Top 100 - Österreichische Malerei
Österreichische Malerei: 100 berühmte Gemälde von Klimt bis Schiele
Von Klimts Gold bis zu Schieles nervösen Linien, ein Jahrhundert österreichischer Malerei, wo Wien leuchtet, zweifelt, tanzt und den Betrachter manchmal mit entwaffnender Offenheit betrachtet.
In der österreichischen Malerei geht es nicht nur um Küssen, obwohl Klimt die Messlatte recht hoch gelegt und einen Teil des Problems mit Blattgold abgedeckt hat, die bekanntesten Werke gehen voran, dann geht der Weg in die Vergangenheit und erweitert den Blick, ohne ein Plakat oder eine Skulptur dezent in die Mitte der Gemälde zu rutschen.
Vom barocken Wien zur Secession
Einhundert Gemälde folgen Österreich, wenn es das Licht verändert
Die Geschichte beginnt weit vor 1900 Wolf Huber, Johann Georg Platzer, Paul Troger und Franz Anton Maulbertsch zeigen ein Österreich, wo die religiöse Tafel, die mythologische Szene und das barocke Fresko das Licht bereits wie ein Spektakel organisierenBei Maulbertsch wirbeln die Figuren mit solcher Energie, dass die Decke ihre Hauptaufgabe vergessen zu haben scheint: Still zu bleiben.
Klimt deckt die goldene Stille ab, Schiele zieht seinen Mantel ausZwischen den beiden findet das österreichische Gemälde mehr als genug, um hundert Gemälde aufzunehmen, ohne um eine Kaffeepause zu bitten.Wechseln Sie zu Bildern
Einteilung in Bilder
Die Hauptwerke des Kusses, Wally, Adèle, Judith und Schiele eröffnen die Einordnung mit global gewordenen Bildern.
#1
Der Kuss
Die anfängliche Stille von "Der Kuss" lässt den Blick seinen Weg wählen, bevor die Komposition seine wahren Stützpunkte offenbart "Der Kuss" vor dem Blicke zögert sinnvoll zwischen dem kostbaren Detail und dem Ganzen, In "Der Kuss" verwandelt Klimt dieses Zögern in Bewegung, als ob die Leinwand den Abstand ohne Bewegung verändert hätte "Der Kuss" muss man der Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche folgen; hier wird vermieden, dass das Werk seine Tiefe gewinnt und die Tiefe von" Kiss0 vermindert wird
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#2
Porträt von Wally Neuzil
Die schräge Spannung von "Porträt Wally Neuzil" erscheint aus den ersten Formenverhältnissen, gewinnt dann an Präzision, wenn die Details aufeinander zu reagieren beginnen Durch "Porträt Wally Neuzil" macht Schiele den Körper oder die Landschaft zu einem inneren Zustand "Porträt Wally Neuzil" wird eine Hand, ein Ast oder eine Häuserreihe zum Punkt, an dem die Farbe von Neuzil aufhört zu beschreiben, zum Punkt von Pose von Hand und Spiel von Neuportzil. Wally Neuzil gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#3
Porträt von Adèle Bloch-Bauer I
Die zurückhaltende Brillanz von "Portrait of Adèle Bloch-Bauer I" liefert nicht sofort seine ganze Kraft; sie fällt ins Auge, verlangsamt es und verlangt bald eine aufmerksamere LektüreDas Ornament verhindert unter dem scheinbaren Reichtum von "Portrait of Adèle Bloch-Bauer I" eine sehr feste Ordnung In "Portrait of Adèle Bloch-Bauer I" die Ruhe des Ornaments, das sich vom Pose-Blauer her hervorragend verfangen lässt "Die Einzigartigkeit von Pose Bère" Aber eine nachhaltigere Erinnerung Der Hinweis von "Porträt von Adèle Bloch-Bauer I" stellt es als ein Werk aus dem Jahr 1907, das in der Neuen Galerie erhalten ist und 138 x 162 cm misst; diese Wahrzeichen verändern die Art und Weise, wie wir uns seine Zeit und seinen realen Maßstab vorstellen.
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#4
Tod und junges Mädchen
Die frontale Präsenz von "Tod und Jungfrau" dreht sich ebenso um das Thema wie um die Art und Weise, wie die gemalten Massen den verfügbaren Raum einnehmen und ausschneiden Der Blick dringt durch eine instabile Form in "Tod und Jungfrau" ein, in "Tod und Jungfrau" lehnt Schiele die schöne akademische Kontinuität ab und bevorzugt eine Linie, die in der Lage ist, zu zögern, zu beißen und ihren Weg wieder aufzunehmen Die Singularität von "Tod und Jungfrau" erscheint in der Pose, der Optik und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer "Tod und Jungfrau" verleiht diese Einstellung dem Bild ein eigenes Tempo, mit weniger Fanfare als ein kaiserlicher Palast, aber einer nachhaltigeren Erinnerung Die Notiz von "Tod und Jungfrau Orte" Wie ein Werk aus dem Jahr 1915, das in der Galerie Belvedere aufbewahrt wird und 150 x 180 cm misst; Diese Wahrzeichen verändern die Art und Weise, wie wir uns seine Zeit und seinen realen Maßstab vorstellen.
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#5
Judith I
Der innere Rhythmus von "Judith I" wird in Etappen entdeckt, zwischen einem sehr lesbaren ersten Effekt und diskreteren Spannungen, die den Blick verlängern Durch die Beobachtung von "Judith I" verstehen wir, dass Klimt Porträt, Landschaft und dekorative Komposition nicht trennt "Judith I", die drei arbeiten zusammen, mit dem Ornament in der Rolle der sehr brillanten, aber wirklich kompetenten Kollegin "Judith I" zu betrachten, müssen Sie der Pose, dem Aussehen und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer folgen; hier gewinnt das Werk seine Tiefe und vermeidet, dass die Bildmarke auf eine berühmte Silhouette reduziert wird "Jud"
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#6
Die Umarmung
Die geduldige Konstruktion von "The Embrace" gibt jedem Bereich eine präzise Funktion, auch wenn der Schlüssel oder die Geste Spontaneität gewählt zu haben scheint In "The Embrace" lässt Schiele die Linie den größten Teil der Spannung tragen "The Embrace", ein gebrochener Umriss, eine zu scharfe Hand oder ein frei gelassener Raum reicht aus, um eine Präsenz spürbar zu machen, die nicht sanft die Präsenz von "The Embrace" erscheint in der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion von "The Embrace", erscheint ein zu lebhafter Umriss oder ein zu kahler Raum, der die Präsenz von "The Embrace" sanft anfühlt So zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit die Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#7
Danae
Die mobile Balance von "Danaé" ruht auf gegensätzlichen Kräften, die sich gegenseitig stützen, ohne jemals zu einer vollkommen wohlgezüchteten Symmetrie zu werden "Danaé" zeigt, dass die Brillanz in Klimt niemals ein einfaches Juwel ist, das auf die Leinwand gelegt wird; es verteilt die Blicke, komprimiert den Raum und verleiht dem Motiv eine fast zeremonielle Präsenz "Danaé" ist hauptsächlich auf die Spannung der Geschichte zurückzuführen, die symbolischen Zeichen und die Art und Weise, wie die Körper die Bühne besetzen "Danade" werden die Details dann nicht gut "die symbolischen Accessoires besetzen" die symbolischen Körpern also die „De"-Decessoires"
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#8
Die Familie
Das gerichtete Licht von "Die Familie" erhellt nicht nur das Motiv; es entscheidet auch über Hierarchie, Bewegung und Distanz Die Spannung von "Die Familie" entsteht vor allem durch ihre Abweichungen, Schiele bewegt in "Die Familie" eine Schulter, bricht eine Silhouette oder kippt ein Dach, und das Bild beginnt viel weniger angenehm einzuatmen Der Charakter von "Die Familie" kommt aus dem Spiel zwischen Pose, Blick und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer "Die Familie" verhindert den wahren inneren Blick von der Pose und
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#9
Der Baum des Lebens, Stoclet Frieze
Das sichtbare Material von "Der Baum des Lebens, Stoclet Friese" behält den Überblick über den Pinsel und verwandelt die Oberfläche in ein Erlebnis, nicht nur ein offenes Fenster auf einer Bühne Durch die Beobachtung von "Der Baum des Lebens, Stoclet Friese" verstehen wir, dass Klimt Porträt, Landschaft und dekorative Komposition nicht trennt "Der Baum des Lebens, Stoclet Friese", die drei arbeiten zusammen, mit dem Ornament in der Rolle des sehr brillanten, aber wirklich kompetenten Kollegen "Der Baum des Lebens, Stoclet Frieze", die drei Arbeiten zusammen, mit dem Ornament in der Rolle des sehr brillanten, aber wirklich kompetenten Kollegen, um die Tiefe des Lebensbaums zu beobachten, hat man das Stille-Muster reduziert". Der Baum des Lebens, Frise Stoclet, verortet ihn als ein Werk aus dem Jahr 1909, erhalten MAK - Österreichisches Museum für Angewandte Kunst/Zeitgenössische Kunst, mit den Maßen 200 x 102 cm; Diese Wahrzeichen verändern die Art und Weise, wie wir uns seine Zeit und seinen realen Maßstab vorstellen.
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#10
Kardinal und Nonne (Caresse)
Die enge Rahmung von "Kardinal und Nonne (Caresse)" zwingt jede Form zu zählen und gibt dem kleinsten Intervall eine ziemlich beträchtliche Verantwortung "Kardinal und Nonne (Caresse)" lässt Schiele die Linie den größten Teil der Spannung tragen "Kardinal und Nun (Caresse)", ein gebrochener Umriss, eine Hand, die zu scharf ist oder ein Raum, der frei bleibt, reicht aus, um eine Präsenz zu spüren, die nicht versucht, sanft zu posieren "Kardinal und Nun" die gebrochene Oberfläche von" Kaiserliche, aber dauerhaftere Erinnerung "Kardinal und Nonne (Caresse)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#11
Leben und Tod
Die ruhige Tiefe von "Leben und Tod" entsteht aus einer Folge von Aufnahmen, deren Logik mit dem Verlangsamen des Auges klarer wird Durch "Leben und Tod" macht Klimt Farbe zu einem mentalen Material, so viel wie sichtbar "Leben und Tod" Jedes Akkord bringt das Subjekt näher zusammen, dann bringt ihn ein Motiv mit großer Eleganz auf Distanz, vor "Leben und Tod" erscheint die Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche mehr als eine zweite Betrachtung: Das Werk erscheint unmittelbar, dann erscheint seine geduldige Konstruktion als seine erste Wirkung "Die Notiz von Leben und Tod", die Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion des Todes gibt dann einen unmittelbaren Eindruck von".
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#12
Selbstporträt mit Physalis
Der bunte Akzent von "Selbstporträt mit Physalis" wirkt als präzises Signal: Es weckt einen Bereich, verschiebt die Balance und startet die gesamte Komposition neu Der Blick tritt durch eine instabile Form in "Selbstporträt mit Physalis" ein "Selbstporträt mit Physalis" lehnt schöne akademische Kontinuität ab und bevorzugt eine Linie, die zögern, beißen und ihren Weg wieder aufnehmen kann Die Singularität von "Selbstporträt mit Physalis" erscheint in der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer "Selbstporträt mit Physitalis" wirkt weniger auf die schöne akademische Kontinuität und bevorzugt eine Linie, die zu zögernd ist, Physitalis auf das eigene Pose-Modell. Physalis gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#13
Die drei Zeitalter der Frauen
Die weiche Gravitation von "Die drei Zeitalter der Frauen" vermeidet Betonung bei gleichzeitiger Beibehaltung genügend Spannung, so dass das Motiv nie in eine einfache Kulisse übergeht "Die drei Zeitalter der Frauen" zeigt, dass die Brillanz in Klimt niemals ein einfaches Juwel ist, das auf die Leinwand gelegt wird; es verteilt die Blicke, komprimiert den Raum und verleiht dem Motiv eine fast zeremonielle Präsenz "Die drei Zeitalter der Frauen" handelt in der visuellen Geschichte hauptsächlich von der Pose, dem Aussehen und der Entfernung zwischen dem Model und dem Zuschauer "Die drei Zeitalter der Frauen" werden die Details dann eher zu Schauspielern als zu sehr gut gekleideten Accessoires "Die drei Zeitalter der Frauen" werden die Details dann eher zu Schauspielern als zu sehr gut gekleideten Accessoires. Die Anleitung zu ihr Werk aus dem Jahr 1905, erhaltene National Gallery of Modern and Contemporary Art mit den Maßen 180 x 180 cm; Diese Wahrzeichen verändern die Art und Weise, wie wir uns seine Zeit und seinen realen Maßstab vorstellen.
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#14
Vier Bäume
Die enthaltene Bewegung von "Vier Bäumen" fließt zwischen Figuren, Objekten oder Mustern hindurch, ohne dass es einer spektakulären Wirkung bedarf, um sensibel zu bleiben Die Komposition von "Vier Bäumen" wird eher durch Winkel, Falten und Spannungen zusammengehalten als durch ideale Pose "Vier Bäume" erhält Schiele zwar die Ähnlichkeit, entfernt aber das Polster der Konventionen "Vier Bäume" verdient die Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche einen zweiten Blick: Das Werk erscheint unmittelbar, dann offenbart es eine geduldigere Konstruktion als seine erste Wirkung "Vier Bäume", die Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche muss also mehr den geduldigen Blick nachher verrät"
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#15
Porträt von Adèle Bloch-Bauer II
Die trügerische Klarheit von "Porträt Adèle Bloch-Bauer II" erleichtert den Einstieg in das Bild, offenbart dann eine komplexere Organisation als diese erste visuelle Höflichkeit "Porträt Adèle Bloch-Bauer II" vertraut die Motive dann mit der Aufgabe an, ihre Atmung zwischen Material und Zeichen anzupassen "Porträt Adèle Bloch-Bauer II" lässt Klimt das Motiv mit der Aufgabe des Anpassens ihrer Atem-Blöcher-Motive betrauen" Der Charakter von "Porträt Blöcher-Bildner" Hinweis von "Porträt von Adèle Bloch-Bauer II" stellt es als ein Werk aus dem Jahr 1912, das in einer Privatsammlung aufbewahrt wird, mit den Maßen 190 x 120 cm; diese Wahrzeichen verändern die Art und Weise, wie wir uns seine Zeit und seinen realen Maßstab vorstellen.
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#16
Die Hermites
Der aktive Raum von "Die Hermites" gibt Intervallen ebenso viel Bedeutung wie bemalten Formen, was der Leere eine sehr arbeitsreiche Rolle verleiht Vor "Die Hermites" scheint Farbe selten, aber entscheidend zu sein In "Die Hermites" verwendet Schiele sie als nervösen Akzent, der die Haut, einen Stoff, eine Fassade oder ein bestimmtes psychologisches Moment offenbart "Die Hermites" zu betrachten, muss man der Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet, dass die Langeweile auf eine berühmte Silhouette reduziert wird "Damit gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet, dass es zu einer berühmten Silhouette kommt.
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#17
Porträt von Fritza Riedler
Die strukturierende Farbe von "Porträt von Fritza Riedler" kommt nicht nach der Zeichnung: Sie konstruiert die Abstände, Gewichte und das Tempo des Blicks, in "Porträt von Fritza Riedler" arbeitet Klimt das Ornament wie Architektur: Das Muster zieht zuerst an, ordnet dann lautlos Körper, Hohlräume und Lichtbereiche, die Singularität von "Porträt von Fritza Riedler" erscheint in Pose, Blick und Abstand zwischen Modell und Betrachter "Porträt von Fritza Riedler" verleiht diese Vertonung dem Bild ein eigenes Tempo, mit weniger Fanfare als ein Kaiserpalast, aber einer nachhaltigeren Erinnerung Der Hinweis von "Porträt von Fritza platziert es als Riedler" Werk aus dem Jahr 1906, erhalten in der Österreichischen Galerie Belvedere, mit den Maßen 153 x 133 cm; Diese Wahrzeichen verändern die Art und Weise, wie wir uns seine Zeit und seinen realen Maßstab vorstellen.
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#18
Dead City III (Die Stadt am blauen Fluss III)
Das entscheidende Detail von "Dead City III (The City on the Blue River III)" ist nicht unbedingt das auffälligste; es reicht jedoch aus, die Szene zu orientieren und den Ton anzugeben Die Spannung von "Dead City III (The City on the Blue River III)" entsteht vor allem durch ihre Abweichungen "Dead City III (The City on the Blue River III)" bewegt Schiele eine Schulter, bricht eine Silhouette oder kippt ein Dach, und das Bild beginnt auf eine viel weniger angenehme Art und Weise zu atmen "Dead City III (The City on the Blue River III)", schiele bewegt sich eine Schulter, oder kippt ein Dach auf, und das Bild beginnt viel bequem zu atmen. Diese Organisation verhindert, dass das Bild dekorativ bleibt und behält echte innere Spannung Die Mitteilung von "Ville Morte III (Die Stadt am blauen Fluss III)" platziert es als ein Werk aus dem Jahr 1911, das im Leopold Museum aufbewahrt wird und 373 x 298 cm misst; diese Wahrzeichen verändern die Art, sich seine Zeit und seinen realen Maßstab vorzustellen.
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#19
Porträt von Emilie Flöge
Die geordnete Oberfläche von "Porträt Emilie Flöge" vereint mehrere Lesegeschwindigkeiten, vom sofort erkennbaren Bild bis zu Akkorden, die etwas mehr Geduld erfordern Durch "Porträt Emilie Flöge" macht Klimt Farbe zu einem ebenso sichtbaren mentalen Stoff "Bildnis Emilie Flöge" bringt jeder Akkord das Motiv näher zusammen, dann bringt ein Motiv sie mit großer Eleganz wieder in die FerneVor "Porträt Emilie Flöge" erscheint jeder Akkord näher, dann ein Motiv in großer Eleganz wieder in die Ferne, als dass die Pose und der unmittelbare Blick zwischen dem geduldigen Werk Emilie Flö den ersten Blick verdient" Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#20
Selbstporträt (1910)
Die fortschreitende Intensität von "Selbstporträt (1910)" beginnt mit einem klaren Muster und setzt sich in den Lücken von Material, Kontur und Licht fortDer Blick tritt durch eine instabile Form in "Selbstporträt (1910)" ein "Selbstporträt (1910)" verweigert schöne akademische Kontinuität und bevorzugt eine Linie, die in der Lage ist, zu zögern, zu beißen und ihren Weg wieder aufzunehmen "Selbstporträt (1910)" erscheint in der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer weniger gut 1, sondern „Selbstporträt" fähig, (191) Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#21
Sonja Knips
Die anfängliche Stille von "Sonja Knips" lässt das Auge seinen Weg wählen, bevor die Komposition seine wahren Stützpunkte offenbart "Sonja Knips" kommt durch die Passage zwischen Material und Zeichen in erster Linie durch Klimt "lässt die Farbe das Motiv beschreiben, vertraut dann die Muster mit der Aufgabe an, ihre Atmung zu regulieren" Der Charakter von "Sonja Knips" kommt durch das Spiel zwischen der Beziehung zwischen Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Sonja Knipsja" erhält die verbleibende Spannkraft aus der Spielweise zwischen der realen Farbgestaltung und" an.
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#22
Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt)
Die schräge Spannung von "Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt)" erscheint aus den ersten Beziehungen der Formen, gewinnt dann an Präzision, wenn die Details beginnen, aufeinander zu reagieren Der Blick tritt in "Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt)" durch eine instabile Form ein "Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt)" verweigert die schöne akademische Kontinuität und bevorzugt eine Linie, die in der Lage ist, zu zögern, zu beißen und ihren Weg fortzusetzen "Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt)" erscheint in der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen dem Modell und dem männlichen Pose (Sitzend) Eine nachhaltigere Erinnerung "Sitzender männlicher Akt (Selbstporträt)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#23
Mäda Primavesi
Die zurückhaltende Brillanz von "Mäda Primavesi" liefert nicht sofort all ihre Kraft; sie fällt ins Auge, verlangsamt es und erfordert bald eine aufmerksamere Lektüre "Mäda Primavesi" macht Klimt Farbe zu einem gedanklichen Material, so sehr sichtbar "Mäda Primavesi" bringt jeder Akkord das Subjekt näher zusammen, dann bringt ein Motiv es mit großer Eleganz in die FerneVor "Mäda Primavesi" kommt jeder Akkord dem Subjekt die unmittelbare Konstruktion von "Mäda Primavesi" verdient dann die unmittelbare Farbigkeit, als die geduldige Konstruktion von ihr erst einmal zu erkennen ist
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#24
Edward Kosmack
Die Frontalpräsenz von "Édouard Kosmack" handelt ebenso sehr von der Thematik wie von der Art und Weise, wie die gemalten Massen den verfügbaren Raum einnehmen und ausschneiden "Edouard Kosmack" verleiht Schiele dem Schweigen viel Autorität "Edouard Kosmack" was nicht so viel wie das Motiv, eine Wirtschaftlichkeit, über die allzu gesprächige Wände meditieren könnten Die visuelle Geschichte von "Édouard Kosmou" ist hauptsächlich eine Wirtschaft, über die man die visuelle Oberfläche des Kosme-Sports sprechen könnte Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#25
Die Frau mit dem Fächer
Der innere Rhythmus von "Die Frau mit dem Fächer" wird in Etappen entdeckt, zwischen einem sehr lesbaren ersten Effekt und diskreteren Spannungen, die den Blick verlängern Durch die Beobachtung von "Die Frau mit dem Fächer" verstehen wir, dass Klimt Porträt, Landschaft und dekorative Komposition nicht trennt "Die Frau mit dem Fächer" arbeiten die drei zusammen, mit dem Ornament in der Rolle des sehr brillanten, aber wirklich kompetenten Kollegen "Die Frau mit dem Fächer" zu sehen, muss man der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Silhouette reduziert zu werden "Die Frau mit dem Fächer" gehört somit zu einem Australische Geschichte, in der das Bild lesbar bleiben und gleichzeitig genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
Entdecken →Porträts, Landschaften, Städte und Allegorien zeigen zwei Werke, die viel größer sind als ihre berühmtesten Ikonen.
#26
Tote Mutter I
Die geduldige Konstruktion von "Tote Mutter I" gibt jedem Bereich eine präzise Funktion, auch wenn die Berührung oder Geste so Spontaneität gewählt zu haben scheint Vor "Tote Mutter I" scheint die Farbe selten, aber entscheidend zu sein In "Tote Mutter I" verwendet Schiele sie als nervösen Akzent, der die Haut, einen Stoff, eine Fassade oder ein bestimmtes psychologisches Moment offenbart "Tote Mutter I" muss man der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Betrachter folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet, dass man dem berühmten Bild zwischen ihm folgt.
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#27
Pallas Athene
Die mobile Balance von "Pallas Athena" ruht auf einander unterstützenden Gegenkräften, ohne je zu einer vollkommen wohlgezüchteten Symmetrie zu werden Der Raum der "Pallas Athene" folgt keiner gefügigen Perspektive, Klimt überlagert in "Pallas Athena" Präsenz, Dekor und Symbol, damit das Bild in der gleichen Bewegung intim und monumental sein kann Der Charakter der "Pallas Athena" entstammt dem Spiel zwischen der Spannung der Geschichte, den symbolischen Zeichen und der Art und Weise, wie die Körper die Szene besetzen "Pallas Athena" verhindert diese Organisation, dass das Bild dekorativ bleibt und bewahrt eine echte innere Spannung. Bei "Pallas Athena" verhindert diese Organisation ein wirkliches dekoratives Bleiben. Das Bild muss unter Beibehaltung eines ausreichenden Mysteriums lesbar bleiben, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#28
Propheten (Doppelselbstporträt)
Das gerichtete Licht von "Propheten (Doppelselbstporträt)" erhellt nicht nur das Motiv; es entscheidet auch über Hierarchie, Bewegung und Distanz "Propheten (Doppelselbstporträt)" schreitet mit dieser Schiele-spezifischen Offenheit voran: wenig Schutzdekor, freigelegte Formen und eine Farbe, die genau dort eingreift, wo der Blick sich zu glauben droht, ruhig zu sein "Propheten (Doppelselbstporträt)" basiert hauptsächlich auf der Pose, dem Aussehen und dem Abstand zwischen Model und Zuschauer "Die visuelle Geschichte-Bildnis" handelt sich dann hauptsächlich um die Pose, den visuellen Abstand-Doppel-Doppel-Doppel-Darsteller" Gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#29
Nuda Veritas
Das sichtbare Material von "Nuda Veritas" behält den Überblick über den Pinsel und verwandelt die Oberfläche in ein Erlebnis, nicht nur ein offenes Fenster auf einer Bühne Der Raum von "Nuda Veritas" folgt keiner gefügigen Perspektive, Klimt überlagert in "Nuda Veritas" Präsenz, Dekor und Symbol, damit das Bild intim und monumental in der gleichen Bewegung sein kann "Nuda Veritas" entstammt dem Spiel zwischen der Beziehung des Subjekts, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Nuda Veritas" verhindert diese Organisation, dass das Bild dekorativ bleibt und behält echte innere Spannung "Nuda Veritas" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, in der Das Bild muss unter Beibehaltung eines ausreichenden Mysteriums lesbar bleiben, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#30
Porträt von Edith (der Frau des Künstlers)
Die enge Rahmung von "Portrait of Edith (der Frau des Künstlers)" zwingt jede Form zu zählen und gibt im geringsten Abstand eine recht beträchtliche Verantwortung "Portrait of Edith (der Frau des Künstlers)" behält in der Komposition von Edith (Porträt der Frau des Künstlers)" jedoch die Ähnlichkeit von Edith (das Kissen der Vorseite der Konvention entfernt Schiele jedoch die Kissen von Edith (Porträt der Frau) (die Frau des Künstlers)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#31
Der Beethovenfries/Beethoven-Friese
Die ruhige Tiefe von "Der Beethovenfries/Beethoven-Friese" entsteht aus einer Abfolge von Einstellungen, deren Logik mit dem verlangsamten Auge klarer wird "Der Beethovenfries/Beethoven-Friese" bearbeitet Klimt das Ornament wie Architektur: Das Muster zieht zuerst Körper, dann ordnet es still Körper, Hohlräume und Lichtbereiche an, die Singularität von "Der Beethovenfries/Beethoven-Friese" erscheint im Verhältnis von Motiv, Farbwerten und allgemeiner Oberflächenkonstruktion "Der Beethovenfries/Beethoven-Friese" verleiht diese Vertonung dem Bild ein eigenes Tempo, mit weniger Fanfare als ein Kaiserpalast, aber einer nachhaltigeren Erinnerung. "Der" Beethovenfries /Friese Beethoven" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#32
Porträt von Gerti Schiele
Der bunte Akzent von "Porträt Gerti Schiele" wirkt als präzises Signal: Es weckt eine Fläche, verschiebt die Balance und startet die gesamte Komposition neu "Porträt Gerti Schiele" schreitet mit dieser schielespezifischen Offenheit voran: wenig schützendes Dekor, freigelegte Formen und eine Farbe, die genau dort eingreift, wo der Blick Gefahr läuft, sich ruhig zu fühlen "Porträt Gerti Schiele" basiert hauptsächlich auf der Pose, dem Blick und dem Abstand zwischen Model und dem Zuschauer "Porträt Gerti Schieit" werden die Details dann zu Schauspielern und nicht zu sehr gut gekleideten Accessoires "Porträt Gerti" Porträtiert hauptsächlich auf die Pose zwischen Pose, dem Vorbild und dem Pose von Gertator. Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#33
Hoffnung
Die flexible Schwerkraft von "Hope" vermeidet Betonung bei gleichzeitiger Beibehaltung genügend Spannung, so dass sich das Motiv nie in eine einfache Einstellung verwandelt Die erste Kraft von "Hope" kommt von der Passage zwischen Material und Zeichen "Hope" Klimt lässt Farbe das Motiv beschreiben, vertraut dann den Motiven die Aufgabe an, ihre Atmung zu regulierenDer Charakter von "Hope" kommt aus dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Hope" behält die Bildverschiebung von der realen Spannung" bei
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#34
Porträt von Arthur Roessler
Die enthaltene Bewegung von "Porträt Arthur Roessler" fließt zwischen Figuren, Objekten oder Mustern, ohne dass es einer spektakulären Wirkung bedarf, um sensibel zu bleiben "Porträt Arthur Roessler" lässt Schiele die Zeile den größten Teil der Spannung tragen "Porträt Arthur Roessler", ein gebrochener Umriss, ein zu scharfer Handgriff oder ein frei gelassener Raum reicht aus, um eine Präsenz spürbar zu machen, die nicht sanft zu posieren suchtDie Singularität von Arthur Roessler" erscheint in der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen dem Modell und dem Betrachter nicht frei genug erscheint, um den Raum zu posieren Eine nachhaltigere Erinnerung "Porträt Arthur Roessler" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#35
Judith II
Die trügerische Klarheit von "Judith II" erleichtert den Einstieg in das Bild, offenbart dann eine komplexere Organisation als diese erste visuelle Höflichkeit Vor "Judith II" zögert der Blick sinnvoll zwischen dem kostbaren Detail und dem Ganzen "Judith II" verwandelt Klimt dieses Zögern in Bewegung, als ob die Leinwand die Distanz gewechselt hätte, ohne sich zu bewegen "Judith II" muss man der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und dem Betrachter zu folgen vermeidet, dass das Werk seine Tiefe gewinnt und die Tiefe, auf die man sich bei "Judith II" langweilt
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#36
Porträt von Erich Lederer
Der aktive Raum von "Porträt Erich Lederer" legt auf Intervalle ebenso viel Wert wie auf gemalte Formen, was der Leere eine sehr arbeitsreiche Rolle gibt "Porträt Erich Lederer" entsteht vor allem durch seine Lücken Die Anspannung "Porträt Erich Lederer" kommt durch das Spiel zwischen Pose, Blick und Abstand zwischen Modell und Betrachter "Bildnis Erich Lederer" bewegt sich eine Schulter, bricht eine Silhouette oder kippt ein Dachbild, und das Bild beginnt auf angenehme Weise zwischen dem Modell und dem Bild zu atmen". "gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#37
Wasserschlangen II
Die strukturierende Farbe von "Serpents d'eau II" kommt nicht nach der Zeichnung: Sie konstruiert die Abstände, Gewichte und das Tempo des Blicks Der Rhythmus von "Serpents d'eau II" basiert auf klaren Gegensätzen: Haut und Muster, Tiefe und Oberfläche, Stille des Gesichts und Aktivität des Dekors "Serpents d'eau II" stimmt sie, ohne sie weise zu machen, tunesau II. Die visuelle Geschichte von "Serpents d'eau" basiert hauptsächlich auf der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der weisen Farbe d. Wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysteriums lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#38
Porträt von Friederike Maria Beer
Das entscheidende Detail von "Porträt Friederike Maria Beer" ist nicht unbedingt das auffälligste; es genügt jedoch, die Szene zu orientieren und ihren Ton zu fixieren, die Komposition von "Porträt Friederike Maria Beer" wird eher durch Winkel, Falten und Spannungen zusammengehalten als durch eine ideale Pose "Porträt Friederike Maria Beer" Schiele behält die Ähnlichkeit, entfernt aber das Polster der Konventionen, vor "Porträt Friederike Maria Beer" gehört die Pose, die Optik und der Abstand zwischen Modell und Zuschauer zu einem zweiten Blick: Das Werk erscheint unmittelbar, offenbart dann eine geduldigere Konstruktion als seine erste Wirkung "Porträt der Friederike Maria Beer" So zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit die Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#39
Bewegtes Wasser
Die organisierte Oberfläche von "Bewegtes Wasser" vereint mehrere Lesegeschwindigkeiten, vom sofort erkennbaren Bild bis zu Akkorden, die etwas mehr Geduld erfordern Der Raum von "Bewegtes Wasser" folgt keiner gefügigen Perspektive, Klimt überlagert in "Bewegtes Wasser" Präsenz, Dekoration und Symbol, damit das Bild in der gleichen Bewegung intim und monumental sein kann Der Charakter von "Bewegtes Wasser" ergibt sich aus dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Bewegtes Wasser" Diese Organisation verhindert, dass das Bild dekorativ bleibt und behält echte innere Spannung "Bewegtes Wasser" gehört so Zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#40
Porträt von Herbert Reiner
Die fortschreitende Intensität von "Porträt Herbert Reiner" beginnt mit einem klaren Muster und setzt sich in den Lücken in Material, Kontur und Licht fort, unter der scheinbaren Zerbrechlichkeit von "Porträt Herbert Reiner" bleibt die Konstruktion sehr sicher "Porträt Herbert Reiner" Schiele weiß genau, wo er den Umriss unterbrechen muss, damit das Auge die Bewegung fortsetzt und sich leicht für das Ergebnis verantwortlich fühlt "Porträt Herbert Reiner" zu sehen, muss man der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Betrachter folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Silhouette reduziert zu werden "Porträt Herbert Reiner" gehört damit zu einer Geschichte Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#41
Goldfisch
Die anfängliche Stille von "Goldfisch" lässt das Auge seinen Weg wählen, bevor die Komposition seine wahren Stützpunkte offenbart Der Rhythmus von "Goldfisch" basiert auf klaren Gegensätzen: Haut und Muster, Tiefe und Oberfläche, Stille des Gesichts und Aktivität des Dekors In "Goldfisch" stimmt Klimt sie, ohne sie weise zu machen Die visuelle Geschichte von "Goldfisch" basiert hauptsächlich auf der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche von Klimfish" Lesbar bleiben und dabei genügend Rätsel bewahren, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#42
Porträt von Anton Peschka
Die schräge Spannung von "Porträt Anton Peschka" erscheint aus den ersten Formenverhältnissen, gewinnt dann an Präzision, wenn die Details aufeinander zu reagieren beginnen Durch "Porträt Anton Peschka" macht Schiele den Körper oder die Landschaft zu einem inneren Zustand "Porträt Anton Peschkas" wird eine Hand, ein Ast oder eine Häuserreihe zum Punkt, an dem die Farbe zwischen Pose und Handbild aufhört" Damit gehört d'Anton Peschka' zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#43
Die Jungfrauen
Die zurückhaltende Brillanz von "Die Jungfrauen" liefert nicht sofort ihre ganze Kraft; sie fällt ins Auge, verlangsamt es und erfordert bald eine sorgfältigere Lektüre "Die Jungfrauen" zeigt, dass Klimts Brillanz nie ein einfaches Juwel ist, das auf die Leinwand gelegt wird; sie verteilt Blicke, komprimiert Raum und verleiht dem Motiv eine fast zeremonielle Präsenz "Die Jungfrauen" werden dann hauptsächlich Schauspieler und nicht sehr gut gekleidete Schauspieler "Die Details" werden dann zu sehr gut gekleideten Schauspielern".
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#44
Porträt von Leopold Czihaczek (1907)
Die frontale Präsenz von "Porträt Leopold Czihaczek (1907)" ist ebenso sehr auf das Thema bezogen wie auf die Art und Weise, wie die gemalten Massen den verfügbaren Raum einnehmen und ausschneiden Unter der scheinbaren Zerbrechlichkeit von "Porträt Leopold Czihaczek (1907)" bleibt die Konstruktion sehr sicher "Porträt Leopold Czihaczek (1907)" bleibt die Konstruktion sehr sicher, wobei Leopold Tozek den Umriss genau auf das Ergebnis Czihacit (1)" zu betrachten fühlt Leopold Czihaczek (1907) gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit die Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#45
Die Braut
Der innere Rhythmus von "Die Braut" wird in Etappen entdeckt, zwischen einem sehr lesbaren ersten Effekt und diskreteren Spannungen, die den Blick verlängern Durch die Beobachtung von "Die Braut" verstehen wir, dass Klimt Porträt, Landschaft und dekorative Komposition nicht trennt "Die Braut" arbeiten die drei zusammen, mit dem Ornament in der Rolle des sehr brillanten, aber wirklich kompetenten Kollegen "Die Braut" muss man der Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet, dass die Braut ihre Tiefe auf eine berühmte Silhouette reduziert wird "Die Braut" vermeidet, wo die Arbeit an Tiefe gewinnt und die Tiefe vermindert wird. Lesbar bleiben und dabei genügend Rätsel bewahren, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#46
Häuser mit buntem Leinen
Die geduldige Konstruktion von "Häusern mit farbiger Leine" gibt jedem Bereich eine präzise Funktion, auch wenn die Berührung oder Geste Spontaneität gewählt zu haben scheint Der Blick dringt durch eine instabile Form in "Häuser mit farbiger Leinen" ein "Häuser mit farbiger Leinen" lehnt Schiele eine schöne akademische Kontinuität ab und bevorzugt eine Linie, die zögern, beißen und sich wieder auf den Weg machen kann Die Singularität von "Häuser mit farbiger Leinen" erscheint in der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Häuser mit farbiger Leinen" verweigert Schiele eine schöne akademische Kontinuität und bevorzugt eine Linie, die in der Lage des Leinens weniger mit der Farbigkeit erscheint". Bleibendere Erinnerung "Häuser mit farbigem Leinen" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#47
Adam und Eva
Die mobile Balance von "Adam und Eva" ruht auf einander unterstützenden Kräften, ohne je zu einer vollkommen wohlgezüchteten Symmetrie zu werden Die erste Kraft von "Adam und Eva" kommt von der Passage zwischen Materie und Zeichen "Adam und Eva" lässt Klimt die Farbe das Motiv beschreiben, vertraut dann den Motiven die Aufgabe an, ihre Atmung zu regulierenDer Charakter von "Adam und Eva" kommt aus dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Eve und Eva" behält diese Organisation von der verbleibenden Spannung der Motive bei, die die von der realen Oberfläche und der Konstruktion von Eve ausgeht"
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#48
Stein an der Donau, von Süden gesehen
Das gerichtete Licht von "Stein an der Donau, von Süden gesehen" erhellt nicht nur das Motiv; es entscheidet auch über Hierarchie, Bewegung und Distanz Die Komposition von "Stein an der Donau, von Süden gesehen" wird eher durch Winkel, Falten und Spannungen zusammengehalten als durch eine ideale Pose "Stein an der Donau, von Süden gesehen", behält Schiele die Ähnlichkeit, entfernt aber das Polster der Konvente, verrät dann die Ähnlichkeit von Donau-Front-Beziehung", entfernt aber die unmittelbare Oberfläche von Contensions Sud gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#49
Porträt von Margarethe Stonborough-Wittgenstein
Das sichtbare Material von "Porträt der Margarethe Stonborough-Wittgenstein" behält den Überblick über den Pinsel und verwandelt die Oberfläche in ein Erlebnis, nicht nur ein offenes Fenster auf einer Bühne, Unter dem scheinbaren Reichtum von "Porträt der Margarethe Stonborough-Wittgenstein" konstruiert Klimt eine sehr feste Ordnung "Porträt der Margarethe Stonborough-Wittgenstein" verhindert die Ruhe des Ornaments, ohne seinen Atem einzufangen, was eine hervorragende Disziplin des Margarethe-Porträts von "erhält" Vertonung gibt dem Bild ein eigenes Tempo, mit weniger Tamtam als ein Kaiserpalast, aber einer nachhaltigeren Erinnerung "Porträt Margarethe Stonborough-Wittgenstein" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit sich die Mauer nach drei Tagen nicht langweilt.
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#50
Krumau bei Nacht (Tote Stadt II, 1911)
Die enge Rahmung von "Krumau bei Nacht (Tote Stadt II, 1911)" zwingt jede Form zum Zählen und gibt dem kleinsten Intervall eine ziemlich erhebliche Verantwortung "Krumau bei Nacht (Tote Stadt II, 1911)" schreitet mit dieser Schiele-spezifischen Freimütigkeit voran: wenig Schutzdekor, freigelegte Formen und eine Farbe, die genau dort eingreift, wo das Auge sich zu glauben droht, ruhig zu sein Die visuelle Geschichte von "Krumau bei Nacht (Tote Stadt II, 191)" fügt sich über alle Tiefe, den Rhythmus und das Licht, das das das Motiv in der Tiefe verbindet, an "Krumau bei Nacht (Tote Stadt II) 1) Nacht (Tote Stadt II, 1911)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysteriums lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
Entdecken →Gerstl, späte Porträts, Landschaften und weniger erwartete Gemälde erleichtern den Bruch um 1900.
#51
Porträt von Eugenia Primavesi
Die ruhige Tiefe von "Portrait of Eugenia Primavesi" entsteht aus einer Abfolge von Einstellungen, deren Logik mit dem Verlangsamen des Auges klarer wird "Portrait of Eugenia Primavesi" macht Klimt Farbe zu einem mentalen Material, das ebenso sichtbar ist "Portrait of Eugenia Primavesi", Jeder Akkord bringt das Motiv näher zusammen, dann bringt ein Motiv es mit großer Eleganz wieder auf Distanz vor "Portrait of Eugenia Primavesi", dann kommt ein patientenhafter Blick auf das Motiv von Eugenia zurück Wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysteriums lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#52
Alte Häuser in Krumau
Der bunte Akzent von "Alte Häuser in Krumau" wirkt als präzises Signal: Er weckt eine Fläche, verschiebt die Balance und startet die gesamte Komposition neu Der Blick dringt durch eine instabile Form in "Alte Häuser in Krumau" ein, in "Alte Häuser in Krumau" lehnt Schiele eine schöne akademische Kontinuität ab und bevorzugt eine Linie, die in der Lage ist, zu zögern, zu beißen und ihren Weg wieder aufzunehmen Die Singularität von "Alten Häusern in Krumau" erscheint in der Tiefe, dem Rhythmus der Massen und dem Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet "Old Houses in Krumau" verweigert die schöne akademische Kontinuität und bevorzugt eine Linie, die in der Tiefe des Kldau erscheint. Häuser in Krumau gehören damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnishaftigkeit lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#53
Porträt von Friedericke Maria Beer
Die weiche Gravitation von "Porträt Friedericke Maria Beer" vermeidet Betonung bei Beibehaltung genügend Spannung, so dass sich das Motiv nie in einfaches Dekor verwandelt "Porträt Friedericke Maria Beer" bearbeitet Klimt das Ornament wie Architektur: Das Muster zieht zuerst Körper, Hohlräume und Lichtbereiche an, ordnet sie dann still, die Singularität von "Porträt Friedericke Maria Beer" erscheint in Pose, Blick und Abstand zwischen Modell und Betrachter "Porträt Friedericke Maria Beer" verleiht diese Vertonung dem Bild ein eigenes Tempo, mit weniger Fanfare als ein Kaiserpalast, aber einer nachhaltigeren Erinnerung. Friedericke Maria Beer gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung eines ausreichenden Mysteriums lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#54
Stadt in der Abenddämmerung (La Petite Ville II, 1913)
Die enthaltene Bewegung von "Stadt in Dämmerung (Kleine Stadt II, 1913)" zirkuliert zwischen Figuren, Gegenständen oder Mustern, ohne dass ein spektakulärer Effekt nötig ist, um sensibel zu bleiben Durch "Stadt in Dämmerung (Kleine Stadt II, 1913)" macht Schiele den Körper oder die Landschaft zu einem inneren Zustand "Stadt in Dämmerung (Kleine Stadt II, 1913)", wird eine Hand, ein Zweig oder eine Reihe von Häusern zu beschreiben, zu dem die Farbe aufhört, um einen Punkt von "Stadt in Dämmerung" zu beschreiben, 9 zu sorgen, zu einem Punkt von der Farbe von zweigen oder zu hören, zu sein. 1913), verhindert diese Organisation, dass das Bild dekorativ bleibt und behält echte innere Spannung "Stadt in der Dämmerung (La Petite Ville II, 1913)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniskrämerei lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#55
Porträt von Hermine Gallia
Die trügerische Klarheit von "Porträt der Hermine Gallia" erleichtert den Einstieg in das Bild, offenbart dann eine komplexere Organisation als diese erste visuelle Höflichkeit "Porträt der Hermine Gallia" zeigt, dass die Brillanz in Klimt niemals ein einfaches Juwel ist, das auf die Leinwand gelegt wird; es verteilt die Blicke, komprimiert den Raum und verleiht dem Motiv eine fast zeremonielle Präsenz "Porträt der Hermine Gallia" ist hauptsächlich in der Pose, dem Aussehen und der Distanz zwischen dem Model und dem Zuschauer "in Portrait der Hermine Gallia" werden die Details dann eher zu Schauspielern als zu sehr gut gekleideten Accessoires" Portrait der Hermine Gallia. Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#56
Herbstsonne I (Sonnenaufgang, 1912)
Der aktive Raum von "Autumn Sun I (Sunrise, 1912)" legt auf Intervalle ebenso viel Wert wie auf gemalte Formen, was der Leere eine sehr arbeitsreiche Rolle verleiht "Autumn Sun I (Sunrise, 1912)" tritt durch eine instabile Form ein "Autumn Sun I (Sunrise, 1912)" verweigert Schiele die schöne akademische Kontinuität und bevorzugt eine Linie, die in der Lage ist, zu zögern, zu beißen und ihren Weg wieder aufzunehmen "Autumn Sun I (Sunrise, 1912)", lehnt Schiele die schöne akademische Kontinuität ab und nimmt eine Linie zurück, die zu zögern fähig ist Mit weniger Tamtam als ein Kaiserpalast aber einer nachhaltigeren Erinnerung "Herbstsonne I (Sonnenaufgang, 1912)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnishaftigkeit lesbar bleiben muss, damit sich die Mauer nach drei Tagen nicht langweilt.
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#57
Porträt Johanna Staude
Die strukturierende Farbe von "Porträt Johanna Staude" kommt nicht nach der Zeichnung: Sie konstruiert die Abstände, Gewichte und das Tempo des Blicks Der Rhythmus von "Porträt Johanna Staude" basiert auf klaren Gegensätzen: Haut und Muster, Tiefe und Oberfläche, Stille des Gesichts und Aktivität des Dekors "Porträt Johanna Staude" Stimmt Klimt sie vor allem, ohne sie weise zu machen Die visuelle Geschichte von "Porträt Johanna Staude" stellt hauptsächlich die Pose zwischen dem Modell und dem Zuschauer dar So zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit die Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#58
Prozession (1911)
Das entscheidende Detail von "Prozession (1911)" ist nicht unbedingt das auffälligste; es genügt jedoch, die Szene zu orientieren und ihren Ton zu fixieren "Prozession (1911)" tritt der Blick durch eine instabile Form ein "Prozession (1911)" lehnt die schöne akademische Kontinuität ab und bevorzugt eine Linie, die in der Lage ist, zu zögern, zu beißen und ihren Weg wieder aufzunehmen "Prozession (1911)" erscheint die Singularität zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche (Prozession (1911)" erscheint die schöne akademische Kontinuität und die Wiederherstellung ihrer zaugenden Oberfläche 1. Australische Geschichte, in der das Bild lesbar bleiben und gleichzeitig genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#59
Porträt von Amalie Zuckerkandl
Die organisierte Oberfläche von "Porträt der Amalie Zuckerkandl" vereint mehrere Lesegeschwindigkeiten, vom sofort erkennbaren Bild bis zu Akkorden, die etwas mehr Geduld erfordern Unter dem scheinbaren Reichtum von "Porträt der Amalie Zuckerkandl" konstruiert Klimt eine sehr feste Ordnung "Porträt der Amalie Zuckerkandl" verhindern die ruhigen Bereiche, dass das Ornament spricht, ohne seinen Atem einzufangen, was eine hervorragende Disziplin bleibt "Porträt der Amalie Pose des Amerkers" erscheint das ruhige Aussehen des Kaiserliche, aber nachhaltigere Erinnerung "Bildnis Amalie Zuckerkandl" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnishaftigkeit lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#60
Offenbarung (1911)
Die fortschreitende Intensität von "Offenbarung (1911)" beginnt mit einem klaren Muster und setzt sich in den Lücken von Material, Kontur und Licht fort, Unter der scheinbaren Zerbrechlichkeit von "Offenbarung (1911)" bleibt die Konstruktion sehr sicher "Offenbarung (1911)", Schiele weiß genau, wo sie den Umriss unterbricht, damit das Auge die Bewegung fortsetzt und sich leicht verantwortlich fühlt für das Ergebnis "Offenbarung (1911)" muss man der Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet, auf eine berühmte Silhouette reduziert zu werden "Offenbar zu werden" Das Bild muss unter Beibehaltung eines ausreichenden Mysteriums lesbar bleiben, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#61
Die Musik
Die anfängliche Stille von "Die Musik" lässt das Auge seinen Weg wählen, bevor die Komposition ihre wahren Stützpunkte offenbart Die erste Stärke von "Musik" kommt von der Passage zwischen Material und Zeichen, in "Musik" lässt Klimt die Farbe das Motiv beschreiben, vertraut dann die Motive mit der Aufgabe an, ihre Atmung zu regulierenDer Charakter der "Musik" kommt aus dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Diese Organisation der Musik" verhindert die übrige Spannung zwischen der realen Oberfläche und der Musik
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#62
Sonnenblumen I
In der schrägen Spannung von "Tournesols I" erscheint aus den ersten Beziehungen der Formen, gewinnt dann an Präzision, wenn die Details beginnen, aufeinander zu reagieren "Tournesols I" schreitet mit dieser für Schiele spezifischen Offenheit voran: wenig schützende Dekoration, exponierte Formen und eine Farbe, die genau dort eingreift, wo das Auge Gefahr läuft, ruhig zu werden "Tournesols I" wird hauptsächlich durch die Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche zu den Darstellern, die dann zu sehr gut gekleideten Accessoires" werden, die Schauspieler dann zu sehr gut gekleideten Accessoires "und"
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#63
Schubert am Klavier I
Die zurückhaltende Brillanz von "Schubert auf Klavier I" liefert nicht sofort ihre ganze Kraft; sie fällt ins Auge, verlangsamt es und drängt ihm bald eine aufmerksamere Lektüre auf, unter dem scheinbaren Reichtum von "Schubert auf Klavier I" konstruiert Klimt eine sehr feste Ordnung "Schubert auf Klavier I" verhindern die ruhigen Bereiche, dass das Ornament ohne Atem zu holen, was eine hervorragende Disziplin bleibt Die Singularität auf dem Klavier I" erscheint im Verhältnis zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion des Piano I. Die Ruhe bleibt erhalten "Schubert am Klavier I" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#64
Die Liebenden (Selbstporträt mit Wally)
Die Frontalpräsenz von "Die Liebenden (Selbstbildnis mit Wally)" handelt ebenso sehr vom Thema wie von der Art und Weise, wie die gemalten Massen den verfügbaren Raum einnehmen und ausschneiden, In dem engen Raum von "Die Liebenden (Selbstbildnis mit Wally)", verleiht Schiele dem Schweigen viel Autorität "Die Liebenden (Selbstbildnis mit Wally)", was nicht so viel wie das Motiv, eine Wirtschaftlichkeit, auf die man malen könnte, wiegt, ist eine visuelle Geschichte. Sehr gut gekleidete Accessoires "Die Liebenden (Selbstporträt mit Wally)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysteriums lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#65
Attersee
Der Innenrhythmus von "Attersee" wird in Etappen entdeckt, zwischen einem sehr lesbaren ersten Effekt und diskreteren Spannungen, die den Blick verlängern Der Raum des "Attersee" folgt keiner gefügigen Perspektive, Klimt überlagert in "Attersee" Präsenz, Dekor und Symbol, so dass das Bild intim und monumental in derselben Bewegung sein kann Der Charakter des "Attersee" kommt aus dem Spiel zwischen Tiefe, dem Rhythmus der Massen und dem Licht, das das Motiv mit dem Himmel verbindet "Attersee" verhindert, dass das Bild dekorativ bleibt und eine echte innere Spannung bewahrt "Attersee" kommt aus dem Spiel zwischen Tiefe, dem Rhythmus der Raumforderung und dem Licht, das das das das Muster nach dem Himmel verbindet, das so langeweißt" nicht zu lesen, und bleiben, was das Bild bleiben muss.
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#66
Mutter mit zwei Kindern II (1915)
Die geduldige Konstruktion von "Mutter mit zwei Kindern II (1915)" gibt jedem Bereich eine präzise Funktion, auch wenn die Berührung oder Geste Spontaneität gewählt zu haben scheint "Mutter mit zwei Kindern II (1915)" schreitet mit dieser für Schiele spezifischen Offenheit voran: wenig Schutzdekor, freigelegte Formen und eine Farbe, die genau dort eingreift, wo der Blick sich im Glauben zur Ruhe befindet "Mutter mit zwei Kindern II (1915)" basiert hauptsächlich auf der Pose, dem Blick und dem Abstand zwischen dem Modell II und dem Modell (Mutter mit dem Modell II) 1. II (1915) gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#67
Buchenwald
Das mobile Gleichgewicht von "Beech Forest" ruht auf gegensätzlichen Kräften, die sich gegenseitig stützen, ohne jemals zu einer vollkommen wohlgezüchteten Symmetrie zu werden Der Raum von "Beech Forest" folgt keiner gefügigen Perspektive, Klimt überlagert in "Beech Forest" Präsenz, Dekoration und Symbol, so dass das Bild intim und monumental in derselben Bewegung sein kann "Beech Forest" entsteht aus dem Spiel zwischen Tiefe, dem Rhythmus der Massen und dem Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet "Beech Forest" verhindert somit, dass das Bild dekorativ bleibt und erhält eine echte innere Spannung "Beech Forest" kommt aus dem Spiel zwischen Tiefe, dem Rhythmus der Waldorganisation und dem Licht, das die österreichische Bild verbindet. Lesbar bleiben und dabei genügend Rätsel bewahren, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#68
Landschaft mit Krähen (1911)
Das gerichtete Licht von "Landschaft der Krähen (1911)" erhellt nicht nur das Motiv; es entscheidet auch über Hierarchie, Bewegung und Distanz Die Komposition von "Landschaft der Krähen (1911)" wird durch Winkel, Falten und Spannungen zusammengehalten, statt durch eine ideale Pose "Landschaft der Krähen (1911)", Schiele behält die Ähnlichkeit, entfernt aber das Polster der Konventionen, entfernt aber das Polster der Konventionen, vor "Landschaft der Krähen (1911)" erscheint dann der unmittelbare Lichtblick und der Tiefenblick,1 der den Tiefenblick verrät " Australische Geschichte, in der das Bild lesbar bleiben und gleichzeitig genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#69
Birkenwald
Das sichtbare Material von "Birkenwald" behält den Überblick über das Gestrüpp und verwandelt die Oberfläche in ein Erlebnis, nicht nur ein offenes Fenster auf einer Bühne Durch "Birkenwald" macht Klimt Farbe zu einem mentalen Material, so viel wie sichtbar In "Birkenwald" bringt jeder Akkord das Motiv näher zusammen, dann wird es durch ein Muster mit großer Eleganz wieder in Schach gehalten "Birkenwald" vor "Birkenwald" muss die Tiefe, der Rhythmus der Massen und das Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet, einen zweiten Blick verdienen: Das Werk erscheint unmittelbar, dann offenbart es eine Konstruktion, die geduldiger ist als ihre erste Wirkung "Birkenwald" gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild geheimnislesbar bleiben muss, während es so lange Tage langweilt wird.
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#70
Landschaft von Krumau (Stadt und Fluss, 1916)
Die enge Rahmung von "Landschaft Krumau (Stadt und Fluss, 1916)" zwingt jede Form zum Zählen und gibt im geringsten Abstand eine recht beträchtliche Verantwortung "Landschaft Krumau (Stadt und Fluss, 1916)" wird durch Winkel, Falten und Spannungen zusammengehalten, statt durch ideale Pose "Landschaft Krumau (Stadt und Fluss, 1916)", Schiele behält die Ähnlichkeit, aber entfernt das Polster der Konventionen "Landschaft, 9" von Konventionen, 1. Landschaft Krumau (Stadt und Fluss, 1916)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit sich die Mauer nach drei Tagen nicht langweilt.
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#71
Mohnfeld
Die ruhige Tiefe von "Feld der Mohnblumen" entsteht aus einer Abfolge von Aufnahmen, deren Logik mit dem verlangsamten Auge klarer wird, in "Feld der Mohnblumen" arbeitet Klimt das Ornament wie Architektur: Das Muster zieht zuerst Körper, Hohlräume und Lichtbereiche an, organisiert sie dann still, die Singularität von "Feld der Mohnblumen" erscheint in der Tiefe, dem Rhythmus der Massen und dem Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet "Feld der Mohnblumen" verleiht diese Einstellung dem Bild ein eigenes Tempo, mit weniger Fanfare als ein Kaiserpalast, aber einer nachhaltigeren Erinnerung "Feld der Mohnblumen" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, in der Das Bild muss unter Beibehaltung eines ausreichenden Mysteriums lesbar bleiben, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#72
Bauerngarten mit Sonnenblumen
Der bunte Akzent von "Bauerngarten mit Sonnenblumen" wirkt als präzises Signal: Er weckt eine Fläche, verschiebt die Balance und startet die gesamte Komposition neu "Bauerngarten mit Sonnenblumen" balanciert Klimt dekorative Oberfläche und reale Präsenz in "Bauerngarten mit Sonnenblumen" Das Auge kann die Muster bewundern, doch es kehrt am Ende immer wieder ins Gesicht, zur Geste oder zur Landschaft zurück, die das Ganze zusammenhält "Bauerngarten mit Sonnenblumen", die Tiefe, der Rhythmus der Massen und das Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet, verdienen einen zweiten Blick: Die Arbeit erscheint unmittelbar, dann offenbart sie eine geduldigere Konstruktion als ihre erste Wirkung "Bauerngarten mit Sonnenblumen" Gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#73
Park auf Schloss Kammer
Die weiche Schwerkraft von "Park auf Schloss Kammer" vermeidet Betonung bei Beibehaltung genügend Spannung, so dass das Motiv nie in einfaches Dekor übergeht Die erste Stärke von "Park auf Schloss Kammer" kommt von der Passage zwischen Material und Zeichen "Park auf Schloss Kammer" lässt Klimmt die Farbe das Motiv beschreiben, vertraut dann die Muster mit der Aufgabe an, ihre Atmung anzupassen Der Charakter von "Park auf Schloss Kammer" entstammt dem Spiel zwischen Tiefe, dem Rhythmus der Massen und dem Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet "Park auf Schloss" lässt Klimmt die Farbe das Motiv beschreiben, dann vertraut er die Muster mit der Aufgabe an, ihre Atmung auf Schloss und Kammer-Rhythmus zu verstellen. "gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#74
Kirche in Cassone (Landschaft mit Zypresse)
Die enthaltene Bewegung von "Kirche in Cassone (Landschaft mit Zypresse)" zirkuliert zwischen Figuren, Objekten oder Mustern, ohne dass es einer spektakulären Wirkung bedarf, um sensibel zu bleiben "Kirche in Cassone (Landschaft mit Zypresse)" balanciert Klimt dekorative Oberfläche und reale Präsenz aus "Kirche in Cassone (Landschaft mit Zypresse)" kann das Auge die Muster bewundern, aber es kehrt am Ende immer wieder zu Gesicht, Geste oder Landschaft zurück, die das Ganze zusammenhält "Vor der Kirche in Cassone erscheint die Geste" sofort wieder, aber die Landschaft in Cassone zeigt das Gesicht, das das zurückkehrt. Wirkung. "Kirche in Cassone (Landschaft mit Zypresse)" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#75
Judith und Holofernes
Die trügerische Klarheit von "Judith und Holofernes" erleichtert den Eintritt ins Bild, offenbart dann eine komplexere Organisation als diese erste visuelle Höflichkeit, in "Judith und Holofernes" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Herden "Judith und Holofernes" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernen "Judith und Holofernes" anzusehen, muss man der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Zuschauer folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Silhouette von Holernes" somit zu reduzieren. Australische Geschichte, in der das Bild lesbar bleiben und gleichzeitig genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
Entdecken →Maulbertsch, Troger, Waldmüller, Platzer, Schuch und Huber stellen die Moderne in eine längere österreichische Geschichte.
#76
Das Opfer der Iphigenie
Der aktive Raum von "Das Opfer der Iphigenie" legt ebenso viel Wert auf Intervalle wie auf gemalte Formen, was der Leere eine sehr arbeitsreiche Rolle gibt "Das Opfer der Iphigenie" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Brennpunkten "Das Opfer der Iphigenie" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernen "Das Opfer der Iphigenie" zu beobachten, die barocke Geschichte schreitet mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, dass er sich entfernen solle "Das Opfer der Iphigenie", muss der erzählerischen Geste nachgehen, die verminderte Geste nach der "diese" Gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#77
Mariä Himmelfahrt
Die strukturierende Farbe von "Mariä Himmelfahrt" kommt nach der Zeichnung nicht: Sie konstruiert die Abstände, Gewichte und das Tempo des Blicks, in "Mariä Himmelfahrt" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und Leuchtherden "Mariä Himmelfahrt" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernen "Mariä Himmelfahrt" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, dass er sich entfernen sollte "Mariä Himmelfahrt" muss man der erzählerischen Geste folgen, deren Richtung zwischen berühmtem Licht und verminderter Silhouette. Mariä Himmelfahrt gehört damit zu einer österreichischen Erzählung, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#78
Die Akademie und ihre Attribute zu Füßen von Minerva
Das entscheidende Detail von "Die Akademie und ihre Attribute zu Füßen der Minerva" ist nicht unbedingt das auffälligste; es genügt jedoch, die Szene zu orientieren und ihren Ton zu fixieren "Die Akademie und ihre Attribute zu Füßen der Minerva" führt Gesten, Vorhänge und Licht in einer Szene zusammen, in der nichts lange still bleibt "Die Akademie und ihre Attribute zu Füßen der Minerva" führt Franz Anton Maulbertsch gleichwohl eine klare Hierarchie auf, so dass die Schau nicht zu einer Versammlung ohne Tagesordnung der Franz-Maultsch-Füße wird" Das Werk gewinnt an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Silhouette reduziert zu werden "Die Akademie und ihre Attribute zu Füßen der Minerva" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#79
Suzanne vor den Richtern
Die organisierte Oberfläche von "Suzanne vor den Richtern" vereint mehrere Lesegeschwindigkeiten, vom sofort erkennbaren Bild bis zu den Akkorden, die etwas mehr Geduld erfordern "Suzanne vor den Richtern", organisiert Franz Anton Maulbertsch das Drama durch Farbe und Bewegung "Suzanne vor den Richtern" Die Figuren reagieren aufeinander, das Licht wählt sich zur Seite und der Raum öffnet sich wie eine gemalte Theaterbühne "Suzanne vor den Richtern" zu sehen, muss man dem Verhältnis zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Silhouette reduziert zu werden "Suzanne vor den Richtern" Richter gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild lesbar bleiben muss und dabei genügend Geheimnis bewahrt werden muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#80
Christus und der Hauptmann von Kapernaum
Die fortschreitende Intensität von "Christus und der Hauptmann von Kapernaum" beginnt mit einem klaren Muster und setzt sich in den Lücken von Material, Kontur und Licht fort In "Christus und der Hauptmann von Kapernaum" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Brennpunkten weiter, in "Christus und der Hauptmann von Kapernaum" schreitet die barocke Erzählung mit genügend Energie voran, um dem Schauplatz den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, dass er von "Christna und dem Hauptmann von Kapernaum" mit genügend Energie vordringt, um dem Rahmen des Erzählcharakters Kaptäns und des Kaptons sehr viel Licht und die Schur "zugeben". Organisation verhindert, dass das Bild dekorativ bleibt und erhält echte innere Spannung "Christus und der Hauptmann von Kapernaum" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#81
Das Martyrium des Heiligen Andreas
Die anfängliche Stille von "Das Martyrium des Heiligen Andreas" lässt das Auge seinen Weg wählen, bevor die Komposition ihre wahren Stützpunkte offenbart "Das Martyrium des Heiligen Andreas" organisiert Franz Anton Maulbertsch das Drama durch Farbe und Bewegung "Das Martyrium des Heiligen Andreas" antworten die Figuren aufeinander, das Licht wählt seine Seite und der Raum öffnet sich wie eine gemalte Theaterbühne, vor "Das Martyrium des Heiligen Andreas" öffnet sich die erzählerische Geste, die Richtung des Lichts und die Balance zwischen Inbrunst und Theater verdient einen zweiten Blick: Vor "Das Martyrium des Heiligen Andreas", die erzählerische Geste, die Richtung des Lichts und die Balance öffnet sich dann wie eine gemalte des Heiligen Theaters des Heiligen Zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#82
Verherrlichung Kaiser Josephs II.
Die schräge Spannung von "Verherrlichung Kaiser Josephs II. In "Verherrlichung Kaiser Josephs II.", "erscheint aus den ersten Formenverhältnissen, gewinnt dann an Präzision, wenn die Details aufeinander zu reagieren beginnen" Mit "Verherrlichung Kaiser Josephs II. In "Verherrlichung Kaiser Josephs II." ordnet Franz Anton Maulbertsch das Drama durch Farbe und Bewegung an "Verherrlichung Kaiser Josephs II." erwidern die Figuren einander ihre Seite und der Raum öffnet sich wie eine gemalte Theaterbühne Kaiser II. Farbe und die allgemeine Konstruktion der Oberfläche verdienen einen zweiten Blick: Das Werk erscheint unmittelbar, offenbart dann eine geduldigere Konstruktion als seine erste Wirkung "Verherrlichung Kaiser Josephs II. In "Verherrlichung Kaiser Josephs II."," gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit sich die Mauer nach drei Tagen nicht langweilt.
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#83
Der Tod von Dido
Die zurückhaltende Brillanz von "Der Tod der Dido" liefert nicht sofort ihre ganze Kraft; sie fällt ins Auge, bremst sie und verlangt bald eine aufmerksamere Lektüre, Franz Anton Maulbertsch führt in "Der Tod der Dido" den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Brennpunkten "Der Tod der Dido" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernen "Der Tod der Dido", schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernen "Der Tod der Dido", so muss man der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der Konstruktion des reduzierten Sterbens nachgehen; auf diese vermeidet sich ein solches Silhouette. Eine österreichische Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Mysterium lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#84
Salomos Urteil
Die frontale Präsenz von "Das Urteil Salomos" handelt ebenso vom Subjekt wie von der Art und Weise, wie die gemalten Massen den verfügbaren Raum einnehmen und ausschneiden "Das Urteil Salomos" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und leuchtenden Brennpunkten, in "Das Urteil Salomos" schreitet die barocke Erzählung mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle abweichen "Das Urteil Salomos" entstammt dem Spiel zwischen dem Verhältnis des Subjekts, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion Salomos" Die barocke Erzählung schreitet mit genügend Energie voran, um dem Rahmen die sehr vernünftige Gestaltung zwischen dem allgemeinen Bildspiel zu verleihen. Echte innere Spannung "Das Urteil Salomos" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#85
Der Scharlatan
Der innere Rhythmus von "Der Scharlatan" wird etappenweise entdeckt, zwischen einem sehr lesbaren ersten Effekt und diskreteren Spannungen, die den Blick verlängern In "Der Scharlatan" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und Leuchtherden, in "Der Scharlatan" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernenDer Charakter von "Der Scharlatan" entstammt dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion von "Der Scharlatan" Die barocke Spannung schreitet mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, dass er von der inneren Konstruktion des Scharlatan-Verhältnisses abweichen sollte "Die Figur des Scharlatan-Gesamt" Gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#86
Coriolanus vor den Toren Roms.
Die geduldige Konstruktion von "Coriolanus vor den Toren Roms" In "Coriolanus vor den Toren Roms" gibt jedem Gebiet eine genaue Funktion, auch wenn die Berührung oder Geste Spontaneität gewählt zu haben scheint "Coriolanus vor den Toren Roms" In "Coriolanus vor den Toren Roms.", "bringt Gesten, Vorhänge und Licht in einer Szene zusammen, in der nichts noch lange stehen bleibt "Coriolanus vor den Toren Roms" hält Franz Anton Maulbertsch dennoch eine klare Hierarchie aufrecht, die nicht zu einer Versammlung ohne Tagesordnung wird" In "Cauliolanus zeigt sich vor den Toren Roms eine Begegnung nicht Die Art, wie Körper die Bühne besetzen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Silhouette reduziert zu werden "Coriolanus vor den Toren Roms"," gehört damit zu einer österreichischen Erzählung, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit die Mauer nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#87
Halbnacktes Selbstporträt
Die mobile Balance von "Halbnacktes Selbstporträt" ruht auf gegensätzlichen Kräften, die sich gegenseitig stützen, ohne je zu einer vollkommen wohlgezüchteten Symmetrie zu werden "Half-Naked Self-Portrait" behandelt Gerstl die Ähnlichkeit als instabiles Material "Half-Naked Self-Portrait" verleihen die schnelle Berührung und das entblößte Gesicht dem Modell eine direkte Präsenz, fast zu nah für die guten Manieren weltlicher Porträtmalerei "Half-Naked Self-Portrait" anzusehen, muss man der Pose, dem Blick und der Distanz zwischen Modell und Betrachter folgen; hier gewinnt das Werk an Tiefe und vermeidet es, auf eine berühmte Selbstportrappe reduziert zu werden "Half" Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#88
Die Familie Schönberg
Das gerichtete Licht von "Familie Schönberg" beleuchtet nicht nur das Sujet; es entscheidet auch über Hierarchie, Bewegung und Distanz "Familie Schönberg" zeigt Gerstl in dem Moment, in dem das Porträt aufhört, sein Sujet zu glätten "Die Familie Schönberg" bleibt der Stoff sichtbar, die Konturen atmen und der Dargestellte scheint zu leben, bevor er sich überhaupt zum Lächeln bereit erklärt hat Der Charakter von "Familie Schönberg" entstammt dem Spiel zwischen Pose, Blick und Distanz zwischen Modell und Zuschauer "Der Schönberg" behält den Stoff sichtbar, die Konturen atmen und die dargestellte Person scheint zu leben, bevor sie sich überhaupt auf ein Lächeln einlässtDie Figur der Familie Schönberg" kommt aus dem Spiel zwischen Pose, Organisation und dem echten Bild von Schönberg. Gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#89
Mathilde Schönberg
Das sichtbare Material von "Mathilde Schönberg" behält den Überblick über den Pinsel und verwandelt die Oberfläche in ein Erlebnis, nicht nur ein offenes Fenster auf einer Bühne "Mathilde Schönberg" zeigt Gerstl in dem Moment, in dem das Porträt aufhört, ihr Motiv zu glätten "Mathilde Schönberg" bleibt das Material sichtbar, die Konturen atmen und die dargestellte Person scheint zu leben, bevor sie sich überhaupt bereit erklärt zu lächelnVor "Mathilde Schönberg" verdient die Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche einen zweiten Blick: Vor "Mathilde Schönberg", die Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche, gehört somit mehr Schönberg als seine erste Bauweise zu. Australisch, wo das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#90
Porträt von Henryka Cohn
Die enge Rahmung von "Porträt Henryka Cohn" zwingt jede Form zum Zählen und gibt dem kleinsten Intervall eine recht erhebliche Verantwortung, in "Porträt Henryka Cohn" behandelt Gerstl die Ähnlichkeit als instabiles Material "Porträt Henryka Cohn" verleihen die schnelle Berührung und das entblößte Gesicht dem Modell eine direkte Präsenz, fast zu nah für die guten Manieren weltlicher Porträtmalerei, der Charakter von "Porträt Henryka Cohn" entstammt dem Spiel zwischen Pose, Blick und Distanz zwischen Modell und Betrachter "Das Porträt von Henryka Cohn" verhindert die innere Spannung zwischen Pose, Blick und Distanz zwischen dem Modell und dem Betrachter" und der realen Cohn-Rest-Bild. Das Porträt von Henryka Cohn gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, in der das Bild unter Beibehaltung eines ausreichenden Geheimnisses lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#91
Die Palastwache
Die ruhige Tiefe von "Die Palastwache" entsteht aus einer Abfolge von Aufnahmen, deren Logik mit dem verlangsamten Auge klarer wird "Die Palastwache" offenbart bei Ludwig Deutsch eine genaue Aufmerksamkeit für die Realität "Die Palastwache" häufen sich die Details nicht zur Bestandsaufnahme: Sie verleihen dem Sujet eine historische und sensible Präsenz "Die Palastwache" entstammt dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen dem Sujet, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Die Palastwache" häufen sich die Details nicht zur Bestandsaufnahme: Sie verleihen dem Sujet eine historische und sensible Präsenz: Sie verleihen dem Sujet eine historische und sensible Präsenz "Die Palastwache" kommt somit aus dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen dem Sujet, der Farborganisation und der allgemeinen Palastwache" heraus. Australische Geschichte, in der das Bild lesbar bleiben und gleichzeitig genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#92
Der Schreiber
Der bunte Akzent von "Der Schreiber" wirkt also als präzises Signal: Er weckt eine Fläche, verschiebt die Balance und startet die gesamte Komposition neu "Der Schreiber" konstruiert Ludwig Deutsch das Bild in aufeinanderfolgenden Einstellungen und lässt die Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche ohne unnötige Wirkung ins Auge führen "Der Charakter des" Schreibers" kommt aus dem Spiel zwischen der Beziehung zwischen dem Subjekt, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Diese Organisation verhindert also die Beibehaltung der inneren Spannung zwischen" Schreiber und.
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#93
Der Aufbruch des verlorenen Sohnes
Die flexible Schwere von "Der Aufbruch des verlorenen Sohnes" vermeidet Betonung bei Beibehaltung genügend Spannung, so dass sich das Sujet nie in eine einfache Kulisse verwandelt In "Der Aufbruch des verlorenen Sohnes" führt Paul Troger den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Brennpunkten, in "Der Aufbruch des verlorenen Sohnes" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle weggehenDer Charakter von "Der Aufbruch des verlorenen Sohnes" kommt aus dem Stück zwischen der erzählerischen Geste, der Richtung des Lichts und der Balance zwischen dem Aufbruch des verlorenen Theaters" heraus, der dem die Geschichte mit dem Aufbruch des Schurmelspiels zu weichen. Echte innere Spannung "Der Aufbruch des verlorenen Sohnes" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#94
Die Rückkehr des verlorenen Sohnes
Die enthaltene Bewegung von "Die Rückkehr des verlorenen Sohnes" zirkuliert zwischen Figuren, Objekten oder Mustern, ohne dass es einer spektakulären Wirkung bedarf, um sensibel zu bleiben In "Die Rückkehr des verlorenen Sohnes" führt Paul Troger den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Brennpunkten, in "Die Rückkehr des verlorenen Sohnes" schreitet die barocke Geschichte mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, er solle sich entfernenVor "Die Rückkehr des verlorenen Sohnes", der erzählerischen Geste, der Richtung des Lichts und der Balance zwischen Inbrunst und Theater verdient einen zweiten Blick: Das Werk erscheint unmittelbar, offenbart dann eine geduldigere Konstruktion als seine erste Wirkung. "Die Rückkehr From the Prodigal Son gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnis bleibt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#95
Stillleben mit Äpfeln
Die irreführende Klarheit von "Still Life with Apples" erleichtert den Einstieg ins Bild, offenbart dann eine komplexere Organisation als diese erste visuelle Höflichkeit, Carl Schuch konstruiert mit "Still Life with Apples" das Bild in aufeinanderfolgenden Aufnahmen und lässt die Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche ohne unnötige Wirkung ins Auge führen "Still Life with Apples" handelt in der visuellen Geschichte hauptsächlich von der Beziehung zwischen dem Motiv, den Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Still Life with Apples" werden die Details dann zu Schauspielern und nicht zu sehr gut gekleideten Accessoires "Still Life with Apples" Gehört somit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild lesbar bleiben muss, dabei aber genügend Mysterium bewahrt, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#96
Blick auf den Prater in Wien, rechts mit Baum
Der aktive Raum der "Aussicht auf den Prater in Wien, mit einem Baum rechts" gibt Intervallen ebenso viel Bedeutung wie gemalten Formen, was der Leere eine sehr geschäftige Rolle gibt "Aussicht auf den Prater in Wien, mit einem Baum rechts", konstruiert Ferdinand Georg Waldmüller das Bild in aufeinanderfolgenden Ebenen und lässt die Tiefe, den Rhythmus der Massen und das Licht, das das Muster mit dem Himmel verbindet, ohne unnötige Wirkung das Auge führen Der Charakter der "Aussicht auf den Prater in Wien, mit einem Baum rechts", Ferdinand Georg Waldmüller konstruiert das Bild in aufeinanderfolgenden Ebenen und lässt die Tiefe, den Rhythmus der Massen und das Licht verbinden, das Muster des Wiener Himmels führen ohne unnötige Wirkung auf den Charakter des rechten. Und sie behält echte innere Spannung "Blick auf den Prater in Wien, rechts mit Baum" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimniss lesbar bleiben muss, damit die Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
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#97
Elegante Gesellschaft in einem Palastinnenraum
Die strukturierende Farbe von "Elegante Gesellschaft im Schlossinnenraum" kommt nach der Zeichnung nicht: Sie konstruiert die Abstände, Gewichte und das Tempo des Blicks "Elegante Gesellschaft im Schlossinnenraum" geht Franz Christoph Janneck von einem klar identifizierbaren Sujet aus und verleiht ihm Gewicht durch Licht, Material und eine ohne Steifheit gehaltene Komposition Die Singularität von "Elegante Gesellschaft im Schlossinnenraum" erscheint im Verhältnis zwischen Sujet, Farbwerten und der allgemeinen Konstruktion der Oberfläche "Elegante Gesellschaft im Schlossfächerinnenraum" erscheint Franz Christoph Janneck im Verhältnis zwischen Sujet, Farbwerten und allgemeiner Oberflächenkonstruktion "Elegante Gesellschaft im Schlossinnenraum", diese Vertonung verleiht dem Bild weniger eigenes Tempo Kaiserliche, aber dauerhaftere Erinnerung "Elegante Gesellschaft in einem Palastinnenraum" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Geheimnishaftigkeit lesbar bleiben muss, damit sich die Mauer nach drei Tagen nicht langweilt.
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#98
Der Kampf der Zentauren und der Lapithen
Das entscheidende Detail von "Der Kampf der Zentauren und der Lapithen" ist nicht unbedingt das auffälligste; es genügt jedoch, die Szene zu orientieren und ihren Ton zu fixieren "Der Kampf der Zentauren und der Lapithen" organisiert Johann Georg Platzer das Drama durch Farbe und Bewegung "Der Kampf der Zentauren und der Lapithen" erwählt die Figuren aufeinander, das Licht wählt sich wie eine gemalte Theaterbühne, und der Raum öffnet sich wie die Vorderseite der Zentauren", und die Bühne des jeweiligen Theaters erscheint Wirkung. "Der Kampf der Zentauren und der Lapithen" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, wo das Bild unter Beibehaltung genügend Mysteriums lesbar bleiben muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#99
Die Klage Christi
Die organisierte Oberfläche von "Die Klage Christi" vereint mehrere Lesegeschwindigkeiten, vom sofort erkennbaren Bild bis zu Akkorden, die etwas mehr Geduld erfordern "Die Klage Christi" konstruiert Wolf Huber das Bild in aufeinanderfolgenden Einstellungen und lässt die erzählerische Geste, die Richtung des Lichts und die Balance zwischen Inbrunst und Theater ohne unnötige Wirkung ins Auge führen, vor "Die Klage Christi", die erzählerische Geste, die Richtung des Lichts und die Balance zwischen Inbrunst und Theater führen das Auge ohne unnötige Wirkung "Vor" Die Klage Christi" gehört die erzählerische Geste, die Richtung des Lichts und die Balance des Theaters ohne unnötige Wirkung zum ersten. Vorsatz "Die Intrichtung des Christus" erscheint dann als eine geduldige Geste des Geduldigen, des Gedulds. Australische Geschichte, in der das Bild lesbar bleiben und gleichzeitig genügend Geheimnisse bewahren muss, damit sich die Wand nach drei Tagen nicht langweilt.
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#100
Hommage an Kaiserin Marie-Thérèse
Die fortschreitende Intensität von "Hommage an Kaiserin Marie-Thérèse" beginnt mit einem klaren Muster und setzt sich in den Unterschieden in Material, Kontur und Licht fort "Hommage an Kaiserin Marie-Thérèse" führt Franz Anton Maulbertsch den Blick in Diagonalen, Abkürzungen und hellen Festen weiter "Die barocke Geschichte schreitet in der Hommage an Kaiserin Marie-Thérèse" mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck zu vermitteln, dass sie von der visuellen Geschichte von Marie-Thère abweichen sollte" Die barocke Geschichte schreitet mit genügend Energie voran, um dem Rahmen den sehr vernünftigen Eindruck von der Kaiserin-Thère zu vermitteln Details werden dann eher zu Schauspielern als zu sehr gut gekleideten Requisiten "Hommage an Kaiserin Marie-Thérèse" gehört damit zu einer österreichischen Geschichte, bei der das Bild lesbar bleiben und dabei genügend Mysterium bewahren muss, damit es der Wand nach drei Tagen nicht langweilig wird.
Entdecken →Was das Ranking verrät
Einhundert Gemälde, drei Veränderungen im visuellen Regime
Die Reise geht von der barocken Erzählung zur Beobachtung des 19. Jahrhunderts, dann zur dekorativen Oberfläche und zum expressionistischen Körper. Österreich ersetzt nicht einen Stil durch einen anderen: Es lässt sie diskutieren, manchmal ziemlich lebhaft.
Dekoration kann Dramatik bringen
Bei Klimt wird das Motiv nicht weich: Es umhüllt es, strukturiert es und verleiht ihm eine fast architektonische Autorität.
Die Zeile wird zur Stimme
Schiele und Gerstl zeigen, dass ein Umriss, eine Berührung oder eine Leere die Sorge so deutlich erkennen kann wie ein Gesicht.
Hinter den Kulissen bleibt der Barock
Die ausgiebigen Gesten, das gerichtete Licht und die Brillengunst überleben auch in den Brüchen der Wiener Moderne.
Eine österreichische Geschichte in fünf Dates
Fünf Benchmarks zum Überqueren des Rankings
Wolf Huber beschreibt Figuren und Landschaften in einer ausdrucksstarken Natur, die der Donauschule ihren Charakter verleiht.
Troger und Maulbertsch gaben dem spätösterreichischen Barock seine kühnen Abkürzungen, rasanten Farben und den sehr scheuen Himmel.
Waldmüller setzt eine leuchtende Beobachtung der Porträts, der Landschaft und der Gesellschaft von Biedermeier durch.
Klimt und seine Weggefährten verließen konservative Institutionen, um Wien für moderne Forschung und angewandte Kunst zu öffnen.
Klimt und Schiele starben im selben Jahr; Ihre Werke bestimmen jedoch weiterhin einen Großteil der österreichischen Moderne.
Österreichische Malerei in der Tiefe
Vom barocken Wien zur Moderne, die nicht mehr hält
Die Geschichte beginnt weit vor 1900 Wolf Huber, Johann Georg Platzer, Paul Troger und Franz Anton Maulbertsch zeigen ein Österreich, wo die religiöse Tafel, die mythologische Szene und das barocke Fresko das Licht bereits wie ein Spektakel organisierenBei Maulbertsch wirbeln die Figuren mit solcher Energie, dass die Decke ihre Hauptaufgabe vergessen zu haben scheint: Still zu bleiben.
Im 19. Jahrhundert brachte Ferdinand Georg Waldmüller eine deutlichere Beobachtung von Gesichtern, Landschaft und Alltag, Carl Schuch verdichtet Stillleben, während Ludwig Deutsch die orientalistische Präzision auf das kleinste gemeißelte Metall treibtDiese Vielfalt erinnert daran, dass die österreichische Malerei nicht plötzlich in einem Wiener Wohnzimmer mit einer Tasse Kaffee und einem Manifest unter dem Arm geboren wird.
Mit Klimt verwandelte die Wiener Secession die Malerei in eine GesamtflächeDas Porträt, die Landschaft, die Allegorie und das Ornament schreiten gemeinsam voranDer Kuss, Judith I, Danaé oder Adèle Bloch-Bauer I. sind berühmt, weil sie menschliche Präsenz und Dekor zusammenbringen, ohne dass das eine dem anderen als Tapete dientGold sticht ins Auge; Konstruktion lässt es bleiben.
Schiele entfernt viel von diesem Drumherum und behält die Nerven Seine Körper, Selbstporträts und Städte scheinen einem zu hellen Licht ausgesetzt zu sein, um eine weltliche Pose zu ermöglichen Porträt von Wally, Tod und Jungfrau, Die Umarmung oder Vier Bäume zeigen, dass eine dünne Linie viel Gewicht tragen kann, was gut getrimmte Bleistifte beruhigen sollte.
Einen kürzeren, aber entscheidenden Platz nimmt Richard Gerstl ein, seine Porträts der Familie Schönberg und sein halbnacktes Selbstporträt verschieben die Ähnlichkeit hin zu einem dringenderen Gemälde Zwischen Klimt und Schiele erinnert er daran, dass die Wiener Moderne nicht einem einzigen Weg folgt: Sie nimmt bereitwillig die Seitenstraßen, besonders wenn sie etwas hektisch sind.
Die Rangliste begünstigt zunächst die internationale Bekanntheit, Präsenz in den großen Museen und die historische Rolle jedes Gemäldes, die folgenden Ränge vervollständigen die Geschichte mit den hier beibehaltenen Porträts, Landschaften, religiösen Szenen und barocken Werken Die Titel, Künstler und Bilder werden dupliziert, denn zwei verschiedene Rahmen verwandeln dasselbe Gemälde nicht magisch in eine neue Entdeckung.
Mitteilungen fügen Daten, Sammlungen und Dimensionen hinzu, wenn Wikipedia, Wikidata oder Museen eine Überprüfung erlauben Diese Markierungen sind nicht dazu da, ein Blatt zu rezitieren: Sie geben die Zeit, den Maßstab und den realen Ort des Werkes an Ein monumentales Gemälde und ein kleines intimes Porträt können sich eine digitale Wand teilen, aber sie sprechen nicht mit derselben Stimme.
Für die Dekoration bringt Klimt Brillanz und Struktur, Schiele Intensität, Waldmüller Klarheit, Maulbertsch Bewegung und Gerstl rauere Präsenz, Beste Wahl ist daher nicht unbedingt der höchste Rang: Es ist das Gemälde, dessen Energie dem Raum, dem Format und dem Gesprächsniveau entspricht, dem wir mit unserer Wand zustimmen.
Vier Lesetasten
Wie man diese hundert Gemälde betrachtet
Dem Ornament folgend, ermöglicht die Linie, das Licht und der Raum den Übergang von einem barocken Altarbild zu einem expressionistischen Porträt, ohne den Faden oder Ihren Kaffee zu verlieren.
Sehen Sie, welche Strukturen
Motive füllen bei Klimt keine Hohlräume: Sie verteilen Körper, Status und Spannungen an der Oberfläche.
Nervosität messen
Ein gebrochener Umriss bei Schiele oder eine offene Berührung bei Gerstl weist ebenso auf den Zustand des Motivs hin wie auf seine Silhouette.
Identifizieren Sie, wer die Szene leitet
Maulbertsch konzentriert die Handlung, Waldmüller klärt die Realität und Klimt verwandelt Brillanz manchmal in Materie.
Vergleichen Sie Theater und Stille
Barock füllt den Rahmen; Die Städte Schiele und die Landschaften Klimts hingegen wissen, wie man die Leere zum Funktionieren bringt.
Museen, Sammlungen und Aushänge
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Das Belvedere, das Leopold Museum, Wikipedia, Wikidata und Wikimedia Commons erlauben die Überprüfung von Daten, Dimensionen, Sammlungen und Variationen von Titeln Wien mag komplexe Geschichten; gute Aufzeichnungen verhindern, dass sie verwirrend werden.
In Alpha-Reproduktion
01Gustav KlimtDie Meister der österreichischen Malerei02Egon SchieleDie Meister der österreichischen Malerei03Franz Anton MaulbertschDie Meister der österreichischen Malerei04Richard GerstlDie Meister der österreichischen Malerei05Paul TrogerDie Meister der österreichischen Malerei06Carl SchuchDie Meister der österreichischen Malerei07Ferdinand Georg WaldmüllerDie Meister der österreichischen Malerei08Österreichische Gemälde - Top 285 MeisterwerkeSammlungen & Ratgeber09Alle Reproduktionen von GemäldenSammlungen & RatgeberMuseen und Referenzen
01Belvedere - ständige SammlungMuseum & Referenz02Sammlung Belvedere - Gustav KlimtMuseum & Referenz03Leopold Museum - Österreichische SammlungMuseum & Referenz04Leopold Museum - Egon SchieleMuseum & Referenz05Leopold Museum - Schiele Sammlung onlineMuseum & Referenz06Wikipedia - Wiener SecessionMuseum & Referenz07Wikidata - Österreichische GemäldeMuseum & Referenz08Wikimedia Commons - Gemälde aus ÖsterreichMuseum & ReferenzHäufig gestellte Fragen
Österreichische Malerei, ohne vor The Kiss stecken zu bleiben
Die wesentlichen Antworten zum Verständnis von Klimt, Schiele, der Wiener Secession und den älteren Wurzeln des Rankings.
Was ist das bekannteste österreichische Gemälde?
Gustav Klimts Kuss ist allgemein das bekannteste Bild der österreichischen Malerei, erhalten im Belvedere in Wien, ist es zu einer weltweiten Ikone der Wiener Secession geworden.
Warum dominieren Klimt und Schiele dieses Ranking?
Ihre internationale Bekanntheit, die Bedeutung ihrer Innovationen und die Anzahl der verfügbaren Gemälde erklären ihre starke Präsenz, zudem behält sich die Rangliste einen Platz für die Barock - und Biedermeierzeit sowie Gerstl, Maulbertsch und Waldmüller vor.
Was ist die Wiener Secession?
Die 1897 gegründete Wiener Secession vereint Künstler, die vom institutionellen Konservatismus wegkommen und österreichische Künste für moderne Forschung, Grafik, Architektur und angewandte Kunst öffnen möchten.
Wo kann man die Hauptwerke von Klimt und Schiele sehen?
Das Belvedere bewahrt insbesondere den Kuss und eine bedeutende Sammlung von Klimt. Das Leopold-Museum verfügt über die bedeutendste Sammlung von Egon Schiele und ein zentrales Ensemble, das der österreichischen Moderne gewidmet ist.
Enthält die Klassifizierung nur Gemälde?
Ja. Bei den ausgewählten Produkten handelt es sich um Gemälde, Tafeln, Fresken oder gemalte Skizzen, Ausgewiesene Plakate, Fotografien, Skulpturen und Zeichnungen sind von dieser Auswahl ausgeschlossen.
Wie werden Duplikate vermieden?
Die Verifizierung vergleicht Produkte, standardisierte Titel, Wikidata-Identitäten und visuelle Fußabdrücke von Bildern Eine dokumentierte Variante kann bleiben; ein identisches Bild oder dasselbe wiederholte Gemälde verlässt die Klassifizierung.
Warum erscheinen Werke des Barock nach Klimt und Schiele?
Die Einteilung favorisiert zunächst weltbekannte und geschätzte Werke, dann erweitert sie die chronologische Reise, so kann man mit unmittelbaren Landmarken beginnen, bevor man die älteren Wurzeln der österreichischen Malerei entdeckt.
Welche österreichische Farbe für ein modernes Interieur zu wählen?
Eine geometrische Landschaft von Klimt oder eine Stadtansicht von Schiele fügt sich problemlos in ein zeitgenössisches Interieur einFür eine klassischere Präsenz bringen Waldmüller oder Maulbertsch mehr Erzählweise und historische Tiefe mit.
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