Top 50 · Zeitgenössische Figuration
Die Figur kommt immer wieder
Fünfzig Maler, die seit der Nachkriegszeit das Porträt, den Körper, die Geschichte und die sichtbare Welt erneuert haben.
Die zeitgenössische figurative Malerei bezeichnet weder einen einzigartigen Stil noch eine einfache Rückkehr zum Realismus, entwickelte sich nach 1945 in London um Bacon, Freud, Auerbach und Kossoff, wurde in den Vereinigten Staaten mit Neel, Katz oder Marshall erneuert, verbreitete sich dann in so unterschiedlichen Heimen wie Leipzig, Madrid, Peking, Lagos, Antwerpen oder Wien, einige Künstler gehen vom lebenden Modell aus, andere von Fotografien, Archiven, Mythen oder Medienbildern Diese Einteilung bewertet historische Bedeutung, bildliche Erfindung, Einfluss über mehrere Generationen und die Fähigkeit jedes Werkes, der menschlichen Erfahrung eine neue Form zu geben.
Die zeitgenössische Figur kopiert das Sichtbare nicht: Sie hinterfragt die Art und Weise, wie Bilder, Körper und Erinnerungen aufgebaut sind.
Eine offene Familie
Was ist zeitgenössische Figuration?
Es vereint Praktiken, die eine erkennbare Verbindung zum Körper, zum Porträt, zur Landschaft, zum Objekt oder zur Szene aufrechterhalten. Diese Verbindung kann präzise, verzerrt, fragmentarisch oder fast aufgelöst sein. Die Herausforderung besteht nicht darin, die Welt originalgetreu nachzuahmen, sondern die Malerei zu nutzen, um ihre physischen, sozialen und psychischen Spannungen zu offenbaren.
Mehrere Häuser
London, New York, Leipzig, Madrid, Peking und die diasporischen Szenen
Die London School legte entscheidenden Wert auf das lebendige Modell und den Stoff New York entwickelte die soziale Porträtmalerei, die postmoderne Redaktion und eine neue Historienmalerei Leipzig reinvestierte die politische Phantasie Ostdeutschlands, während Spanien, China und die afrikanische oder diasporische Szene die Sujets, Erinnerungen und Traditionen mobilisierten.
Klassifizierungsmethode
Einfluss, Erfindung, Ausblick und historische Bedeutung
Die Ränge vereinen vier Kriterien: Bedeutung in der Geschichte der Malerei seit 1945, Originalität der Bildsprache, Einfluss auf andere Künstler und die Fähigkeit des Werkes, unser Verständnis von Körper oder Geschichte zu erneuern Bekanntheit allein reicht nicht aus, ebenso wenig wie technische Virtuosität isoliert von jedem Projekt.
Die wichtigsten Figuren
Top 10 - Die Maler, die die Figur neu definiert haben
Von Bacon bis Doig behielten diese zehn Künstler die Präsenz des Körpers und der sichtbaren Welt bei oder erfanden sie neu, als Abstraktion, Fotografie und Konzeptkunst das Gemälde zu bewegen schienen.
#1
Francis Bacon
Bacon sperrt seine Figuren in Käfige, flache Bereiche und fast klinische Räume Ihre deformierten Körper geben die menschliche Präsenz nie auf: Sie machen sie verletzlicher, körperlicher und schwerer zu vergessen.
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#2
Lucian Freud
Freud verwandelt die Posing-Sitzung in eine Langzeiterfahrung Seine dichte Paste beschreibt Haut, Müdigkeit und Gewicht von Körpern ohne Schmeicheleien, aber mit so anhaltender Aufmerksamkeit, dass jedes Modell monumentale Würde erlangt.
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#3
David Hockney
Hockney verbindet die grafische Klarheit der Pop-Art mit einer ganz persönlichen Beobachtung von Liebsten, Schwimmbädern und Landschaften, seine Arbeit beweist, dass Figuration Fotografie, Collage, Video und digitales Zeichnen integrieren kann, ohne ihre Sinnlichkeit zu verlieren.
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#4
Gerhard Richter
Richter verwischt Familien, Historien - oder Medienfotografien, um das Vertrauen in Bilder in Frage zu stellenZwischen optischer Präzision und Auslöschung machen seine figürlichen Gemälde die Erinnerung zu einem instabilen Territorium.
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#5
Jenny Saville
Saville vergrößert den Körper, bis er die Leinwand füllt, und lehnt die Kanons der Schönheit ab, die ihn lange Zeit diszipliniert haben. Komprimiertes Fleisch, tiefe Ansichten und fleischliche Malerei verleihen seinen Modellen eine Kraft, die über den Rahmen hinausgeht.
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#6
Marlene Dumas
Dumas malt aus Fotografien, die sie verlangsamt, verwässert und mit Unklarheiten auflädt Gesichter von Kindern, Prominenten, toten oder erwünschten Körpern werden zu flüssigen Präsenzen, wo das Intime auf die Politik des Blicks trifft.
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#7
Alice Neel
Mit herzlicher Offenheit beobachtet Neel seine Nachbarn, Freunde, Aktivisten, Familien und Künstler, seine nervösen Konturen und nackten Räume zeichnen sowohl die soziale Stellung des Models als auch seine Stimmung zum Zeitpunkt der Pose auf.
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#8
Paula Rego
Rego stellt in Bildern mit fast theatralischer Spannung Erzählungen, Erinnerungen, Herrschaft und Widerstand dar, seine Heldinnen sind niemals dekorativ: Sie besetzen Raum, verschwören sich, leiden und wehren sich.
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#9
Georg Baselitz
Baselitz kehrte seine Figuren Ende der 1960 er Jahre um, um zu verhindern, dass das Sujet zu einer einfachen Geschichte wirdDer Körper bleibt erkennbar, doch die Umkehrung erfordert, dass man sich zunächst die Farbe, Berührung und Konstruktion des Gemäldes anschaut.
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#10
Peter Finger
Doig geht von gewöhnlichen Fotografien aus, um von Fremdheit durchzogene mentale Landschaften zu konstruieren Kanus, Häuser und Silhouetten scheinen zwischen Erinnerung, Kino und Träumen zu schweben, in einem langsamen Gemälde mit sehr aufwändigen Oberflächen.
Lesen Sie den Wikipedia-EintragLink zum französischen Wikipedia-ArtikelPorträt, Realismus und die London School
Ränge 11 bis 20 - Lange die Realität beobachten
Das Porträt, der Akt, die Stadt und das fotografische Gedächtnis werden zu Laboren: Ähnlichkeit reicht nicht mehr aus, wir müssen auch Zeit, Materie und die Spannung einer Präsenz wiedergeben.
#11
Balthus
Balthus pflegt eine klassische Komposition im Herzen des 20. Jahrhunderts und etabliert dabei stille und verstörende Situationen. Seine Innenräume, Straßen und jugendlichen Figuren verleihen dem Alltag die rätselhafte Dichte einer festen Szene.
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#12
Alex Katz
Katz vereinfacht Gesichter, Kleidung und Landschaften zu großen, hellen BereichenDiese Wirtschaft, in der Nähe von Plakaten und Kino, fängt die moderne Geselligkeit ein, ohne auf die Präzision eines lang ausgeübten Looks zu verzichten.
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#13
Fernando Botero
Botero erweitert Körper, Objekte und Architektur, um eine sofort erkennbare Welt zu schaffenUnter der scheinbaren Gutmütigkeit der Bände geht er auch mit ernster Ironie an politische Gewalt, religiöse Macht und kolumbianisches Gedächtnis heran.
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#14
Wayne Thiebaud
Thiebaud trägt großzügiges Material auf die Kuchen, Fenster, Menschen und Straßen von San Francisco auf. Seine farbenfrohen Schatten verwandeln die bekanntesten Objekte in leuchtende Konstruktionen, sowohl beliebte als auch streng komponierte.
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#15
Frank Auerbach
Auerbach malte jahrzehntelang die gleichen Designs und Viertel in London. Es kratzt, beginnt von vorne und verdichtet sich, bis ein paar dicke Linien die Energie einer Präsenz und nicht mehr ihre bloße Ähnlichkeit in sich tragen.
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#16
Leon Kossoff
Kossoff arbeitet die Stadt und das lebende Modell in schwerem Material, oft bis zur Erschöpfung aufgenommen Seine Stationen, Schwimmbäder, Kirchen und Porträts lassen London sich wie einen dichten, instabilen und tief gelebten Organismus anfühlen.
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#17
Philip Pearlstein
Pearlstein entfernt seine heroischen Posen und traditionellen Symbole aus dem Akt Die Körper, manchmal durch Rahmen geschnitten und von Objekten umgeben, werden als komplexe Formen in einem konkreten Raum und ohne aufgezwungene Erzählung beobachtet.
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#18
Antonio Lopez Garcia
Lopez Garcia kehrt jahrelang in ein Inneres, einen Baum oder eine Ansicht Madrids zurück, um seinem genauen Licht zu folgen, seine Präzision ist nicht fotografisch: Es misst die Zeit und die kaum wahrnehmbaren Veränderungen in der Realität.
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#19
RB Kitaj
Kitaj versammelt Malerei, Literatur, Politik und jüdisches Gedächtnis in montagennahen Kompositionen, sein Ausdruck "London School" lieferte auch einen kritischen Rahmen für britische figurative Maler der Nachkriegszeit.
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#20
Neo Rauch
Rauch vereint Arbeiter, Architektur, Uniformen und Fragmente der Propaganda in Szenen, deren Logik bewusst unvollständig bleibt Die ostdeutsche Geschichte kehrt wie ein Industrietraum mit gedämpften Farben in sie zurück.
Lesen Sie den Wikipedia-EintragLink zum französischen Wikipedia-ArtikelMontage, Geschichte und Neoexpressionismus
Ränge 21 bis 30 - Fragmentierte Geschichten und aktive Oberflächen
Diese Maler führen Mythen, Geschichte, Kino, Archive und reichlich Gesten wieder ein. Die figurative Malerei akzeptiert mentale Collagen, unregelmäßige Stützen und bewusst unvollständige Geschichten.
#21
Luc Tuymans
Tuymans malt bereits hochkarätige Bilder - Kino, Fernsehen, Archive - in einer blassen Palette und einem schnellen TouchDiese scheinbar kalte Distanz offenbart, wie Geschichte und Gewalt in profane Bilder passen.
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#22
Anselm Kiefer
Kiefer konfrontiert die deutsche Geschichte mit Poesie, Mythologie und Materialien in TransformationStroh, Blei, Asche und Farbe machen die Figur oder Landschaft zu einer Oberfläche der Erinnerung, schwer, aber nie geschlossen.
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#23
Eric Fischl
Fischl stellt Unbehagen in das Herz der Mittelklasse-Schwimmbäder, Schlafzimmer und Gärten Amerikas, Seine Figuren wirken in einem Moment überrascht, den der Zuschauer vielleicht nicht sehen sollte, zwischen Verlangen, Verlegenheit und Bedrohung.
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#24
David Hall
Salle überlagert Bilder aus der Kunst, Werbe - und Fotogeschichte, statt deren Widersprüche aufzulösen, konstruiert er Gemälde, bei denen mehrere Bildregister gleichzeitig um Bedeutung konkurrieren.
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#25
Julian Schnabel
Schnabel malt auf Samt, Planen, zerbrochenen Platten oder gefundenen Stützen, damit die Oberfläche am Motiv teilnimmt, seine Porträts und Figuren verbinden gestische Breite, Populärkultur und eine vermutete Vorliebe für materielle Zerbrechlichkeit.
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#26
Francesco Clemente
Clemente zirkuliert den Körper zwischen Neapel, New York und Indien Selbstporträts, Metamorphosen und aus mehreren Traditionen entlehnte Zeichen bilden eine nomadische Figuration, in der Identität beweglich und widersprüchlich bleibt.
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#27
Seltsames Nerdrum
Nerdrum rühmt sich alter Techniken und einer außerhalb der unmittelbaren Gegenwart angesiedelten Phantasie Seine Reisenden, Schiffbrüchigen und isolierten Körper bewohnen strenge Landschaften, die handwerkliche Langsamkeit mit den Rhythmen zeitgenössischer Kunst kontrastieren.
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#28
Miquel Barcelo
Barcelo verdickt, gräbt oder knackt Farbe so weit, dass Tiere, Märkte, Meeresboden und Landschaften zum Vorschein kommen. Seine Aufenthalte in Mali verstärkten eine Praxis, die auf das Klima, lokale Materialien und die Veränderungen des Lebens achtet.
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#29
Yan Pei-Ming
Yan Pei-Ming konstruiert große Porträts mit reduzierter Palette und einer sehr sichtbaren Note. Mao, Staatsoberhäupter, Fremde und Mitglieder seiner Familie haben den gleichen Maßstab, der sich mit dem öffentlichen Image und dem intimen Gedächtnis auseinandersetzt.
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#30
Liu Xiaodong
Liu malt Arbeiter, Migranten, Freunde und vertriebene Gemeinschaften vor Ort, Sein direkter Realismus verwandelt die Modelle nicht in Symbole: Er zeichnet ihre Gesten, ihre Umwelt und die sozialen Umwälzungen auf, die durch sie hindurchgehen.
Lesen Sie den Wikipedia-EintragLink zum französischen Wikipedia-ArtikelIdentitäten und globale Szenen
Die Ränge 31 bis 40 - Für mehrere Geschichten darstellen
Von Peking bis Lagos und von Bogota bis New York wird die Figur zu einem Ort, an dem kollektives Gedächtnis, Diaspora, Rasse, Geschlecht, Macht und das Recht, in der Kunstgeschichte aufzutreten, verhandelt werden.
#31
Zeng Fanzhi
Zeng bewegt sich von angespannten Krankenhauskörpern zu berühmten maskierten Figuren und dann zu gestischen Landschaften. In jeder Periode offenbart die elegante Oberfläche die Angst, die durch Modernisierung und soziale Rollen entsteht.
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#32
Zhang Xiaogang
Zhang lässt sich von Familienporträts aus der maoistischen Ära inspirieren, um nahezu einheitliche Gesichter zu malen. Ein Fleck, ein Blick oder ein subtiler Unterschied reißen dennoch das kollektive Bild und machen das private Gedächtnis sichtbar.
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#33
Kerry James Marshall
Marshall stellt schwarze Figuren in den Mittelpunkt von Formaten und Genres, die lange Zeit von weißen Erzählungen dominiert wurden. Domestische Szenen, Gärten, Werkstätten und Historiengemälde werden zu Orten einer vollständig konstruierten Präsenz.
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#34
Kehinde Wiley
Wiley verwendet Posen aus der Hofmalerei, um schwarze Modelle darzustellen, die auf der Straße angetroffen oder durch Gießen ausgewählt werden. Dekorative Motive dringen in die Figur ein und verdrängen die visuellen Autoritätscodes.
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#35
Amy Sherald
Sherald malt seine Modelle auf farbigen Hintergründen und verwendet eine Reihe von Grautönen für die Haut. Diese Entscheidung lehnt den chromatischen Realismus ab, um den Blick auf die Pose, die Kleidung und die soziale Konstruktion des Porträts zu konzentrieren.
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#36
Njideka Akunyili Crosby
Akunyili Crosby komponiert Interieurs, in denen Malerei, Zeichnung und fotografische Transfers Lagos und Los Angeles ineinandergreifenIntime Szenen machen eine diasporische Identität aus Schichten, Erinnerungen und gemeinsamen Bezügen sichtbar.
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#37
Lynette Yiadom-Boakye
Yiadom-Boakye erfindet schwarze Figuren ohne direktes Vorbild oder biografische Geschichte, schnell in einer gewählten Palette gemalt, scheinen sie zu einer größeren Geschichte zu gehören, die das Gemälde bewusst offen lässt.
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#38
Toyin Ojih Odutola
Ojih Odutola behandelt die Haut als ein Territorium aus Linien, Streifen und Licht. Seine Porträts und Erzählzyklen stellen sich Familien, Klassen und alternative Welten vor, die unmittelbare Lesarten von Rasse und Macht verändern.
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#39
Gérard Garouste
Garouste liest die Bibel, Cervantes, Dante oder Rabelais noch einmal, ohne ihre Texte gehorsam zu illustrieren Seine verzerrten Figuren und Metamorphosen machen die Malerei zu einem Werkzeug der Interpretation, des Zweifels und der kritischen Rückkehr zu den Gründungsgeschichten.
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#40
Faith Ringgold
Ringgold vereint Malerei, Storytelling und Quilt, um das schwarze amerikanische Erlebnis aus weiblicher Perspektive zu erzählen Seine textilen Bordüren und Texte verleihen dem Bild die Stärke einer übertragenen, umkämpften und neu erfundenen Geschichte.
Lesen Sie den Wikipedia-EintragLink zum französischen Wikipedia-ArtikelDie Figur heute
Ränge 41 bis 50 - Körper, Gemeinschaft und neue Erzählungen
Die letzten Positionen zeigen eine völlig zeitgenössische Figuration: bewusst für antike Bilder, aber frei, Satire, queere Identität, körperliche Autobiografie und politisches Gedächtnis zu integrieren.
#41
Cecily Brown
Brown lässt Körper in einem schnellen, dichten und sinnlichen Gemälde erscheinen und dann verschwinden, dabei wird die Figuration fragmentarisch entdeckt, zwischen Zitaten antiker Meister, abstrakter Energie und Szenen der Begierde.
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#42
Elizabeth Peyton
Peyton malt Künstler, Freunde, Schriftsteller und historische Persönlichkeiten in kleinen, hellen Formaten. Der intime Maßstab und die fließende Note setzen Bewunderung voraus und verleihen den Modellen gleichzeitig eine Zerbrechlichkeit, die weit vom offiziellen Porträt entfernt ist.
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#43
Nicole Eisenmann
Eisenman mischt wissenschaftliche Bezüge, Humor, queere Kultur und Gruppenszenen Seine plumpen oder melancholischen Charaktere beschreiben zeitgenössische Formen des Zusammenseins, ohne die Gemeinschaft zu idealisieren.
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#44
John Currin
Currin übernimmt die Virtuosität und Verzerrungen des Manierismus, um zeitgenössische Figuren zu malen Technische Eleganz macht seinen Bildern bewusst Unbehagen, zwischen Bewunderung, Karikatur und Kritik an den Geschmackskonventionen.
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#45
George Condo
Condo zerlegt das klassische Porträt, indem er mehrere Ausdrücke und Standpunkte auf demselben Gesicht vereint. Seine fiktiven Charaktere wirken vertraut, grotesk und zutiefst menschlich.
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#46
Michael Borremans
Borremans malt mit einer Präzision, die er von den alten Meistern der Charaktere geerbt hat, die sich mit Handlungen befassen, die nicht zu erklären sind. Die nüchterne Einrichtung und die kontrollierte Beleuchtung verwandeln jede Szene in ein mehrdeutiges Ritual.
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#47
Claire Hocker
Tabouret arbeitet nach Fotografien von Gruppen, Kindern, Paaren oder sich selbst Seine sauren Farben und Frontalblicke machen das Porträt zu einem Raum, in dem Zugehörigkeit und Isolation in Spannung bleiben.
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#48
Adrian Ghenie
Ghenie mischt historische Figuren, Archivbilder und Materialunfälle, das Gesicht wird unter Schürfwunden und Tropfen verschwommen, als würde das Gemälde testen, was nach den Katastrophen des 20. Jahrhunderts noch sichtbar ist.
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#49
Maria Lassnig
Lassnig malt nicht das Aussehen des Körpers, sondern die Bereiche, die sie von innen spürt Ihre Selbstporträts in dissonanten Farben geben Druck, Leere, Verletzlichkeit und Alterung direkte Form.
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#50
Miriam Cahn
Cahn malt frontale Körper, leuchtend oder fast durchsichtig, konfrontiert mit Krieg, Begehren und Migration Die scheinbare Einfachheit der Geste verleiht jeder Figur eine dringende, manchmal zarte, oft störende Präsenz.
Lesen Sie den Wikipedia-EintragLink zum französischen Wikipedia-ArtikelQuellen und Erweiterungen
Siehe die Figur in öffentlichen Sammlungen
Museen erlauben einen direkten Vergleich von Werken, deren Formaten und Kontexten Diese Ressourcen vervollständigen die Klassifizierung mit Aushängen, Ausstellungen und Referenzsammlungen.
Lesen Sie auf Alpha Reproduktion
Museumsreferenzen
- Tate Britain - Allzu menschlich
- Museum für Moderne Kunst - Sammlung
- Whitney Museum - Sammlung
- Nationalgalerie - Frank Auerbach
- MCA Chicago - Kerry James Marshall
- Smithsonian - Toyin Ojih Odutola
Zeitgenössische Figuration ist kein Rückschritt
Diese fünfzig Reisen zeigen im Gegenteil ein Gemälde, das in der Lage ist, Fotografie, Kino, das Archiv, politische Kämpfe und globale Zirkulationen zu absorbieren. Die Figur bleibt erkennbar, aber sie ist nie neutral: Sie trägt eine Geschichte des Blicks, der gesellschaftlichen Konventionen und der ihr vorausgehenden Bilder.
Vom bearbeiteten Fleisch Freuds und Savilles bis zu den Geschichten von Rego, Marshall oder Ojih Odutola, vom geduldigen Realismus von Lopez Garcia bis zu den Montagen von Salle und Rauch bietet jeder Künstler eine andere Antwort auf dieselbe Frage: Wie kann man einen Menschen erschaffen Präsenz, die in einer mit Bildern gesättigten Welt immer noch aktiv ist?
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