.
Entdecken →Was die Werke offenbaren
Hundert Werke, drei entscheidende Freiheiten
Die Werke zeigen verschiedene Wege, Farbe, Form und Thema zu ordnen. Der Vergleich ihrer Methoden macht die Vielfalt des Postimpressionismus verständlich.
Die Farbe gehorcht nicht mehr
Sie kann eine Emotion steigern, Ebenen trennen oder einen Farbklang aufbauen, ohne den beobachteten Ton genau wiederzugeben.
Das Gemälde bekräftigt seine Oberfläche
Konturen, Farbflächen, Punkte und Rhythmen machen die Ordnung der gemalten Oberfläche sichtbar.
Jeder Künstler erfindet seine Methode
Serie, Synthetismus, Divisionismus, Aufbau oder Dekoration werden zu persönlichen Programmen statt zu einer gemeinsamen Lehre.
Chronologie der Abzweigungen
Fünf Daten für den Aufbruch auf verschiedene Wege
Die achte impressionistische Ausstellung nimmt Seurat und Signac auf, während sich die Wege der Gruppe trennen.
Van Gogh arbeitet in Südfrankreich, während Gauguin, Bernard und Sérusier in der Bretagne eine synthetische Malerei entwickeln.
Van Gogh malt in Saint-Rémy, während die neuen expressiven Farben eine dauerhaft bedeutende historische Kraft gewinnen.
Gauguin sucht neue Motive und entwirft eine Bildwelt, deren visuelle Kraft auch einen kritischen Blick auf den kolonialen Kontext erfordert.
Roger Fry organisiert in London die Ausstellung Manet and the Post-Impressionists und etabliert den Begriff rückblickend.
Die Bewegung vertiefen
Warum ist der Postimpressionismus so bedeutend?
Der Postimpressionismus bezeichnet vielfältige Forschungen, die aus dem Impressionismus hervorgehen. Er ist durch den Vergleich der Werke besser zu verstehen als durch die Suche nach einer gemeinsamen Technik. Die hier vorgeschlagenen Gegenüberstellungen dienen dazu, Unterschiede im Aufbau, in der Farbe und im Thema zu beobachten.
Bei Van Gogh verleihen die Richtung der Pinselstriche und die Farbkontraste Landschaften und Porträts eine besondere Intensität. Cézanne untersucht die Volumen und die Beziehungen zwischen den Ebenen. Gauguin vereinfacht die Formen und verbindet dargestellte Szenen gelegentlich mit symbolischen Inhalten. Seurat und Signac trennen die Farben in geordnete Pinselstriche.
Die Auswahl zeigt außerdem Künstler, die diesen Ansätzen nahestehen oder sie weiterführen. Die Dekorationen von Bonnard, Vuillard und Maurice Denis zeigen insbesondere, dass sich der Blick ebenso auf die gemalte Oberfläche wie auf die Tiefe der Szene richten kann. Ihre Aufnahme erweitert den Rundgang über die vier gewöhnlich mit dem Postimpressionismus verbundenen Hauptfiguren hinaus.
Mehrere Titel bezeichnen Serien oder unterschiedliche Fassungen. Sammlung, Datum und Abbildung jedes Eintrags präzisieren, welche gezeigt wird. Ein gerundetes Maß oder eine ältere Zuschreibung darf nicht zur Verwechslung zweier Werke führen: Die Referenzen erschließen die Informationen von Museen und Katalogen.
Die Originale sind nicht alle auf Leinwand gemalt. Einige Werke dieses Rundgangs verwenden Karton, Holztafel oder Juteleinen. Die technischen Angaben beschreiben das Original; Format und Bildträger einer Reproduktion sind auf ihrer eigenen Produktseite nachzulesen.
Vier Schlüssel zur Betrachtung
Über den ersten Eindruck hinausblicken
Vergleichen Sie Struktur, Farbe, Kontur und Rhythmus in den Bildern, um die individuellen Entscheidungen jedes Künstlers zu erkennen.
Volumen erkennen
Bei Cézanne verleihen Ebenen, Linien und Massen dem Motiv eine Festigkeit, die nicht mehr von der Anekdote abhängt.
Abweichungen beobachten
Ein von der Wirklichkeit entfernter Farbton kann Spannung, Erinnerung oder die Intensität eines Ortes ausdrücken.
Farbflächen verfolgen
Umrisslinien und vereinfachte Flächen rücken manche Werke an den Holzschnitt, das Glasfenster oder das Plakat heran.
Pinselstriche und Punkte vergleichen
Wiederholungen, Richtungen und farbige Zwischenräume ordnen die Bewegung des Blicks über die gesamte Leinwand.
Karte der Ateliers
Nach der letzten Farbe weitergehen
Entdecken Sie Künstlersammlungen und Museumsressourcen, um die Vergleiche fortzusetzen.
Bei Alpha Reproduction
01Vincent van GoghDie Meister des Postimpressionismus02Georges SeuratDie Meister des Postimpressionismus03Paul CézanneDie Meister des Postimpressionismus04Paul GauguinDie Meister des Postimpressionismus05Henri de Toulouse-LautrecDie Meister des Postimpressionismus06Henri RousseauDie Meister des Postimpressionismus07Paul SignacDie Meister des Postimpressionismus08Paul SérusierDie Meister des Postimpressionismus09Henri-Edmond CrossDie Meister des Postimpressionismus10Pierre BonnardDie Meister des Postimpressionismus11PostimpressionismusSammlungen & Guides12Postimpressionistische ReproduktionenSammlungen & Guides13Berühmte GemäldeSammlungen & Guides14Alle Ranglisten berühmter GemäldeSammlungen & Guides15Reproduktionen von Vincent van GoghSammlungen & Guides16Reproduktionen von Paul CézanneSammlungen & Guides17Alle GemäldereproduktionenSammlungen & GuidesMuseen und Referenzen
01Wikipedia – PostimpressionismusMuseum & Referenz02Wikidata – PostimpressionismusMuseum & Referenz03Wikimedia Commons – PostimpressionismusMuseum & Referenz04Musée d'Orsay – postimpressionistische SammlungenMuseum & Referenz05Van Gogh Museum – SammlungMuseum & Referenz06MoMA – PostimpressionismusMuseum & Referenz07National Gallery – PostimpressionismusMuseum & Referenz08Wikipedia – Georges SeuratMuseum & ReferenzHäufig gestellte Fragen
Fragen und Antworten zum Postimpressionismus
Die wichtigsten Antworten, um seine Grenzen zu verstehen, seine Strömungen zu unterscheiden und die wirklich zentralen Werke zu erkennen.
Was ist Postimpressionismus?
Der Postimpressionismus umfasst mehrere Ansätze, die impressionistische Forschungen fortsetzen oder verändern. Er entspricht keiner einheitlichen Schule: Der Aufbau der Formen, expressive Farbe, Symbolismus und getrennte Pinselstriche nehmen je nach Künstler unterschiedliche Stellenwerte ein.
Wer sind die wichtigsten postimpressionistischen Maler?
Cézanne, Van Gogh, Gauguin und Seurat bilden bedeutende Bezugspunkte. Diese Auswahl zeigt außerdem Signac, Toulouse-Lautrec, Émile Bernard, Sérusier, Cross und Künstler, die diesen Forschungen nahestehen, insbesondere die Nabis Bonnard, Vuillard und Maurice Denis.
Was unterscheidet Impressionismus und Postimpressionismus?
Die Impressionisten erforschen insbesondere wechselndes Licht und Szenen des modernen Lebens. Die unter dem Namen Postimpressionisten zusammengefassten Künstler setzen diese Forschungen fort und betonen dabei Struktur, expressive Entscheidungen oder symbolischen Inhalt. Die Grenzen bleiben fließend: Manche Maler gehören mehreren Strömungen an.
Gehört der Pointillismus zum Postimpressionismus?
Der Neoimpressionismus von Seurat und Signac gehört zu diesem Panorama. Pointillismus bezeichnet das Nebeneinandersetzen kleiner Farbpunkte; Divisionismus betrifft die Trennung der Farben in einzelne Pinselstriche. Deshalb verwendet nicht jedes postimpressionistische Gemälde Punkte.
Wann erscheint der Begriff Postimpressionismus?
Roger Fry verwendet den Begriff für die Ausstellung Manet and the Post-Impressionists, die 1910 in London stattfindet. Der Name fasst rückblickend Forschungen zusammen, die bereits am Ende des 19. Jahrhunderts entwickelt wurden; 1910 markiert somit nicht den Beginn der Entstehung der Werke.
Welche Gemälde helfen, den Postimpressionismus zu verstehen?
Vergleichen Sie Die Sternennacht für Van Goghs expressiven Pinselstrich, den Mont Sainte-Victoire für Cézannes Aufbau, La Grande Jatte für Seurats getrennte Farbe und Vision nach der Predigt für Gauguins Synthetismus. Die Einträge präzisieren die abgebildete Fassung, wenn mehrere Gemälde einen ähnlichen Titel tragen.
Bilden die 100 Gemälde eine offizielle Rangliste?
Nein. Es handelt sich um eine redaktionelle Auswahl, die bedeutende Werke, weniger bekannte Gemälde und Künstler im Umfeld des Postimpressionismus verbindet. Die Nummern erleichtern die Navigation und messen weder einen Marktwert noch einen Konsens der Museen.
Beziehen sich die Angaben auf das Original oder die Reproduktion?
Die in den Einträgen genannten Entstehungsdaten, Sammlungen, Techniken und Maße beziehen sich auf die Originalwerke. Die Maße sind als Höhe × Breite angegeben. Reproduktionslinks führen zu gesonderten Verkaufsseiten; manche Einträge verweisen auf ein Museum, um das Original zu betrachten.
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