Top 100 – Dadaismus
Dadaismus: 100 Werke und ihre künstlerischen Ansätze
Von Picabia, Sophie Taeuber und Schwitters bis zu den Avantgarden ihres Umfelds: hundert Gemälde, in denen Maschinen, Wörter, Geometrie und Widerspruchsgeist die Tradition an einen absichtlich wackligen Tisch setzen.
Dada entsteht während des Ersten Weltkriegs mit einer recht vernünftigen Frage: Warum die Regeln einer Kultur achten, die gerade eine solche Katastrophe hervorgebracht hat? Die Antwort liegt in verliebten Maschinen, absurden Titeln, überhandnehmenden Signaturen und einem künstlerischen Ernst, der gebeten wird, draußen zu warten.
Die Kunst legt ihre Krawatte ab
Der Ernst, an der Staffelei zerlegt
In Zürich, New York, Berlin und Paris ist Dada weder ein einheitlicher Stil noch ein bloßer Scherz. Picabia ersetzt Menschen durch Mechanismen, Sophie Taeuber verbindet Abstraktion, Tanz und angewandte Kunst, und Schwitters erfindet Merz aus der weggeworfenen Welt. Um sie herum bilden Orphismus, De Stijl und Expressionismus eine Landschaft aus Bündnissen und Meinungsverschiedenheiten, die die Epoche viel lebendiger macht als ein ordentlich gebügeltes Manifest.
Hundert Gemälde, kein unter dem Tisch verstecktes Ready-made: Dada behält seine Frechheit, doch die Rangliste respektiert endlich das angekündigte Medium.Zu den Bildern
Die Werke der Auswahl
Die Werke in Bildern
Dada malt die Maschine und bringt die Wörter durcheinander
Picabia, Taeuber und Schwitters verwandeln Mechanismen, Geometrie, Signaturen und Titel in Waffen, die fröhlich gegen das allzu wohlerzogene Kunstwerk gerichtet sind.
#1
Francis Picabia1. L’Œil cacodylate
1921, als er an einem Augenleiden leidet, verwandelt Picabia eine von einem großen Auge beherrschte Leinwand in ein gemeinschaftliches Gästebuch. Freunde, Besucher und Künstler ergänzen Signaturen, Zeichnungen und Bemerkungen. L’Œil cacodylate untergräbt so die Idee eines unberührten Kunstwerks und eines einzigen Urhebers. Die Malerei wird zu einer Gesellschaft, die sich geweigert hätte, nach Hause zu gehen.
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#2
Francis Picabia2. Liebesparade
Die 1917 entstandene Liebesparade gehört zu Picabias mechanomorphen Bildern. Zwei technische Vorrichtungen ersetzen die Körper und spielen die Verführung als Begegnung von Kolben, Zifferblättern und Riemen nach. Der Künstler zweckentfremdet industrielle Schemata, um die Gefühlspsychologie zu verspotten. Das Paar funktioniert vielleicht, doch niemand hat die Herstellergarantie geliefert.
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#3
Francis Picabia3. Edtaonisl (Geistlicher)
Das 1913 gemalte Edtaonisl verbindet Silhouetten, Kreise und mechanische Fragmente unter einem Titel, der sich jeder eindeutigen Übersetzung widersetzt. Picabia geht von Begegnungen, Darbietungen und Erinnerungen aus, um ein unmöglich wiederzuerkennendes Porträt zu schaffen. Diese bewusste Rätselhaftigkeit geht Dada voraus: Das Bild behandelt die Erklärung bereits wie einen allzu ernsten Gast, den man an der Tür warten lassen kann.
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#4
Francis Picabia4. New York
New York gehört zu dem Moment, in dem Picabia die Vereinigten Staaten und ihre industrielle Vorstellungswelt entdeckt. Er verwandelt die Stadt in eine symbolische Maschine statt in ein Panorama von Wolkenkratzern. Namen, Räder und technische Zeichen bilden ein Porträt ohne Gesicht. Das Werk zeigt New York nicht; es stattet die Stadt mit einem Motor, einigen fragwürdigen Verbindungen und einem hervorragenden Selbstvertrauen aus.
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#5
Sophie Taeuber5. Dada-Komposition
Sophie Taeubers Dada-Komposition entsteht im Zürich der Cabaret-Voltaire-Jahre, wo Tanz, Lautpoesie, Marionetten und Abstraktion einander antworten. Rechtecke und Farben suchen weder lautstarke Provokation noch zweckloses Durcheinander. Taeuber verleiht Dada eine wesentliche rhythmische Präzision. Selbst die Revolte, scheint sie zu erinnern, gewinnt dadurch, genau zu wissen, wohin ein Quadrat gehört.
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#6
Francis Picabia6. Udnie
Udnie entsteht 1913 nach Picabias Amerikareise und dem Eindruck, den die Tänzerin Stacia Napierkowska auf ihn macht. Kreisflächen, Körperfragmente und mechanische Rhythmen verschmelzen in einer seiner ersten großen Abstraktionen. Das Bild geht Dada voraus, kündigt aber dessen Ablehnung der Kategorien an. Porträt, Tanz und Turbine teilen die Bühne, ohne sich vorzustellen.
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#7
Francis Picabia7. Catch as Catch Can
Catch as Catch Can greift die englische Formel auf, die mit einem Ringkampf verbunden ist, bei dem nahezu alle Griffe erlaubt sind. Picabia überträgt diese Freiheit auf das Gemälde: Mechanismen, Zeichen und Humor ersetzen die vornehme Komposition. Das Werk gehört zu seiner Kritik an künstlerischen Regeln. Der Titel warnt den Betrachter ehrlich, dass die Malerei nicht nach dem Regelwerk kämpfen wird.
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#8
Francis Picabia8. Die doppelte Welt
Die doppelte Welt gehört zu den Jahren, in denen Picabia Wörter, Diagramme und mechanische Figuren verbindet. Der Titel deutet eine verdoppelte Wirklichkeit zwischen technischem Gegenstand und menschlichem Begehren, wissenschaftlichem Ernst und privatem Scherz an. Diese Mehrdeutigkeit ist zutiefst dadaistisch: Keine Lesart behält lange ihre Autorität. Die Welt ist doppelt, und die Gebrauchsanweisung wurde leider in einer dritten Dimension gedruckt.
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#9
Francis Picabia9. Die spanische Nacht
Die Anfang der 1920er-Jahre entstandene Spanische Nacht stellt zwei schwarze Silhouetten weißen Zielscheiben und Zeichen in einer schablonenartigen Komposition gegenüber. Picabia greift spanische Bildmotive auf, ohne eine malerische Szene anzubieten. Die Körper werden zu Emblemen, beinahe zu Plakaten. Die Nacht verbirgt nichts: Sie reduziert das Schauspiel auf wenige Formen, die klar genug sind, um noch stärker zu irritieren.
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#10
Sophie Taeuber10. Komposition
Diese Komposition von Sophie Taeuber ordnet Kreise, Rechtecke und Konturen mit einer aus Textilgestaltung und Stickerei übernommenen Sparsamkeit. Die Künstlerin stellt angewandte Kunst und Malerei nicht in eine Rangordnung, eine entscheidende Haltung im dadaistischen Umfeld. Die Oberfläche wirkt einfach, doch jeder Abstand zählt. Kein Gegenstand wird dargestellt; dennoch scheint alles eine sehr präzise ausgehandelte Funktion zu besitzen.
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#11
Kurt Schwitters11. Abstraktion 26. Zarte Symphonie
Die Abstraktion 26 mit dem Untertitel Zarte Symphonie gehört zu Schwitters’ spätem Werk. Nachdem er Merz aus wiederverwendeten Fragmenten aufgebaut hat, verfolgt der Künstler in der Malerei eine leichtere, musikalischere Abstraktion. Die Formen scheinen zu schweben, statt sich anzuhäufen. Der Sammler von Fahrkarten und Verpackungen beweist so, dass er auch mit erstaunlich unauffälligem Gepäck reisen kann.
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#12
Sophie Taeuber12. Aubette-Komposition
Aubette-Komposition verweist auf den Straßburger Freizeitkomplex, den Sophie Taeuber zwischen 1926 und 1928 mit Jean Arp und Theo van Doesburg gestaltet. Farben und Geometrie sollten Wände, Decken und die Bewegung des Publikums umfassen. Dieses Gemälde bewahrt die Logik des Projekts. Die Abstraktion verlässt die Staffelei, um einen ganzen Abend zu organisieren, bis in den letzten Winkel des Tanzsaals.
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#13
Sophie Taeuber13. Triptychon
Das Triptychon mit wechselseitigen Dreiecken zeigt, wie Taeuber die Komposition über mehrere Tafeln hinweg denkt, wie eine tragbare Architektur. Senkrechten, Waagerechten und Dreiecke schaffen genaue Entsprechungen zwischen den Teilen. Das religiöse Format wird von seiner Erzählung befreit, bewahrt aber seinen zeremoniellen Rhythmus. Die Heiligen fehlen; die sehr pünktlichen Formen nehmen sämtliche Termine wahr.
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#14
Francis Picabia14. Egoismus
In Egoismus verwandelt Picabia einen Charakterzug in eine visuelle Vorrichtung. Wort, Form und mechanische Anspielung verweigern das traditionelle psychologische Porträt. Während der Dadajahre stellt der Künstler menschliche Leidenschaften gern als unvollkommene Maschinen dar. Der Egoismus erhält daher seinen eigenen Mechanismus, was logisch erscheint: Er hätte vermutlich nicht zugestimmt, den eines anderen zu teilen.
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#15
Francis Picabia15. Tierbändiger
Tierbändiger gehört zu Picabias späten Gemälden, in denen sich Figuren, Transparenzen und gedruckte Vorlagen überlagern. Der Titel führt eine erzählerische Autorität ein, die das Bild sofort verkompliziert. Nach Dada wechselt Picabia weiterhin den Stil, sobald man ihn eingeordnet zu haben glaubt. Der Bändiger beherrscht vielleicht die Tiere; der Künstler verweigert hingegen weiterhin die Leine der Kritik.
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#16
Francis Picabia16. Die Anbetung des Kalbes
Die Anbetung des Kalbes deutet ein mit Götzendienst verbundenes biblisches Thema um. Picabia nutzt es, um den Kult um Kunst, Geschmack und Ansehen ins Visier zu nehmen, vertraute Zielscheiben von Dada. Die Figuren liefern keine einfache Moral: Sie verwandeln die Verehrung in ein mehrdeutiges Schauspiel. Das goldene Kalb hat ein Museum gefunden, doch niemand scheint sein Ausstellungsschild geprüft zu haben.
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#17
Francis Picabia17. Der Widerstand
Der Widerstand gehört zu Picabias Werk der 1920er-Jahre, als er zwischen Silhouetten, Zeichen und bewusst bedeutungsschweren Titeln wechselt. Das Wort kann mechanischen, politischen oder persönlichen Widerstand meinen, ohne das Bild festzulegen. Diese Unbestimmtheit führt den Dadageist nach der Zerstreuung der Gruppen fort. Die Malerei widersetzt sich vor allem der einzigen verbindlichen Deutung, und das mit bemerkenswerter Ausdauer.
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#18
Francis Picabia18. Geheimnisvoller Hauptakteur
Geheimnisvoller Hauptakteur verdichtet Picabias Titelkunst: eine Formel, die eine Erklärung anzukündigen scheint und sofort wieder die Tür schließt. Figur oder Mechanismus werden zur Person ohne feste Biografie. Das Werk erinnert daran, dass Dada nicht nur vertraute Bilder zerstört, sondern auch die Wörter durcheinanderbringt, die sie beherrschen wollen. Der Hauptakteur bleibt geheimnisvoll, einschließlich seiner Verwaltung.
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#19
Kurt Schwitters19. Alte Grotte C67
Alte Grotte C67 ist ein Gemälde von Schwitters, in dem organische Formen die städtischen Ansammlungen seiner Merz-Collagen ersetzen. Der durch das Exil entwurzelte Künstler erkundet persönlichere Landschaften und Abstraktionen, ohne die Verwandlung aufzugeben. Die Grotte ist keine getreue archäologische Stätte. Sie ähnelt eher einer Erinnerung, die beschlossen hätte, sich selbst wieder aufzubauen.
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#20
Sophie Taeuber20. Komposition mit Diagonalen und Kreuzen
Komposition mit Diagonalen und Kreuzen zeigt, wie Taeuber lebhaftere Richtungen in ihr geometrisches System einführt. Die Linien schmücken die Oberfläche nicht: Sie ordnen Begegnungen, Unterbrechungen und Wiederaufnahmen. Ihre Erfahrung als Tänzerin verleiht dem Bild eine körperliche Logik. Die Kreuze markieren keine Gefahr; sie zeigen lediglich an, dass der Rhythmus den Fuß wechselt.
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#21
Kurt Schwitters21. Milchblume
Milchblume gehört zu Schwitters’ späten Gemälden, deren Titel zwei gewöhnliche Wirklichkeiten zu einem unmöglichen poetischen Bild verbindet. Nach der Erfindung von Merz bleibt diese sprachliche Freiheit ungebrochen. Die gemalten Formen übersetzen weder eine Blume noch Milch wörtlich. Sie lassen die Sprache etwas zum Keimen bringen, das kein Botaniker vernünftigerweise bestellt hätte.
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#22
Kurt Schwitters22. Ohne Titel
In diesem Ohne Titel arbeitet Schwitters mit Farbe und Form, ohne die gefundenen Papiere zu verwenden, die Merz berühmt gemacht haben. Die Wahl der reinen Malerei beseitigt jedoch nicht sein Montageprinzip: Die Elemente bewahren unterschiedliche visuelle Ursprünge. Ohne Titel bedeutet hier ohne Anweisung, nicht ohne Geschichte. Der Betrachter erhält Freiheit, einschließlich der Montagekosten.
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#23
Sophie Taeuber23. Komposition mit zwei Kreisen
Diese zweite, von zwei Kreisen und schrägen Linien beherrschte Komposition Taeubers zeigt ihre in den 1930er-Jahren geschmeidiger gewordene Abstraktion. Die Formen wirken beweglich, ohne ihr Gleichgewicht zu verlieren. Nach Zürich und der Aubette setzt sie eine europäische Erkundung unabhängig von Etiketten fort. Zwei Kreise genügen, um ein Gespräch zu erzeugen, was hinsichtlich der Figuren sehr sparsam bleibt.
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#24
Francis Picabia24. Hache-Paille
Hache-Paille gehört zu den Titeln, die Picabia wie sprachliche Zusammenstöße bildet. Das Bild verbindet Formen, Mechanismen oder Figuren, ohne deren Beziehung aufzulösen. Diese dadaistische Logik verwandelt das Gemälde in eine fehlerhafte, aber produktive Sprachmaschine. Eine Axt und Stroh sollten sich nicht gut vertragen; gerade deshalb hatte niemand den gesunden Menschenverstand zu dieser Sitzung eingeladen.
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#25
Francis Picabia25. Physik der Kultur
Physik der Kultur spielt mit dem Wortschatz von Körper, Wissenschaft und Zivilisation. Picabia liebt solche Titel, die dem Betrachter den falschen Eindruck eines Vortrags vermitteln, bevor sie das Thema verwischen. Die Malerei bringt die Vorstellung einer disziplinierten Kultur in eine Krise. Sie bevorzugt offensichtlich Aufwärmen, Dehnen und einige vom offiziellen Programm verbotene Übungen.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Nach Dada bleibt kein Stil ruhig
Figuren, Transparenzen, Spanien, Feste und späte Abstraktionen zeigen, wie die ehemaligen Dadaisten ihre Sprache weiter wechseln, sobald man beginnt, sie zu verstehen.
#26
Francis Picabia26. Idylle
Idylle verwendet ein Wort, das traditionell einer sanften Liebesgeschichte vorbehalten ist, und konfrontiert es dann mit Picabias instabiler Bildsprache. Je nach Schaffensphase überlagert der Künstler Figuren, Zeichen und gefundene Vorlagen und verhindert jede einfache Sentimentalität. Die Idylle existiert vielleicht, hat aber Dada durchlaufen. Sie kehrt mit mehreren Gesichtern und begrenztem Vertrauen in glückliche Ausgänge zurück.
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#27
Francis Picabia27. Le Lierre unique eunuque
Le Lierre unique eunuque gehört zu Picabias charakteristischsten sprachlichen Erfindungen. Die Wörter reihen sich ebenso wegen ihres Klangs wie wegen ihrer Bedeutung aneinander und beeinflussen dann die Deutung des Bildes. Dada verwandelt den Titel hier in eine Darbietung. Der Efeu klettert, der Eunuch bleibt einzigartig, und die Logik bittet höflich darum, ihr einen Platz nahe dem Ausgang freizuhalten.
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#28
Francis Picabia28. Die Frau mit dem Monokel
Die Frau mit dem Monokel gehört zu Picabias Rückkehr zu lesbaren Figuren nach den mechanomorphen Jahren. Das Monokel ergänzt eine mondäne, leicht theatralische Identität, doch der Künstler verweigert das eindeutige psychologische Porträt. Der Blick wird zugleich zum Accessoire und zum Motiv. Eine einzige Linse genügt zum Sehen; Picabia zu verstehen verlangt weiterhin mehrere Blickwinkel.
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#29
Francis Picabia29. Das Feigenblatt
Das Feigenblatt ruft das traditionelle Symbol der Schamhaftigkeit auf, das häufig zum Bedecken nackter Körper verwendet wird. Picabia macht daraus einen Titel und eine Vorrichtung, die gerade auf das aufmerksam macht, was sie zu verbergen vorgibt. Nach Dada verspottet seine Malerei weiterhin moralische und künstlerische Konventionen. Das Blatt erfüllt seine Pflicht mit sehr begrenzter Begeisterung.
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#30
Francis Picabia30. Die Frau und das Idol
Die Frau und das Idol stellt eine menschliche Figur und einen verehrten Gegenstand einander gegenüber, ohne festzulegen, wer wen beherrscht. Picabia liebt entlehnte, überlagerte und verunsicherte Bilder. Das Thema setzt seine Kritik am Kunstkult fort. Das Idol erhält den Titel, doch die Frau behält den Blick: Die Rangordnung wurde nicht ordnungsgemäß bestätigt.
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#31
Francis Picabia31. Frauen mit Bulldogge
Frauen mit Bulldogge gehört zu Picabias späten gegenständlichen Gemälden, die häufig nach Fotografien oder populären Bildern entstehen. Die Verwendung von als vulgär betrachteten Quellen setzt den dadaistischen Krieg gegen den guten Geschmack fort. Der Hund verstärkt die Fremdartigkeit der Szene. Die Modelle posieren; die Bulldogge scheint für die redaktionelle Kontrolle zuständig zu sein.
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#32
Francis Picabia32. Die spanische Revolution
Die spanische Revolution greift einen politischen und nationalen Titel auf, den Picabia seiner persönlichen Bildwelt unterwirft. Als Sohn eines spanischen Vaters in Paris geboren, pflegt der Künstler eine reale, aber niemals bloß dokumentarische Beziehung zu Spanien. Die Malerei erzählt kein bestimmtes Ereignis. Sie verwandelt das Wort Revolution in Energie, Kostüm und Provokation, ohne am Schalter ein Programm einzureichen.
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#33
Francis Picabia33. Otaïti
Otaïti verwendet eine alte Schreibweise von Tahiti und ruft die europäische exotische Vorstellungswelt auf. Picabia malt keine Inselreportage: Er arbeitet mit Zeichen, Körpern und kulturellen Fantasien. Das Gemälde offenbart ebenso das westliche Begehren wie den erwähnten Ort. Die Insel des Titels ist real; das Reiseticket ist deutlich weniger verlässlich.
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#34
Francis Picabia34. Salicis
Salicis trägt einen lateinischen, mit der Weide verbundenen Titel, doch Picabia nutzt dieses scheinbare Wissen als neue Abschirmung. Figur und Transparenzen lassen sich nicht auf eine botanische Illustration reduzieren. In seinen späten Jahren überlagert der Künstler gern klassische Bezüge und populäre Bilder. Das Latein bringt Ernsthaftigkeit mit; Picabia zieht ihr sofort den Stuhl weg.
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#35
Francis Picabia35. Veglione, Cannes
Veglione, Cannes erinnert an einen großen Maskenball an der Côte d’Azur, eine Welt, die Picabia in den 1920er-Jahren gut kennt. Fest, Körper und mondäne Umgebung werden zu malerischem Material und gesellschaftlicher Satire. Dada hat Zürich verlassen, doch seine Vorliebe für die Maske bleibt. In Cannes erscheint selbst die Provokation in Abendgarderobe.
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#36
Francis Picabia36. Die Corrida
Die Corrida greift Picabias spanisches Erbe und seine Vorliebe für spannungsreiche Darbietungen wieder auf. Statt die Arena getreu zu illustrieren, verdichtet die Malerei Zeichen, Farben und Konfrontation. Das Thema ermöglicht, über das Publikum ebenso wie über den Kampf nachzudenken. Stier und Torero riskieren ihre Stellung; der Betrachter riskiert vor allem seine ästhetischen Gewissheiten.
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#37
Francis Picabia37. Der Matador in der Arena
Der Matador in der Arena setzt Picabias Werkgruppe spanischer Themen fort. Die heroische Figur ist den Stilwechseln eines Künstlers ausgesetzt, der ohne Entschuldigung vom Mechanomorphen zum Gegenständlichen übergeht. Der Matador scheint seine Rolle zu erfüllen; die weniger disziplinierte Malerei verschiebt ständig die Grenzen der Arena und des guten Geschmacks.
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#38
Francis Picabia38. Der rote Baum
Der rote Baum gehört zu einer Richtung, in der Picabia nach der Mechanisierung der Körper natürliche Motive wieder einführt. Die Wahl einer unrealistischen Farbe verhindert jedoch jede bequeme Rückkehr zur Landschaft. Der Baum wird zu Zeichen, Präsenz und farblicher Provokation. Er hat Wurzeln, doch das Bild verweigert, dass diese den Künstler in einem einzigen stilistischen Boden festhalten.
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#39
Joseph Stella39. New York Interpreted
New York Interpreted ist das große Polyptychon, an dem Joseph Stella während der 1920er-Jahre arbeitet. Wolkenkratzer, Hafen, Broadway und Brooklyn Bridge werden darin zu einer beinahe religiösen Vision der Metropole. Stella gehört nicht zu Dada, verkehrt aber in denselben New Yorker Netzwerken. Seine Stadt feiert die Maschine mit einer Inbrunst, die Picabia vermutlich reizvoll verdächtig gefunden hätte.
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#40
Marsden Hartley40. Portrait of a German Officer
Das 1914 gemalte Portrait of a German Officer erinnert an Karl von Freyburg, Marsden Hartleys im Krieg gefallenen Freund. Flaggen, Zahlen, Eiserne Kreuze und Abzeichen ersetzen das Gesicht. Hartley gehört nicht zu Dada, doch sein verschlüsseltes Porträt zeigt, wie die Avantgarde die offizielle Identität zerlegt. Die Abwesenheit des Modells macht die Erinnerung noch gegenwärtiger.
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#41
Marsden Hartley41. Berliner Abstraktion
Berliner Abstraktion entsteht während Hartleys Deutschlandaufenthalt vor dem Krieg. Militärische Embleme, städtische Farben und persönliche Zeichen verdichten sich auf einer energischen Oberfläche. Diese expressionistische Malerei gehört nicht zu Dada, teilt aber den Zusammenhang, den die Bewegung nach 1916 ablehnen wird. Die visuelle Parade glänzt; die Geschichte wird ihren Preis offenbaren.
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#42
Theo van Doesburg42. Rhythmus eines russischen Tanzes
Van Doesburg malt Rhythmus eines russischen Tanzes um 1918 aus der Erinnerung an eine Darbietung. Senkrechte und waagerechte Balken übersetzen die Körperbewegungen, ohne die Tänzerin darzustellen. Das Werk gehört zu De Stijl, nicht zu Dada. Seine Aufnahme zeigt dennoch, wie die gesamte Avantgarde damals versucht, etwas anderes als erkennbare Figuren tanzen zu lassen.
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#43
Theo van Doesburg43. Komposition VIII (Die Kuh)
Komposition VIII, auch Die Kuh genannt, entsteht aus einer Reihe von Veränderungen, in denen van Doesburg eine Tierstudie schrittweise bis zur Geometrie vereinfacht. Das Werk veranschaulicht die Methode von De Stijl: vom Sichtbaren ausgehen, um universelle Beziehungen zu erreichen. Dada hätte gern die Kuh behalten und die Methode weggeworfen; diese Meinungsverschiedenheit macht ihre historische Nähe besonders aufschlussreich.
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#44
Robert Delaunay44. Simultane Scheibe
Delaunays 1913 entstandene Simultane Scheibe ordnet Farbsegmente um ein Zentrum, ohne einen Gegenstand darzustellen. Die Kontraste erzeugen Licht und Drehung. Delaunays Orphismus geht Dada voraus und glaubt noch an eine moderne Harmonie, die Dada infrage stellen wird. Die Scheibe dreht sich also optimistisch, bevor die europäische Geschichte den Mechanismus ernsthaft beschädigt.
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#45
Robert Delaunay45. Hommage an Blériot
Hommage an Blériot feiert 1914 den Flieger, der den Ärmelkanal überquerte. Propeller, Türme, Scheiben und simultane Farben vereinen Stadt und Himmel in einem großen modernen Aufschwung. Delaunay gehört nicht zu Dada, doch seine Technikbegeisterung bildet einen der Hintergründe, die die Dadaisten nach dem Krieg in Ironie verkehren werden. Das Flugzeug hebt ab; das Vertrauen wird bald hart landen.
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#46
Theo van Doesburg46. Gegenkomposition V
Gegenkomposition V gehört zu van Doesburgs Elementarismus Mitte der 1920er-Jahre. Die Diagonalen brechen mit Mondrians strenger Rechtwinkligkeit und bereiten seine innenarchitektonischen Projekte vor. Trotz van Doesburgs persönlicher Verbindungen zur Bewegung ist dies kein dadaistisches Werk. Das Gemälde bewahrt die Disziplin, doch seine Diagonale hat eindeutig mit der Rebellion begonnen.
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#47
Robert Delaunay47. Simultan geöffnete Fenster (erster Teil, drittes Motiv)
Simultan geöffnete Fenster gehört zu Delaunays 1912 gemalter Serie. Eiffelturm und Stadt lösen sich in Farbflächen auf, die wie moderne Glasfenster wirken. Apollinaire erkennt darin eine orphische Kunst. Dada wird dieses lyrische Vertrauen später stören, erbt aber eine Welt, in der das traditionelle Fenster bereits aus den Angeln geraten ist.
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#48
Joseph Stella48. Battle of Lights, Coney Island
Stellas zwischen 1913 und 1914 gemaltes Battle of Lights, Coney Island verwandelt den Vergnügungspark in eine futuristische Explosion. Elektrische Lichter, Menschenmenge und Fahrgeschäfte verdichten sich zu einem dekorativen Wirbel. Das Werk gehört nicht zu Dada, aber zu dem New York, das Picabia und Duchamp aufnehmen wird. Die Moderne blinkt darin, noch bevor sie die Sicherheitsanweisungen gelesen hat.
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#49
Marsden Hartley49. Abstraktion
Hartleys Abstraktion versammelt Zeichen, Farbflächen und Rhythmen aus seiner Berliner Erfahrung. Der amerikanische Maler entwickelt eine persönliche Bildsprache, die stärker symbolisch als streng geometrisch ist. Seine Arbeit berührt die Netzwerke der Avantgarde, ohne sich Dada anzuschließen. Diese seitliche Position ist wertvoll: Nicht alle Formen der Moderne haben dasselbe Manifest verkündet, und manche malten lieber, als zu schreien.
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#50
Otto Freundlich50. Komposition
Otto Freundlichs Komposition baut ein Mosaik aus Farbformen auf, das gesellschaftliche und geistige Harmonie anstrebt. Vom Nationalsozialismus verfolgt und 1943 ermordet, erlebt Freundlich die Einstufung seines Werks als „entartete Kunst“. Er gehört nicht zu Dada, teilt aber dessen Ablehnung autoritärer Werte. Hier vereint die Farbe, was die Politik auf tragische Weise zu trennen versuchen wird.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Das internationale Netzwerk vor und um Dada
New York, Berlin, Paris und Zürich teilen Künstler, Zeitschriften und Ideen, selbst wenn Hartley, Stella oder Delaunay andere Wege als die Bewegung verfolgen.
#51
Robert Delaunay51. Simultane Fenster Nr. 2
Simultane Fenster Nr. 2 setzt Delaunays Untersuchung des Lichts als eigenständigem Material fort. Durchscheinende Flächen überlagern sich und lassen die Stadt erscheinen und wieder verschwinden. Die Serie beeinflusst die europäische Abstraktion stark, der Dada in Zürich und Paris begegnen wird. Das Fenster rahmt die Welt nicht mehr ein: Es vermischt sie, was die Scheibenreinigung erheblich erschwert.
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#52
Robert Delaunay52. Simultane Fenster zur Stadt
Simultane Fenster zur Stadt verbindet Turm, Dächer und Farben in einem Raum ohne eine einzige verbindliche Tiefe. Delaunay verwandelt Paris in ein Lichtphänomen statt in ein topografisches Motiv. Dieses Vertrauen in die Farbe unterscheidet den Orphismus vom dadaistischen Nihilismus. Dennoch lehnen beide die alte Perspektive ab: Sie sind sich lediglich uneinig, was nach ihrer Vertreibung aufgebaut werden soll.
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#53
Robert Delaunay53. Kreisformen
Kreisformen, gelegentlich mit Sonne und Mond verbunden, entwickelt bei Delaunay einen kosmischen Formenschatz farbiger Scheiben. Das Werk entsteht vor dem Ersten Weltkrieg in einem Klima abstrakten Optimismus. Dada wird bald mit dem Absurden auf die Katastrophe antworten. Hier drehen sich die Gestirne weiter mit einer Regelmäßigkeit, die Europa nicht nachzuahmen vermochte.
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#54
Robert Delaunay54. Endloser Rhythmus
Endloser Rhythmus gehört zu Delaunays großen späten Gemälden, in denen die Scheiben zur dekorativen Architektur werden. Das Motiv hat weder einen eindeutig festgelegten Anfang noch ein Ende. In diesem Rundgang durch das Umfeld zeigt es das Fortleben einer bejahenden Abstraktion nach Dada. Der Rhythmus hält nicht an, selbst wenn die Kunstbewegungen ihren Namen und ihr Café wechseln.
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#55
Theo van Doesburg55. Gegenkomposition VI
Gegenkomposition VI setzt van Doesburgs diagonale Revolution fort. Die Farbflächen scheinen über den Rahmen hinauszugleiten, als sollten sie eine Wand oder ein Zimmer einnehmen. De Stijl teilt mit Dada den Wunsch, das Leben zu verändern, wählt aber Ordnung statt Sabotage. Dieselbe Tür zur Moderne, mit sehr unterschiedlichen Hausordnungen.
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#56
Theo van Doesburg56. Gegenkomposition VII
In Gegenkomposition VII bringt van Doesburg mehrere Diagonalen ohne festes Zentrum ins Gleichgewicht. Das Werk gehört zu der Zeit, in der er eine dynamischere und architektonischere Malerei sucht. Seine Tätigkeit unter dem dadaistischen Pseudonym I. K. Bonset verkompliziert die Grenzen: Der ordnungsliebende Theoretiker führte auch ein deutlich weniger braves zweites Leben. Die Geometrie besitzt hier ein hervorragendes Alibi.
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#57
Robert Delaunay57. Die Stadt Paris
Die zwischen 1910 und 1912 gemalte Stadt Paris ist eine von Delaunays großen Kompositionen. Drei weibliche Figuren, der Eiffelturm und städtische Fragmente verbinden monumentale Tradition und Kubismus. Das Werk geht Dada voraus, kündigt aber den internationalen Austausch der Avantgarden an. Paris bleibt erkennbar, trotz eines Umbaus, dessen Unterlagen das Rathaus gewiss nicht erhalten hatte.
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#58
Theo van Doesburg58. Gegenkomposition XII
Gegenkomposition XII ordnet die Farben nach einer Diagonale, die die gesamte Oberfläche zu verschieben scheint. Van Doesburg will dieses Prinzip auf Malerei, Möbel und Architektur anwenden. Seine Nähe zu Dada vermittelt sich durch Zeitschriften und Pseudonyme, nicht durch den Stil dieses Werks. Das Gemälde ist methodisch; sein Urheber verstand sich dennoch bestens darauf, mit dem Durcheinander zu verkehren.
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#59
Theo van Doesburg59. Gegenkomposition X
Gegenkomposition X reduziert Formen und Farben auf eine gespannte Beziehung, wie sie für van Doesburgs Untersuchungen charakteristisch ist. Die bisweilen unterschiedlich übersetzte Bezeichnung erinnert an die internationale Verbreitung seiner Werke. De Stijl strebt eine universelle Sprache an, während Dada allzu selbstsicheren Sprachen misstraut. Die Komposition bleibt klar, doch ihr kunstkritischer Pass trägt mehrere Stempel.
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#60
Theo van Doesburg60. Gegenkomposition mit Dissonanzen XVI
Gegenkomposition mit Dissonanzen XVI führt die Musik in van Doesburgs geometrischen Formenschatz ein. Die Dissonanz ist kein Fehler: Sie verhindert, dass Gleichgewicht zu Trägheit wird. Diese Idee bringt De Stijl für einen Moment den dadaistischen Provokationen näher. Das Bild zerbricht keinen Stuhl, erzeugt aber genügend Spannungen, damit das Wohnzimmer wach bleibt.
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#61
Robert Delaunay61. Simultane Kreise
Delaunays Simultane Kreise verwandelt die Farbwahrnehmung in Drehung. Die Ringe und Segmente beschreiben keine bestimmten Räder; sie erproben, wie eine Farbe ihre Nachbarin verändert. Dada übernimmt dieses Programm nicht, erbt aber dessen visuelle Freiheit. Die Kreise arbeiten bemerkenswert gut zusammen, ein beinahe verdächtiges Verhalten in einer der Sabotage gewidmeten Geschichte.
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#62
Robert Delaunay62. Scheiben
In Scheiben wiederholt und variiert Delaunay ein Motiv, das zum Sinnbild seiner Abstraktion geworden ist. Die Malerei entwickelt sich durch Kontrast und Ausdehnung, ohne Erzählung. Diese Eigenständigkeit der Farbe eröffnet ein Feld, das die Dadaisten umdeuten, ablehnen oder nutzen können. Die Scheibe bleibt eine vollkommene Form; die Epoche ist es weit weniger, was vielleicht ihren anhaltenden Erfolg erklärt.
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#63
Marsden Hartley63. Bewegung Nr. 5, Häuser von Provincetown
Bewegung Nr. 5, Häuser von Provincetown gehört zu Hartleys nach seiner Rückkehr in die Vereinigten Staaten gemalter Serie. Die Küstenfassaden werden in abstrakte Massen und Rhythmen verwandelt. Das Werk entfernt sich von Dada, setzt aber die moderne Zerlegung der Landschaft fort. Provincetown behält seine Häuser; Hartley behält sich vor, ihr Gleichgewicht zu verschieben.
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#64
Theo van Doesburg64. Komposition
Diese Komposition von van Doesburg gehört zu seinen Untersuchungen vor oder neben De Stijl. Das Sichtbare wird auf Flächen reduziert, um eine allgemeinere Ordnung zu erreichen. Van Doesburg wird Dada durch die Zeitschrift Mécano und sein Alter Ego I. K. Bonset begegnen. Die Malerei bewahrt ihren Ernst, während ihr Urheber unauffällig das typografische Konfetti vorbereitet.
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#65
Marsden Hartley65. Bewegung Nr. 6, Provincetown
Bewegung Nr. 6, Provincetown setzt Hartleys Verwandlung maritimer Architektur in malerische Energie fort. Jede Fassung verändert Gewicht, Farben und Richtung, statt eine Landschaft zu wiederholen. Die Nummer betont den experimentellen Charakter der Serie. Die Stadt posiert mehrfach, doch der Maler weigert sich, ihr genau dasselbe Porträt zurückzugeben.
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#66
Theo van Doesburg66. Komposition 1923–1924
Komposition 1923–1924 verortet van Doesburgs Werk eindeutig im Moment seiner Hinwendung zur Diagonale. Die Flächen verlassen das frontale Gleichgewicht, um eine aktive Ausdehnung zu erzeugen. Die Datierung entspricht auch seinem europäischen Austausch mit Dada und dem Konstruktivismus. Die Bewegungen begegnen sich in Zeitschriften und Cafés und kehren dann zurück, um Gemälde zu malen, die sich weiterhin uneinig sind.
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#67
Marsden Hartley67. Bewegung, Bermuda
Bewegung, Bermuda übersetzt bei Hartley das Licht und die Insellandschaft in vereinfachte Formen. Das Wort Bewegung vermeidet die Postkarte und betont die Wahrnehmung. Diese amerikanische Abstraktion bleibt außerhalb von Dada, zeugt aber von derselben Krise des traditionellen Motivs. Bermuda behält die Sonne; das Gemälde nimmt ihm freundlich den Horizont.
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#68
Robert Delaunay68. Farbige Scheiben
Delaunays Farbige Scheiben gehört zur Reife seiner simultanen Bildsprache. Die Farben antworten einander durch Nachbarschaft und erzeugen ohne Perspektive ein Gefühl von Tiefe und Bewegung. In einer Geschichte von Dada spielt das Werk die Rolle eines optimistischen Nachbarn. Es sabotiert nichts, beweist aber, dass die Malerei bereits gelernt hatte, ohne offizielles Motiv zu funktionieren.
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#69
Robert Delaunay69. Fenster mit orangefarbenen Vorhängen
Fenster mit orangefarbenen Vorhängen bewahrt ein häusliches Motiv und unterwirft es zugleich den Simultankontrasten. Delaunay lässt Innenraum, Fenster und Stadt durch die Farbe einander durchdringen. Die Leinwand geht den dadaistischen Eingriffen in Alltagsgegenstände voraus, teilt aber deren Ablehnung einer festen Trennung. Die Vorhänge schließen die Aussicht nicht mehr: Sie werden selbst zum Ereignis.
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#70
Theo van Doesburg70. Dezentrale Komposition
Dezentrale Komposition entfernt jedes beherrschende Zentrum von der Oberfläche. Van Doesburg verteilt die Flächen zu den Rändern hin, als setze sich das Werk in der Architektur fort. Dieser Anspruch, den Alltag einzunehmen, berührt Dada, ohne ihm zu ähneln. Das Zentrum wurde nicht vergessen; es wurde bei einer Neuordnung abgeschafft, gegen die niemand Einspruch für nötig hielt.
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#71
Robert Delaunay71. Fenster zur Stadt Nr. 3
Fenster zur Stadt Nr. 3 gehört zu einer Folge, in der Delaunay die Präsenz von Paris hinter durchscheinenden Flächen variiert. Die Nummer macht jede Leinwand zu einem Lichtexperiment. Diese serielle Methode interessiert die gesamte Avantgarde. Dada wird häufig den einmaligen Bruch bevorzugen, doch Delaunays Fenster zeigt, dass eine Revolution auch durch aufeinanderfolgende Fassungen vorankommen kann.
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#72
Robert Delaunay72. Fenster mit drei Flügeln
Fenster mit drei Flügeln erweitert Delaunays simultane Untersuchung, indem es die Aussicht wie eine architektonische Vorrichtung aufteilt. Die Tafeln zwingen das Auge, die Kontinuität wiederherzustellen. Das Werk gehört nicht zu Dada, teilt aber die Infragestellung des einheitlichen Gemäldes. Drei Fenster bieten mehr Licht und vor allem dreimal so viele Gelegenheiten, die Perspektive zu verlieren.
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#73
Marsden Hartley73. Bewegungen
Hartleys Bewegungen vereint mehrere Richtungen in einer Komposition, die auf die feste Landschaft verzichtet. Der Plural betont das Nebeneinander der Kräfte statt einer einzigen Bewegungsbahn. Hartley verfolgt eine persönliche Moderne zwischen Symbolismus und Abstraktion. Seine Malerei unterzeichnet kein dadaistisches Manifest; sie hält lieber mehrere Möglichkeiten offen, eine vernünftige Strategie in einer Epoche, die sie rasch schließt.
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#74
Robert Delaunay74. Fenster zur Stadt
Fenster zur Stadt macht Paris zu einer Überlagerung von Farben statt zu einer messbaren Tiefe. Delaunay nutzt Transparenz als malerisches Mittel ohne echtes Glas. Diese leuchtende Stadt geht den dadaistischen Collagen und Montagen voraus. Sie zeigt, dass der moderne Raum bereits zerlegt war, selbst wenn seine Teile noch sorgfältig von Hand gemalt blieben.
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#75
Robert Delaunay75. Das Fenster
Das Fenster reduziert das Motiv auf wenige Farbbeziehungen, bis die Grenze zwischen Innen und Außen unsicher wird. Delaunay setzt sein orphisches Vorhaben einer eigenständigen Malerei fort. Dada mag diese Eigenständigkeit allzu harmonisch erscheinen, doch sie befreit die Oberfläche von den alten Pflichten. Das Fenster geht immer auf etwas hinaus; hier hauptsächlich auf die Farbe selbst.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Ordnung, Farbe und unbequeme Nachbarn
Van Doesburg und Delaunay erinnern daran, dass sich Dada zwischen Avantgarden entwickelt, die manchmal verbündet, manchmal Gegner und stets damit beschäftigt sind, die Regeln neu zu schreiben.
#76
Theo van Doesburg76. Komposition der Proportionen
Komposition der Proportionen offenbart van Doesburgs Anspruch, die Kunst auf messbare Beziehungen zu gründen. Die Flächen werden wie Elemente einer idealen Architektur verteilt. Dada misstraut gerade dieser Art von Gewissheit, trotz der doppelten Tätigkeit des Künstlers. Das Gemälde misst alles sorgfältig; die Geschichte der Avantgarde übernimmt das Verbiegen des Lineals.
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#77
Robert Delaunay77. Die drei Fenster, der Turm und das Rad
Die drei Fenster, der Turm und das Rad vereint bei Delaunay mehrere Sinnbilder der Moderne. Eiffelturm, Riesenrad und verglaste Rahmen antworten einander in einer farbigen Konstruktion. Das Werk teilt mit Dada die Vorliebe für die zeitgenössische Stadt, ohne dessen Ironie. Paris wird zu einer begeisterten Maschine, die noch überzeugt ist, dass alle ihre Zahnräder zusammenarbeiten werden.
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#78
Robert Delaunay78. Simultaner Turm
Simultaner Turm verwandelt den Eiffelturm in eine leuchtende Achse zwischen Farbflächen. Delaunay malt das Monument seit 1909 mehrfach und lässt es sich neigen, schwingen und beinahe abheben. Dada wird diese moderne Ikone übernehmen, ihren Triumphgestus aber umkehren. Der Turm steht noch aufrecht; die Perspektive hat die Baustelle längst verlassen.
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#79
Theo van Doesburg79. Komposition in Halbtönen
Komposition in Halbtönen zeigt, wie van Doesburg die Kontraste begrenzt, um feinere Unterschiede zu untersuchen. Das Gemälde wirkt weniger spektakulär als seine Gegenkompositionen, offenbart aber die experimentelle Methode von De Stijl. Dada liegt hier nicht im Stil, sondern lediglich in der geistigen Nähe des Künstlers. Selbst ein Provokateur muss seine Grautöne manchmal sorgfältig abstimmen.
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#80
Theo van Doesburg80. Komposition in Dissonanzen
Komposition in Dissonanzen macht die Uneinigkeit zur Struktur. Van Doesburg entlehnt der Musik die Idee, dass Spannungen eine aktivere Form als vollkommene Harmonie hervorbringen können. Dieser Gedanke klingt bei Dada an, das den Zusammenstoß dem Konsens vorzieht. Das Bild bleibt geometrisch und sauber; die Dissonanz hat sich vor dem Eintritt lediglich die Schuhe abgewischt.
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#81
Theo van Doesburg81. Komposition in Grau (Ragtime)
Komposition in Grau, Ragtime, verbindet eine zurückhaltende Palette mit einem populären amerikanischen Rhythmus. Van Doesburg übersetzt die musikalische Synkope in wechselnde Flächen. Ragtime verbindet Moderne, Tanz und Stadtkultur, Anliegen, die auch die Dadaabende teilen. Hier erzeugt die Musik keinen Klang, stört den Takt aber genügend, um ihren Titel zu verdienen.
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#82
Theo van Doesburg82. Komposition I
Komposition I gehört zu den ersten Etappen von van Doesburgs systematischer Nummerierung. Der Titel entfernt die Anekdote, um die Aufmerksamkeit auf Farben und Proportionen zu konzentrieren. Diese Strenge kontrastiert mit den absurden Gedichten, die er unter Pseudonym veröffentlicht. So behält der Künstler zwei Büros: Das eine ordnet die Flächen, das andere bringt gewissenhaft die Sprache durcheinander.
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#83
Theo van Doesburg83. Komposition II
Komposition II setzt van Doesburgs Entwicklung eines elementaren Formenschatzes fort. Jede neue Leinwand verändert die Beziehung der Oberflächen, statt ein Motiv hinzuzufügen. Die Serie baut De Stijl durch aufeinanderfolgende Versuche auf. Dada erscheint am Rand, in der Fähigkeit des Urhebers, seinem eigenen Ernst zu widersprechen, sobald er die Signatur wechselt.
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#84
Theo van Doesburg84. Komposition IV
Komposition IV zeigt, wie van Doesburg eine neue Verteilung von Massen und Farben im Raster erprobt. Die Zahl bezeichnet keine Qualitätsrangfolge, sondern eine fortlaufende Untersuchung. Diese methodische Praxis wirkt weit von Dada entfernt. Dennoch teilen beide Bewegungen eine Besessenheit: die Kunst von ihren Elementen aus neu beginnen, auch wenn sie sich nie über die Reihenfolge der Montage einigen.
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#85
Theo van Doesburg85. Simultane Komposition XXIV
Simultane Komposition XXIV greift einen von Delaunay weit verbreiteten Begriff für die wechselseitige Wirkung der Farben auf. Van Doesburg fügt ihn in seine eigene Geometrie ein. Die Leinwand zeugt von der schnellen Verbreitung der Ideen vor und nach Dada. Die Künstler entlehnen Wörter, korrigieren und veröffentlichen sie erneut, mit einem reizvoll avantgardistischen Umgang mit Urheberrechten.
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#86
Theo van Doesburg86. Komposition VI (auf schwarzem Grund)
Komposition VI auf schwarzem Grund kehrt die übliche Helligkeit von De Stijl um. Die Farbformen treten aus einem dunklen Feld hervor, was ihr Gewicht verstärkt. Van Doesburg zeigt, dass sein System variieren kann, ohne sich aufzulösen. Dada greift nicht unmittelbar ein, doch der schwarze Grund genügt als Erinnerung daran, dass eine universelle Regel manchmal von einem Kulissenwechsel profitiert.
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#87
Theo van Doesburg87. Komposition VII
Komposition VII gehört zu van Doesburgs nummeriertem Fortschreiten zu einer vollständigen Abstraktion. Die Flächen beschreiben keine Kuh, keinen Tanz und keine bestimmte Architektur mehr. Das Bild behauptet die Eigenständigkeit des Systems. Dieses Vertrauen unterscheidet De Stijl von Dada, das vermutlich gefragt hätte, ob die Nummer sieben wirklich nötig sei, bevor es sie umstößt.
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#88
Theo van Doesburg88. Komposition X
Komposition X setzt die Reduktion des Bildes auf Beziehungen zwischen Linien und Farben fort. Van Doesburg sucht eine Sprache, die sich auf Malerei und Architektur übertragen lässt. Seine dadaistische Tätigkeit unter dem Namen Bonset beweist dennoch, dass er auch in Rätseln sprechen kann. Die Leinwand wählt Klarheit; ihr Urheber hebt das Absurde für die Korrespondenz auf.
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#89
Theo van Doesburg89. Komposition XI
Komposition XI verändert erneut das Gleichgewicht der Serie und zeigt, dass van Doesburgs Geometrie niemals ein automatisches Rezept ist. Die Oberflächen wechseln Größe und visuellen Druck. Dada ist nicht das Motiv des Werks, bildet aber seinen unruhigen historischen Nachbarn. Das Raster bleibt ruhig, weil schließlich jemand den Flur im Auge behalten muss.
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#90
Theo van Doesburg90. Komposition XII in Schwarz und Weiß
Komposition XII in Schwarz und Weiß entfernt die Farbe, um ausschließlich Tonwert, Richtung und Proportion zu untersuchen. Diese Reduktion rückt die Leinwand in die Nähe eines architektonischen Schemas. Dada arbeitet häufig mit dem Schwarz und Weiß des Gedruckten, jedoch mit einem chaotischeren Ziel. Dieselbe Palette, entgegengesetzte Philosophien: eine hervorragende Erinnerung daran, dass die Form allein niemals eine Bewegung bestimmt.
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#91
Theo van Doesburg91. Komposition XIII
Komposition XIII setzt van Doesburgs serielle Untersuchung mit einem neuen Gleichgewicht der Flächen fort. Die Nummerierung bietet dem Betrachter wenig erzählerische Hilfe, eine Entscheidung, die viele europäische Abstraktionen teilen. Dada bevorzugt häufig Picabias absurde Titel, doch das Ergebnis ist ähnlich: Das Ausstellungsschild hört auf, das Bild freundlich an unserer Stelle zu erzählen.
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#92
Theo van Doesburg92. Komposition XVII
Komposition XVII gehört zu einer Phase, in der das Raster stärker unter innere Spannung gerät. Van Doesburg bereitet die diagonalen Brüche des Elementarismus vor. Das Werk gehört nicht zu Dada, doch seine Entwicklung zeigt eine Disziplin, die ihren eigenen Widerspruch hervorbringen kann. Selbst die ordentlichsten Systeme verschieben schließlich ein Möbelstück, ohne Bescheid zu geben.
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#93
Theo van Doesburg93. Komposition XVIII in drei Teilen
Komposition XVIII in drei Teilen erweitert die Geometrie auf mehrere Einheiten und verwandelt die Malerei in ein beinahe architektonisches Ensemble. Das traditionelle Triptychon verliert seine religiöse Erzählung zugunsten der Formbeziehungen. Diese Verweltlichung verbindet die gesamte Avantgarde. Dada hätte über das feierliche Format lachen können; van Doesburg gibt ihm lieber drei Proportionsprobleme zu lösen.
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#94
Theo van Doesburg94. Komposition XX
Komposition XX zeugt von der Beharrlichkeit, mit der van Doesburg einen begrenzten Formenschatz untersucht. Die hohe Nummer bedeutet keine leere Wiederholung: Abstände und Gewichte verändern sich. Diese methodische Geduld kontrastiert mit dem provokanten Augenblick von Dada. Das Gemälde entwickelt sich durch Anpassungen wie eine Maschine, die ihr Konstrukteur vor der letzten Schraubendrehung nicht ausliefern will.
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#95
Theo van Doesburg95. Komposition XXI
Komposition XXI setzt den experimentellen Ansatz von De Stijl fort, bei dem jede Leinwand als kontrollierte Variante dient. Van Doesburg denkt bereits an den Übergang zwischen Oberfläche, Möbeln und Raum. Auch Dada will die Malerei verlassen, nimmt aber weniger vorschriftsmäßige Türen. Die beiden Vorhaben kreuzen sich hier, ohne denselben Fluchtplan zu teilen.
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#96
Theo van Doesburg96. Komposition XXII
Komposition XXII beschließt in dieser Auswahl eine lange Serie von van Doesburg. Die Geometrie bleibt streng, doch die Vielzahl der Varianten offenbart eine bewegte Kunst statt eines erstarrten Dogmas. Seine doppelte Identität als De-Stijl-Theoretiker und Dadadichter erklärt diese Spannung. Nach zweiundzwanzig Kompositionen beginnt selbst die Ordnung zu ahnen, dass sie ein Unbewusstes besitzt.
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#97
Joseph Stella97. Brooklyn Bridge
Joseph Stella malt Brooklyn Bridge als Kathedrale aus Kabeln, Stahl und Licht. Als italienischer Einwanderer, fasziniert von New York, verwandelt er die Infrastruktur in ein geistiges Sinnbild der Moderne. Das Werk gehört nicht zu Dada, teilt aber das amerikanische Umfeld, das Duchamp und Picabia aufnimmt. Die Brücke verbindet zwei Ufer und mehrere Avantgarden, ohne nach ihrem Mitgliedsausweis zu fragen.
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#98
Robert Delaunay98. Champs-de-Mars, Der rote Turm
Champs-de-Mars, Der rote Turm zeigt, wie Delaunay den Eiffelturm über Paris schwingen lässt. Rot schiebt das Monument auf den Betrachter zu, während die Gebäude fragmentieren. Dieses Vertrauen in die moderne Stadt geht dem dadaistischen Bruch voraus. Der Turm wird zur malerischen Ikone; Dada wird bald prüfen, ob Ikonen der Ironie standhalten.
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#99
Marsden Hartley99. Anordnung
Hartleys Anordnung ordnet Zeichen und Farben wie persönliche Hieroglyphen. Der Titel vermeidet das Versprechen eines erkennbaren Motivs und betont den Akt des Platzierens. Diese symbolische Abstraktion entwickelt sich parallel zu den Dadanetzwerken, ohne ihnen anzugehören. Jedes Emblem scheint eine Bedeutung zu haben, doch das Wörterbuch wurde jemandem anvertraut, der nicht mehr ans Telefon geht.
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#100
Robert Delaunay100. Politisches Drama
Delaunays Politisches Drama verbindet simultane Farbe mit dem Zeitgeschehen, einem in seinem Werk selten zentralen Bereich. Der Titel verwandelt öffentliche Spannungen in malerische Bewegung statt in eine lesbare Karikatur. Dada wird die Politik zu einem aggressiveren Material machen, besonders in Berlin. Hier bleibt das Drama leuchtend, als hätte das Parlament seine Reden durch farbige Scheiben ersetzt.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Was die Werke offenbaren
Hundert Gemälde, drei vorläufige Gewissheiten
Dada zweifelt an allem, einschließlich des vorherigen Satzes. Auf der Leinwand wird diese Freiheit sehr konkret: Zeichen verschieben, die Komposition aus dem Takt bringen und die Maschine zu einem seltsamen Spiegel machen.
Das Zeichen wird zum Motiv
Auge, Zahl, Wort oder Zahnrad können das Bild tragen, ohne eine traditionelle Szene zu erzählen.
Das Absurde kann präzise sein
Unter dem Scherz entwickelt Dada eine klare Kritik an kulturellen und politischen Gewohnheiten.
Die Farbe behält die Kontrolle
Selbst die provokante Malerei wird von Gleichgewichten, Kontrasten und einem sorgfältig berechneten Rhythmus getragen.
Eine Chronologie in Teilen
Fünf Daten, die nicht im Gleichschritt gehen wollen
Das Cabaret Voltaire vereint Lautpoesie, Performance, Musik und Bilder.
Ausgewählte Gegenstände und Zeitschriften verschieben die Grenze zwischen Werk und Geste.
Dada nimmt einen politischen Ton an und macht die Fotomontage zur kritischen Waffe.
Die Erste Internationale Dada-Messe stellt die Bewegung in ihrer ganzen organisierten Frechheit aus.
Die Pariser Streitigkeiten beschleunigen das Ende der Gruppe und die Verbreitung ihrer Methoden.
Die Bewegung im Detail
Warum macht Dada weiterhin Lärm?
Dada entsteht aus einer Ablehnung: der des Krieges, der großen Reden und des vollkommen gebügelten offiziellen Geschmacks. Selbst wenn seine Künstler malen, versuchen sie nicht, die Welt freundlich wieder in Ordnung zu bringen. Sie verschieben die Zeichen, schließen die Erzählungen kurz und lassen das Bild Fragen stellen, auf die der Rahmen keine Antwort vorbereitet hatte.
Francis Picabia verleiht dieser Malerei eine reizvoll freche Mechanik. In L’Œil cacodylate, Udnie, Liebesparade oder Edtaonisl vermischen sich Körper, Maschine, Signatur und Rätsel. Ein Zahnrad kann zum Porträt werden, ein Auge kann eine ganze Gesellschaft empfangen, und die Leinwand scheint häufig einen Scherz zu kennen, den sie höflich nicht erklären will.
Sophie Taeuber-Arp bringt eine leuchtende Strenge ein. Ihre geometrischen Kompositionen beweisen, dass der Dadageist nicht unordentlich sein muss, um radikal zu sein. Rechtecke, Diagonalen und Farben schreiten mit sehr ruhiger Präzision voran, als hätte das Absurde ausnahmsweise seinen Schreibtisch aufgeräumt, bevor es beginnt.
Theo van Doesburg verbindet Dada mit De Stijl und der europäischen Abstraktion. Seine Rhythmen, Kompositionen und Gegenkompositionen sind nicht alle im strengen Sinne dadaistisch, beleuchten aber die Verbreitung der Ideen im Umfeld der Bewegung. Diese Verwandtschaft wird im Rundgang benannt, statt als bequeme Geburtsurkunde verkleidet zu werden.
Robert Delaunay, Marsden Hartley, Arthur Dove, Otto Freundlich und Louis Marcoussis bewegen sich ebenfalls in diesem benachbarten Bereich. Ihre Gemälde teilen mit Dada eine fragmentierte, mechanische, symbolische oder bewusst instabile Moderne. Sie erscheinen nach dem Kern aus Picabia und Taeuber, damit die Rangliste eine verständliche Geschichte bleibt statt eines Festes, bei dem niemand seinen Mantel wiederfindet.
In einem Zimmer bringen diese Gemälde Rhythmus, Ironie und Kontrast, ohne eine Fotografie oder einen Gegenstand mitten in den Rundgang einzuschieben. Picabias Maschinen beleben ein Arbeitszimmer, die Geometrien strukturieren ein Wohnzimmer, und die benachbarten Abstraktionen geben der Wand ein interessanteres Gespräch als das Wetter.
Die Auswahl wendet schließlich vier Prüfungen an: malerisches Medium, passender Künstler, eindeutiges Bild und überprüfbarer historischer Grund. Eigenständige Collagen, Reliefs, Fotografien, Plakate, Skulpturen und Ready-mades bleiben für Dada wesentlich, gehören aber nicht in diese Rangliste von Gemälden. Selbst die Provokation profitiert manchmal davon, den Seitentitel zu lesen.
Vier Schlüssel zur Betrachtung
Schauen, ohne die Gebrauchsanweisung unter dem Rahmen zu suchen
Dada zieht die Frage der dekorativen Antwort vor. Maschine, Zeichen, Farbe und Ironie zeigen, wie jedes Gemälde die Gewohnheiten verschiebt.
Den Zahnrädern folgen
Beobachten, wie mechanische Formen zu Körper, Porträt oder visuellem Scherz werden.
Ohne Gebrauchsanweisung lesen
Zahlen, Buchstaben und Symbole wirken ebenso an der Komposition mit wie die gemalten Formen.
Die Spannung abwägen
Farbflächen, Kontraste und geometrische Rhythmen verhindern, dass sich das Bild auf einen bloßen Witz reduziert.
Die Zielscheibe suchen
Hinter dem Skandal steht häufig eine präzise Kritik an Kunst, Krieg oder Autorität.
Archive der Undiszipliniertheit
Nach dem letzten Gemälde weitergehen
Cabaret Voltaire, Zeitschriften, Ausstellungen und Korrespondenzen setzen die Geschichte dieser Gemälde fort. Dada reist schnell, wechselt Pseudonyme und verkehrt mit Bewegungen, die seine Methoden nicht immer teilen, ihm aber gern eine Seite, eine Bühne oder einen Streit anbieten.
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