Les femmes chez Renoir

Contexte historique

Les femmes, fil rouge de l'œuvre de Renoir

Sur les quelque 4500 tableaux attribués à Pierre-Auguste Renoir, la grande majorité mettent en scène des femmes. C'est une constante absolue, de la première toile signée (1862) aux Baigneuses ultimes (1919). Contrairement à Monet qui s'est consacré au paysage et à la série, ou à Sisley qui s'est attaché aux bords de Seine, Renoir a fait de la figure féminine le sujet central et permanent de son œuvre. Cette orientation s'explique à la fois par la formation, la sensibilité et les rencontres du peintre. Formé à la peinture sur porcelaine dès l'âge de douze ans chez les porcelainiers Lévy frères à Paris, l'artiste a appris très jeune la patience du métier et le goût de la couleur appliquée. À l'École des Beaux-Arts et à l'atelier Gleyre, il s'est spécialisé dans la figure, et il a rencontré ses premiers modèles : Lise Tréhot en 1866, qui resterà sa compagne pendant six ans, puis Aline Charigot en 1880, qu'il épouse en 1890, et Gabrielle Renard à partir de 1890, qui pose pour lui pendant près de trente ans. Mais au-delà de ses muses personnelles, Renoir a peint des centaines d'autres femmes : Jeanne Samary l'actrice de la Comédie-Française, Madame Charpentier l'épouse de l'éditeur, Misià Sert la pianiste, Marie Murer l'artiste, Charlotte Berthier la petite cousine, et tant d'autres. Chaque modèle à sa période, son style, sa lumière. Ce qui unit toutes ces femmes dans l'œuvre de Renoir, c'est la vibration de la chair, la douceur de la lumière, la présence du vivant. Comprendre les femmes chez l'artiste, c'est comprendre l'un des plus grands peintres de la figure humaine.

Style artistique

Les muses de jeunesse : Lise Tréhot, première compagne (1866-1872)

La première grande muse de Pierre-Auguste Renoir est Lise Tréhot, rencontrée à l'atelier Gleyre en 1866. Lise pose pour Renoir pendant six ans, jusqu'à leur séparation en 1872. Près de vingt portraits d'elle sont connus, dont Lise cousant (vers 1866-1868), Lise à l'ombrelle (1867), Lise avec un bouquet de fleurs des champs (1867), Lise dans un châle blanc (1867), ou encore Lise et la mère de l'artiste (1866). Ces portraits sont dispersés entre le Museum of Fine Arts de Boston, le Metropolitan Museum of Art de New York, la National Gallery of Art de Washington, et plusieurs collections privées. Le style de cette période est encore teinté de l'académisme de Gleyre, mais déjà marqué par la touche fragmentée qui annonce l'impressionnisme. Les fonds sont sombres, les poses classiques, les étoffes travaillées avec une précision proche de la peinture de genre hollandaise. Mais déjà la lumière est vibrante, les chairs vivantes, le regard de Lise intense et présent. On sent l'apprentissage et la patience, mais aussi la promesse d'un peintre qui cherche sa voie. La séparation en 1872 est douloureuse, mais Pierre-Auguste continue de peindre Lise Tréhot dans des œuvres plus tardives comme la Baigneuse au griffon (1870), où l'on reconnaît le même visage dans un cadre plus libre. L'influence de Lise sur la première période impressionniste est considérable : c'est avec elle que Renoir a appris à peindre la femme avec patience, précision et tendresse, trois qualités qu'il conserverà toute sa vie. Le sujet de Lise Tréhot est l'un des plus touchants de l'impressionnisme, à la fois par sa qualité picturale et par son témoignage d'une relation privilégiée entre l'artiste et son modèle.

Reproduction peinte à la main

Reproduction de Lise dans un Châle Blanc - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de Lise dans un Châle Blanc (1867) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Portrait de la première muse du peintre, conservé au Museum of Fine Arts de Boston.

Reproduction peinte à la main

Reproduction de Lise cousant - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de Lise cousant (vers 1866-1868) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Portrait de la première muse, conservé au Dallas Museum of Art.

Reproduction peinte à la main

Reproduction de Madame Charpentier et ses enfants - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de Madame Charpentier et ses enfants (1878) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Portrait mondain, adjugé 18,4 millions de dollars en 2018, conservé au Metropolitan Museum of Art.

Art & détails

Les muses de la maturité : Aline Charigot, Jeanne Samary, Misià Sert

Avec l'installation à Paris après la guerre de 1870 et le succès du Bal du moulin de la Galette, Renoir accède aux grandes commandes de la haute société parisienne. C'est aussi l'époque où il rencontre Aline Charigot, jeune femme de dix-neuf ans qui pose pour Le Déjeuner des canotiers (1881) et qu'il épouse en 1890. Aline reste la figure centrale de la vie et de l'œuvre tardive de Renoir : elle pose pour une vingtaine de portraits, inspire la plupart des scènes familiales, et donne naissance à leurs trois fils : Pierre (1885), Jean (1894) et Claude dit Coco (1901). Jeanne Samary, actrice de la Comédie-Française, pose à plusieurs reprises pour le maître entre 1877 et 1879. Le Portrait de Mademoiselle Samary (1879, Musée d'Orsay) la montre en robe de soirée rouge, dans une pose classique mais vivante. Le Portrait de Jeanne Samary en pied (1878, Musée d'Orsay) la représente dans un jardin, avec une grâce qui rappelle les portraits mondains mais aussi les scènes modernes. Renoir à aussi peint Mademoiselle Samary lisant (vers 1880, collection privée). Misià Sert, pianiste et muse du Tout-Paris artistique, pose pour Renoir en 1903-1904. Le Portrait de Misià Sert (Jeune femme au griffon) la représente en buste avec un petit chien, dans un style qui mêle la maturité mondaine et la période tardive. Conservé à la Barnes Foundation, c'est l'un des plus beaux portraits féminins de le maître au tournant du siècle. Misia, mariée à Alfred Edwards puis à Josep Marià Sert, a côtoyé les plus grands artistes de son temps : Mallarmé, Debussy, Ravel, Diaghilev, Cocteau. Sa présence dans l'œuvre de Renoir témoigne de son insertion dans le cercle des artistes.

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Les Parisiennes mondaines : Madame Charpentier, Madame de Bonnières, Madame Caillebotte

À partir des années 1875, Renoir accède aux commandes de la haute bourgeoisie parisienne. C'est l'époque des portraits mondains, où il peint les femmes de la grande société dans des intérieurs bourgeois ou des jardins. Les modèles sont les épouses de collectionneurs, d'éditeurs, d'industriels : Madame Georges Charpentier (épouse de l'éditeur du même nom), Madame de Bonnières, Madame Paul Bérard, Madame Alphonse Daudet, Madame Caillebotte, Madame Cernuschi, Madame Charmet, Madame Henriette Henriot, Madame Léon Clapisson.

Le style change radicalement. La touche se libère, les fonds s'ouvrent, les couleurs deviennent plus claires. Madame Georges Charpentier et ses enfants (1878), conservé au Metropolitan Museum of Art, est l'exemple type : pose triangulaire dans un intérieur japonisant, touche fragmentée, palette claire et chaude, juxtaposition de roses, de bleus, de blancs. C'est une œuvre majeure, qui signe l'entrée de Renoir dans les grandes commandes. Madame Henriot, jeune femme dans les champs (vers 1874), est un autre exemple parfait, plus libre, plus en plein air, dans un style qui annonce l'impressionnisme tardif. Ces portraits mondains ont assuré à Renoir une aisance financière qui lui a permis, à partir des années 1880, de peindre plus librement, sans dépendre uniquement des commandes. Le marché secondaire reste dynamique : Madame Charpentier a été adjugée 18,4 millions de dollars en 2018 chez Christie's. Le portrait de femme du monde, à mi-chemin entre l'intime et le public, est l'un des genres les plus demandés du marché l'artiste.

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Les femmes dans les scènes de plein air : *Le Bal*, *Les Canotiers*, *La Première Sortie*

À côté des portraits mondains, Renoir explore la vie moderne parisienne dans une série de scènes qui mettent en scène de nombreuses femmes en plein air. Le Bal du moulin de la Galette (1876, Musée d'Orsay), 131 × 175 cm, est l'œuvre maîtresse : un dimanche après-midi au moulin de la Galette à Montmartre, des couples dansent, des amis boivent, des enfants courent, et au centre du tableau, des jeunes femmes en robe claire et en chapeau de paille. La lumière passe à travers les feuilles des marronniers et découpe l'espacé en taches claires et en zones d'ombre. Renoir y montre sa capacité à rendre la vie sociale sans la figer, à faire respirer la foule sans la noyer. Le Déjeuner des canotiers (1881, Phillips Collection de Washington) montre Aline Charigot, future Madame Pierre-Auguste, à une terrasse de la Maison Fournaise à Chatou. Elle pose au centre du tableau, jouant avec un petit chien, dans une scène lumineuse qui mêle le portrait et la scène de plein air. La Première Sortie (1876-1877, Museum of Fine Arts de Boston) montre une jeune femme en tenue de théâtre, devant un miroir qui réfléchit son visage et sa robe. C'est à la fois un portrait et une scène de la vie moderne. Ces scènes modernes font dialoguer le portrait et la scène de genre, dans une tradition initiée par Manet et Degas mais avec une douceur et une lumière qui restent proprement renoiriennes. Les femmes y sont actives, vivantes, sociables — à mille lieues des poses figées des portraits mondains. C'est la modernité de Renoir : peindre la vie qui se déroule, sans la composer à l'avance.

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Les baigneuses et nus : la figure monumentale (1890-1919)

À partir des années 1890, après son voyage en Italie et son installation à Cagnes, Renoir s'oriente vers la grande figure féminine nue. C'est la période des baigneuses monumentales, qui occupe les vingt dernières années de sa carrière. Les Grandes Baigneuses (1884-1887, Philadelphià Museum of Art), commandées par la famille Caillebotte, marquent le début de cette recherche : trois femmes nues dans un paysage, dans un style qui mêle Raphaël et Renoir. Le tableau choque à l'époque par son aspect monumental et charnel, mais c'est aujourd'hui l'une des œuvres majeures de l'art du XIXᵉ siècle. Les Baigneuses (1918-1919, Musée d'Orsay) sont la dernière œuvre peinte par le maître, presque aveugle et perclus de rhumatismes. C'est l'aboutissement de toute sa recherche : des figures monumentales, presque mythologiques, dans une palette rose corail et nacrée, avec un empâtement épais qui donne à la chair une présence physique nouvelle. Le tableau est une synthèse de l'impressionnisme et de la tradition, de la couleur et du modelé, du détail et de la masse. Entre ces deux œuvres majeures, Renoir a peint des dizaines de baigneuses, d'odalisques, de nus assis, de Vénus, de maternités. Gabrielle Renard, sa dernière muse, a posé pour la plupart de ces nus monumentaux. C'est la période la plus personnelle, la plus radicale, qui annonce la figuration du XXᵉ siècle. Matisse, Picasso, Maillol, tous ont reconnu la dette qu'ils avaient à ces figures monumentales. Les baigneuses de Renoir sont conservées au Musée d'Orsay, au Philadelphià Museum of Art, au Metropolitan Museum of Art, à la Tate Gallery, et dans plusieurs collections privées.

Décoration intérieure

La lumière et la chair chez Renoir

L'évolution de la touche de Renoir pour la figure féminine suit celle de toute son œuvre, avec une logique interne très forte. De la période de jeunesse (1860-1870) avec Lise Tréhot, la touche est classique, sombre, précise, avec une attention au détail de l'école hollandaise et de la peinture de genre. Les chairs sont lisses, presque photographiques, dans la tradition de la peinture académique. La maturité (1870-1890) libère la touche, éclaircit la palette, fait vibrer la chair sous l'effet de la lumière fragmentée de l'impressionnisme. Les visages deviennent vivants, les étoffes respirent, les chairs se colorent. La période tardive (1890-1919) épaissit la matière, fait disparaître le détail au profit de la masse, et donne aux figures une monumentalité nouvelle. Les chairs deviennent nacrées, empâtées, presque sculpturales. Renoir applique la couleur en couches épaisses, au couteau ou au doigt, pour rendre la présence physique du corps. C'est la palette rose corail et les empâtements nacrés des Baigneuses tardives, qui annoncent la figuration du XXᵉ siècle. Cette évolution ne se fait pas en rupture, mais en continuité. le peintre n'a jamais abandonné la figure féminine, n'a jamais cédé à l'abstraction. Il à toujours cherché la même chose : la présence de la chair, la vibration de la couleur, la lumière qui modèle le visage et le corps. Ce qui change, c'est la technique : la touche fragmentée des années 1870 fait place à la touche nourrie des années 1890, puis à l'empâtement épais des années 1910. La palette s'épaissit elle aussi, passant des blancs et des roses tendres aux roses corail et aux nacres de la période tardive. Les femmes chez Renoir, c'est l'histoire d'un peintre qui a su faire évoluer son style sans jamais perdre son sujet.

Reproduction peinte à la main

Reproduction du Portrait de Jeanne Samary - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction du Portrait de Mademoiselle Samary (1879) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Portrait de l'actrice de la Comédie-Française, conservé au Musée d'Orsay.

Reproduction peinte à la main

Reproduction des Baigneuses - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction des Baigneuses (1918-1919) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile. Œuvre ultime du maître, conservée au Musée d'Orsay, figure féminine monumentale.