Top 100 – Impressionismus
Impressionismus: 100 berühmte Gemälde, die das Licht einfangen
Entdecken Sie 100 Werke von Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro und weiteren Akteuren der modernen Malerei mit ihren Daten, Sammlungen und Quellen.
Der Impressionismus verbindet die Untersuchung des Lichts mit neuen Themen: Bahnhöfen, Gärten, Cafés, Proben und Spaziergängen. Diese Auswahl erklärt, was jedes Werk zeigt, und unterscheidet Versionen mit demselben Titel.
Die Malerei geht an die frische Luft
Hundert Gemälde, die Welt im Freien
Zwischen den 1860er-Jahren und dem Beginn des 20. Jahrhunderts verlagern diese Maler die Kunstgeschichte zu Bahnhöfen, Cafés, Gärten, Theatern und Seineufern. Freilichtmalerei und sichtbarer Pinselstrich erzählen jedoch nur einen Teil des Abenteuers: Manet stellt sich dem Salon, Degas baut seine Szenen im Atelier neu auf, Cassatt und Morisot erneuern die Intimität, während Monet und Pissarro die Serie in eine Erfahrung der Zeit verwandeln. Jedes Gemälde behält hier seinen Ort, seine Modelle und den Moment seines ersten Erscheinens.
Diese Auswahl ist ein redaktioneller Rundgang ohne offizielle Beliebtheitsrangliste. Sie umfasst Werke aus den Anfängen der Bewegung und spätere Forschungen ihrer Künstler. Daten, Techniken, Maße und Sammlungen beziehen sich auf die abgebildete Version; jede Werkbeschreibung verweist auf ihre Quellen.
Zu den BildernDie Werke der Auswahl
Die Werke in Bildern
Monet, Renoir, Degas, Manet, Morisot und Caillebotte schaffen die Bilder, die untrennbar mit dem Impressionismus verbunden sind.
#1
Claude Monet1. Impression, Sonnenaufgang
Die orangefarbene Sonne und ihre Spiegelung ziehen den Blick in einem nahezu vollständig blaugrauen Hafen an. Die dunklen Boote im Vordergrund führen zu Kränen, Masten und Schornsteinen, die sich im Nebel auflösen. Monet malt diese Ansicht des Vorhafens von Le Havre vom Hôtel de l’Amirauté aus während eines Aufenthalts, den das Musée Marmottan Monet auf etwa November 1872 datiert. Die schnellen Pinselstriche deuten eher eine Atmosphäre als eine detaillierte Aufnahme an. Das bei der ersten Ausstellung der Gruppe 1874 gezeigte Werk regt Louis Leroys satirischen Titel „Die Ausstellung der Impressionisten“ an. Das Museum bestätigt das Format von 50 × 65 cm und die Schenkung Donop de Monchy von 1940.
Quelle: Musée Marmottan Monet, Impression, Sonnenaufgang.
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#2
Pierre-Auguste Renoir2. Tanz im Moulin de la Galette
In Tanz im Moulin de la Galette malt Renoir 1876 die Freizeit auf dem Montmartre. Links tanzen die Paare; im Vordergrund bringen sitzende Frauen und Männer an Tischen den Betrachter dem Fest näher. Helle Pinselstriche durchziehen Kleidung und Gesichter, während Blautöne die Schatten der Menge verbinden. Das Licht und die teilweise verdeckten Silhouetten bieten dem Blick mehrere Wege durch diese dichte Komposition. Die bei der dritten impressionistischen Ausstellung von 1877 gezeigte große Leinwand verbindet Freunde des Malers mit einer Szene des Pariser Lebens. Heute gehört sie dem Musée d’Orsay.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 2739.
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#3
Edgar Degas3. Die Tanzklasse — Version des Metropolitan Museum
Dieses kleine Gemälde zeigt eine Ballerina inmitten einer großen freien Fläche, einen links sitzenden Geiger und einen Spiegel, der die Figuren vervielfacht. Die auf dem Boden liegende Gießkanne, der Hut und der Geigenkasten führen den Tanz zu seinem materiellen Alltag zurück. Das Metropolitan Museum präsentiert dieses Werk als Degas’ erste gemalte Tanzklasse: Da er damals keinen Zugang hinter die Kulissen hatte, ließ er seine Modelle im Atelier posieren. Der Eindruck einer beobachteten Szene entsteht daher aus einer vorbereiteten Komposition. Diese um 1870 auf Holz gemalte New Yorker Version unterscheidet sich von der großen Leinwand in Orsay, die zwischen 1873 und 1876 entstand.
Quellen: Metropolitan Museum, Werkbeschreibung 29.100.184 ; abweichende Version des Musée d’Orsay.
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#4
Édouard Manet4. Olympia
Die 1863 gemalte und im Salon von 1865 gezeigte Olympia konfrontiert das Publikum mit dem direkten Blick einer Frau, die auf einem Bett liegt. Das schwarze Halsband, die Pantoffeln und der von einer Dienerin gebrachte Blumenstrauß verorten die Szene in einer zeitgenössischen Welt. Rechts kontrastiert eine schwarze Katze mit den beleuchteten Laken und dem Körper. Manet übernimmt die Haltung der Venus von Urbino von Tizian, verwandelt den idealisierten Akt laut Analyse des Musée d’Orsay jedoch in die Darstellung einer Prostituierten. Der Skandal hängt auch mit der wenig geglätteten malerischen Behandlung zusammen. Dieses bedeutende Werk geht der ersten impressionistischen Ausstellung von 1874 voraus.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 644.
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#5
Gustave Caillebotte5. Straße in Paris bei Regen
Ein Paar unter einem Regenschirm nimmt den Vordergrund von Straße in Paris bei Regen ein, während ein vom rechten Rand angeschnittener Passant ihm in den Weg zu treten scheint. Die Straßenlaterne trennt diese nahe Begegnung von der weiten Kreuzung, auf der die Silhouetten zwischen Fassaden und nassen Pflastersteinen kleiner werden. Blaugraue Töne und Spiegelungen vereinen die Szene, ohne die Klarheit von Kleidung und Architektur aufzulösen. Diese im April 1877 mit den Impressionisten ausgestellte monumentale Leinwand zeigt die neuen Pariser Boulevards in einer sorgfältig geordneten Komposition. Das Art Institute of Chicago betont die Anonymität der Figuren, die den städtischen Raum teilen, ohne eine Gemeinschaft zu bilden.
Quelle: Art Institute of Chicago, Werkbeschreibung 1964.336.
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#6
Berthe Morisot6. Die Wiege
In Die Wiege zeigt Berthe Morisots Schwester Edma neben ihrer schlafenden Tochter Blanche. Der angewinkelte Arm der Mutter findet ein Echo in dem des Babys; ihr Blick und der Schleier zeichnen eine Diagonale, die beide Figuren verbindet. Das dunkle Kleid hebt sich vom Weiß des Vorhangs und der Wiege ab, das durch weiche Pinselstriche belebt wird. Der Schleier lässt das Kind sichtbar bleiben und schützt zugleich seinen Raum: Die Intimität beruht auf dieser schützenden Geste statt auf einem Austausch von Blicken, da Blanche schläft. Diese 1874 mit den Impressionisten ausgestellte Leinwand von 1872 wird heute im Musée d’Orsay aufbewahrt.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 2849.
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#7
Camille Pissarro7. Der Boulevard Montmartre bei Nacht
Vom Grand Hôtel de Russie aus beobachtet Pissarro 1897 den Boulevard Montmartre und malt vierzehn Ansichten bei unterschiedlichem Licht. Hier laufen Fassaden und Gehwege unter einem dunkelblauen Himmel in die Ferne zusammen. Die elektrischen Lampen verbreiten ein kühles Weiß, während die gasbeleuchteten Schaufenster und die Laternen der Droschken Gelb- und Orangetöne hinzufügen. Ihre Spiegelungen auf dem nassen Boden verlängern die Lichtpunkte. Passanten und Fahrzeuge bleiben durch kleine Pinselstriche angedeutet: Der Verkehr wird als gemeinschaftliche Bewegung lesbar. Laut National Gallery ist diese Leinwand Pissarros einziges Nachtgemälde.
Quelle: National Gallery, Werkbeschreibung NG4119.
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#8
Alfred Sisley8. Die Überschwemmung in Port-Marly
In dieser Version der Überschwemmung in Port-Marly nimmt das Haus den linken Rand ein, gegenüber einer Baumreihe, deren Stämme ins Wasser eintauchen. Die Boote neben dem Gebäude zeigen, dass das Hochwasser die gewöhnliche Fortbewegung verändert hat. Der bewölkte Himmel nimmt viel Raum ein; seine Grau- und Weißtöne sowie blauen Öffnungen setzen sich auf der überschwemmten Fläche fort. Die horizontalen Pinselstriche der Spiegelungen kontrastieren mit den Vertikalen der Fassade und der Bäume. Diese 1876 gemalte und bei der zweiten impressionistischen Ausstellung gezeigte Leinwand gehört dem Musée d’Orsay. Sie unterscheidet sich von anderen Ansichten derselben Überschwemmung, die Sisley geschaffen hat.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 2020.
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#9
Mary Cassatt9. Das Bad des Kindes
In Das Bad des Kindes zeigt, wie Mary Cassatt die Gesichter einer Frau und eines Kindes einander annähert, beide auf das Waschen der Füße konzentriert. Eine Hand stützt den kleinen Körper, während die andere ihn in einer Schüssel wäscht. Der erhöhte Blickpunkt zeigt das Becken, den Teppich und den Krug, deren Muster mit den Streifen des Kleides in Dialog treten. Diese dekorativen Flächen und der abgeflachte Raum zeugen vom Einfluss japanischer Holzschnitte, den das Art Institute of Chicago hervorhebt. Die Nähe der Figuren drückt Fürsorge durch konkrete Gesten aus. Diese 1893 gemalte Leinwand verbindet eine häusliche Szene mit einer sorgfältig aufgebauten Komposition.
Quelle: Art Institute of Chicago, Werkbeschreibung 1910.2 auf Google Arts & Culture.
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#10
Claude Monet10. Seerosen — Ohara-Museum
Diese Seerosen werden im Ohara-Museum in Kurashiki, Japan, aufbewahrt und auf etwa 1906 datiert. Gruppen grüner Blätter und kleiner Blüten unterbrechen eine von Spiegelungen durchzogene blaue Fläche. Das Fehlen von Ufer und Horizont konzentriert den Blick auf das Wasser: Die vertikalen Pinselstriche deuten an, was sich darin spiegelt, während die schwimmenden Blätter seine Oberfläche markieren. Die vergleichsweise freie Mitte lässt den Blick zwischen den Seerosengruppen wandern. Diese Leinwand von 73 × 92,5 cm gehört zu Monets zahlreichen Variationen des Motivs; sie darf nicht mit den großen späten Tafeln der Orangerie verwechselt werden.
Quelle: Art Platform Japan, Katalogdaten des Ohara-Museums.
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#11
Pierre-Auguste Renoir11. Das Frühstück der Ruderer
In Das Frühstück der Ruderer zeigt Renoirs Freunde um einen Tisch unter einer gestreiften Markise versammelt. Links spielt Aline Charigot, seine spätere Frau, mit einem Hund; rechts sitzt Gustave Caillebotte verkehrt herum auf seinem Stuhl. Blicke und Gespräche bilden mehrere kleine Gruppen, die durch die Diagonale der Balustrade verbunden werden. Im Vordergrund bilden Flaschen, Gläser und Früchte ein leuchtendes Stillleben, während hinter den Figuren die Landschaft erscheint. Die Szene verbindet so Porträts, Stillleben und Landschaft in einer Komposition. Die auf 1880–1881 datierte Leinwand gehört der Phillips Collection, die sie 1923 erwarb.
Quelle: Phillips Collection, Werkbeschreibung 1637.
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#12
Edgar Degas12. Der Absinth oder Im Café
Die leeren Tische im Vordergrund führen den Blick zu einer Frau und einem Mann, die ohne erkennbaren Austausch nebeneinander sitzen. Vor der Frau steht ein Absinthglas; hinter ihnen nimmt der Spiegel ihre Silhouetten auf. Der dezentrierte Bildausschnitt, der einen Teil des Mannes abschneidet, verstärkt den Eindruck einer vom Nachbartisch aus zufällig beobachteten Szene. Degas hat das Gemälde jedoch im Atelier mit zwei Bekannten komponiert: der Schauspielerin Ellen Andrée und dem Künstler Marcellin Desboutin. Das Musée d’Orsay erinnert daran, dass er öffentlich klarstellen musste, dass sie nicht alkoholkrank waren. Dieses auf 1875–1876 datierte Werk inszeniert Isolation, ohne ein Zeugnis über seine Modelle zu sein.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 1984.
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#13
Édouard Manet13. Das Frühstück im Grünen
Eine nackte Frau blickt den Betrachter an, während sie in einem Wäldchen neben zwei bekleideten Männern sitzt; hinter ihnen wirkt eine Badende im Verhältnis zur Gruppe unverhältnismäßig groß. Die Kleidung und der umgestürzte Korb im Vordergrund verstärken den alltäglichen Charakter der Szene. Die vom Salon von 1863 abgelehnte Leinwand wird im Salon des Refusés unter dem Titel Das Bad gezeigt. Manet lässt sich vom Ländlichen Konzert Tizians und einem Stich nach Raffael anregen, entzieht dem Akt jedoch seine mythologische Rechtfertigung. Das Musée d’Orsay betont außerdem die abrupten Kontraste und die wenig überzeugende Tiefe: Der Skandal betrifft die Malweise ebenso wie das Thema.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 1668.
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#14
Gustave Caillebotte14. Die Parkettschleifer
Drei kniende Arbeiter schaben einen Parkettboden ab, umgeben von Spänen und Werkzeugen. Der erhöhte Blickpunkt gibt dem Boden viel Raum: Die Dielen laufen zum Fenster zusammen, während das Licht Rücken, Arme und bereits bearbeitete Flächen betont. Caillebotte verbindet die Beobachtung der Gesten mit einer strengen Perspektive aus seiner akademischen Ausbildung. Das Musée d’Orsay präsentiert diese Leinwand als eine der ersten Darstellungen städtischer Arbeiter, die in der Malerei weniger präsent waren als Bauern. Vom Salon von 1875 abgelehnt, wird sie 1876 mit den Impressionisten ausgestellt. Die Handarbeit wird so zum Hauptthema einer großen Komposition.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung RF 2718.
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#15
Pierre-Auguste Renoir15. Die Loge
In Die Loge zeigt, wie Renoir einen Theaterbesuch in ein Spiel der Blicke verwandelt: Die Frau senkt ihr Opernglas, während der Mann anderswo ins Publikum schaut. Die Szene wurde im Atelier mit dem Modell Nini Lopez und Edmond, dem Bruder des Malers, komponiert. Sie wird 1874 bei der ersten impressionistischen Ausstellung gezeigt und verbindet ein Thema des Pariser Lebens mit einem engen Bildausschnitt. Die schwarzen und weißen Streifen des Kleides antworten auf die Kleidung des Mannes; rosa Blumen und Perlen erhellen den Vordergrund. Der geschmeidige Pinselstrich verleiht Stoffen und Gesichtern eine leuchtende Präsenz.
Quelle: Courtauld Gallery — Die Loge.
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#16
Claude Monet16. Der Bahnhof Saint-Lazare — Londoner Version
Diese Version des Bahnhofs Saint-Lazare in London zeigt zwei von Reisenden umgebene Lokomotiven unter dem Glasdach. Die dunklen Balken und die drei Bögen rechts geben dem Gemälde Struktur, während weißer und bläulicher Dampf die Konturen verwischt. Monet malt Anfang 1877 etwa zwölf Ansichten des Bahnhofs, nachdem er die Erlaubnis erhalten hat, dort zu arbeiten. Hier geben schnelle Pinselstriche Licht und Atmosphäre Vorrang vor mechanischen Details. Das Museum unterscheidet mehrere Ausführungsphasen: Dieses spontane Erscheinungsbild entsteht also durch überarbeitete Malerei. Das abgebildete Werk unterscheidet sich von den Versionen in Orsay und Harvard.
Quelle: National Gallery — The Gare St-Lazare.
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#17
Alfred Sisley17. Die Brücke von Villeneuve-la-Garenne
In Die Brücke von Villeneuve-la-Garenne zeigt Sisleys Wahl eines nahen Blickpunkts: Die Hängebrücke tritt von links ins Bild und durchquert die Komposition diagonal. Dieses 1844 errichtete Bauwerk aus Gusseisen und Stein verbindet das Dorf mit Saint-Denis. Boote und Spaziergänger beleben die Seineufer vor den sonnenbeschienenen Häusern. Helle Pinselstriche auf dem Wasser deuten wechselnde Spiegelungen an und kontrastieren mit den regelmäßigen Linien der Seile. Das 1872 gemalte Bild verbindet so Freizeit am Wasser mit einer modernen Infrastruktur, die in die Landschaft integriert ist. Durand-Ruel kauft es bereits im August desselben Jahres.
Quellen: Metropolitan Museum of Art — Werkbeschreibung ; Musée du Luxembourg — Komposition und Erwerbung.
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#18
Gustave Caillebotte18. Die Pont de l’Europe
In Die Pont de l’Europe zeigt Caillebottes Darstellung von Spaziergängern über den Gleisen des Bahnhofs Saint-Lazare in Paris. Das Metallgitter nimmt die rechte Seite ein: Seine großen Diagonalen und die Perspektive des Gehwegs führen den Blick zu den fernen Gebäuden. Ein elegantes Paar geht links, ein Mann beugt sich über das Geländer, und ein Hund tritt in den Vordergrund. Die geometrischen Schatten verlängern die Träger auf dem Boden. Diese 1876 gemalte Szene macht die Eisenbahnarchitektur zu einem bedeutenden Thema des modernen Lebens. Die Figuren teilen denselben Gehweg, doch ihre Bewegungsrichtungen und Blicke erzeugen den Eindruck einer Distanz zwischen ihnen.
Quelle: Photo Elysée — Dossier zur Ausstellung Train Zug Treno Tren (2022), für Datum, Technik, Maße und Sammlung.
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#19
Édouard Manet19. Studie zu Eine Bar in den Folies-Bergère
Das Bild zeigt dieStudie zu Eine Bar in den Folies-Bergère , 1881 von Manet gemalt, und nicht die große, 1882 vollendete Leinwand. Die Bedienung steht rechts der Mitte, die Hände vor der Taille gekreuzt; ihre Spiegelung erscheint hinter ihr, und die Menge ist mit schnellen Pinselstrichen skizziert. Dieses kleine Ölbild bereitet die endgültige Komposition vor: Manet wird die Figur in die Mitte versetzen und ihre Hände auf den Tresen stützen. Der Courtauld-Katalog bestätigt, dass die gekreuzten Hände auch in einer ersten Fassung des endgültigen Gemäldes vorkamen. Die Studie in Privatbesitz ermöglicht es so, die Veränderungen von Haltung und Komposition nachzuverfolgen.
Quellen: The Courtauld Collection — Studie von 1881, Abbildung 65 und Kommentar ; Courtauld Gallery — endgültiges Gemälde von 1882.
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#20
Pierre-Auguste Renoir20. Die Schaukel
In Die Schaukel zeigt, wie Renoir ein Gespräch einfängt: Ein Mann von hinten spricht eine junge Frau an, die auf dem Schaukelbrett steht, während ein Mädchen und ein zweiter Mann sie beobachten. Das weiße Kleid mit blauen Schleifen erhält ebenso wie die Kleidung der anderen und der Boden durch das Laub gefilterte Sonnenflecken. Diese hellen Pinselstriche verleihen der Szene ein vibrierendes Licht. Das im Sommer 1876 gemalte Werk teilt mit dem Tanz im Moulin de la Galette mehrere Modelle, darunter Edmond Renoir, Norbert Goeneutte und Jeanne. Bei der impressionistischen Ausstellung von 1877 gezeigt, missfällt es einigen Kritikern wegen seiner Lichtwirkungen, findet jedoch in Gustave Caillebotte einen Käufer.
Quelle: Musée d’Orsay — Die Schaukel.
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#21
Claude Monet21. Die Heuhaufen — Version des Museum Barberini
Diese Version der Heuhaufen zeigt eine Reihe, die sich von einem großen, am linken Bildrand angeschnittenen Schober aus diagonal in die Ferne zieht. Das Gegenlicht lässt die orangefarbenen Konturen glühen, während Violett- und Blautöne die Schatten färben. Monet macht dasselbe Motiv zu einem Labor des Lichts: Er widmet ihm 1890–1891 fünfundzwanzig Gemälde in der Nähe seines Hauses in Giverny. Diese Schober schützen Garben ungedroschenen Getreides, die mit Stroh oder Heu bedeckt sind. Das Museum Barberini datiert diese Leinwand auf 1890 und nennt zugleich die Signatur „Claude Monet 91“. Sie gehört zur Sammlung Hasso Plattner, die in Potsdam präsentiert wird.
Quelle: Museum Barberini — Grainstacks, MB-Mon-26.
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#22
Edgar Degas22. Blaue Tänzerinnen
Die Blauen Tänzerinnen , die hier abgebildet sind, sind ein Ölbild auf Leinwand im Musée d’Orsay, datiert auf etwa 1890, und nicht das gleichnamige Pastell im Puschkin-Museum. Drei Tänzerinnen nehmen den Vordergrund ein: Eine hebt die Arme, eine andere wird von hinten gesehen, und die dritte beugt sich zu ihrem Kostüm. Ihre Tutus bilden eine große blaue Masse, die mit den warmen Tönen des Bühnenraums rechts kontrastiert. Kleinere Figuren erscheinen im Hintergrund. Der nahe Bildausschnitt, die Gesten und die bisweilen ungenauen Konturen geben der Bewegung Vorrang vor einer Bühnenpose. Das Gemälde gelangt 1951 durch die Schenkung von Doktor und Frau Albert Charpentier in die nationalen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay — Blaue Tänzerinnen.
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#23
Berthe Morisot23. Sommertag
In Sommertag zeigt zwei Frauen in einem Boot auf dem See im Bois de Boulogne. Der enge Bildausschnitt bringt uns den Passagierinnen näher: Ein blauer Sonnenschirm liegt auf den Knien der Frau im hellen Kleid, während rechts Enten schwimmen. Morisot belebt Kleidung und Wasser durch Zickzackstriche und verbindet die Figuren mit ihrer hellen Umgebung. Die auf etwa 1879 datierte Leinwand wurde vermutlich nach einer Aquarellstudie vor Ort teilweise im Atelier ausgeführt. Die National Gallery hält es für nahezu sicher, dass sie 1880 bei der impressionistischen Ausstellung unter dem Titel Der See im Bois de Boulogne gezeigt wurde. .
Quelle: National Gallery — Summer’s Day.
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#24
Claude Monet24. Die Mohnblumen
Die 1873 während Monets Jahren in Argenteuil gemalten Mohnblumen werden 1874 bei der ersten impressionistischen Ausstellung gezeigt. Zwei Gruppen aus jeweils einer Frau und einem Kind bilden eine Diagonale zwischen dem oberen Hang und dem Vordergrund. Das Museum identifiziert in der näheren Gruppe vermutlich Camille und Jean Monet: Diese Identifizierung bleibt eine Hypothese. Die großen roten Pinselstriche der Blumen geben dem Feld Rhythmus und kontrastieren mit den bläulichen Grüntönen rechts. Die wenig ausgearbeiteten Konturen stellen die Lichtempfindung eines sommerlichen Spaziergangs in den Mittelpunkt. Die Leinwand gelangt 1906 durch die Schenkung Étienne Moreau-Nélaton in die nationalen Sammlungen.
Quelle und Bild: Musée d’Orsay — Mohnblumen. Bild © GrandPalaisRmn (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski.
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#25
Pierre-Auguste Renoir25. Die Regenschirme
In Das Gemälde Die Regenschirme zeigt, wie Renoir die Passanten einer Pariser Straße unter einem Gewölbe blauer Regenschirme nahe heranrückt. Links trägt eine junge Frau eine Hutschachtel; rechts begleitet eine Mutter ihre beiden Töchter, von denen die jüngere einen Reifen hält. Das auf etwa 1881–1886 datierte Gemälde wurde in zwei großen Phasen mit einem Abstand von etwa vier Jahren gemalt. Die Gruppe rechts bewahrt geschmeidige, leuchtende Pinselstriche, während die später überarbeiteten Figuren links klarere Konturen zeigen. Technische Untersuchungen bestätigen diese Unterschiede. Das Werk macht so Renoirs Entwicklung zu einer stärker strukturierten Zeichnung sichtbar, geprägt von seinem Interesse an klassischer Kunst.
Quelle: National Gallery — The Umbrellas.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Boulevards, Bahnhöfe, Cafés, Logen und Tanzsäle zeigen eine Hauptstadt in Bewegung, bisweilen elegant und selten unbewegt.
#26
Edgar Degas26. Ballettprobe auf der Bühne
In Ballettprobe auf der Bühne zeigt Degas’ Wahl einer seitlichen, leicht erhöhten Ansicht. Links warten die Tänzerinnen, dehnen sich oder richten ihre Kleidung; rechts proben andere nahe dem beleuchteten Bühnenrand. Das Weiß der Tutus gibt einer von Grau- und Brauntönen beherrschten Komposition Rhythmus. Dieses Ölbild von 1874, das bei der ersten impressionistischen Ausstellung gezeigt wurde, wurde bisweilen für eine Zeichnung gehalten. Die dünne Farbschicht lässt Überarbeitungen erkennen, insbesondere an den Beinen einiger Figuren. Das Museum erklärt seine Einfarbigkeit vermutlich durch die Bestimmung als Vorlage für einen Grafiker: Sie kontrastiert mit den strahlenden Farben von Degas’ späten Werken.
Quelle: Musée d’Orsay — Ballettprobe auf der Bühne.
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#27
Claude Monet27. Die Brücke von Argenteuil
In Die Brücke von Argenteuil malt Monet festgemachte Segelboote vor der Straßenbrücke über die Seine. Diese Ansicht von 1874 gehört zu einer Gruppe, die diesem Bauwerk gewidmet ist, und unterscheidet sich von den Gemälden der Eisenbahnbrücke. Die Masten und orangefarbenen Dächer antworten auf das Blau des Wassers durch einen Komplementärkontrast. Die festen Konturen der Boote und der Brücke kontrastieren mit den fragmentierten Pinselstrichen der Spiegelungen: Die Flussoberfläche scheint zu vibrieren, ohne die Struktur der Landschaft aufzulösen. Diese bei der zweiten impressionistischen Ausstellung von 1876 gezeigte Leinwand macht das Licht auf dem Wasser zu einem ebenso wesentlichen Thema wie die Brücke selbst.
Quelle: Musée d’Orsay — Die Brücke von Argenteuil.
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#28
Alfred Sisley28. Schnee in Louveciennes — Version der Courtauld
In dieser Version von Schnee in Louveciennes folgt Sisley einer unbefestigten Straße zu den Häusern und Hügeln des Dorfes. Einige Passanten geben der Landschaft einen Maßstab. Rechts heben sich die großen Bäume als dunkle Striche vom Himmel ab, während die verschneiten Dächer ein sanftes Licht zurückwerfen. Der Schnee lässt Erde und Gras sichtbar bleiben: Seine Weißtöne kontrastieren mit den warmen Tönen des Weges und den Blautönen der Ferne. Die Pinselstriche variieren je nach Oberfläche und geben Stämmen, Vegetation und Dächern unterschiedliche Präsenz. Diese auf etwa 1874 datierte Leinwand der Courtauld Gallery ist vom gleichnamigen Gemälde im Musée d’Orsay zu unterscheiden.
Quelle: Courtauld Gallery — Snow at Louveciennes.
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#29
Alfred Sisley29. Das Boot während der Überschwemmung, Port-Marly
Sisley malt Das Boot während der Überschwemmung, Port-Marly nach dem Seinehochwasser im Frühling 1876, einem Ereignis, dem er sechs Leinwände widmet. Links erscheint das Haus des Weinhändlers schräg; vor seiner Fassade stehen Silhouetten in einem Boot. Der bewölkte Himmel und das Wasser nehmen einen großen Teil des Bildes ein. Die fest gezeichneten gelben und rosafarbenen Mauern kontrastieren mit den fragmentierten Spiegelungen im Vordergrund. Dieser Gegensatz vermittelt die Stabilität des Gebäudes gegenüber einer wechselnden Wasserfläche. Das Werk verwandelt so eine Episode des örtlichen Lebens in eine impressionistische Untersuchung von Licht, Farben und Wasser.
Quelle: Musée d’Orsay — Das Boot während der Überschwemmung, Port-Marly.
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#30
Édouard Manet30. Argenteuil
Das im Sommer 1874 gemalte Argenteuil zeugt von Manets Annäherung an Monet, der ihn einlädt, mit ihm an den Lichtwirkungen am Wasser zu arbeiten. Im Vordergrund wendet ein Ruderer in gestreiftem Trikot den Kopf zu einer Frau, deren Kleid und Hut einen großen Teil der Komposition einnehmen. Laut Museum in Tournai stellt der Mann Rudolf Leenhoff dar, den Schwager des Malers; die Identität seiner Begleiterin bleibt unbekannt. Das intensive Blau der Seine trennt die Figuren vom fernen Ufer. Masten, Taue und Segel rahmen dieses Doppelporträt ein, in dem die Freizeit auf dem Wasser zum Thema des modernen Lebens wird.
Quelle: Musée des Beaux-Arts de Tournai — Argenteuil.
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#31
Pierre-Auguste Renoir31. Der Spaziergang
In Der Spaziergang reicht ein Mann einer Frau die Hand, die auf einem bewaldeten Pfad voranschreitet. Ihr weißes Kleid fängt das durch das Laub gefilterte Licht ein, während der dunkle Anzug ihres Begleiters stärker mit der Vegetation verschmilzt. Die 1870 gemalte Szene erinnert an die galanten Spaziergänge Watteaus und Fragonards, die Renoir im Louvre bewunderte. Sie zeugt auch von seinen Forschungen nach einem Sommer gemeinsamer Freilichtarbeit mit Monet: Geschmeidige Pinselstriche, aufgeteiltes Licht und flüssige Malerei verleihen dem Unterholz Tiefe und Bewegung. Der heutige Titel stammt von einem früheren Eigentümer; Renoirs gewählter Titel ist nicht bekannt.
Quelle: J. Paul Getty Museum — The Promenade.
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#32
Camille Pissarro32. Der Boulevard Montmartre an einem Frühlingsmorgen
Von seinem Zimmer im Grand Hôtel de Russie aus beobachtet Pissarro den Boulevard Montmartre von oben. An diesem Frühlingsmorgen von 1897 rahmen die jungen hellgrünen Blätter eine von Wagen und Passanten belebte Fahrbahn ein. Die Fassaden laufen in die Ferne zusammen, während kleine Pinselstriche den Blick zwischen Gehwegen, Bäumen und Gespannen wandern lassen. Die Perspektive bleibt von einer Leinwand zur nächsten erkennbar, doch Licht, Wetter und Straßenaktivität verändern sich: Das ist das Prinzip seiner Boulevardserie. Nach der Rückgabe an Max Silberbergs Erbin bis 2013 in Jerusalem gezeigt, wurde dieses Werk 2014 bei Sotheby’s zum Verkauf angeboten.
Quelle: Sotheby’s — Katalog der Versteigerung von 2014, Los 43.
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#33
Claude Monet33. Der Garten des Künstlers in Giverny
In Der Garten des Künstlers in Giverny nehmen violette und mauvefarbene Iris den Vordergrund ein. Wege aus warm getönter Erde durchziehen die Beete, während Stämme und Laub das Haus im Hintergrund erkennen lassen. Monet stellt die aufgerichteten Pinselstriche der Blumen den Wegen gegenüber, die den Blick in den Garten führen: Die Tiefe entsteht ebenso durch Farben wie durch Perspektive. Diese 1900 gemalte Leinwand zeigt den Blumengarten des Malers, der sich von seinem Seerosenteich unterscheidet. Die Bedeutung der Iris wird vom Haus und den Gärten Claude Monets bestätigt. Das im Musée d’Orsay aufbewahrte Werk gelangt 1983 durch eine Übertragung zur Begleichung von Steuerschulden in die nationalen Sammlungen.
Quellen: Musée d’Orsay — Der Garten des Künstlers in Giverny ; Haus und Gärten Claude Monets — die Iris.
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#34
Claude Monet34. Frauen im Garten
Mit Frauen im Garten gibt Monet einer zeitgenössischen Szene ein monumentales Format, das gewöhnlich der Historienmalerei vorbehalten ist. Er beginnt die Leinwand 1866 im Freien und gräbt einen Graben, um sie abzusenken und ihren oberen Teil vom selben Blickpunkt aus malen zu können. Camille Doncieux steht für die drei Figuren links Modell, ohne dass ihre Gesichter wirkliche Porträts bilden. Die hellen, von Laubschatten durchzogenen Kleider machen die Lichtvariationen sichtbar; der zentrale Baum und der Weg strukturieren die Komposition. Das im Atelier vollendete Gemälde wird vom Salon von 1867 abgelehnt, insbesondere wegen seines sichtbaren Pinselstrichs und des Fehlens einer traditionellen Erzählung.
Quelle: Musée d’Orsay — Frauen im Garten.
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#35
Édouard Manet35. Die Eisenbahn
In Die Eisenbahn platziert Manet zwei Figuren vor einem Gitter nahe dem Bahnhof Saint-Lazare. Victorine Meurent sitzt mit einem offenen Buch und einem schlafenden Welpen und blickt den Betrachter an; das von hinten gesehene Mädchen wendet sich dem Dampf zu, der die Gleise verdeckt. Das Blau des Kleides der Frau antwortet auf die große Schleife des Kindes, während die schwarzen Gitterstäbe den hellen Hintergrund gliedern. Ihre Beziehung bleibt mehrdeutig: Manet legt nicht fest, ob es sich um eine Mutter, eine Begleiterin oder eine andere Situation handelt. Die im Salon von 1874 gezeigte Leinwand führt die Eisenbahn in eine Alltagsszene ein, ohne eine Lokomotive zu zeigen.
Quelle: National Gallery of Art — The Railway.
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#36
Pierre-Auguste Renoir36. Die großen Badenden
In Die großen Badenden ist eine Frau im Wasser dabei, eine am Ufer sitzende Gefährtin zu bespritzen. Diese spielerische Geste belebt eine Komposition, in der Körper mit präzisen Konturen mit einer Landschaft aus freieren Pinselstrichen kontrastieren. Renoir arbeitet von 1884 bis 1887 an dieser Leinwand und fertigt zahlreiche vorbereitende Zeichnungen an, darunter mindestens zwei große Studien mit mehreren Figuren. Die nahezu skulpturale Modellierung und der sorgfältige Auftrag einer trockenen Farbe vermitteln seine Suche nach einer Verbindung zwischen der französischen Tradition des 17. und 18. Jahrhunderts und moderner Malerei. Das Werk beleuchtet so Renoirs Entwicklung über seine impressionistische Malweise der 1870er-Jahre hinaus.
Quellen: Philadelphia Museum of Art — The Great Bathers ; Sammlungsbeschreibung auf Google Arts & Culture.
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#37
Camille Pissarro37. Place du Théâtre-Français und Avenue de l’Opéra im Nebel
Diese im Dezember 1897 vom Hôtel du Louvre aus gemalte Ansicht gehört zur Serie von fünfzehn Pariser Landschaften, die Pissarro im Winter 1897–1898 schafft. Brunnen, Wagen und Passanten bleiben im Vordergrund erkennbar, während die Avenue de l’Opéra im Nebel verschwindet. Rechts kontrastiert die Masse des Théâtre-Français-Gebäudes mit diesem nahezu leeren Raum. Rosa-, Grau- und Mauvetöne geben der Szene eine feuchte, gedämpfte Atmosphäre. Laut Werkbeschreibung des Dallas Museum of Art ist diese Leinwand die einzige Nebeldarstellung der Serie. Sie zeigt, wie Pissarro eine belebte Kreuzung in eine Untersuchung von durch die Luft gemilderten Konturen verwandelt.
Quelle: Dallas Museum of Art — Place du Theatre Francais: Fog Effect, Sammlungsbeschreibung.
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#38
Camille Pissarro38. Die Ernte in Montfoucault
In Die Ernte in Montfoucault antworten die im Feld gesammelten goldenen Garben auf die grüne Masse eines großen Baumes. Einige Bauern setzen Akzente in der Szene, insbesondere eine Figur neben den Garben rechts. Der blaue Himmel mit weißen Wolken nimmt viel Raum ein und verleiht dieser Erntelandschaft Weite. Sichtbare Pinselstriche beleben Erde, Vegetation und Wolken, während die Gelbtöne des Feldes mit den Grüntönen der Ferne kontrastieren. Dieses 1876 gemalte Ölbild auf Leinwand wird 1877 bei der dritten impressionistischen Ausstellung gezeigt. Es gelangt 1896 durch Gustave Caillebottes Vermächtnis in die nationalen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay — Die Ernte in Montfoucault.
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#39
Claude Monet39. Der Seerosenteich, Harmonie in Grün
In Der Seerosenteich, Harmonie in Grün bildet die japanische Brücke einen großen Bogen über dem Wasser. Das herabhängende Laub der Weide, die Uferpflanzen und ihre Spiegelungen umgeben die rosa und hellen Blüten, die Akzente im Teich setzen. Monet ordnet diese Ansicht von 1899 durch gegensätzliche Richtungen: Die Linien der Brücke durchqueren das Bild, die Zweige hängen herab, und die Pinselstriche der Seerosen breiten sich auf der Oberfläche aus. Der enge Bildausschnitt lässt dem Himmel wenig Raum und konzentriert die Aufmerksamkeit auf Grün-, Blau- und reflektierte Lichttöne. Diese nahezu quadratische Leinwand gelangt 1911 durch das Vermächtnis des Grafen Isaac de Camondo in die nationalen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay — Der Seerosenteich, Harmonie in Grün.
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#40
Pierre-Auguste Renoir40. Ansteigender Weg im hohen Gras
In Ansteigender Weg im hohen Gras zeigt, wie Renoir einen hellen Pfad durch einen grünen Hang schlängeln lässt. In der Mitte heben sich Spaziergänger durch ihre blaue Kleidung und einen roten Sonnenschirm ab; weitere Silhouetten erscheinen oben. Die roten Blumen im Vordergrund antworten auf diesen Sonnenschirm, während die Bäume bläuliche Schatten ins Gras werfen. Der leichte Pinselstrich lässt die Konturen mit der Vegetation verschmelzen: Achten Sie darauf, wie der Weg ohne betonte Zeichnung lesbar bleibt. Dieses vom Musée d’Orsay auf etwa 1875 datierte Ölbild auf Leinwand zeigt den Stellenwert der Freizeit im Freien in der impressionistischen Landschaft.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung.
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#41
Berthe Morisot41. Frau bei der Toilette
In Frau bei der Toilette zeigt eine Pariserin von hinten, die laut Werkbeschreibung des Museums nach einem Ball einen Arm hebt, um ihren Haarknoten zu lösen. Das weiße Kleid lässt die Schultern frei; ein Ohrring und ein schwarzes Band betonen den Nacken. Links gibt der Spiegel eine verwischte Spiegelung statt eines klaren Gesichts wieder. Geschmeidige Pinselstriche vermischen Kleid, Blumen und Dekorationsmuster in einer Skala aus Weiß-, Grau- und Rosatönen. Achten Sie auf den Kontrast zwischen dem dunklen Band und dieser leichten Malmaterie: Er lenkt das Auge zur Geste. Das zwischen 1875 und 1880 gemalte Werk wurde 1880 bei der fünften impressionistischen Ausstellung gezeigt.
Quelle: Art Institute of Chicago, Werkbeschreibung.
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#42
Édouard Manet42. Im Wintergarten
In Im Wintergarten zeigt Manets Freunde, das Ehepaar Guillemet, das ein Modegeschäft in der Rue Saint-Honoré führte. Die Frau sitzt vor einer blauen Bank; ihr Mann beugt sich hinter der Lehne vor. Betrachten Sie ihre Hände in der Mitte: Sie nähern sich an, doch die Zigarre in der Hand des Mannes unterbricht den Kontakt, wie die Werkbeschreibung des Museums betont. Der gelbe Hut und der helle Sonnenschirm erhellen das graue Kleid inmitten des Laubs. Die Blicke bleiben getrennt und verleihen diesem Gespräch eine zurückhaltende Spannung. Die auf 1878–1879 datierte Leinwand wurde in Georg von Rosens als Wintergarten eingerichtetem Atelier gemalt und 1896 für die Nationalgalerie erworben.
Quelle: Staatliche Museen zu Berlin, Werkbeschreibung.
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#43
Pierre-Auguste Renoir43. Tanz in der Stadt
In Tanz in der Stadt zeigt Suzanne Valadon und Paul Lhote als nahezu lebensgroßes Paar in einem hohen, schmalen Format. Das helle Kleid, die langen Handschuhe und die Blume im Haar heben sich vom schwarzen Anzug des Partners ab; der zugewandte Rücken der Tänzerin und die Schleppe verlängern die Bewegung nach unten. Betrachten Sie die bläulichen Stofffalten und die Arme, die die Umarmung zeichnen. Als Gegenstück zu Tanz auf dem Land konzipiert, bevorzugt diese Leinwand von 1883 eine zurückhaltende Eleganz und eine kühle Farbskala. Das Musée d’Orsay betont darin die präzisere Zeichnung, die Renoir nach seiner Entdeckung Raffaels in Italien übernimmt.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung.
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#44
Claude Monet44. Terrasse in Sainte-Adresse
Die im Sommer 1867 bei Le Havre gemalte Terrasse in Sainte-Adresse , auch Garten in Sainte-Adresse genannt, verbindet eine Familienszene mit einer belebten Meereslandschaft. Zwei Figuren sitzen im Vordergrund, während ein Paar nahe der Balustrade steht; Monets Vater ist der Mann mit dem Strohhut. Betrachten Sie die drei Streifen der Komposition: blühende Terrasse, Meer und Himmel. Die Fahnenmasten durchqueren sie, und die bläulichen Schatten kontrastieren mit dem gelben Sonnenlicht. Dieser erhöhte Blickpunkt, den das Met mit japanischen Holzschnitten vergleicht, betont die Bildfläche. Monet zeigte das Werk 1879 bei der vierten impressionistischen Ausstellung.
Quelle: Metropolitan Museum of Art, Werkbeschreibung.
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#45
Pierre-Auguste Renoir45. Porträt von Jeanne Samary
Dieses Porträt von Jeanne Samary zeigt die Schauspielerin frontal in einem nahen, auf ihr Gesicht konzentrierten Bildausschnitt. Ihre roten Haare heben sich von einem Hintergrund aus grauen und bläulichen Pinselstrichen ab; die schwarze Kleidung betont einen weißen Kragen und eine große rote Schleife. Achten Sie darauf, wie diese Schleife auf die Farbe der Lippen antwortet und den unteren Teil des Porträts belebt. Der direkte Blick und die weichen Konturen verleihen der Präsenz des Modells eine unmittelbare Einfachheit. Diese mit „Renoir, 77“ signierte und datierte Version gehört der Comédie-Française. Sie unterscheidet sich vom Porträt mit rosa Hintergrund im Puschkin-Museum und vom Ganzfigurenporträt in der Eremitage.
Quelle: Comédie-Française, Katalog La Grange.
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#46
Mary Cassatt46. Frau mit Perlenkette in einer Loge
In Frau mit Perlenkette in einer Loge zeigt Mary Cassatts Darstellung einer Zuschauerin in rosa Kleid vor einem Spiegel, der die Balkone der Pariser Oper reflektiert. Links erkennt man außerdem ihren Hinterkopf: Diese Spiegelung erweitert die Szene über das Porträt hinaus. Betrachten Sie die Lichtreflexe auf der Kette, die rosa und gelben Gesichtstöne und anschließend den auf den Knien gehaltenen Fächer. Laut Museum verbinden diese Wirkungen künstlicher Beleuchtung das Werk mit Degas’ Forschungen. Das Modell wird häufig als Lydia, Cassatts Schwester, identifiziert, ohne absolute Sicherheit. Diese bei der vierten impressionistischen Ausstellung von 1879 gezeigte Leinwand wurde dort besonders geschätzt.
Quellen: Philadelphia Museum of Art, Werkbeschreibung und Museumsangaben auf Google Arts & Culture.
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#47
Camille Pissarro47. Die roten Dächer, Dorfwinkel, Winterwirkung
In Die roten Dächer, Dorfwinkel, Winterwirkung , auch Côte Saint-Denis in Pontoise genannt, zeigt, wie Pissarro Häuser hinter einem Netz kahler Zweige hervortreten lässt. Die hellen Fassaden und orangefarbenen Dächer greifen mit den zum Horizont ansteigenden Feldern ineinander. Achten Sie darauf, wie dieselben Rot- und Brauntöne vom Vordergrund bis zum Hügel wiederkehren: Sie verbinden die verschiedenen Landschaftsteile. Die Tiefe entsteht durch die Abfolge der Ebenen und die Verkleinerung der Motive, während pastose Farbaufträge das Licht einfangen. Diese bei der dritten impressionistischen Ausstellung von 1877 gezeigte Leinwand gehörte Gustave Caillebotte und gelangte 1896 durch sein Vermächtnis in die nationalen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay, Werkbeschreibung.
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#48
Berthe Morisot48. Eugène Manet auf der Isle of Wight
In Eugène Manet auf der Isle of Wight zeigt Berthe Morisots Ehemann im Profil am linken Bildrand während ihrer Hochzeitsreise 1875. Die Szene spielt im Globe Cottage in Cowes. Betrachten Sie die Blumentöpfe auf dem Fensterbrett, die hellen Vorhänge und die dunklen Fensterstreben: Sie verbinden den Innenraum mit dem Garten und den Kais, wo Silhouetten und Boote erscheinen. Rote Blumen setzen Akzente in einem von Grün- und Gelbtönen geprägten Licht. Diese Leinwand ist ihr erstes Porträt von Eugène und gibt zugleich Transparenz und Lichtspielen Raum. Sie gelangte 1993 durch das Vermächtnis Annie Rouart ins Musée Marmottan Monet.
Quelle: Musée Marmottan Monet, Werkbeschreibung.
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#49
Edgar Degas49. Tänzerinnen an der Stange
In dieser Version der Das Gemälde Tänzerinnen an der Stange zeigt zwei Ballerinen, die sich in einem Probenraum dehnen: Die eine streckt im Profil ihr Bein nach links; die andere hebt es, von hinten gesehen, nach rechts. Die Stange und die Parkettdielen führen den Blick diagonal, während eine große leere Bodenfläche die Figuren vom Betrachter trennt. Achten Sie auf die Gießkanne im Vordergrund: Sie diente dazu, das Parkett zu befeuchten und Staub zu begrenzen, und korrespondiert laut Met auch mit der Silhouette der Tänzerin rechts. Dieses Werk von 1877, in Mischtechnik auf Leinwand ausgeführt, wurde im selben Jahr bei der impressionistischen Ausstellung gezeigt.
Quelle: Metropolitan Museum of Art, Werkbeschreibung.
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#50
Edgar Degas50. Im Café
In Im Café zeigt zwei Frauen, die vor einem weißen, mit Rot durchsetzten Stoff sitzen. Eine neigt den Kopf; die andere beugt sich zu ihr, während Laub den Hintergrund einnimmt. Ihre Gesten deuten einen Austausch an, doch Degas lässt die Situation offen. Das Fitzwilliam Museum erläutert, dass Ort und Tätigkeit der Figuren unsicher bleiben: Der seit der Atelierversteigerung von 1918 bekannte Titel beweist nicht, dass es sich um ein Café handelt. Die gedämpften Töne und wenig bestimmten Gesichter geben dem Gemälde eine zurückhaltende Atmosphäre. Dieses von Degas bis zu seinem Tod behaltene Werk ist vermutlich unvollendet geblieben.
Quellen: Fitzwilliam Museum, Sammlungsbeschreibung und Analyse des Werks.
Die Werkbeschreibung des Museums ansehen →Seine, Überschwemmungen, Gärten und ländliche Gebiete geben den Künstlern ein Labor in Lebensgröße zur Beobachtung der Atmosphäre.
#51
Gustave Caillebotte51. Ruderer auf der Yerres
In Das Gemälde Ruderer auf der Yerres versetzt den Betrachter ins Innere des Bootes, gegenüber zwei Ruderern mit Strohhüten. Ihre ausgestreckten Arme und die Ruder, die den Bildrahmen durchqueren, machen die Anstrengung spürbar. Der erste Mann, am unteren Rand angeschnitten, erscheint ganz nah; der zweite setzt die Perspektive des Rumpfes fort. Das grüne, durch kleine helle Pinselstriche belebte Wasser kontrastiert mit dem orangefarbenen Holz und den leuchtenden Hemden. Dieser enge Bildausschnitt gibt Gesten und Spiegelungen Vorrang vor einem Uferpanorama. Diese 1877 gemalte Leinwand verwandelt das Rudern auf der Yerres in eine Freizeitszene, die aus nächster Nähe zu den Körpern erlebt wird.
Quelle: Musée d’Orsay, Dossier zur Ausstellung „Caillebotte. Peindre les hommes“.
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#52
Claude Monet52. Die japanische Brücke
Diese späte Version der japanischen Brücke zeigt, wie Monet ein vertrautes Motiv seines Gartens in Giverny verwandelt. Der Steg durchquert die Mitte der Leinwand, doch seine Konturen vermischen sich mit dichter Vegetation und den Spiegelungen des Teichs. Dunkle Rot-, Violett- und Grüntöne kreuzen sich in dicken Pinselstrichen; ein gelber Bereich erhellt den oberen linken Rand, während vertikale Striche die rechte Seite strukturieren. Der Blick erkennt die Brücke allmählich in dieser Ansammlung von Farben. Diese auf die Zeit zwischen 1918 und 1924 datierte Leinwand unterscheidet sich deutlich von den besser lesbaren Ansichten desselben Themas aus dem Jahr 1899. Sie ist unsigniert und gelangte 1966 durch das Vermächtnis Michel Monet ins Musée Marmottan Monet.
Quelle: Musée Marmottan Monet, Inventarnummer 5091.
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#53
Mary Cassatt53. Mutter und Kind
In Mutter und Kind , auch Baby in blauer Kleidung genannt, zeigt, wie Cassatt die Komposition auf eine grau gekleidete Frau und das Kind konzentriert, das sie an sich hält. Das Gesicht der Mutter wendet sich vom Betrachter ab; das des Babys bleibt sichtbar, mit einem Finger am Mund. Der mütterliche Arm umschließt seinen Körper und vereint beide Figuren zu einer Masse. Das tiefe Blau der Kleidung des Kindes kontrastiert mit den hellen Grautönen des Kleides, während die Umgebung skizzenhaft bleibt. Diese um 1889 gemalte Leinwand macht die Nähe der Gesichter und eine alltägliche Geste zu den wesentlichen Elementen der Szene, ohne eine Erzählung hinzuzufügen.
Quellen: Cincinnati Art Museum, Werkbeschreibung auf Google Arts & Culture und Konservierungsdokumentation des Museums.
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#54
Alfred Sisley54. Der Canal Saint-Martin
Sisley malt hier den Canal Saint-Martin 1872, das auf der Leinwand eingetragene Datum, und nicht 1870 wie in einer anderen Ansicht desselben Ortes. Der Kanal nimmt den Vordergrund ein; die hellen Fassaden am linken Ufer spiegeln sich darin als blaue, graue und weiße Streifen. Ein Steg und kleine Silhouetten setzen Akzente im Hintergrund, während der rechte Kai eine Diagonale zum Wasser öffnet. Der weite bewölkte Himmel gibt dieser Pariser Landschaft Luft. Der fragmentierte Pinselstrich belebt die Spiegelungen und verbindet die Gebäude mit der Atmosphäre. Dieses kleine Format zeigt Sisleys Interesse am Licht eines städtischen Ortes ebenso wie an ländlichen Landschaften. Das Werk stammt aus der Schenkung Moreau-Nélaton von 1907.
Quelle: Musée d’Orsay, Der Canal Saint-Martin, RF 1701.
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#55
Claude Monet55. Frau mit Sonnenschirm — Madame Monet und ihr Sohn (Der Spaziergang)
Camille Monet steht auf einem Hügel, ihr Sohn Jean etwas weiter hinten, auf dieser Leinwand von 1875, auch Der Spaziergang genannt. Der niedrige Blickpunkt hebt die Silhouetten vor dem Himmel hervor. Der grüne Sonnenschirm, der Schleier und die Kleidfalten vermitteln den Wind; Camilles Schlagschatten zieht sich zum Vordergrund hinab. Monet greift die kleinen gelben Pinselstriche der Blumen in den Lichtreflexen der Kleidung auf und verbindet so die Figur mit der Landschaft. Laut National Gallery of Art entstand die Leinwand in einer einzigen Sitzung im Freien. Die sichtbaren Pinselstriche verstärken diesen Eindruck eines eingefangenen Augenblicks. Das bei der zweiten impressionistischen Ausstellung von 1876 gezeigte Werk vereint Familienporträt und Lichtstudie.
Quelle: National Gallery of Art, Madame Monet und ihr Sohn.
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#56
Claude Monet56. Regatten in Argenteuil
In Das Gemälde Regatten in Argenteuil , um 1872 gemalt, zeigt helle Segel vor Häusern mit roten Dächern und der Vegetation am Ufer. Monet greift ihre Farben im Wasser auf, teilt die Spiegelungen jedoch in horizontale Pinselstriche auf: Die Formen bleiben erkennbar und verlieren zugleich ihre klare Kontur. Masten und Segel geben dieser bewegten Fläche vertikale Orientierungspunkte. Argenteuil, wo Monet Ende 1871 hinzieht, ist damals ein bedeutender Ort für Freizeit auf dem Wasser und mit dem Zug von Paris aus leicht erreichbar. Das Thema ermöglicht es ihm vor allem, die Veränderungen von Luft und Wasser bei natürlichem Licht gemeinsam zu beobachten. Diese im Musée d’Orsay aufbewahrte Leinwand gehört zum 1896 angenommenen Vermächtnis Caillebotte.
Quelle: Musée d’Orsay, Regatten in Argenteuil, RF 2778.
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#57
Alfred Sisley57. Canal du Loing
Diese Ansicht des Canal du Loing stammt von 1884, wie die Signatur „Sisley 84“ unten rechts angibt. Ein weiter heller Himmel nimmt den größten Teil der Leinwand ein; die Häuser und Bäume am linken Ufer bilden einen niedrigen Streifen am Horizont. Boote setzen Akzente auf dem Kanal, mit einem Mast nahe der Mitte und einem dunklen Boot rechts. Im Wasser zerfallen die Spiegelungen der Gebäude in kurze Pinselstriche, während sich das Blau des Himmels bis in den Vordergrund fortsetzt. Sisley bringt so die zurückhaltende Aktivität des Kanals und die Offenheit der Landschaft ins Gleichgewicht. Diese kleine Leinwand, die sich von seinem Canal du Loing von 1892 unterscheidet, gelangte 1972 durch ein Vermächtnis in die nationalen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay, Canal du Loing, RF 1972 33.
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#58
Berthe Morisot58. Die Lektüre
In Die Lektüre zeigt Morisots Schwester Edma auf einem Schal in einer Wiese sitzend, den Blick auf ein blaues Buch gesenkt. Ein Sonnenschirm und ein Fächer liegen im Gras außerhalb ihrer Aufmerksamkeit. Das weiße Kleid fängt die Nuancen des Lichts im Freien ein; seine kleinen Blumenmuster antworten auf die Blumen der Wiese. Das Cleveland Museum of Art hat durch Röntgenaufnahmen gezeigt, dass Morisot Edma zunächst mit Blick zum Betrachter gemalt hatte, bevor sie ihre Augen zu den Seiten lenkte. Diese Änderung macht die Konzentration der Leserin zum wesentlichen Bestandteil der Szene. Die 1873 gemalte und 1874 bei der ersten impressionistischen Ausstellung gezeigte Leinwand verbindet Familienporträt, Freizeit und Lichtbeobachtung.
Quellen: Cleveland Museum of Art, Die Lektüre und Konservierungsdokumentation des Museums.
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#59
Édouard Manet59. Bei Père Lathuille, im Freien
Im Garten des Restaurants von Père Lathuille im Batignolles-Viertel beugt sich ein junger Mann zu einer Frau, die vor einem weiß gedeckten Tisch sitzt. Sein Arm auf der Stuhllehne und sein eindringlicher Blick machen die Verführungsszene spürbar. Der rechts stehende Kellner blickt zum Betrachter und bezieht ihn in diesen Austausch ein. Manet stellt die helle Jacke des jungen Mannes dem dunklen Kleid der Frau inmitten des Gartengrüns gegenüber. Das LACMA identifiziert das männliche Modell als Louis Gauthier-Lathuille, den Sohn des Besitzers. Das 1879 gemalte und im Salon von 1880 gezeigte Bild veranschaulicht Manets Interesse an Beziehungen und Gesten des modernen Pariser Lebens.
Quellen: Musée des Beaux-Arts de Tournai, LACMA, Identifizierung des Modells und Musée d’Orsay, Salon von 1880.
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#60
Claude Monet60. Die Rue Montorgueil
Monet malt Die Rue Montorgueil am 30. Juni 1878 während eines Festes zu Ehren von Frieden und Arbeit, das während der Pariser Weltausstellung organisiert wird. Diese war damals seit einigen Wochen geöffnet: Es handelt sich nicht um ihren Abschluss. Von einem Fenster aus beobachtet, führt die Straße zwischen zwei mit Trikoloren bedeckten Fassaden in die Tiefe. Rote, weiße und blaue Pinselstriche deuten das Flattern der Fahnen an, während kleine Silhouetten der Menge eine durchgehende Bewegung verleihen. Das Hochformat verstärkt die Tiefe und den Eindruck, in diese gemeinsame Belebung einzutauchen. Das Musée d’Orsay erinnert daran, dass die Szene häufig mit dem 14. Juli verwechselt wird, der erst 1880 zum Nationalfeiertag wurde. Monet zeigt hier ein festliches Paris im Kontext der Festigung des republikanischen Regimes.
Quelle: Musée d’Orsay, Die Rue Montorgueil, Fest am 30. Juni 1878.
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#61
Alfred Sisley61. Die Brücke von Moret
In dieser Version der Brücke von Moret aus dem Jahr 1888 vereint Sisley die Brückenbögen, die Mühlen und das Burgundertor um den Loing. Die hellen Gebäude nehmen die Mitte ein, während Wasser und Himmel der Komposition Raum geben. Kurze Pinselstriche lassen die Spiegelungen vibrieren, ohne die Festigkeit der Architektur aufzulösen. Blaugraue Töne antworten auf die wärmeren Dachfarben und schaffen ein Gleichgewicht, das das Museum hervorhebt. Diese Landschaft zeigt, wie Sisley einen erkennbaren Ort in Moret-sur-Loing mit der Untersuchung des Lichts verbindet: Die Bauten strukturieren die Ansicht, doch der Fluss belebt den gesamten unteren Bildteil.
Quelle: Minneapolis Institute of Art — Werkbeschreibung.
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#62
Pierre-Auguste Renoir62. Madame Charpentier und ihre Kinder
Renoir stellt Marguerite Charpentier, die Frau des Verlegers Georges Charpentier, im Salon ihres Pariser Stadthauses dar. Der dreijährige Paul sitzt neben seiner Mutter; seine Schwester Georgette sitzt auf dem großen Familienhund. Ihre gleichen Kleider entsprechen der damaligen Kindermode: Es handelt sich also nicht um zwei Mädchen. Madame Charpentiers schwarzes Kleid kontrastiert mit der blauweißen Kleidung der Kinder und dem japanischen Dekor in Goldtönen. Dieses bei Renoir bestellte Porträt verbindet gesellschaftliche Eleganz mit familiärer Nähe. Marguerite, die unter anderem Flaubert und Zola empfing, erreichte für das Gemälde einen günstigen Platz im Salon von 1879.
Quelle: Metropolitan Museum of Art — Werkbeschreibung.
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#63
Claude Monet63. Das Becken von Argenteuil
Diese Version des Beckens von Argenteuil , auch Der Hafen von Argenteuil genannt, wird 1874 gemalt und in Bloomington aufbewahrt. Monet wählt einen erhöhten Blickpunkt: Das baumbestandene Ufer durchquert die linke Seite diagonal, während die festgemachten Segelboote rechts das Wasser einnehmen. Ihre Masten und Spiegelungen bilden eine Folge von Vertikalen, die mit den kleinen horizontalen Pinselstrichen des Flusses kontrastieren. Ein gelbes Gebäude im Vordergrund und die fernen Schornsteine erinnern daran, dass dieser Freizeitort auch zu einer Industriestadt gehört. Das Licht in Goldtönen nähert Himmel und Wasser einander an und vereint diese Elemente. Diese Leinwand ist von der auf etwa 1872 datierten Version in Orsay zu unterscheiden.
Quellen: Smithsonian — Identifizierung des Werks in Bloomington ; Musée d’Orsay — andere Version, um 1872.
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#64
Edgar Degas64. Das Orchester der Oper
Im Vordergrund des Gemäldes Das Orchester der Oper hebt Degas seinen Freund Désiré Dihau hervor, der Fagott spielt. Gesichter und Instrumente heben sich von den schwarzen Anzügen ab; darüber erscheinen leuchtende Tutus und die Beine der Tänzerinnen in einem Bildausschnitt, der ihre Oberkörper abschneidet. Dieser Gegensatz gibt den Musikern den zentralen Platz, der gewöhnlich dem Ballett vorbehalten ist. Degas ordnet außerdem den Orchestergraben neu, um Dihau hervorzuheben, insbesondere indem er sein Instrument nach vorn rückt: Die Szene ist eine durchdachte Komposition und keine getreue Aufnahme des Orchesters. Dieses um 1870 gemalte Werk verbindet Gruppenporträt und Aufführung und lädt zugleich dazu ein, diejenigen zu betrachten, die die Musik erzeugen.
Quellen: Musée d’Orsay — Werkbeschreibung ; Dossier zur Ausstellung Degas an der Oper.
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#65
Paul Cézanne65. Das Haus des Gehängten
In Auvers-sur-Oise malt Cézanne eine menschenleere Landschaft, in der Häuser und Böschungen fast den gesamten Vordergrund einnehmen. Die Wege folgen mehreren Richtungen: Einer steigt nach links an, ein anderer führt zwischen den Gebäuden hinab, während die Äste diese Diagonalen fortsetzen. Diese enge Komposition und die dicke Farbe verleihen Mauern und Dächern eine feste Präsenz. Die Arbeit mit Pissarro zeigt sich in der aufgehellten Palette und den getrennten Pinselstrichen, doch Cézanne bewahrt eine dichte Malmaterie, die seine Malweise auszeichnet. Zusammen mit zwei weiteren Leinwänden bei der ersten impressionistischen Ausstellung von 1874 gezeigt, wird Das Haus des Gehängten vom Grafen Doria gekauft und gelangt anschließend 1911 durch das Vermächtnis Camondo in die nationalen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay — Werkbeschreibung.
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#66
Claude Monet66. Das Parlament in London bei Sonnenuntergang
In dieser signierten und auf 1903 datierten Version macht Monet das Parlament in London zu einer blauen Silhouette, die sich von einem rosa, gelben und violetten Himmel abhebt. Die Türme bleiben erkennbar, doch ihre Konturen verschmelzen mit der Atmosphäre. Auf der Themse vermischen kurze horizontale Pinselstriche die Himmelsfarben mit den Spiegelungen der Gebäude, während sich ein kleines Boot nahe der Mitte abzeichnet. Dieser Gegensatz zwischen den Vertikalen der Architektur und der Bewegung des Wassers strukturiert das Bild. Das Interesse gilt dem wechselnden Licht ebenso wie dem Bauwerk selbst. Diese Leinwand wurde 1904 bei Durand-Ruel ausgestellt und gelangte 1963 durch das Vermächtnis Chester Dale in die National Gallery of Art.
Quelle: National Gallery of Art — Werkbeschreibung.
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#67
Mary Cassatt67. In der Loge
In In der Loge zeigt eine schwarz gekleidete Zuschauerin im Profil, die ihr Opernglas an die Augen hält. Ihr Gesicht und ihre helle Hand heben sich vom dunklen Kleid ab; die geschwungenen Balkone führen den Blick zu den anderen Zuschauern. In der Ferne beobachtet auch ein Mann sie mit einem Opernglas. Laut Museum schaut die Frau einen anderen Zuschauer an: Das Thema ist also ebenso der Saal mit seinen Blickwechseln wie die Aufführung. Der Fächer auf ihren Knien und die schnellen Pinselstriche der fernen Figuren ergänzen diese Szene des Pariser Lebens. Das 1878 gemalte Werk zeigt eine Frau, die aktiv am Beobachten teilnimmt, selbst wenn sie selbst zum Mittelpunkt der Aufmerksamkeit wird.
Quelle: Museum of Fine Arts, Boston — auf Google Arts & Culture veröffentlichte Werkbeschreibung.
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#68
Édouard Manet68. Die Pflaume
In Die Pflaume zeigt eine Frau an einem Cafétisch, die ihre Wange auf den Handrücken stützt und in die Ferne blickt. Ihr rosa Kleid und ihre hellen Spitzen kontrastieren mit der roten Sitzbank und der Holzverkleidung im Hintergrund. Die andere Hand hält eine Zigarette; vor ihr enthält ein kleines Glas eine Pflaume in bernsteinfarbener Flüssigkeit. Der Marmortisch trennt die Figur vom Betrachter und trägt die Signatur des Malers. Diese Details geben der Szene den Eindruck einer Pause, ohne festzulegen, worauf die Frau wartet oder was ihre Geschichte ist. Die auf etwa 1877 datierte Leinwand gelangt 1971 durch die Schenkung der Sammlung Paul Mellon in die National Gallery of Art.
Quelle: National Gallery of Art — Werkbeschreibung.
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#69
Édouard Manet69. Die Ruhe
Manet stellt die Malerin Berthe Morisot in einem weißen Kleid dar, entspannt auf einem Sofa in dunklen Tönen sitzend. Ihr ausgestreckter Arm, der Fächer und die weiten Stofffalten ordnen den Vordergrund; Hell-Dunkel-Kontraste verstärken die Präsenz der Figur in einem engen Raum. Über ihr zeigt ein japanischer Holzschnitt eine von einem Drachen verfolgte Taucherin: Dessen Unruhe kontrastiert mit der ruhigen Haltung. Laut Museum irritierten diese Haltung und die informelle Kleidung einige Betrachter. Manet verstand das Werk als eine Studie körperlicher und innerer Ruhe. Es wird auf etwa 1871 datiert und befindet sich heute durch das Vermächtnis Edith Stuyvesant Vanderbilt Gerry von 1959 im RISD Museum.
Quelle: RISD Museum — Werkbeschreibung und Bild, gemeinfrei CC0.
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#70
Mary Cassatt70. Junges Mädchen im Garten
Auch Junge Frau beim Nähen im Garten genannt, zeigt diese Leinwand Cassatts eine sitzende Figur, deren Kopf über ihre Arbeit geneigt ist. Die eng zusammengeführten Hände und der konzentrierte Blick machen die Nähbewegung zum Mittelpunkt. Das helle Kleid nimmt einen großen Teil des Vordergrunds ein, umgeben von roten Blumen und grünem Laub; dahinter gibt ein diagonaler Weg dem Garten Tiefe. Gesicht und Oberkörper sind präzise gezeichnet, während Rock und Vegetation mit freieren Pinselstrichen behandelt werden. Dieser Unterschied des Pinselstrichs verbindet die Beobachtung der Figur mit dem Licht im Freien. Das zwischen 1880 und 1882 gemalte Werk wird 1886 bei der letzten impressionistischen Ausstellung gezeigt.
Quelle: Musée d’Orsay — Werkbeschreibung.
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#71
Mary Cassatt71. Die Tasse Tee
Cassatt nimmt ihre Schwester Lydia als Modell, die seit 1877 mit ihren Eltern in Paris lebt. Die junge Frau ist im Profil dargestellt, rosa gekleidet, und hält eine Tasse mit Untertasse in weiß behandschuhten Händen. Das helle Kleid kontrastiert mit dem dunklen Sessel; die Blumen und grünen Pinselstriche im Hintergrund setzen die Farbklänge fort. Die Geste des Teetrinkens wird zum Hauptthema an der Schnittstelle von Familienporträt und einem gesellschaftlichen Ritual des Pariser Bürgertums. Sichtbare Pinselstriche beleben die Stoffe, ohne die Haltung unlesbar zu machen. Die auf etwa 1880–1881 datierte Tasse Tee wird 1881 erfolgreich bei der impressionistischen Ausstellung gezeigt.
Quelle: Metropolitan Museum of Art — Werkbeschreibung.
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#72
Claude Monet72. La Grenouillère — Claude Monet (Met, 1869)
Im Sommer 1869 arbeiten Monet und Renoir in La Grenouillère, einem Bade- und Ruderort an der Seine bei Paris. In dieser Version versammelt eine kleine baumbestandene Plattform die Spaziergänger in der Mitte; die Badenden erscheinen links, das schwimmende Café rechts und die Boote im Vordergrund. Die Spiegelungen sind mit breiten, getrennten Pinselstrichen gemalt, deren Hell-Dunkel-Wechsel die Bewegung des Wassers spürbar macht. Die Personen bleiben skizziert, während Stege und Boote den Raum ordnen. Monet betrachtete diese Versuche als Vorbereitungen für eine anspruchsvollere Komposition. Das Met vergleicht diese Leinwand mit einer Version Renoirs in Stockholm: Ihr Vergleich offenbart zwei Blicke auf dasselbe Motiv.
Quelle: Metropolitan Museum of Art — Werkbeschreibung.
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#73
Claude Monet73. Die Elster
Monet malt Die Elster entsteht im Winter 1868–1869 auf dem Land bei Étretat. Der Vogel, eine kleine dunkle Silhouette auf einem Tor, zieht den Blick in einer vom Schnee beherrschten Landschaft an. Zaun, Bäume und Häuser strukturieren den Raum, während ihre Schatten den Vordergrund durchziehen. Bläuliche und violette Bereiche kontrastieren mit den wärmeren, von der Sonne beleuchteten Weißtönen: Der Schnee wird so zu einer Oberfläche, die Licht aufnimmt und verwandelt. Diese helle Palette gibt einer nahezu stillen Szene Tiefe, ohne auf einheitlich schwarze Schatten zurückzugreifen. Das Museum erinnert daran, dass die Kühnheit dieser Untersuchung zur Ablehnung der Leinwand durch die Salonjury von 1869 beitrug.
Quelle: Musée d’Orsay — Werkbeschreibung.
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#74
Gustave Caillebotte74. Der Mann auf dem Balkon, Boulevard Haussmann
In Der Mann auf dem Balkon, Boulevard Haussmann zeigt, wie Gustave Caillebotte eine Figur mit Zylinder im Vordergrund platziert, dem Paris zugewandt, das sie betrachtet. Die schmiedeeiserne Balustrade und die gestreifte Markise rahmen eine Ansicht ein, in der Bäume einen Teil der Straße verdecken, während die Fassaden über dem Laub sichtbar bleiben. Dieser Bildausschnitt verbindet die Nähe des Balkons mit der Tiefe des Boulevards. Das von der Wohnung des Künstlers an der Ecke der Rue Gluck und des Boulevard Haussmann aus gemalte Bild trägt eine auf 1880 datierte Signatur. Es wurde 1882 bei der siebten impressionistischen Ausstellung gezeigt.
Quelle: Christie’s: Titel, Datum, Maße, Provenienz und Ausstellungen.
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#75
Édouard Manet75. Der Balkon
In Der Balkon vereint Édouard Manets Darstellung von Berthe Morisot, die im Vordergrund sitzt, der Geigerin Fanny Claus und dem Maler Antoine Guillemet. Ihre Blicke folgen unterschiedlichen Richtungen, ohne ein erkennbares Gespräch oder eine eindeutige Erzählung zu bilden. Die weißen Kleider heben sich von einem dunklen Innenraum ab; das Grün der Balustrade und der Fensterläden antwortet auf das Blau der Krawatte. Dieser Kontrast erklärt ebenso wie die Unbeweglichkeit der Figuren die Besonderheit dieser Szene des bürgerlichen Lebens. Im Salon von 1869 gezeigt, löste sie Unverständnis bei den Kritikern aus. Die Komposition erinnert an Goyas Majas auf dem Balkon . Das im Musée d’Orsay aufbewahrte Werk gelangte durch das 1896 angenommene Vermächtnis Caillebotte in die öffentlichen Sammlungen.
Quelle: Musée d’Orsay: Werkbeschreibung, Maße, Modelle und Provenienz.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Porträts, Familienszenen und weniger berühmte Landschaften offenbaren die Unterschiede zwischen zehn Empfindungen, ohne einheitlichen Pinselstrich.
#76
Camille Pissarro76. Bahnhof Lordship Lane, Dulwich
Camille Pissarro malt Den Bahnhof Lordship Lane, Dulwich während seines Aufenthalts in London, wohin er Ende 1870 mit seiner Familie vor dem Deutsch-Französischen Krieg geflohen war. Von einer Fußgängerbrücke über den Gleisen aus beobachtet er einen Zug, der den Bahnhof verlässt. Die Schienen führen den Blick zu den Häusern, während grüne Böschungen und Bäume den ländlichen Charakter des Ortes bewahren. Der Dampf vermischt sich mit dem hellen Himmel: Die Eisenbahn fügt sich in die Landschaft eines Vororts im Wandel ein. In der vollendeten Version erscheint kein Passant; die Courtauld erläutert, dass Pissarro einen ursprünglich auf der rechten Böschung gemalten Mann übermalte.
Quelle: Courtauld Gallery: Werkbeschreibung, Maße und Untersuchung des Gemäldes.
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#77
Alfred Sisley77. Eisgang auf der Seine bei Port-Marly
In Eisgang auf der Seine bei Port-Marly zeigt Alfred Sisleys Winterlandschaft, in der weiße Schnee- und Eisflächen mit dunklen Wasserbereichen abwechseln. Personen und ein kleines Boot nehmen den Vordergrund ein; am anderen Ufer heben sich Häuser mit verschneiten Dächern vor einem bewaldeten Hang ab. Fragmentierte Pinselstriche geben der Flussoberfläche ein unregelmäßiges Erscheinungsbild, während der graue Himmel das Ganze in kühles Licht hüllt. Der Titel verweist auf das Aufbrechen des Eises beim Tauwetter. Dieses Ölbild von 1876 gehört durch die Schenkung Xavier Busquets dem Museu de Montserrat und darf nicht mit dem Gemälde Die Seine bei Port-Marly in Lyon verwechselt werden.
Quelle: Museu de Montserrat: Titel, Datum, Maße und Schenkung.
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#78
Camille Pissarro78. Boulevard des Italiens, Morgen, Sonne
In Boulevard des Italiens, Morgen, Sonne zeigt Camille Pissarros Beobachtung von Paris aus einem erhöhten Blickpunkt. Die Fahrbahn durchquert das Bild diagonal zwischen Fassaden und Baumreihen. Droschken, Omnibusse und Fußgänger bilden einen dichten Verkehr; die Kioske und die bei den Fahrzeugen versammelten Reisenden machen das Leben des Boulevards konkret. Kleine farbige Pinselstriche vermischen die Silhouetten mit dem durch die Zweige gefilterten Licht. Diese Ansicht gehört zu den Stadtlandschaften, die 1897 vom Grand Hôtel de Russie in der Rue Drouot aus gemalt werden. Sie zeigt, wie Pissarro seine impressionistische Aufmerksamkeit auf Lichtvariationen und die Bewegung der Stadt anwendet. Das Werk gelangte 1963 durch das Vermächtnis Chester Dale in die National Gallery of Art.
Quelle: National Gallery of Art: Werkbeschreibung, Maße und Provenienz.
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#79
Edgar Degas79. Nach dem Bad
Diese Version vonNach dem Bad , auch Frau beim Abtrocknen genannt, ist ein Pastell von Degas in Rom. Die Frau neigt Kopf und Oberkörper; ihr angewinkelter Arm, ihre Beine und das weiße Handtuch bilden eine Gruppe von Diagonalen. Der nahe Bildausschnitt lässt der Umgebung wenig Raum und konzentriert die Aufmerksamkeit auf die Körperpflege. Blaue, gelbe und rosa Schraffuren durchziehen den Hintergrund ebenso wie den Körper und machen die Pastellarbeit sichtbar. Dieses auf etwa 1886 datierte Werk veranschaulicht Degas’ Erforschung gewöhnlicher Bewegungen und ungewöhnlicher Blickpunkte. Es unterscheidet sich vom Ölgemälde After the Bath , um 1895, im Getty Museum.
Quellen: Galleria Nazionale: Werk und Maße ; Degas-Werkverzeichnis, MS 1059: Titel, Technik und Datierung.
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#80
Edgar Degas80. Die Probe im Tanzsaal
In Die Probe im Tanzsaal zeigt einen Raum der alten Oper in der Rue Le Peletier. Die großen Fenster beleuchten die Tänzerinnen im Gegenlicht in einer nahezu einfarbigen Skala, die einige farbige Gürtel beleben. Links neigt der Lehrer den Körper und hebt die Arme, um eine Bewegung vorzuführen; rechts lehnt sich eine Schülerin an die Balustrade. Die Säule und die Diagonalen des Bodens ordnen die Gruppen, ohne sie auf einer Linie aufzustellen. Laut Phillips Collection sind einige architektonische Elemente erfunden: Diese Szene verbindet Beobachtung mit dem Aufbau im Atelier. Sie wurde 1876 bei der zweiten impressionistischen Ausstellung gezeigt und auf einer Leinwand gemalt, die zuvor ein hochformatiges Porträt trug.
Quelle: The Phillips Collection: Werkbeschreibung, Maße und Untersuchung der Komposition.
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#81
Pierre-Auguste Renoir81. La Grenouillère — Renoir (Winterthur, 1869)
In dieser Version der La Grenouillère zeigt Renoirs Darstellung eines Bade- und Spazierorts an der Seine, wo er 1869 neben Monet arbeitet. Die Boote nehmen den Vordergrund ein; ein Steg durchquert die Bildmitte und erreicht die belebte kleine Insel rechts. Spaziergänger in hellen Kleidern und dunklen Anzügen, Badende und Anlagen unter den Bäumen geben der Landschaft ihren Freizeitcharakter. Auf dem Wasser teilen breite grüne, blaue und gelbe Pinselstriche die Spiegelungen auf, während das Laub eine dunklere Masse bildet. Zwei Enten setzen Akzente im unteren Teil der Szene. Diese in Winterthur aufbewahrte Leinwand ist eine andere Version als La Grenouillère von Renoir in Stockholm.
Quelle: Sammlung Oskar Reinhart: Werk, Datum, Technik und Maße.
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#82
Édouard Manet82. Musik im Tuileriengarten
In Musik im Tuileriengarten zeigt Manets Darstellung einer eleganten Menge, die unter den Bäumen des Pariser Gartens zu einem Konzert versammelt ist. Die Musiker bleiben außerhalb des Bildes: Das sichtbare Thema ist das Publikum mit seinen Stühlen, Kindern, hellen Kleidern und Zylindern. Manet malt sich ganz links, teilweise vom Leinwandrand angeschnitten; Baudelaire, Fantin-Latour und Offenbach gehören zu seinen dargestellten Vertrauten. Die Stämme geben der Menge Rhythmus, deren Gesichter teils präzise, teils kaum skizziert sind. Diese 1862 gemalte und 1863 bei Martinet ausgestellte Szene macht städtische Freizeit zu einem bedeutenden Thema der Malerei und kündigt das Interesse der Impressionisten am modernen Leben an.
Quelle: National Gallery: Werkbeschreibung, Personen, Maße und Provenienz.
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#83
Pierre-Auguste Renoir83. Auf der Terrasse
In Auf der Terrasse , auch unter dem Titel Die zwei Schwestern bekannt, zeigt eine junge Frau und ein Kind auf der Terrasse des Restaurants Fournaise in Chatou. Trotz des Titels sind die beiden Modelle keine Schwestern. Das Rot des Hutes der älteren kontrastiert mit ihrer blauen Kleidung; die Blumen am Hut des Kindes antworten auf die farbigen Wollstränge im Korb im Vordergrund. Die Gesichter sind präzise gemalt, während Seine, Boote und Zweige hinter der Balustrade in freieren Pinselstrichen verschmelzen. Dieser Unterschied der Behandlung verbindet die Präsenz der Modelle mit den Lichtwirkungen der Landschaft. Die Leinwand von 1881 wurde 1882 bei der impressionistischen Ausstellung gezeigt.
Quelle: Art Institute of Chicago: Werkbeschreibung, Modelle, Technik und Maße.
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#84
Alfred Sisley84. Der Chemin de la Machine, Louveciennes
In Der Chemin de la Machine, Louveciennes zeigt Sisleys Aufbau der Landschaft um eine Straße, die den Vordergrund mit einem leicht dezentrierten Horizont verbindet. Die Baumreihe links markiert die Tiefe durch kleiner werdende Stämme und Abstände. Ihre Schatten durchziehen den Boden, während Häuser und Mauer rechts den Weg einrahmen. Ein weiter heller Himmel nimmt den oberen Teil ein und verleiht dieser strengen Perspektive ein offenes Licht. Kleine Passantensilhouetten bringen alltägliche Präsenz ein, ohne von der Landschaft abzulenken. Dieses 1873 gemalte Ölbild im Musée d’Orsay zeigt, wie Sisley eine fest geordnete Komposition mit der Beobachtung von Lichtvariationen in der Île-de-France verbindet.
Quelle: Musée d’Orsay: Werkbeschreibung, Perspektive, Technik und Maße.
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#85
Alfred Sisley85. Schneewirkung in Louveciennes
In Schneewirkung in Louveciennes zeigt, wie Sisley einem blassblauen Himmel über einem verschneiten Weg viel Raum gibt. Ein Zaun führt den Blick zu einigen Spaziergängern und den Dorfhäusern, während kahle Bäume den Horizont zeichnen. Im Vordergrund durchziehen blaue Schatten den Schnee und kontrastieren mit seinen beleuchteten, wärmeren Bereichen. Sichtbare Pinselstriche vermitteln die Unregelmäßigkeiten des Bodens: Weiß wird zu einer Gesamtheit von Nuancen statt zu einer einheitlichen Oberfläche. Dieses signierte und auf 1874 datierte Ölbild wird heute in der Sammlung Hasso Plattner im Museum Barberini in Potsdam aufbewahrt. Die Sammlung erwarb es im März 2017.
Quelle: Museum Barberini: Werkbeschreibung, Maße, Inventarnummer und Provenienz.
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#86
Pierre-Auguste Renoir86. Junges Mädchen mit blauem Band
In Junges Mädchen mit blauem Band zeigt Renoirs Modell im Profil mit nach links gewandtem Blick. Das blaue Band ist um den Hals gebunden und nicht im Haar. Es setzt einen kühlen Akzent zwischen den hellen Tönen von Gesicht und Schultern vor einem orangefarbenen, von vertikalen Pinselstrichen durchzogenen Hintergrund. Die Profilkontur ist sorgfältig bestimmt, während Kleidung und Hintergrund eine freiere Ausführung bewahren. Diese Verbindung von Zeichnung und Farbe verleiht dem Porträt Präsenz, ohne eine detaillierte Umgebung einzusetzen. Das 1888 gemalte Werk wird seit dem Vermächtnis Jacqueline Delubac von 1997 im Musée des Beaux-Arts de Lyon aufbewahrt.
Quelle: Musée des Beaux-Arts de Lyon: Werkbeschreibung, Maße und Provenienz.
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#87
Edgar Degas87. Die Wanne
In Die Wanne zeigt eine hockende Frau, die sich in einem großen Becken wäscht, während eine Ablage rechts zwei Krüge, Bürsten und ein Tuch trägt. Der erhöhte Blickpunkt betont die Rückenkrümmung und den Kreis des Gefäßes; die Ablage scheint beinahe zum Betrachter gekippt. Diese perspektivische Verschiebung, die das Musée d’Orsay mit japanischen Holzschnitten vergleicht, macht die Komposition besonders kühn. Die Pastellstriche mischen Kupfer-, Grau- und Blautöne und lassen die Materie der Zeichnung sichtbar. Das bei der letzten impressionistischen Ausstellung von 1886 gezeigte Werk verwandelt eine alltägliche Geste in eine Untersuchung von Körper, Raum und Farbe.
Quelle: Musée d’Orsay — Die Wanne.
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#88
Gustave Caillebotte88. Die Gärtner
Im Gemüsegarten des Familienanwesens in Yerres gehen zwei Gärtner zwischen den Pflanzreihen voran. Im Vordergrund benutzt einer von ihnen, barfuß und mit Strohhut, zwei Gießkannen gleichzeitig; weiter hinten trägt sein Kollege seine Kannen. Die Linien der Kulturen und der Glasglocken führen den Blick zum hinteren Gartenbereich, der von einer Mauer und einer Reihe großer Bäume abgeschlossen wird. Die nasse Erde nimmt Mauvetöne an, die mit dem Grün der Blätter und den wärmeren trockenen Bereichen kontrastieren. Wie im Gemälde Die Parkettschleifer gibt Caillebotte der Handarbeit einen zentralen Platz: Der Garten erscheint hier als ein durch präzise Gesten gepflegter Raum.
Quelle: Maison Caillebotte — Die Gärtner und der Gemüsegarten von Yerres.
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#89
Camille Pissarro89. Oiseufer in Pontoise
Der helle Weg im Vordergrund verläuft entlang der Oise und führt den Blick zu den Häusern am anderen Ufer. Spaziergänger, kleine Boote und Bäume verbinden den Alltag mit der Landschaft; über den Dächern lässt ein hoher Schornstein seinen Rauch in einen blauen, von Wolken durchzogenen Himmel steigen. Diese industrielle Präsenz relativiert die Vorstellung einer völlig bewahrten Landschaft: Pissarro beobachtet ein Gebiet, in dem Vegetation, Wohnraum und wirtschaftliche Tätigkeit nebeneinander bestehen. Der große Baum rechts rahmt die Ansicht ein, während die Vertikalen von Kirchturm und Schornstein dem Horizont Rhythmus geben. Das Werkverzeichnis verortet die Ausführung 1868 und stellt zugleich klar, dass das Gemälde die Jahreszahl 1870 trägt: Die beiden Angaben bezeichnen also nicht dieselbe Information.
Quelle: Wildenstein Plattner Institute — Pissarro-Werkverzeichnis, Verweis auf Werk Nr. 124.
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#90
Édouard Manet90. Pferderennen in Longchamp
Auf der Rennbahn von Longchamp im Bois de Boulogne kommen die Pferde und ihre Jockeys am Ende des Rennens beinahe frontal heran. Die schrägen Barrieren führen den Blick zum Feld, während die Zuschauer an den Seiten der Bahn dichte Streifen bilden. Die hellen und blauen Rennfarben heben sich von den dunklen Pferden ab; schnelle Pinselstriche und aufgeworfene Erde machen die Geschwindigkeit spürbar. Manet wählt so einen ungewöhnlichen Blickpunkt für die Sportmalerei, die Pferde im Profil bevorzugte. Diese Szene verbindet Bewegung, Schauspiel und moderne Freizeit. Das Museum erläutert, dass der Künstler selbst eine ursprünglich größere Komposition auf das heute erhaltene Format verkleinerte.
Quelle: Art Institute of Chicago — The Races at Longchamp.
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#91
Berthe Morisot91. Frau und Kind auf dem Balkon
Vom Balkon von Morisots Familienhaus in der Rue Benjamin-Franklin in Passy aus betrachten eine Frau in schwarzem Kleid und ein kleines Mädchen Paris. Das helle Kleid des Kindes, seine blauen Bänder und die roten Blumen oben rechts kontrastieren mit den gedämpften Tönen des Panoramas. Im Hintergrund lassen sich Seine, Champ-de-Mars und rechts die goldene Kuppel des Invalidendoms erkennen. Die Figuren und ihre Kleidung sind genauer ausgearbeitet als die mit schnellen Pinselstrichen wiedergegebene Stadt. Die Identität der Modelle bleibt umstritten: Das Artizon Museum nennt eine von Morisots Schwestern, Edma oder Yves, und möglicherweise Paule Gobillard als Kind. Der Balkon verbindet so eine Familienszene mit dem Blick auf die moderne Hauptstadt.
Quellen: Artizon Museum — Woman and Child on the Balcony ; Christie’s — Maße und Technik.
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#92
Edgar Degas92. Die Büglerin
Die Büglerin ist frontal stehend hinter einem mit einem großen weißen Tuch bedeckten Tisch dargestellt. Ihre rechte Hand hält das Bügeleisen, doch ihr Blick richtet sich zum Betrachter, als wäre die Arbeit kurz unterbrochen worden. Aufgehängte Wäschestücke füllen den Hintergrund und setzen die hellen Töne ihrer Bluse fort; ihr dunkler Rock verleiht der Figur Gewicht. Das Gesicht ist präzise modelliert, während die Stoffe sichtbare Striche und Wischspuren bewahren. Dieses mit Kohle, weißer Kreide und Pastell ausgeführte Werk gibt einer Arbeiterin eine porträtähnliche Präsenz. Das Musée d’Orsay identifiziert das Modell als Emma Dobigny; das Werk stammt aus dem Vermächtnis Antonin Personnaz von 1937.
Quelle: Musée d’Orsay — Die Büglerin.
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#93
Alfred Sisley93. Die Seine bei Bougival
Zwei Baumreihen zeichnen ein breites V und führen den Blick zu den Seineufern. Ihre regelmäßigen Stämme geben der Landschaft Struktur, während Blätter, Wolken und Gras durch leichtere Pinselstriche wiedergegeben werden. Einige Figuren befinden sich im Vordergrund und auf dem Weg; rechts öffnet das Blau des Flusses einen Ausblick zwischen den Bäumen. Das rote Dach eines Gebäudes kontrastiert mit den vorherrschenden Grün- und Blautönen. Sisley bevorzugt hier die Ruhe eines Ortes, der dennoch von Spaziergängern, Booten und kleinen Industriebetrieben genutzt wird. Das Gemälde gelangt 1992 durch die Schenkung von Herrn und Frau Douglas Dillon ins Metropolitan Museum.
Quelle: Metropolitan Museum of Art — The Seine at Bougival.
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#94
Claude Monet94. Der Parc Monceau
Unter einem Laubgewölbe befinden sich Spaziergänger auf einem Weg im Parc Monceau: Einige gehen mit ihren Sonnenschirmen voran, andere sitzen rechts. Die hellen Kleider heben sich von der dunklen Vegetation ab, während rosa und gelbe Lichtflecken den Weg und den Rasen im Vordergrund beleben. Eine Fassade erscheint zwischen den Ästen und erinnert daran, dass dieser Garten zur Pariser Landschaft gehört. Monet malt sechs Ansichten des Parks, drei 1876 und drei 1878; diese hochformatige Version gehört zur zweiten Gruppe. Der Kontrast zwischen dunklen und hellen Massen gibt der Ordnung der Farben ebenso viel Bedeutung wie der Tiefe und kündigt laut Metropolitan Museum einige Forschungen seiner späteren Werke an.
Quelle: Metropolitan Museum of Art — The Parc Monceau.
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#95
Camille Pissarro95. Landschaft in Chaponval
Im Vordergrund im Schatten der Bäume steht eine blau gekleidete Figur neben einer grasenden Kuh. Hinter ihr öffnet eine Wiese den Blick auf die Häuser von Chaponval am Fuß der Hügel von Auvers-sur-Oise. Rote und bläuliche Dächer setzen Akzente auf den hellen Fassaden; weiter oben gliedern bewirtschaftete Parzellen den Hang in grüne und ockerfarbene Streifen. Pissarro baut die Tiefe durch diese aufeinanderfolgenden Ebenen auf und stellt dem dunklen Laub links den hellen Hügel und Himmel gegenüber. Kleine Pinselstriche nähern die Texturen von Gras, Bäumen und Feldern einander an. Diese Landschaft von 1880 verbindet so Wohnraum und ländliche Tätigkeit in einer Komposition. Sie stammt aus dem Vermächtnis Antonin Personnaz von 1937.
Quelle: Musée d’Orsay — Landschaft in Chaponval.
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#96
Edgar Degas96. Tänzerinnen beim Treppensteigen
Links steigen teilweise vom Bildrand angeschnittene Tänzerinnen eine Treppe hinauf; eine erreicht den Absatz vor einem Raum, in dem sich weitere Schülerinnen vorbereiten. Die ockerfarbene Wand nimmt eine große Fläche ein und stellt ihre relative Einfachheit den hellen Tutus und den vielfältigen Gesten der Figuren gegenüber. Die Treppendiagonale verbindet den Vordergrund mit der Raumöffnung, während das nahezu leere Parkett rechts die Tiefe verstärkt. Degas widmet sich hier den gewöhnlichen Bewegungen rund um den Tanz ebenso wie den Übungen selbst. Dieses sehr langgestreckte Format gehört zu den Forschungen, die das Musée d’Orsay als „tableaux en long“ vorstellt. Das Werk stammt aus dem Vermächtnis Isaac de Camondo von 1911.
Quellen: Musée d’Orsay — Tänzerinnen beim Treppensteigen ; Degas an der Oper — die langgestreckten Gemälde.
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#97
Édouard Manet97. Nana
Vor einem Standspiegel unterbricht eine junge Frau in blauem Korsett, weißem Unterrock und hellen Strümpfen ihre Toilette, um den Blick zum Betrachter zu wenden. Sie hält ihre Schminkutensilien; rechts sitzt ein Mann in Frack und Zylinder auf einem roten Sofa, teilweise vom Bildausschnitt angeschnitten. Die hellen Stoffe, die Vergoldungen der Möbel und die Wanddekoration bilden einen raffinierten Innenraum. Die Anwesenheit des männlichen Besuchers gibt dieser intimen Szene eine gesellschaftliche Dimension, ohne dass ein bestimmter Austausch erfunden werden muss. Manet ordnet vor allem eine Begegnung der Blicke: den der Frau, den des Mannes und den des Publikums. Der Kontrast zwischen heller Kleidung und dunklem Anzug verstärkt Nanas zentrale Stellung.
Quelle: Hamburger Kunsthalle — Nana, HK-2376.
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#98
Edgar Degas98. Vor dem Ballett
In einem Tanzsaal sitzen zwei Ballerinen rechts auf einer Bank: Eine beugt sich zu ihrem Fuß, die andere hebt ein Bein, um ihren Strumpf zu richten. Im Hintergrund links proben vier Schülerinnen eine Bewegung mit erhobenen Beinen. Zwischen diesen Gruppen öffnet eine große Parkettfläche die Tiefe und gibt dem Warten ebenso viel Raum wie den Figuren. Die blassblauen Tutus heben sich von den braunen und grünlichen Wänden ab; die rosa und türkisfarbenen Pinselstriche des Bodens verbinden die verschiedenen Bereiche. Degas vereint so Kostümvorbereitung und Training in einer sehr langgestreckten Komposition. Die aus verschiedenen Entfernungen beobachteten alltäglichen Gesten der Tänzerinnen werden zum eigentlichen Thema dieses Gemäldes aus der Sammlung Widener.
Quelle: National Gallery of Art — Before the Ballet.
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#99
Camille Pissarro99. Die Seine in Rouen, Saint-Sever
Die Seine durchquert die Komposition diagonal zwischen den Gebäuden am gegenüberliegenden Ufer und einem im Vordergrund mit Booten gefüllten Kai. Die Schiffsschornsteine geben weißen Rauch ab, der sich mit den blaugrauen Tönen des Himmels vermischt; Masten, Kräne und Lagerhaussilhouetten geben dem Panorama Rhythmus. Pissarro wählt hier den aktiven Hafen von Saint-Sever statt der Baudenkmäler Rouens. Seine Aufenthalte in der Stadt beginnen 1883 und gehen somit seinen großen Pariser Serien voraus. 1896 arbeitet er von einem Hotelzimmer am rechten Ufer aus und beobachtet die Lichtveränderungen auf dem Flussverkehr. Diese Ansicht verbindet die wechselnde Atmosphäre des Flusses mit der industriellen Wirklichkeit der Stadt.
Quellen: Musée d’Orsay — Hafen von Rouen, Saint-Sever ; MuMa — Pissarro in Rouen.
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#100
Camille Pissarro100. Die Schäferin
Eine junge Frau sitzt im Gras, den Kopf geneigt und einen dünnen Stock diagonal auf den Knien. Ihr orangegelber Hut und ihre roten Strümpfe wärmen eine Komposition, die vom Grün der Vegetation und dem Blau ihres Rocks beherrscht wird. Der nahe Bildausschnitt gibt der Figur mehr Raum als der Beschreibung einer Landschaft: Eine Herde ist nicht sichtbar. Das Museum führt außerdem die Titel Junges Mädchen mit einem Stock und Sitzende Bäuerin . Dieses 1881 gemalte Werk geht Pissarros Umzug nach Éragny 1884 voraus. Es wird 1882 bei der siebten impressionistischen Ausstellung gezeigt und gelangt 1911 durch das Vermächtnis Camondo in die nationalen Sammlungen.
Quellen: Musée d’Orsay — Die Schäferin ; Museum Barberini — Pissarro-Chronologie.
Eine Reproduktion dieses Gemäldes bestellen →Was die Werke offenbaren
Hundert Werke, drei deutlich sichtbare Revolutionen
Diese Werke zeigen drei bedeutende Veränderungen: das Interesse am zeitgenössischen Leben, Kompositionen, die den Blick aktiv lenken, und die Aufmerksamkeit für Lichtveränderungen. Landschaften und Innenraumszenen offenbaren unterschiedliche Methoden innerhalb derselben Gruppe.
Das zeitgenössische Leben wird zum großen Thema
Arbeit, Freizeit, Verkehr und Aufführungen werden zu zentralen Themen. Vergleichen Sie Caillebottes Arbeiter, Degas’ Tänzerinnen und Renoirs Spaziergänger.
Der Augenblick wird zur Konstruktion
Der Pinselstrich erscheint spontan, doch Bildausschnitt, Tonwerte und Farben ordnen das Gefühl der Unmittelbarkeit sorgfältig.
Die Gruppe pflegt ihre Unterschiede
Monet beobachtet die Atmosphäre, Degas die Geste, Morisot das Intime und Caillebotte die Stadt mit deutlich unterschiedlichen Methoden.
Chronologie unter freiem Himmel
Fünf Daten, um dem Licht zu folgen
Manets Frühstück im Grünen wird im Salon des Refusés gezeigt. Diese Ausstellung geht der ersten impressionistischen Ausstellung um elf Jahre voraus.
Am 15. April eröffnen 31 Künstler in Paris im ehemaligen Atelier Nadars eine unabhängige Ausstellung. Monet, Degas, Renoir, Morisot, Pissarro, Sisley und Cézanne nehmen daran teil.
Die dritte Ausstellung greift den Begriff impressionistisch auf und zeigt eine Gruppe, die das gegen sie gerichtete Wort für sich annehmen kann.
Die letzte gemeinsame Ausstellung nimmt unter anderem Seurat und Signac auf, während die individuellen Wege auseinandergehen.
Monet untersucht systematisch die Variationen desselben Motivs und führt die impressionistische Erfahrung ins nächste Jahrhundert weiter.
Die Bewegung im Detail
Warum gefällt der Impressionismus noch immer so sehr?
Die Freude beim Betrachten dieser Gemälde beruht unter anderem auf den Lichtkontrasten und den Farbstrichen, die das Auge aus der Ferne verbindet. In Mohnblumen von Monet beleben die roten Punkte die Wiese; in Boulevard Montmartre bei Nacht von Pissarro ordnet die städtische Beleuchtung die Perspektive. Dieselben Fragen — Licht, Farbe, Tiefe — erzeugen sehr unterschiedliche Wirkungen.
Das Thema zählt ebenso wie die Technik. Die Impressionisten malen Landschaften, aber auch Züge, Cafés, Proben und Innenräume. Um die Perspektiven zu vergleichen, betrachten Sie gemeinsam Die Parkettschleifer von Caillebotte, Die Wiege von Morisot und Das Bad des Kindes von Cassatt: Handarbeit, familiäre Bindung und alltägliche Gesten werden jeweils zum Mittelpunkt der Komposition.
Das Gefühl eines eingefangenen Augenblicks bedeutet nicht, dass das Werk ohne Vorbereitung ausgeführt wurde. Bildausschnitt, Diagonalen, Kontraste und Motivwiederholungen bauen diesen Eindruck auf. Insbesondere Degas entwickelt seine Tanzszenen mit unterschiedlichen Blickpunkten und Techniken, von der kleinen bemalten Tafel bis zu großen Pastellen.
Die Auswahl geht über die gemeinsamen Ausstellungen von 1874 bis 1886 hinaus. Sie umfasst frühere Werke im Umfeld der modernen Malerei und anschließend späte Serien und Forschungen von Monet, Renoir oder Pissarro. Daten und Sammlungen ermöglichen die Einordnung jedes Gemäldes, ohne die Ausstellungsperiode mit den gesamten künstlerischen Laufbahnen zu verwechseln.
Wählen Sie für eine Reproduktion zunächst eine Komposition, die Sie im Alltag betrachten möchten. Vergleichen Sie anschließend ihre Ausrichtung und Proportionen mit dem verfügbaren Raum. Die Maße in den Werkbeschreibungen beziehen sich auf die Originale; die Beschreibung jeder Reproduktion nennt die angebotenen Formate.
Vier Schlüssel zur Betrachtung
Vier Fragen zur Beobachtung eines Gemäldes
Modernes Thema, Bildausschnitt, Pinselstrich und Zeit ermöglichen es, den Impressionismus zu lesen, ohne ihn auf freundlichen Nebel zu reduzieren. Jedes Gemälde wählt einen bestimmten Betrachtungsabstand und ein eigenes Tempo des Blicks.
Die Gegenwart erkennen
Ein Bahnhof, eine Probe oder ein Spaziergang zeigen, wie die Künstler ihre eigene Epoche beobachten.
Den Anschnitten folgen
Dezentrierte Figuren und schräge Perspektiven vermitteln den Eindruck, dass die Szene außerhalb des Rahmens weitergeht.
Die Farbe bei der Arbeit sehen
Nebeneinandergesetzte Pinselstriche bauen Licht, Malmaterie und Bewegung auf, ohne die gesamte Oberfläche zu glätten.
Den Augenblick suchen
Jahreszeit, Tageszeit und Wetter verändern das Motiv, bis die Veränderung selbst zum eigentlichen Thema wird.
Atlas der Moderne
Nach dem letzten Pinselstrich weitergehen
Entdecken Sie die den Künstlern gewidmeten Sammlungen und konsultieren Sie die Museumsreferenzen, um ihre Geschichte zu vertiefen. Die Quellen jeder Werkbeschreibung ermöglichen die genaue Identifizierung des abgebildeten Werks.
Bei Alpha Reproduction
01Claude MonetKünstler und Reproduktionen02Pierre-Auguste RenoirKünstler und Reproduktionen03Edgar DegasKünstler und Reproduktionen04Édouard ManetKünstler und Reproduktionen05Gustave CaillebotteKünstler und Reproduktionen06Berthe MorisotKünstler und Reproduktionen07Camille PissarroKünstler und Reproduktionen08Alfred SisleyKünstler und Reproduktionen09Mary CassattKünstler und Reproduktionen10Paul CézanneKünstler und Reproduktionen11Impressionistische ReproduktionenSammlungen & Leitfäden12Berühmte GemäldeSammlungen & Leitfäden13Alle Ranglisten berühmter GemäldeSammlungen & Leitfäden14Reproduktionen von Claude MonetSammlungen & Leitfäden15Alle GemäldereproduktionenSammlungen & LeitfädenMuseen und Referenzen
01Wikipedia – ImpressionismusMuseum & Referenz02Wikidata – ImpressionismusMuseum & Referenz03Wikimedia Commons – ImpressionismusMuseum & Referenz04Musée d'Orsay – ImpressionismusMuseum & Referenz05The Met – ImpressionismusMuseum & Referenz06National Gallery – ImpressionismusDefinition und historische OrientierungHäufig gestellte Fragen
Häufig gestellte Fragen zum Impressionismus
Die wichtigsten Antworten, um die Gruppe zu verstehen, ihre Künstler zu unterscheiden und die Gemälde zu erkennen, die die moderne Malerei grundlegend verändert haben.
Was zeichnet ein impressionistisches Gemälde aus?
Sichtbare Pinselstriche, farbige Schatten und die Aufmerksamkeit für Lichtwirkungen sind häufige Merkmale. Zu den Motiven gehören Landschaften, Freizeit, Arbeit und das Stadtleben. Diese Merkmale unterscheiden sich je nach Künstler: Degas bevorzugt oft Figuren und Innenräume, während Monet sich intensiv mit Landschaften und Spiegelungen beschäftigt.
Wann entsteht der Impressionismus?
Die Bewegung entwickelt sich in den 1860er-Jahren und etabliert sich mit der ersten unabhängigen Ausstellung 1874 in Paris. Die Gruppe organisiert bis 1886 acht Ausstellungen. Dieses letzte Datum beendet die gemeinsamen Ausstellungen, aber nicht die Laufbahn der Künstler: Monet, Renoir und Pissarro setzen ihre Forschungen anschließend fort.
Welche Maler sind in dieser Auswahl vertreten?
Die Auswahl vereint Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley, Cassatt und Caillebotte sowie Manet und Cézanne, um die Ursprünge und Weiterentwicklungen der Bewegung zu beleuchten. Sie umfasst Landschaften, Porträts sowie Tanz-, Arbeits- und Freizeitszenen.
Warum gehören Manet und Cézanne zu dieser Auswahl?
Manet spielt eine bedeutende Rolle in der modernen Malerei, nimmt aber an keiner der acht impressionistischen Ausstellungen teil. Cézanne stellt 1874 und 1877 mit der Gruppe aus und entwickelt anschließend einen eigenen Ansatz. Ihre Aufnahme macht den Austausch zwischen Künstlern verständlich, ohne allen denselben Werdegang zuzuschreiben.
Werden alle impressionistischen Gemälde im Freien gemalt?
Nein. Das Arbeiten vor der Landschaft ist für Monet, Sisley und Pissarro sehr wichtig, umfasst jedoch nicht die gesamte Bewegung. Degas arbeitet häufig im Atelier; Porträts, Theaterszenen und Innenräume erfordern andere Methoden. Auch eine sorgfältig vorbereitete Komposition kann einen Eindruck von Spontaneität erzeugen.
Welche Gemälde eignen sich für den Einstieg?
Beginnen Sie mit Monets Impression, Sonnenaufgang für Spiegelungen und Licht, Renoirs Tanz im Moulin de la Galette für Menschenmengen, Morisots Die Wiege für Intimität und Caillebottes Straße in Paris bei Regen für den städtischen Bildausschnitt. Vergleichen Sie diese Werke anschließend mit Degas' Probenszenen.
Warum muss die Fassung eines Gemäldes angegeben werden?
Derselbe Titel kann mehrere Werke mit unterschiedlichen Entstehungsdaten, Maßen und Sammlungen bezeichnen. Monet malt mehrere Fassungen von La Grenouillère, der Japanischen Brücke und den Seerosen; Degas greift seine Tanzszenen wiederholt auf. Deshalb benennt jeder Eintrag die abgebildete Fassung und bietet eine Quelle zur Überprüfung der Angaben.
Wie wählt man eine impressionistische Reproduktion aus?
Vergleichen Sie Komposition, vorherrschende Farben und Format mit dem vorgesehenen Platz. Eine Panoramalandschaft und ein hochformatiges Porträt wirken an der Wand unterschiedlich. Prüfen Sie anschließend Maße und Eigenschaften der Reproduktion auf ihrer Produktseite: Die Maße in den Werkbeschreibungen beziehen sich auf die Originale.
Historische Orientierung: The Met – Impressionism: Art and Modernity ; Musée d’Orsay – Manet und Degas ; Musée d’Orsay – Cézanne und die Ausstellungen.
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