Top 100 - Symbolik
Symbolik: 100 berühmte Gemälde, auf denen das Bild im Verborgenen spricht
Von Böcklin und Munch bis Moreau, Klimt, Redon und Khnopff: hundert Gemälde, in denen Mythen, Träume und Emotionen eine sichtbare Form annehmen.
Symbolik beschreibt nicht einfach die Welt: Sie verleiht ihr eine Erinnerung, eine Angst und manchmal eine Sphinx Diese hundert Gemälde erzählen, wie das Bild zum privilegierten Übergang zu dem wurde, was Worte im Schatten hinterlassen.
Das Sichtbare behält einen Hintergedanken
Einhundert Gemälde, auf denen jedes Bild ein Geheimnis kennt
Ende des 19. Jahrhunderts weigerten sich symbolistische Maler, die Kunst auf das zu beschränken, was das Auge messen konnte, Böcklin erfindet mentale Inseln, Munch gibt Emotionen einen Himmel, Moreau und Redon wecken Mythen, während Klimt, Khnopff, Hodler und ihre europäischen Nachbarn verwandelten den Körper, die Landschaft und das Dekor in Zeichen, die es zu entziffern galt.
Symbolik bevorzugt Rätsel gegenüber erklärenden Notizen Eine Sphinx, eine Insel oder ein geschlossenes Gesicht arbeitet mehr darauf als eine lange Rede, und benötigt viel weniger Stühle.Wechseln Sie zu Bildern
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Mysteriumsymbole
Böcklin, Munch, Moreau, Klimt und Redon verleihen dem Symbol seine nachhaltigsten Bilder.
#1
Toteninsel
Böcklin malte 1880 die erste Version der Toteninsel, kehrte dann viermal zu diesem Boot zurück, das sich einer Zypresseninsel näherteEin Sponsor hatte ihn um ein Bild gebeten, das einen zum Träumen bringen würde; vielmehr schenkt er ihm die berühmteste Stille symbolistischer Malerei, mit Sarg inklusive.
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#2
Der Schrei
Der Schrei entsteht aus der Erinnerung an einen Spaziergang in der Nähe des Oslofjords, als Munch sagt, er habe gespürt, wie ein immenser Schrei durch die Natur ging. Die Silhouette bedeckt ihre Ohren, während Himmel, Wasser und Straße damit wellen: Eine intime Krise wird zum universellen Symbol moderner Angst.
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#3
Jupiter und Semele
In Jupiter und Semele, kurz vor ihrem Tod vollendet, stellt Moreau den Moment dar, in dem der Sterbliche darum bittet, Jupiter in all seiner göttlichen Kraft zu sehenDie Umarmung verzehrt sie inmitten eines Palastes, der mit Figuren und Edelsteinen gesättigt ist; das Verlangen erlangt Genau das, was er verlangt, was eindeutig keine gute Idee war.
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#4
Der Kuss
Der 1907-1908 gemalte Kuss gehört in Klimts goldene Zeit Die Mosaikmäntel umhüllen das Paar in ein kostbares Rechteck, doch die Füße der Frau berühren noch eine Wiese: Die Liebe schwebt fast aus der Welt, ohne den Boden völlig zu verlieren.
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#5
Der Zyklop
Um 1914 verwandelte Redon den Zyklopen der Odyssee in einen träumenden Riesen, der Galatea hinter einem Berg beobachtetDas einzelne Auge ist nicht mehr nur monströs; er wird neugierig, fast scheu, während die Blumen der Mythologie den Anschein eines botanischen Traums verleihen.
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#6
Der arme Fischer
Der arme Fischer, der 1881 im Salon präsentiert wurde, ist verwirrt über seine Einfachheit: Ein Mann betet in einem Boot, während seine Familie an einem nackten Ufer wartet Puvis de Chavannes entfernt fast alle dramatischen Effekte und verleiht der Armut die langsame Schwere eines antiken Freskos.
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#7
Ich schließe meine Tür an mir ab
Der Titel I Lock My Door Upon Myself stammt aus einem Gedicht von Christina Rossetti Khnopff installiert eine rothaarige Frau in einem geschlossenen Raum, zwischen verblassten Lilien, Spiegel und Hypnos' Kopf; jedes Objekt scheint ein Geheimnis zu schützen, dass das Gemälde nicht die Absicht hat, zur Rezeption zurückzukehren.
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#8
Vision nach der Predigt
Gauguin malte Vision nach der Predigt in der Bretagne im Jahr 1888. Frauen, die die Kirche verließen, stellten sich vor, wie Jakob mit dem Engel rang, eine Szene, die durch einen roten Stamm von der realen Welt getrennt ist; Der flache Zinnober und die festen Konturen bringen religiöse Visionen in die moderne Malerei.
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#9
Die Dame von Shalott
Waterhouse leiht sich aus Tennysons Gedicht Die Dame von ShalottVerdrängt, die Welt im Spiegel zu betrachten, verlässt die Heldin schließlich ihren Turm und nimmt ein Boot in Richtung Camelot; die ausgehenden Kerzen verkünden, dass diese Freiheit so kurz wie prächtig sein wird.
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#10
Die Erscheinung
In der Erscheinung sieht Salome den abgetrennten Kopf Jean-Baptistes mitten in einer mit Schmuck bedeckten Umgebung hervortreten, Moreau arbeitete 1876 an diesem Thema als eine Vision von Schuld: Die Tänzerin besorgte sich ihre Trophäe, dann entdeckte sie, dass ein leuchtender Geist in einem Thronsaal viel Platz einnahm.
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#11
Judith I
Judith I, gemalt 1901, zeigt die biblische Heldin nach der Enthauptung des Holofernes Klimt stößt den abgetrennten Kopf fast aus dem Rahmen und fokussiert das Bild auf Judiths Gesicht, Gold und Halskette; der Sieg wird eher zu einem sinnlichen Rätsel als zu einer ordentlichen Lektion.
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#12
Der sitzende Dämon
Vrubel malte 1890 Der sitzende Dämon aus Lermontows GedichtDer Riese, zu einer Landschaft aus Kristallen gefaltet, erscheint sowohl mächtig als auch gefangen von seinem eigenen Körper; dieser Dämon greift niemanden an, er trägt vor allem das anstrengende Gewicht seiner Ewigkeit.
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#13
Beata Beatrix
Beata Beatrix transponiert die Geschichte von Beatrice de Dante in Rossettis London Elizabeth Siddal, Ehefrau und Muse, die 1862 starb, schließt die Augen, während ein roter Vogel ihr einen Mohn in die Hände legt; das Liebesporträt wird zum Gedenken, zur Vision und zum Abschied.
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#14
Die Nacht
Hodler sorgte 1890 mit Night für einen Skandal: Mehrere Schwellen lagen nebeneinander, während eine schwarze Gestalt über den erwachten Maler hockteDiese Erscheinung personifiziert den Tod und erinnert daran, dass selbst in einem Kollektivbett jeder seinen Nachtschrecken allein begegnet.
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#15
Augen geschlossen
Les Yeux clos markierte 1890 Redons Übergang von seinen lithografischen Schwarzen zur Farbe Diese stille Büste, inspiriert von seiner Frau Camille, verschließt den Blick von außen, um den der Fantasie zu öffnen; das Gemälde ähnelt weniger Schlaf als inneres Zuhören.
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#16
Ödipus und die Sphinx
Im Salon von 1864 präsentiert, begründeten Ödipus und die Sphinx Moreaus RufDas Monster klammert sich an den Helden und starrt ihn ein paar Zentimeter vom Gesicht entfernt an: Das uralte Rätsel wird zu einem psychologischen Duell, bei dem Intelligenz, Verlangen und Tod sich höflich weigern, anzustellen.
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#17
Zärtlichkeiten
In der 1896 gemalten Caresses presst ein junger Ödipus mit dem Körper eines Leoparden seine Wange gegen eine Sphinx, Khnopff ersetzt den Kampf durch verstörende Intimität; niemand weiß sehr gut, wer wen verführt, und genau das macht es unmöglich, diese Liebkosung zu vergessen.
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#18
Der Albtraum
Der Albtraum sorgte in London bei seiner Ausstellung 1782 für Furore, Füssli legte eine träge Frau unter einen Inkubus, während der Kopf einer Stute die Vorhänge kreuzte; das Spiel um den Albtraum verwandelt das Schlafzimmer in eine Szene, in der Lust, Angst und schlechter Schlaf zusammenkommen.
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#19
Der Talisman
Der Talisman wurde 1888 in Bois d'Amour gemalt, unter dem Rat von Gauguin Sérusier legt seine Farben auf eine kleine Holztafel, ohne zu versuchen, die Landschaft originalgetreu zu kopieren; dieses Ende des Deckels wird zur legendären Geburtsurkunde der Nabis.
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#20
Die Goldene Treppe
In The Golden Stairs nimmt Burne-Jones achtzehn junge Frauen mit, die Instrumente über eine Wendeltreppe tragen. Keine Geschichte erklärt ihre Prozession: Die Weißen, die Goldfarben und die Wiederholung von Gesten verwandeln das Gemälde in stille Musik.
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#21
Der verwundete Engel
Der 1903 nach schwerer Krankheit von Simberg gemalte Verwundete Engel zeigt zwei Jungen, die einen Engel mit verbundenen Augen in die reale Landschaft Töölönlahtis tragen, der Künstler weigerte sich, eine Erklärung durchzusetzen; die kleine Prozession bleibt ein offenes Bild von Zerbrechlichkeit, Fürsorge und Trauer.
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#22
Tod und der Totengräber
In Tod und Totengräber lässt Carlos Schwabe mitten auf einem verschneiten Friedhof einen grünen Engel erscheinen, der Totengräber unterbricht angesichts dieser ruhigen Präsenz seine Arbeit: Der Tod kommt nicht mit Fanfare, er legt lediglich eine Hand auf die Winterschulter.
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#23
Die Schwanenprinzessin
Die Schwanenprinzessin stammt aus der Oper Die Geschichte des Zaren Saltan von Rimski-Korsakow, wo Wrubels Frau sang, 1900 gemalt, dreht sich die Heldin im Moment ihrer Metamorphose um; Federn, Meer und Dämmerung bewahren ihre Identität zwischen Frau, Vogel und Bühnenerinnerung.
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#24
Platons Schule
Jean Delville präsentiert Platons Schule auf der Weltausstellung in Paris 1900 Um den Philosophen bilden idealisierte Körper eine spirituelle Gemeinschaft außerhalb der Zeit; die Antike wird zum monumentalen Schauplatz eines symbolistischen Glaubens an Schönheit und Geist.
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#25
Porträt von Adèle Bloch-Bauer I
Klimt vollendete 1907 nach mehrjähriger Arbeit das Porträt von Adèle Bloch-Bauer I. Gesicht und Hände treten aus einem Feld aus Gold, Augen und Spiralen hervor; im Auftrag von Ferdinand Bloch-Bauer erlebte das Porträt dann die Enteignung, den Rechtsstreit und die Restitution der Nazis.
Entdecken →Mythen, Träume und Femme Fatales
Sphinxen, Dämonen, Heldinnen und Erscheinungen bringen alte Geschichten in die moderne Psychologie.
#26
Sünde
Sünde wurde nach 1893 zum emblematischen Bild des Franz von Stuck Eine nackte Frau hebt sich unter der Umarmung einer immensen Schlange aus dem Schatten hervor; der vom Künstler gestaltete goldene Rahmen verleiht dieser Versuchung den Anschein einer Ikone, aber einer vom Pfarrer nicht empfohlenen Kapelle.
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#27
Proserpina
Rossetti stellt Proserpina dar, die die Granate hält, die sie dazu verurteilt, in die Hölle zurückzukehren. Jane Morris verleiht diesem Gefangenen aus dem Jahr 1874 ihre Gesichtszüge; Der dunkle Korridor, der Weihrauch und die dünne leuchtende Öffnung machen den alten Mythos zum Porträt eines Lebens, das zwischen zwei Welten geteilt wird.
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#28
Der Traum
In Le Rêve von 1883 legt Puvis de Chavannes einen Reisenden unter einen Baum und bringt ihm Liebe, Ruhm und Reichtum Die drei Verheißungen schweben in einem Freskenlicht; wenn man aufwacht, bleibt der Weg kahl, wie es oft nach sehr geschäftigen Träumen der Fall ist.
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#29
Der Tanz des Lebens
Der Tanz des Lebens gehört zum Leben der Friesen von Munch Am Strand von ENGLAND singen eine junge Frau in Weiß, ein rot gekleidetes Paar und eine Frau in Schwarz Verlangen, Vereinigung und Einsamkeit; Die Party dreht sich, während das Wetter die Kostüme wechselt.
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#30
Danae
Danae, gemalt 1907-1908, greift den Mythos der von Zeus befruchteten Prinzessin in Form von goldenem Regen auf Klimt strafft den Körper in einem Quadrat aus Stoffen und Mustern; die Mythologie verschwindet fast hinter einem in sich geschlossenen Bild der Wollust.
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#31
Der Dämon besiegt
Der besiegte Dämon wurde 1902 vollendet, als sich Vrubels Geisteszustand verschlechterte, gebrochene Flügel und zerquetschter Körper füllen eine Dämmerungslandschaft mit Edelsteinen; der Künstler retuschiert die Leinwand zwanghaft, als könne er seinen gefallenen Helden noch erheben.
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#32
Die Schätze Satans
In Die Schätze Satans stellt sich Delville eine unter dem Meer schlafende Körperschar um einen Satan mit schillernden Tentakeln vor, die um 1895 gemalte Szene vereint Sinnlichkeit, spirituellen Fall und Meeresströmung; die Hölle dort ähnelt einem Aquarium, das zu viel Philosophie gelesen hat.
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#33
Leben und Tod
Klimt begann um 1910 mit Leben und Tod und überarbeitete dann 1915 seinen Hintergrund grundlegend. Eine kompakte Menschengruppe vereint Kindheit, Liebe und Alter, während der Tod von seinem Kreuzmantel aus beobachtet; Sie lächelt, aber zum Glück nimmt das Leben viel mehr Leinwand ein.
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#34
Die Verteidigung von Sampo
Die Verteidigung von Sampo illustrierte 1896 eine Episode von Kalevala Väinämöinen stößt Louhi weg, verwandelt in einen monströsen Vogel, während die Zaubermühle über einem wütenden Meer umkämpft ist; Gallen-Kallela verleiht dem finnischen Epos die Energie einer Gründungsschlacht.
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#35
Der Kuss der Sphinx
Um 1895 verwandelte Der Kuss der Sphinx das antike Rätsel in eine fatale Umarmung, bei Franz von Stuck legt das Ungeheuer sein Opfer in fast totaler Dunkelheit gegen ihn; der Kuss verspricht Wissen, präsentiert dann einen besonders strengen Schnabel.
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#36
Pallas Athene
Pallas Athena wurde 1898 für die erste Ausstellung der Wiener Secession gemalt und ist das intellektuelle Selbstporträt der neuen Bewegung. Klimt zeigt die behelmte Göttin, die die kleine Nuda Veritas hält: eine Beschützerin der modernen Kunst, die offensichtlich nicht zum Lächeln angeheuert wurde.
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#37
Hylas und die Nymphen
Waterhouse malte 1896 Hylas und die Nymphen Herakles' junger Begleiter neigt sich zu einem mit Seerosen bedeckten Becken, angezogen von sieben fast identischen Gesichtern; der verführerische Moment geht seinem Verschwinden voraus und verwandelt die Landschaft in eine perfekt blumige Falle.
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#38
Salome tanzt vor Herodes
Salome tanzend vor Herodes stellt die Tänzerin in den Mittelpunkt einer mit Schildern und Goldschmiedekunst beladenen ArchitekturMoreau malte 1876 keine einfache Hofunterhaltung, sondern den Moment, in dem Schönheit, Macht und Prophezeiung dem Schwert gefährlich nahe kamen.
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#39
Astarte Syriaca (1877)
Astarte Syriaca, fertiggestellt 1877, verleiht die Züge von Jane Morris einer von Sonnen - und Mondsymbolen umgebenen Frontalgöttin Rossetti verwandelt das Porträt in eine Kult-Erscheinung; Blumen, Kupfer und Haut schaffen eine weniger eingeladene Präsenz im Raum als für die Ewigkeit installiert.
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#40
Lemminkäinens Mutter
Lemminkäinens Mutter illustrierte 1897 eine der ergreifendsten Episoden der Kalevala, die Mutter hat die Stücke ihres Sohnes aus dem Totenfluss herausgefischt und wartet darauf, dass die Biene den Honig zurückbringt, der ihn wiederbeleben kann; die mütterliche Liebe übt dort buchstäblich den Wiederaufbau.
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#41
Schlechte Mütter
In Les Mauvaises Mères, gemalt 1894, stellt sich Segantini ein alpines Fegefeuer vor, das einem buddhistischen Gedicht entnommen ist, das Luigi Illica adaptiert hat Frauen, die in eisigen Bäumen gefangen sind, büßen für die Weigerung der Mutterschaft; die herrliche Landschaft macht die Verurteilung noch beunruhigender.
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#42
Die Handlung
Die 1890 gemalte Handlung vereint maskierte Gesichter um ein in der Menge gefangenes Paar, Ensor nutzt den Karneval von Ostende, um Eifersucht, Gerüchte und soziale Heuchelei zu zeigen; niemand nimmt seine Maske ab, wahrscheinlich weil das wahre Gesicht noch weniger beruhigend wäre.
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#43
Katholisches Mysterium
Catholic Mystery stammt aus dem Jahr 1889, als Maurice Denis ein Gemälde suchte, das sowohl modern als auch spirituell war. Die Figuren einer Verkündigung werden in einem vereinfachten Innenraum zu klaren Körpern; Die heilige Szene durchläuft Farbe, bevor sie durch die Perspektive geht.
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#44
Tod und junges Mädchen
Schiele malte Tod und Jungfrau 1915, als er Wally Neuzil verließ, um Edith Harms zu heiratenDas Paar klammert sich an ein Blatt, das mitten in einer leeren Landschaft platziert ist; der biografische Abschied wird zu einer eckigen Ikone der Trennung und Abhängigkeit.
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#45
Melancholie
1891 griff Mélancolie die Erinnerung an eine unglückliche Affäre zwischen Munchs Freundin Jappe Nilssen auf. Ein Mann isoliert sich am Meer, während ein Paar auf den Grund geht; Die Küste von ENGLAND wird zur genauen Karte eines Gedankens, der sich im Kreis dreht.
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#46
Ich bin Schatten halb müde
Der Titel I'm Half Fed Up with Shadows stammt aus Tennysons Gedicht über die Lady von Shalott Waterhouse zeigt sie 1915 vor ihrem Webstuhl, kurz bevor sie sich dem Spiegelverbot widersetzt; die reale Welt ruft ihn mit einem Beharren an, das sehr schlecht enden wird.
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#47
Das weiße Pferd
Gauguin malte 1898, kurz vor seiner Abreise zu den Marquesas, auf Tahiti Das weiße Pferd Trotz des Titels erscheint das Tier grün unter Vegetation und Wasser; Farbe beschreibt kein Kleid mehr, sie konstruiert ein Seelenparadies, für dessen Bereitstellung die lokale Realität nicht ausreichte.
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#48
Judith II
Judith II., fertiggestellt im Jahr 1909, greift die biblische Heldin mit nervöserer Gewalt auf als Judith I. Holofernes‘enger Körper, geballte Hände und fast versteckter Kopf lassen Judith auf Salome zugleiten; Das Gold bleibt, aber es ist nicht mehr bequem.
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#49
Das kranke Kind
Das kranke Kind stammt aus dem Tod von Sophie, Schwester des mit dreizehn Jahren an Tuberkulose verstorbenen Munch, der das junge rothaarige Mädchen ab 1885 mehrmals vom Bett seiner Tante nahm; das Gemälde kratzte und griff auf Behält weniger eine Szene, als Schmerz arbeitete über Jahrzehnte.
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#50
Orpheus
Im Salon von 1866 präsentiert, zeigt Orpheus einen jungen Thrakien, der den Kopf des Dichters auf seiner Leier sammeltMoreau verwandelt blutigen Mord in eine stille Reliquie; Poesie überlebt den Körper, ein praktisches Detail für Orpheus und hervorragende Nachrichten für Museen.
Entdecken →Riten, Landschaften und innere Welten
Hodler, Ensor, Delville und die Präraffaeliten machen den Schauplatz zu einem Bewusstseinszustand.
#51
Der Hirtentraum (Der Traum des Hirten)
Im Hirtentraum legt Hodler eine weibliche Vision über einen im Berg schlafenden MannAlpine Realität und Erscheinung teilen dieselbe frontale Klarheit; der Traum ist nicht im Nebel verborgen, er präsentiert sich mit der Stabilität eines Denkmals.
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#52
Prinzessin Sabra
Prinzessin Sabra gehört zum riesigen Burne-Jones-Zyklus, der dem Heiligen Georg gewidmet ist. Die junge Frau, die dem Drachen versprochen wurde, kommt in eine dekorative Landschaft, in der jede Zeile die Gefahr verzögert; Die mittelalterliche Geschichte wird zu einem gemalten Wandteppich über Warten und Befreiung.
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#53
Lady Lilith (1867)
Lady Lilith, begonnen 1866, zeigt Adams erste Frau, wie sie sich vor einem Spiegel die Haare stylt Rossetti ersetzt dann Fanny Cornforths Gesicht durch das von Alexa Wilding; Schönheit, die von selbst absorbiert wird, wird zu einer Kraft, die niemanden um Erlaubnis bittet.
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#54
Das heilige Holz, das den Künsten und Musen am Herzen liegt
Der Heilige Holz lieb zu den Künsten und den Musen wurde 1884 für die Treppe des Museums von Lyon entworfen Puvis de Chavannes vereint Allegorien, Musen und ruhige Landschaft in mattem Licht; moderne Malerei leiht sich die Gelassenheit eines antiken Freskos, ohne eine Zeitmaschine zu mieten.
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#55
Tod und Masken
In Death and the Masks stellt Ensor einen Schädel in das Zentrum einer KarnevalsversammlungDie grotesken Gesichter betrachten ihn als Eindringling, obwohl er wahrscheinlich der einzige ehrliche Charakter in der Versammlung ist; die Gesellschaftssatire nimmt somit die Form eines Balls ohne Notausgang an.
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#56
Die Heilige Stunde
Die Heilige Stunde organisierte 1911 mehrere Frauen in einem frontalen und fast zeremoniellen Rhythmus, Hodler nennt Parallelität diese Wiederholung von Gesten und Silhouetten; die gewöhnliche Szene wird zu einem schwebenden Moment, in dem die Zeit den Atem anzuhalten scheint.
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#57
Die Einhörner
Moreau malte Die Einhörner gegen Ende seines Lebens, wobei er sich von mittelalterlichen Wandteppichen und Geschichten inspirieren ließFabelhafte Tiere umgeben Frauen, die mit Schmuck in einer geschlossenen Landschaft bedeckt sind; legendäre Reinheit trifft hier auf einen Luxus, der nichts Klosterhaftes an sich hat.
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#58
Galatea
In Galatea zeigt Moreau die nackte Nymphe in einer Meereshöhle, während Zyklop Polyphem sie hinter den Felsen beobachtet Korallen und Blumen bedecken die Szene wie ein Schatz; der Blick des Riesen verwandelt dieses dekorative Paradies jedoch in liebevolle Überwachung.
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#59
Der Gartenhof (aus der Briar Rose-Reihe)
Der Gartenhof gehört zum von Dornröschen inspirierten Briar-Rose-ZyklusBurne-Jones hat dieses Projekt fast zwanzig Jahre lang verlängert; die schlafenden Charaktere und die reglosen Brombeersträucher machen das Schloss zu einer Welt, in der selbst die Geschichte darauf wartet, geweckt zu werden.
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#60
Die Liebe der Seelen
Die Liebe der Seelen, gemalt von Delville um 1900, bringt zwei Körper hervor, die in kosmisches Licht verwickelt sindDas Fleisch wird fast durchsichtig, entsprechend den spiritualistischen Ambitionen des Künstlers; die Umarmung hat keinen Raum mehr, nur das gesamte Universum.
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#61
Manaolo Tupapaú
Manaolo tupapaú zeigt Teha'amana, Gauguins junge tahitianische Begleiterin, auf einem Bett liegend, während ein Geist hinter ihr wacht Gemalt im Jahr 1892, vereint das Werk lokale Überzeugungen, nächtliche Angst und westliche Inszenierung; sein Titel bedeutet, dass die Gedanken der Toten denken oder zusehen.
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#62
Tag III
Tag III gehört zu den großen allegorischen Kompositionen, in denen Hodler Körper wie die Maße einer Partitur wiederholtDie Figuren stehen dem Licht entgegen und verleihen dem Erwachen eine kollektive Dimension; der Morgen wird weniger zu einer Stunde als ein Bewusstseinszustand.
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#63
Die schöne Dame ohne Gnade
Die schöne Dame ohne Gnade griff 1893 Keats Ballade auf Waterhouse zeigt den Ritter bereits gefangen in den Haaren und Blicken der Zauberin; der Wald wirkt friedlich, doch das Gedicht weiß, dass diese Begegnung den Helden allein auf einem kalten Hügel zurücklassen wird.
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#64
Vampir
Munch nannte Vampir Liebe und Schmerz zuerst Eine rothaarige Frau stützt sich auf den Nacken eines sitzenden Mannes, eine Geste, die Kuss, Trost oder Biss sein kann; der neue Titel, von einem Freund auferlegt, gewann, weil er dem Publikum einen zusätzlichen Nervenkitzel hinterließ.
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#65
Junge Mädchen am Meer
In 1879 gemalten Young Girls by the Sea platziert Puvis de Chavannes drei stille Figuren an einer fast leeren Küste, ihre Posen scheinen von einem antiken Relief zu stammen; das Meer erzählt von keiner Reise und dient vielmehr als Wartehorizont.
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#66
Die Musen
Maurice Denis malte Les Muses 1893 in den Wäldern von Saint-Germain-en-Laye, Frauen in zeitgenössischen Kleidern werden zu modernen Hütern der Künste, während Stämme die Leinwand wie ein Fries durchstreichen; die Antike hat einfach ihre Richtung geändert.
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#67
Meerjungfrauen
Böcklins Sirenen sind keine lieben Sänger einer nautischen Oper Hybridfiguren und dunkles Ufer bringen den Mythos wieder in seine bedrohliche Kraft; das Meer erscheint still, aber alles auf dem Bild rät dem Navigator, geradeaus weiterzufahren.
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#68
Garten in einem Gasthaus, Capri
Garten in einem Gasthaus, Capri kommt von den Mittelmeerreisen von Leighton, der mit fast archäologischer Aufmerksamkeit Architektur, Vegetation und Licht zeichnete Hier, der wahre Ort wird bereits zu einem Schauplatz: eine Reiseecke bereit, eine alte Geschichte zu begrüßen.
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#69
Nuda Veritas
Nuda Veritas wurde 1899 mit einem Zitat von Schiller überreicht, wonach der Künstler sich selbst treu bleiben müsse Klimt gibt der Wahrheit einen Spiegel, rote Haare und keine Kleidung; Vor dem Wiener Publikum hatte das Franchise offensichtlich keine Abendgarderobe geplant.
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#70
Apollonwagen
Redon entwickelt den Streitwagen des Apollon, nachdem er Delacroix' Decke im Louvre bewundert hatDer Sonnengott und seine Pferde konfrontieren die Schlange Python in einer Wolke von Farben; der Mythos wird zum Symbol eines Innenlichts, das über die alten Monster triumphiert.
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#71
Hoffnung
Nach dem Deutsch-Französischen Krieg von 1870 gemalt, zeigt L'Espérance eine junge Frau, die in einer verwüsteten Landschaft sitzt und einen Eichenzweig hält. Puvis de Chavannes vermeidet den militärischen Triumph: Seine Allegorie ist zerbrechlich, geduldig und konzentriert sich hartnäckig auf den Wiederaufbau.
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#72
Erinnerungen
Souvenirs vereinigten 1889 mehrere von Khnopffs Schwester, Marguerite, inspirierte Frauenfiguren um Tennis und ErinnerungDie Posen bilden keine durchgehende Handlung; sie ähneln Fragmenten eines Tages, den die Erinnerung nach ihrer eigenen Geometrie angeordnet hätte.
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#73
Der Beethovenfries/Beethoven-Friese
Der Beethovenfries entstand 1902 für die dem Komponisten gewidmete Ausstellung der Secession Klimt übersetzt die Neunte Symphonie in eine Reise des Verlangens, der Monster, des Leidens und der letzten Umarmung; die Musik erhält vierundzwanzig Meter Wand, um sich nicht beengt zu fühlen.
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#74
Jeanne Kefer
Jeanne Kéfer, gemalt 1885, zeigt die Tochter des Komponisten Gustave Kéfer vor einer für sie zu großen Tür. Khnopff stellt das kleine Mädchen an den Rand einer geschlossenen Erwachsenenwelt; Der Handschuh, der Mantel und der vorsichtige Blick machen dieses Porträt zu einer Geschichte des Wartens.
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#75
Der gelbe Christus
Der gelbe Christus wurde 1889 in der Bretagne gemalt, nach dem Kruzifix in der Trémalo-Kapelle Gauguin installiert den gelben Leib Christi unter bretonischen Frauen und Herbstfeldern; Die Passion verlässt Jerusalem, um eine Vision zu werden, die man in der Landschaft von Pont-Aven erlebt.
Entdecken →Das Symbol gelangt in das moderne Leben
Nabis, Secession und Intimmaler weiten das Geheimnis sogar auf Parks und Wohnungen aus.
#76
Lebenszeiten
In Die Jahreszeiten des Lebens verwandelt Ker-Xavier Roussel die Landschaft in ein mythologisches Theater Nymphen, Faunen und menschliche Zeitalter zirkulieren in zyklischer Zeit zwischen den Bäumen; die Natur dient nicht mehr als Hintergrund, sie verteilt Rollen.
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#77
Öffentliche Gärten: kleine Mädchen spielen
Öffentliche Gärten: Mädchen spielen gehört zu der dekorativen Kommission, die Vuillard 1894 für Alexandre Natanson durchgeführt hat Kinder, Krankenschwestern und Bäume verschmelzen zu einem Stoff aus Mustern; der Pariser Platz wird zu einer Kindheitserinnerung, die an die Wand gedruckt wird.
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#78
Der Ballon
Der 1899 gemalte Ballon zeigt ein Kind, das in einem von oben gesehenen Park auf eine rote Kugel zuläuft, Vallotton vereinfacht die Silhouetten und streckt die Schatten, bis die Szene leicht störend ist; das Spiel geht weiter, aber das Setting kennt bereits die Spannungsregeln.
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#79
Pubertät
Die Pubertät, gemalt in 1894-1895, stellt einen nackten Teenager an den Rand eines Bettes unter immensen Schatten Munch sucht weder uraltes Ideal noch Verführung: Körper, gekreuzte Hände und frontaler Blick geben der Angst eines Zeitalters Gestalt, in dem sich alles ohne Anweisungen ändert.
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#80
Seliger Damozel
Der selige Damozel illustriert das Gedicht, das Rossetti selbst in seiner Jugend geschrieben hatVom Himmel aus wartet die junge Frau auf ihren Geliebten, der auf der Erde bleibt; Blumen, Sterne und Paare zusammen machen seine Isolation umso schmerzhafter.
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#81
König Cophetua und die Bettlermagd
König Cophetua und die Bettlerjungfer decken eine von Tennyson populär gemachte Ballade abBurne-Jones lässt den Bettler über dem knienden afrikanischen König sitzen; die soziale Hierarchie ist in einer kostbaren Umgebung umgekehrt, in der die Macht endlich nach oben schaut.
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#82
Medea
Medea, gemalt von Evelyn De Morgan im Jahr 1889, zeigt den Zauberer bei der Zubereitung eines Trankes, die Flaschen, der auf den Boden gezeichnete Kreis und das in der Ferne sichtbare Schiff kündigen die Flucht mit Jason an; die tragische Entscheidung ist noch stumm, aber alle Zutaten liegen bereits auf dem Tisch.
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#83
Luzifer
In Luzifer reduziert Franz von Stuck den gefallenen Prinzen auf einen hockenden Körper und zwei brennende Augen, um 1890 gemalt, vermeidet das Bild Flammen und Mistgabeln: Ein Blick in den Schatten genügt, um dem Raum eine offenkundig abweisende Temperatur zu verleihen.
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#84
Die Bogatyrs
Wassnezow arbeitete fast zwanzig Jahre lang in den Bogatyrs, die 1898 fertiggestellt wurden Die drei Helden der russischen Bylines untersuchten die Steppe von ihren Pferden aus; Legende, nationale Geschichte und Präzision der Rüstung vereinen sich in einer monumentalen Wache.
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#85
Flammender Juni
Flaming June wurde 1895, ein Jahr vor seinem Tod, von Leighton eingeführt, eine schlafende Frau zieht sich in ein fast kreisrundes orangefarbenes Kleid zurück, während hinter ihr ein giftiger Oleander erscheint; die Wärme des Schlafes enthält somit einen diskreten Hauch von Gefahr.
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#86
Innenraum mit junger Frau von hinten gesehen
Drinnen mit einer jungen Frau von hinten gesehen verwandelt Hammershøi seine Wohnung in Strandgade in eine stille WeltDie Frau, oft seine Frau Ida, verweigert dem Betrachter den Blick; Türen, Hälse und graue Wände machen die Abwesenheit von Handlung zu einem echten Thema.
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#87
Prometheus
Moreau stellt Prometheus trotz des Adlers, der seine Leber verschlingt, stehend dar, Der Titan blickt in die Ferne und trägt eine fast christusähnliche Klarheit um seinen Kopf; der Feuerdieb wird zum Symbol des Künstlers, der Folter annimmt, aber den Funken behält.
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#88
Der grüne Christus
1889 begleitete der Grüne Christus den Gelben Christus in Gauguins bretonischen Forschungen Frauen beten in der Nähe eines skulptierten Pietà, dessen grüner Körper mit der Landschaft verschmilzt; Stein, Volksreligion und willkürliche Farbe haben die gleiche Präsenz.
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#89
Pandora
In Pandora, einem seiner späteren Gemälde, platziert Redon die junge Frau zwischen leuchtenden Blumen, während sie die tödliche Kiste hältDie Katastrophe ist noch nicht eingetreten; die ganze Leinwand genießt diesen sehr kurzen Moment, in dem Neugier noch vollkommen harmlos erscheint.
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#90
Selbstporträt mit dem Tod, der Geige spielt
Aus dem Jahr 1872 stammt ein Selbstporträt mit dem Geigespiel des Todes, Böcklin stellt sich bei der Arbeit dar, während ein Skelett eine Saite in der Nähe seines Ohrs spielt; der Maler hört seiner Erinnerung an die Sterblichkeit beruflich konzentriert zu, wie ein Kritiker, der nicht herausgeholt werden kann.
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#91
Schumann zuhören
Das Hören von Schumann, gemalt 1883, zeigt eine Frau, die in Musik versunken ist, die außerhalb unseres Feldes gespielt wirdKhnopff beschreibt nicht das Konzert, sondern seine Innenwirkung; das bewegungslose Gesicht und der geschlossene Raum verleihen dem Hören die Dichte einer Vision.
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#92
Die neue Generation
Jan Toorops neue Generation gehört zu den Jahren, in denen der Künstler gewundene Linie, Mystik und soziale Belange vermischt Die Figuren vereinen sich um die Idee von Geburt und Erneuerung; die Zukunft kommt hier als Prozession und nicht als Slogan an.
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#93
Der Verlust der Kindheit
Der Verlust der Jungfräulichkeit wird von Gauguin am Vorabend seiner ersten Abreise nach Tahiti gemalt Eine junge Frau liegt in einer bretonischen Landschaft in der Nähe eines Fuchses, einem alten Symbol der Begierde; der provokante Titel verwandelt die Allegorie in eine Schwelle zwischen Unschuld, Sexualität und Aufbruch.
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#94
Madeleine im Bois d'Amour
Madeleine au Bois d'Amour, gemalt 1888, stellt die in der Landschaft von Pont-Aven liegende Schwester von Émile Bernard dar, die Konturen und flachen Bereiche bringen die Figur näher an das Dekor heran, ohne es aufzulösen; Reverie wird zu einem der ruhigen Gesichter des Synthetismus.
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#95
Hommage an Cezanne
Die Hommage an Cezanne brachte 1900 Redon, Vuillard, Bonnard, Sérusier und andere Freunde um ein Stillleben Cezannes zusammen Maurice Denis malt weniger eine Zeremonie als eine Genealogie der modernen Kunst; das kleine Gemälde im Zentrum erhält den Respekt einer weltlichen Reliquie.
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#96
Innenmutter und Schwester des Künstlers
In Interior Mother and Sister of the Artist beobachtete Vuillard um 1893 das straffe Leben der Familienwohnung Kleider, Tapeten und Möbel nehmen die beiden Frauen fast auf; häusliche Intimität wird zu einem Motivgeflecht, in dem jeder sein eigenes Versteck hat.
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#97
Porträt von Paul Ranson in Nabi-Kostüm
Das Porträt von Paul Ranson im Nabi-Kostüm zeigt den als Offiziant der um Sérusier gegründeten Gruppe verkleideten Künstler, das Outfit, der Bart und die feierliche Haltung verwandeln Freundschaft in Rituale; die Nabis nehmen sich ernst, aber zum Glück mit einer gewissen Theaterlust.
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#98
Die Lüge
Die 1898 gemalte Lüge sperrt ein Paar auf einem roten Sofa in einem nachtaktiven Innenraum ein, Vallotton vereinfacht Körper zur Wohnung und versteckt Gesichter in der Umarmung; der Titel liefert die Informationen, die die Charaktere am liebsten für sich behalten hätten.
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#99
Monna Vanna
Monna Vanna, gemalt 1866, verleiht einer imaginären florentinischen Schönheit die Züge von Alexa Wilding Rossetti sammelt Brokat, Schmuck, Feder und Fächer, um mit venezianischen Porträts zu konkurrieren; das Gemälde flüstert keinen Luxus, es behält sich die gesamte Breite des Rahmens dafür vor.
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#100
Circe Invidiosa
Circe Invidiosa griff 1892 Ovids Geschichte auf: eifersüchtig auf Scylla goss Circe ein Gift ins Wasser, wo ihr Rivale badete Waterhouse lässt die grüne Flüssigkeit wie giftiges Licht fließen; die Hexe dominiert den Pool genau in dem Moment, in dem Eifersucht zur Landschaft wird.
Entdecken →Was die Werke verraten
Einhundert Gemälde, drei Möglichkeiten, Stille zum Sprechen zu bringen
Das Symbol ist kein Rätsel, das ein für alle Mal gelöst werden muss Es verbindet Emotion, Kultur und Form und lässt dann das Auge mit dem Vergnügen zurück, um seine Hypothese zu überprüfen.
Die Landschaft wird zum Inneren
Wasser, Himmel und Wege beschreiben in Böcklin, Munch oder Spilliaert eine Emotion so sehr wie einen Ort.
Der Mythos bleibt zeitgemäß
Moreau, Khnopff und die Präraffaeliten nutzen alte Geschichten, um über Verlangen, Angst und Macht zu sprechen.
Das Dekor trägt Bedeutung
Klimt, Denis und die Secession-Künstler zeigen, dass ein Motiv schön, erzählerisch und leicht verdächtig zugleich sein kann.
Zeitleiste bei schlechten Lichtverhältnissen
Fünf Termine, um das Bild zu sehen, lernen Sie es vorzuschlagen
Böcklin malt ein stilles Reiseziel, das zu einem der beständigsten Bilder europäischer Symbolik werden wird.
Jean Moréas gibt der Symbolik ihren literarischen Namen und formuliert eine Kunst, die die vorgeschlagene Idee der direkten Beschreibung vorzieht.
Munch verwandelt eine innere Krise in eine universelle Landschaft; Der Himmel selbst scheint frische Luft zu schnappen.
Klimt und seine Lieben vereinen Malerei, Dekor und Architektur in einer Moderne voller Symbole.
Klimt vereint Figur, Gold und Motiv in einem Gemälde, in dem die Umarmung fast zur Architektur wird.
Tiefe Bewegung
Warum bevorzugt Symbolik Mysterium?
Symbolik erschien Ende des 19. Jahrhunderts als Antwort auf die allzu sichtbaren Gewissheiten des Realismus und NaturalismusKünstler wollen nicht nur zeigen, was das Auge sieht: Sie wollen sensibel machen, was der Geist sieht Rate mal, was der Traum verzerrt, was die Erinnerung verschönert oder welche Angst mit leiser Stimme flüstertEine Blume, eine Sphinx, eine Insel, ein geschlossener Blick oder eine drapierte Frau werden zu Türen Manche knarren ein wenig, was oft der Fall ist gutes Zeichen.
Einen großen Platz nimmt Arnold Böcklin mit Die Toteninsel ein, ein Gemälde, das fast zu einer Ikone des Durchgangs, der Stille und des Jenseits geworden istEin Boot, Zypressen, weiße Architektur, stilles Wasser: wenige Elemente, aber Kraft Immense Evokation Böcklin beweist, dass eine Landschaft scheinbar Ihr persönliches Schicksal kennt, ohne auch nur ihre Stimme zu erheben, was für manche Felsen sehr beeindruckend ist.
Edvard Munch verleiht der Symbolik eine einzigartige psychologische Intensität Der Schrei, Madonna, Der Tanz des Lebens oder Melancholie verwandeln Emotionen in Linien, Farben und AtmosphärenFür ihn fühlt sich die Landschaft so sehr an wie die Figur DER Himmel verdreht, Gesichter schließen sich, Silhouetten schreiten voran wie zu eindringliche Erinnerungen Munch malt nicht nur eine Stimmung: Er gibt ihr einen ganzen Horizont.
Gustave Moreau und Odilon Redon eröffnen zwei französische Wege des MysteriumsMoreau sammelt Schmuck, Mythen, Salome, Sphingen und Erscheinungen in dichten, kostbaren, fast hypnotischen Kompositionen Redon arbeitet hierdurch an Träumen Seltsame Süße: geschlossene Augen, Blumen, Zyklopen, Buddhas, tiefe Schwarze und schwebende Farben Moreau schenkt dem Symbol einen mit Behängen beladenen Palast; Redon bietet ihm einen Raum, in dem die Fantasie atmen kann.
Klimt, Khnopff, Hodler, Toorop, Delville, Rops, Schwabe und die belgischen, schweizerischen, österreichischen und niederländischen Symbolisten zeigen die Vielfalt der BewegungKlimt verwandelt den Körper in ein goldenes Mosaik, Khnopff umschließt die Figuren in einem Gefrorene Distanz, Hodler sucht fast rituelle Rhythmen, Toorop verlängert die Linien zur Vision, Rops fügt schwarze Ironie hinzuSymbolik mag Schwellen: zwischen Schönheit und Unbehagen, Gebet und Verlangen, Stille und innerem Theater.
Die Präraffaeliten und die der Bewegung nahestehenden, von Rossetti über Burne-Jones bis hin zu Waterhouse, bereicherten diese Konstellation Mittelalterliche Legenden, Femme fatales, Ritter, Nymphen, Prophezeiungen und Blumen voller Bedeutung geben dem Gemälde Ein literarisches Parfüm Das Gemälde wird fast zu einem Gedicht, das sich entschieden hätte, ein schweres Kleid, endlose Haare und einen viel zu informierten Blick zu tragen.
In einer Dekoration bringt ein symbolistisches Werk eine ganz besondere Tiefe mit sich Böcklin begründet Stille, Munch emotionale Intensität, Klimt dekorative Brillanz, mythologischen Reichtum von Moreau, Redon Träumerei, Gauguin-Farbe Spirituell, Khnopff eine kalte Eleganz, Waterhouse eine ErzählpoesieEs ist ein Stil für Räume, die Schönheit mit einem Hintergedanken lieben, Wände, die Geheimhaltung unterstützen und Wohnzimmer, die den Menschen nicht alles erklären wollen Gäste beim Eintritt.
Dieses Top vereint Werke, in denen Allegorie, Träume, Mythen, Spiritualität, Angst, das Frauensymbol, die Innenlandschaft und das mentale Bild die Hauptrollen spielen. Einige stammen aus strenger Symbolik, andere aus Präraphaeliten, Nabis, Sezession, nordische oder russische Schulen Das ist keine Schwäche des Faches: Es liegt in seiner Natur Symbolik zirkuliert wie eleganter Rauch zwischen mehreren Ländern, und er verlässt selten die Vorhänge Unverletzt.
Der anhaltende Charme der Symbolik liegt in ihrer Art, sich der vollen Erklärung zu widersetzenWir können uns Insel der Toten, Der Schrei, Jupiter und Semele, Der Kuss oder Der Zyklopen anschauen, ohne ihre Bedeutung auszuschöpfenJedes Werk hält sich eine Reserve, eine Stille, ein Detail, das später auftaucht Ein gutes symbolistisches Bild schließt das Gespräch nicht; sie schiebt es dir in die Tasche, dann wartet sie leise darauf, dass du es zur falschen Zeit findest.
Vier Lesetasten
Betrachten Sie das Symbol, ohne es unter einer Lampe zu hinterfragen
Subjekt, Raum, Farbe und Muster zeigen, wie Malerei ihr Mysterium hervorbringtHauptsache nicht eine einzige Antwort zu finden, sondern zu sehen, wie das Bild mehrere Bedeutungen zusammenhält.
Identifizieren Sie die Passagefigur
Sphinx, Muse, Engel, Schläfer oder Reisender verbinden die sichtbare Szene mit einer Idee, einem Verlangen oder einer Angst.
Entfernung messen
Geschlossener Horizont, stilles Wasser, stille Kammer oder dichter Wald bestimmen die Nähe des Geheimnisses.
Beobachten Sie die Stimmung
Nachtblau, Säurerot und unwirkliches Grün verleihen der Emotion jedoch schon vor der Geschichte eine Temperatur.
Folgen Sie den Wiederholungen
Blumen, Linien, Heiligenscheine und Arabesken ordnen das Gemälde und zirkulieren die Bedeutung unter seiner Oberfläche.
Kabinett der überprüfbaren Symbole
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Museen, Künstler, Sammlungen und Quellen stellen Gemälde in ihre Geschichte Das Geheimnis gewinnt an Tiefe, wenn es auf Fakten basiert, die nicht Verstecken spielen.
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