Les 100 tableaux connus qui racontent Edgar Degas

Degas est lié aux impressionnistes sans jamais se laisser absorber par l’étiquette. Il participe à leurs expositions, défend leur indépendance et partage leur intérêt pour la vie moderne, mais préfère se dire réaliste ou indépendant. Là où Monet installe son chevalet devant la lumière changeante, Degas revient à l’atelier, au dessin, aux études et aux compositions reprises. L’instant paraît saisi ; en réalité, il a été interrogé avec une patience qui ferait rougir une pendule.

Sa formation est classique. Il copie les maîtres au Louvre, séjourne en Italie de 1856 à 1859 et commence par des portraits et des sujets historiques. La Famille Bellelli conserve cette ambition monumentale : l’espace, le mobilier et les distances entre les personnages racontent autant que les visages. Très tôt, le portrait devient chez lui une affaire de tension, pas une simple distribution de bonnes manières.

Au début des années 1860, les courses hippiques ouvrent la voie aux sujets modernes. Chevaux arrêtés, jockeys en attente et faux départs intéressent Degas parce que le mouvement y est contenu avant d’éclater. Il ne peint pas seulement la vitesse ; il peint sa préparation, ses déséquilibres et ses secondes d’hésitation. Le chronomètre peut rester dans la poche : la composition s’occupe déjà du rythme.

L’Opéra devient ensuite son grand laboratoire. Degas montre les salles de répétition, la barre, les musiciens, les maîtres et les abonnés aussi souvent que la scène elle-même. Les danseuses s’étirent, ajustent leurs chaussons, attendent leur tour ou reprennent un geste. Cette attention au travail distingue ses images des visions purement féeriques du ballet : le tutu brille, certes, mais il a dû répéter.

Les cafés, modistes, blanchisseuses et repasseuses prolongent cette observation de Paris. L’Absinthe place deux figures côte à côte sans les rapprocher ; Le Bureau de coton transforme une activité commerciale en portrait collectif ; les travailleuses donnent un poids physique aux gestes répétés. Degas regarde la modernité là où elle fatigue, se concentre ou s’ennuie, c’est-à-dire précisément là où elle devient humaine.

Dans les années 1880, les scènes de toilette et les nus déplacent encore le point de vue. Le Tub, présenté en 1886, associe plongée, perspective volontairement faussée et matière du pastel. La figure ne pose pas pour le spectateur : elle se lave, se sèche, se coiffe. Cette autonomie du geste donne aux images leur force et parfois leur étrangeté. La salle de bains devient un terrain d’avant-garde, ce qui n’était pas prévu dans le règlement de la plomberie.

Le pastel permet enfin à Degas de pousser la couleur et la matière. Dans les danseuses tardives, les contours se renforcent, les bleus, oranges et verts vibrent, et les corps se resserrent en groupes presque abstraits. La vue de l’artiste faiblit, mais son langage ne s’éteint pas : il simplifie, accentue et recommence. La précision change de forme sans renoncer à sa discipline.

Ce Top 100 suit cette trajectoire : portraits ambitieux, courses, vie parisienne, Opéra, travail, toilette et reprises tardives. Les chefs-d’œuvre ouvrent le parcours, puis les œuvres moins connues montrent la continuité d’une recherche fondée sur le dessin, le mouvement et le cadrage. Degas n’a pas peint cent fois la même danseuse ; il a posé cent questions différentes au même geste.