Wien um 1900
Gustav KlimtGold und Moderne
Unter den kostbaren Mosaiken verbirgt sich eine radikale Malerei des Begehrens, der Macht, des Lebens und des Todes — geboren im Herzen eines Wiens im Jahrhundertwechsel.
Der Kuss, 1908–1909 · Österreichische Galerie Belvedere, Wien
Gustav Klimt stellt zwei Welten in ein und demselben Bild einander gegenüber. Gesicht, Hände und manchmal die Füße bewahren eine fleischliche Präsenz; ringsum verwandeln sich Gewand, Raum und Dekor in Zeichen. Kreise, Spiralen, Rechtecke, Augen, Blüten und Goldblätter verwandeln den Körper in eine Erscheinung.
Diese Spannung erklärt die Kraft seiner Bilder. Klimt ist weder ein bloßer Dekorateur noch ausschließlich der Maler einer Erotik des Fin de Siècle. In den großen offiziellen Dekorationen geschult, beherrscht er die akademische Illusion, bevor er sie hinter sich lässt. Mit der Wiener Secession verteidigt er eine Moderne, in der Malerei, Architektur, Typografie und angewandte Kunst an ein und demselben Umfeld teilhaben können.
Vier Schlüssel zur Erkennung von Klimts Sprache
Die Linie
Eine geschmeidige Kontur isoliert die Silhouette, folgt einer Haarpartie oder schließt ein Profil ab. Die Zeichnung verleiht dem Körper inmitten der dekorativen Fülle eine klare Präsenz.
Das Ornament
Rechtecke, Spiralen, Blumen und Zeichen sind keine willkürlichen Zugaben. Sie rhythmisieren die Flächen und lassen Identitäten, Spannungen oder Rollen anklingen.
Die Frontalität
Reduzierte Tiefe, monumentale Figuren und gesättigte Hintergründe rücken die Malerei nahe an die Mosaik, an die Ikone, an das Plakat und an die Tapisserie.
Der Widerspruch
Schönheit und Unruhe bestehen nebeneinander. Gold kann eine Umarmung veredeln — aber auch den Körper erstarren lassen. Blumen umrahmen oft Themen von Zeit und Vergänglichkeit.
Wien 1900: eine glänzende, instabile und moderne Stadt
Am Ende des 19. Jahrhunderts ist Wien die Hauptstadt eines riesigen Reiches und ein intellektuelles Laboratorium. Die Paläste des Rings stehen Seite an Seite mit industriellen Umwälzungen, nationalen Spannungen, dem Antisemitismus und neuer Forschung in Medizin, Psychologie, Musik und Architektur.
1897 verlässt Klimt das konservative Künstlerhaus gemeinsam mit anderen Künstlern und gründet die Wiener Secession. Er wird ihr erster Präsident. Ihr Ehrgeiz ist nicht, einen einzigen Stil durchzusetzen, sondern Wien der internationalen Gegenwartskunst zu öffnen und bildende Kunst, Architektur und angewandte Kunst einander anzunähern.
Das Gebäude von Joseph Maria Olbrich, seine goldene Kuppel und die ZeitschriftVer Sacrumverleihen diesem Projekt eine visuelle Identität. Klimt findet hier den Raum, seine großen Allegorien zu entwickeln, ohne sich den akademischen Konventionen zu beugen.
Bruch mit den konservativen Preisgerichten und Präsentation der europäischen Avantgarden.
Malerei, Architektur, Möbelkunst, Skulptur, Musik und Grafik in einen Dialog bringen.
Den Widersprüchen der modernen Stadt mit einer neuen Ästhetik begegnen.
Vom offiziellen Dekorateur zum Maler der Secession
Die akademische Meisterschaft
Klimt studiert an der Wiener Kunstgewerbeschule. Zusammen mit seinem Bruder Ernst und Franz Matsch gründet er die Künstler-Compagnie, die sich auf die Ausstattung von Theatern und öffentlichen Bauten spezialisiert. Diese Zeit schenkt ihm eine virtuose Technik und ein intimes Verhältnis zur Architektur.
Der Universitätsskandal
Mit der Ausmalung der Decke der Wiener Universität beauftragt, schuf Klimt für Philosophie, Medizin und Jurisprudenz düstere, sinnliche Visionen, die dem institutionellen Optimismus widersprachen. Die Kontroverse wurde so heftig, dass er seine Honorare zurückgab und die Werke zurücknahm.
Den Bruch organisieren
Klimt beteiligt sich an der Gründung des Vereins und wird dessen erster Präsident. Pallas Athéna und Nuda Veritas verleihen dieser neuen künstlerischen Freiheit ein kämpferisches Antlitz.
Der Beethovenfries
Für eine als Gesamtkunstwerk um Beethoven konzipierte Ausstellung entfaltet Klimt einen monumentalen Zyklus über drei Wände. Die Menschheit sucht dort das Glück, stellt sich feindlichen Kräften und findet ihre Erfüllung durch die Künste. Linie, Monumentalität und Gold kündigen seine berühmteste Schaffensperiode an.
Moderne Ikonen
Nach Reisen nach Italien — vor allem nach Ravenna — treibt Klimt die Begegnung von Figur und kostbarer Oberfläche noch weiter. Judith, Porträt der Adele Bloch-Bauer I und Der Kuss verwandeln Porträt, biblische Erzählung und Paar in beinahe liturgische Visionen.
Nach dem Gold
Die Palette wird leuchtender, die Motive öffnen sich asiatischen Einflüssen und kräftigen Farben. Die Porträts von Friederike Maria Beer und Johanna Staude, die Landschaften und die großen Allegorien führen die Suche bis zu Klimts Tod im Februar 1918 fort.
Die Goldene Periode: wenn die Malerei zur kostbaren Oberfläche wird
Warum Gold?
Klimt war der Sohn eines Goldgraveurs. Doch sein Umgang mit Blattmetall reicht weit über die Familiengeschichte hinaus. Die byzantinischen Mosaike, die er in Ravenna studierte, die Ikone, die mittelalterliche Kunst und die dekorativen Künste boten ihm Modelle, in denen das Licht keinen Körper beschreibt — es geht von der Oberfläche aus.
- Gold entzieht die Szene der gewöhnlichen Zeit.
- Es verwandelt das Gewand in ein Feld von Zeichen.
- Es fängt das wirkliche Licht des Raumes ein.
- Il rapproche peinture, mosaïque et objet précieux.
Une beauté jamais neutre
Dans Le Baiser, les deux corps semblent protégés par un manteau commun, mais ils se tiennent au bord d’un tapis fleuri suspendu dans un espace indéfini. Les motifs rectangulaires du vêtement masculin et les formes circulaires du vêtement féminin ont souvent été lus comme des signes de différence, sans épuiser l’ambiguïté de l’étreinte.
- Der Realismus konzentriert sich auf Gesichter und Hände.
- Das Dekor absorbiert die Körper nahezu vollständig.
- Der Raum wird frontal und ohne Horizont.
- Die Sinnlichkeit verwandelt sich in ein universelles Bild.
Vier Visionen von Frau, Körper und Symbol
Hygieia in der Medizin
Die Göttin blickt dem Betrachter entgegen, Schlange und Schale in den Händen. Die dekorative Würde der Figur steht im scharfen Kontrast zur pessimistischen Sicht auf das menschliche Dasein, die an der Universität Empörung auslöste.
Die Hoffnung I
Die Schwangerschaft wird frontal gezeigt, zwischen Lebensverheißung und bedrohlichen Gestalten. Klimt verweigert jede beruhigende Sentimentalität.
Mutter mit zwei Kindern
Die eng geschlossene Gruppe macht den Schlaf zu einem Zufluchtsort. Die Gesichter tauchen aus einer fast abstrakten Umgebung farbiger Materie auf.
Friederike Maria Beer
Das späte Porträt ersetzt das Gold durch scharfe Farben, orientalische Muster und eine beinahe theatralische Energie. Die Gesellschaftsfigur wird zur modernen Präsenz.
Bei Klimt umgibt das Ornament das Sujet nicht: Es enthüllt, was der Realismus allein nicht auszusprechen vermag.
Sozialer Status, Begehren, Bedrohung, Fruchtbarkeit oder Verschwinden nehmen die Gestalt von Mustern an. Die Verzierung wird zu einer psychologischen und symbolischen Sprache, die nie eine einzige Lesart vorgibt.
Landschaften: Klimts geheimer Garten
Buchenwald I
Die senkrechten Stämme bilden ein Gitter, während der Boden sich mit farbigen Tupfen überzieht. Der Naturraum wird zu einem immersiven Wandteppich.
Stiller Teich
Hoher Horizont, Spiegelungen und quadratisches Format verringern die Tiefe. Das Wasser wird zu einer meditativen Oberfläche, die der Abstraktion nahekommt.
Klimt malte regelmäßig während seiner Sommeraufenthalte, vor allem rund um den Attersee. Häufig verwendete er einen Sucher, um ein nahezu quadratisches Fragment der Landschaft auszuwählen. Ohne menschliche Figuren bewahren diese Werke dennoch seine wesentlichen Prinzipien: Frontalität, Dichte, repetitiver Rhythmus und das Schwanken zwischen Tiefe und Oberfläche.
Porträts, Modelle und Frauen der Wiener Moderne
Klimt wurde zu einem gefragten Porträtisten des Wiener Bürgertums, insbesondere von Frauen aus Sammler-, Industriellen- und Intellektuellenfamilien. Diese Aufträge sicherten ihm finanzielle Unabhängigkeit und eröffneten Experimentierfelder, in denen Kleidung, Mobiliar und Hintergrund ebenso viel aussagen wie das Gesicht.
Daneben schuf er Tausende von Zeichnungen, oft nackter Frauen, in einer Praxis, die sich vom offiziellen Porträt abhob. Ihre erotische Offenheit nährte die Kontroversen seiner Zeit. Sie heute zu betrachten heißt, drei Dinge zusammenzudenken: die grafische Freiheit, die sozialen Asymmetrien zwischen Modell und Künstler sowie die aktive Rolle zahlreicher Auftraggeberinnen und Förderinnen in der Wiener Kultur.
Züge, Hände und Haltung verankern die Präsenz der Person mitten im Dekor.
Motive, Stoffe und Schmuck prägen ein öffentliches Bild ebenso wie sie eine Mode anzeigen.
Möbel, Farbe und Gold verorten das Modell in einer Kultur des Geschmacks und der Sammlung.
Vier verbreitete Vorstellungen über Gustav Klimt
« Klimt malte immer in Gold »
Die Goldene Phase ist eine wesentliche, aber begrenzte Etappe. Seine Anfänge sind akademisch, seine Landschaften erkunden die Farbe, und seine späten Porträts lassen das Gold oft zugunsten sehr lebendiger Muster hinter sich.
Das Dekor ist ein Gedanke
Die Motive ordnen die Komposition, grenzen die Körper voneinander ab oder lassen sie verschmelzen, erzeugen eine Spannung und verändern die Raumwahrnehmung. Sie sind niemals bloße Füllung.
„Le Baiser ist ein eindeutiges Bild.“
Die Umarmung wirkt beschützend, doch die kniende Haltung, der Rand der blumenübersäten Wiese und das Verschmelzen der Gewänder halten eine Spannung aufrecht. Seine Berühmtheit schließt den Sinn des Werkes nicht ab.
Klimt gehört zu einem Netzwerk
Die Secession, Josef Hoffmann, Koloman Moser, die Wiener Werkstätte, die Mäzene und die Modelle tragen zu dem Ökosystem bei, in dem seine Kunst Gestalt annimmt.
Einen Klimt für die eigene Einrichtung wählen
Eine Reproduktion von Klimt wirkt wie eine leuchtende Oberfläche. Die goldenen Werke werden ganz natürlich zum Blickfang eines Raumes; die Porträts schaffen eine vertikalere Präsenz; die quadratischen Landschaften verbreiten eine ruhige, einhüllende Atmosphäre.
Häufen Sie keine goldenen Objekte um das Gemälde. Ein bis zwei Anklänge genügen: eine Messinglampe, ein ockerfarbenes Kissen oder ein dunkler Rahmen. Lassen Sie matte Materialien — Leinen, Wolle, Holz, Kalk — den Glanz ausgleichen.
| Stimmung | Werk | Raum | Akkorde |
|---|---|---|---|
| Kostbar und intim | Der Kuss, goldene Porträts | Wohnzimmer, Schlafzimmer | Samt, Nussbaum, Messing, Rohweiß |
| Stark und symbolisch | Judith, Pallas Athene, Hygieia | Eingang, Arbeitszimmer | Schwarz, Bordeaux, patiniertes Metall |
| Ruhig und pflanzlich | Wälder, Gärten, Teiche | Wohnzimmer, Leseecke | Eiche, Leinen, Moosgrün |
| Lebhaft und modern | Spätporträts | Großzügiges Wohnzimmer, Ankleidezimmer | Klare Farben auf neutralem Grund |
Die Kollektionen Klimt, Jugendstil und Symbolisten
Beginnen Sie mit der Gustav-Klimt-Kollektion und verfeinern Sie dann nach Atmosphäre: golden, symbolistisch, blumig, feminin oder verbunden mit der Wiener Moderne.
Jede der folgenden Kollektionen wurde im Alpha-Reproduction-Shop überprüft und vereint Werke, die in mehreren Formaten erhältlich sind.
Häufig gestellte Fragen
FAQ zu Gustav Klimt
Welcher künstlerischen Bewegung gehört Gustav Klimt an?
Klimt ist die zentrale Figur der Wiener Secession und der österreichischen Moderne um 1900. Sein Werk steht im Dialog mit dem Symbolismus, dem Jugendstil und dem Art Nouveau, ohne dabei seine ganz eigene Handschrift zu verlieren.
Warum verwendete Gustav Klimt Gold?
Das Gold rückt seine Gemälde in die Nähe von Mosaik, Ikone und kostbarem Objekt. Klimt kannte die Arbeit mit Metall auch durch seinen Vater, einen Goldgraveur. Seine Reisen nach Ravenna verstärkten sein Interesse an den leuchtenden byzantinischen Oberflächen.
Wann malte Klimt den Kuss?
Der Kuss wurde 1908 gemalt und 1909 vollendet. Das Werk gehört zu Klimts Goldener Periode und wurde zu Lebzeiten des Künstlers vom österreichischen Staat erworben. Heute wird es im Belvedere in Wien aufbewahrt.
Was ist die Wiener Secession?
Die 1897 von Klimt und weiteren Künstlern gegründete Secession wollte mit dem Konservatismus des Künstlerhaus brechen, die moderne internationale Kunst zeigen und Malerei, Architektur, Design sowie angewandte Künste einander annähern.
Malte Klimt auch Landschaften?
Ja. Seine Landschaften, oft quadratisch im Format und während der Sommeraufenthalte gemalt, zeigen Wälder, Gärten, Teiche und Ufer. Ihre reduzierte Tiefe und dekorative Dichte bringen sie bisweilen in die Nähe der Abstraktion.
Welches Klimt-Gemälde für ein Wohnzimmer wählen?
Der Kuss oder ein goldenes Porträt schafft einen leuchtenden Blickfang. Für eine ruhigere Atmosphäre wählen Sie eine quadratische Landschaft. Ein symbolistisches Werk wie Pallas Athene oder Hygieia passt zu einem dunkleren, theatralischeren Ambiente.
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